戏曲的学位论文

戏曲的地域性与语言艺术探析论文

“地方化”不仅仅是戏曲艺术自我发展、自我完善、不断扩张的一种重要方式,更是“当代戏曲的一大特色”,在“戏曲”这个大的艺术门类之中,各个地方剧种都有属于自己的特殊规定。正是在这个意义上,“地域性”成为中国戏曲“传统”的重要特点之一。

此外,地方戏曲作为由一定区域内的民众共同创造、共同欣赏的区域性剧种,它体现了一个地区民众的总体审美趣味,是该区域内所有民众共享的非物质文化遗产。我们不能高高在上地站在“保护文化艺术多样性”的立场,空泛地给戏曲传统的地域性特点下定义,也不能不切实际地考虑到不同地域的民众对本地戏曲的审美和民俗需求。对一定区域内的演员和观众来说,地方戏曲是他们生活的一部分,是他们休闲娱乐、情感交流及宗教祭祀的必需品。以陕西省宝鸡地区民间秦腔演出活动为例①,庙会请戏不仅带有原始的“娱神”意味,更是村民们联络乡情、丰富农闲生活的需要;同时,在演出中还能够通过吉庆剧目,来表达一种质朴而单纯的、对幸福生活的期望。葬礼请戏,往往是因为逝去的老人多为秦腔戏迷,子女们希望通过这种形式表达自己的孝心;同时,这也是为了犒劳为举办葬礼而辛苦忙碌的乡亲邻里。至于各种企业开业、周年庆典请戏,一是企业希望借上了妆、带有“神气”的戏曲人物避邪求福,再则也给附近的居民(也即企业的潜在消费者)提供一场免费看戏的机会,企业方面可以借此机会表达“对父老乡亲的感谢”,是一种巧妙的广告策略。又如,笔者曾对兰州市区内主要茶园进行过调查,发现当地的茶园演出和业余自乐班活动,对于相当一部分中老年市民来说,听着熟悉的秦腔唱段喝茶、谈生意、拉家常,正如年轻人进KTV消遣一样,是他们日常娱乐、交际生活的一部分。而自乐班中各个年龄阶段的业余秦腔表演爱好者聚在一起,吹吹打打、弹弹唱唱,更是他们文化娱乐消遣、甚至是精神寄托的主要形式。

同样地,全国各地的戏曲演出均各有其符合地域文化和风俗习惯的“传统”,这些“传统”也只有针对这个区域内的民众才有实际的价值和意义,把东北二人转搬到苏州水巷茶楼上去,把昆曲小调放在陕西尘土飞扬的庙会戏台上,其结果如何是可想而知的。各地方剧种就像不同品种的花卉植物,只有在适合自己的地域文化土壤中才能生根发芽、开花结果。如果硬生生地把他们拔出来,“移植”到另外的土壤里,除了日益干枯僵死,别无出路。

与戏曲的剧种多样性相表里的,是它的民间性,“民间”这个词除了通常意义上含有的,与“官方”、“正统”、“贵族”等带有社会阶级性的词汇相对立的意思之外,更有“地域性”的含义。因为“民间”归根到底是民众的民间,不同地域的民众物质生活、精神世界的多样性,决定了“民间性”具体所指的多样化和地域性差异。以往研究者从社会学研究的角度出发,已经指出戏曲在表达民众的思想情感、[2]审美娱乐需求、[3]民俗生活需要[4-6]等方面呈现出的“民间”特性,但对民间性的思考还不能就此打住,因为所有这些需求还具有地域限制性。如果只强调笼统意义上的“民间”而忽略了“民间”内部的多样性和民众群体的.复杂性,就很容易造成对真正“民间性”和具体民众群体需求的漠视。社会人类学家罗伯特雷德菲尔德曾指出,如果将广大知识阶层、贵族阶层或者说城市统治阶层的“传统”视为“大传统”,而将底层民众的“传统”视为“小传统”,那么,这两种“传统”并不是完全割裂的,而存在着这一种长期的相互影响的关系。“大传统”会对“小传统”形成“下渗”作用,而“小传统”既有积极向“大传统”靠拢的愿望,也会对“大传统”产生重要的影响。[7]29也就是说,“传统”有着自为的生存空间和发展倾向,传统之所以存在,是因为人们热爱并且需要它们;传统的变迁“起源于传统内部,并且是由接受它的人所加以改变的”,这种变迁“并不是由‘外界环境’强迫他们作出的,而是他们自身与传统之关系自然成长的结果”[8]229。如果从理论研究的角度出发,为了保持某种演出形式的“民间性”而否定这种演出形式自身的发展要求,无疑是对遗产传承的自然链条的一种粗暴的人为破坏。戏曲的民间性,是具体、集中地体现在一群活生生的民众之中的,地方戏曲就是为了满足不同地域民众各种层次的需求而形成多种剧种形态的,我们必须尊重这种建立在地域差异基础上的剧种差异性。

以往学者对民间戏曲的研究,多是从文化分析、艺术欣赏、历史研究的层面展开的,但对于地方民众而言,戏曲的意义也许并不在此。比如,对于陕西民众来说,“请戏”、“唱戏”,首先是一种祖辈流传下来的仪式传统,是婚丧嫁娶、庙会祭祀以及各类庆典上必不可少的活动项目。其次,“看戏”则是一种能够带给人以愉悦感的娱乐活动和一种与亲朋好友联络感情的交流机会。此外,广大农民观众们,还相信传统秦腔剧目大部分都是讲述真实的历史故事。笔者田野调查时,剧团演员常常叮嘱我,要记住每出戏讲述的故事发生的年代,因为他们认为“这在历史上都是真事,人家是有记载的”。从《闯宫抱斗》、《太和城》到《八义图》,再到《出汤邑》、《金沙滩》、《二进宫》,几乎每次演出历史戏,演员们都会向我强调这一点。

传统秦腔戏剧目确实是以历史剧居多,而且很大一部分剧目都是基于历史演义而发挥出来的,其中包含了一些历史真实的成分。虽然这些民间传说和曲艺作品中的历史,对很多历史研究者来说都是“戏说”、“歪说”,但在广大民间观众中却具有很大的权威性。传统的秦腔历史戏正是在这种文化背景下,赢得了演员和观众的“尊重”。特别是那些讲述民族英雄和忠臣烈士英勇事迹的历史戏,无论演员还是观众都会对其中的主人公抱有崇敬之情,而对奸臣逆贼则嗤之以鼻。典型的表现是,一出秦腔传统历史戏中,戏分最多的肯定是忠臣义士而不会是奸贼,团里台柱级别的须生演员很少饰演坏人,而演员也往往不愿以自己饰演反面角色的戏作为自己的拿手戏①。从观众的角度来说,他们一般不会为“坏人”的表演而鼓掌叫好,更不会为饰演反面角色的演员“搭红”、放鞭。②[9]72如秦腔传统剧目《八义图》(即《赵氏孤儿》———笔者注)演出时,饰演为救孤儿而慷慨赴死的卜凤、公孙杵臼、程婴等正义人物的演员都会被“搭红”、放鞭,而屠岸贾的饰演者,即使被有些观众称赞“演得好”,也不会得到这样的待遇。也就是说,戏曲的“教化功能”其实不仅仅是上层统治阶级从意识形态角度出发对戏曲提出的“非分要求”,也不仅仅是文人创作者从主观态度出发的“一厢情愿”,同时还是广大观众心中已然形成的一种观赏需求。戏曲在民间传播,确实起到了知识传播和道德培养的积极作用。戏曲剧目的“历史讲述”和“道德教化”特点,对地方民众思维方式、价值判断的培养和塑造发挥着重要的作用,因此,这也是戏曲地域性特点的一个重要方面。

总而言之,戏曲“传统”的地域性特征,不仅体现在不同剧种形态各异的表演方式和艺术风格上,更体现在各剧种与他们所属地区民众的现实生活和精神世界的密切关联之中。我们不应该只站在“保护人类文化多样性”、“保持戏曲艺术多样性”的艺术家和理论家的立场上,对如何保护、如何发展指指点点,而应该认识到,这种“多样性”的形成和发展首先取决于民众多样化的审美娱乐需求。应该首先弄清楚观众需要什么,并尊重他们的需要,给他们传承或者改变自己的“传统”的自由。

所谓“口头性”,是借鉴了英文单词Oral/Orality的译法,包括口头创作和口头传承两层含义,在OralandIntangibleHeritage(口头非物质文化遗产)和OralPoetry(口头诗歌)这两个相关的重要概念中,“口头”(Oral)均同时包含这两层含义。有学者指出,应将其译为“口传”更为合适,[10]36诚然,“口传”固然强调了传承方式的非文字性和动态性特点,却忽略了艺术创作过程中的即兴发挥和口头创造性。因此,笔者以为,反倒是“口头”这个似乎比较含混的词语更有概括力。虽然借用了英文词汇,但并不是说中文语境中就没有这一概念;恰恰相反,我国文化传统中,强调“口头”材料价值的历史要更为久远:如汉语中“文献”一词中的“献”字,朱熹曰:“文,典籍也;献,贤也。”即,“文”原是指书面的文字记载,“献”则指博闻的贤人的口头传闻。[11]12可见,文化传统的“口头性”特点,是人类文明的共有特征。

曾有学者将戏曲归结为“语言的艺术”,并从“文学性”的角度对戏曲的“现代化”提出要求。自然,大部分戏曲剧目都有大量可以以文字的形式进行创作和记录的唱词、念白,从这个角度出发,认为“元杂剧”、“宋元南戏”、“明清传奇”和“地方戏”都是一种“戏曲文体的概念”[12]4,似乎也未尝不可。接着,如果从文学角度出发对戏曲的唱词和念白进行分析,认为其具有“诗的韵律、节奏”,从而将元杂剧、宋元南戏都纳入“抒情诗”[13]8的范畴,这个逻辑也大体不谬。这也是很多学者斥责清末以来以京剧为代表的地方戏,“使戏剧文学性和思想内容大大‘贫困化’”的基本依据和出发点。[14]5但笔者以为,即使考虑到戏曲拥有大量韵律化和节奏化的唱词和念白,故而承认“戏曲文学”的存在、承认“戏曲”的抒情诗本质、承认戏曲是在表达某种思想和情感,也必须认识到,这是一种“口头文学(Oralpoetry)”,它遵循着“口头诗学(OralPoetics)”的形成和发展规律。“口头诗学”理论源自西方文学理论界对荷马史诗的形成及其传播形态的讨论,20世纪30年代,帕里和洛德在对南斯拉夫地区口头史诗的调查研究基础上,提出了被后世命名为“帕里洛德”理论的观点。自此以后,有关口头诗学理论的方法,“已经影响了散布于五大洲的、超过了150种彼此独立的传统的研究”[15]5,这一理论在大量人类学调查材料的基础上,强调被传统的研究方法所忽略了的史诗文学的口头创作和口头传播特性。“口头诗学”理论,对我们认识中国曲艺和中国戏曲有很大的启发意义。

戏曲的成熟和完善得益于唱讲文学提供的足够多的、情节足够丰富的故事本事,当前许多盛行的剧目,无论是元杂剧、宋元南戏还是明清传奇、地方戏曲剧本,都和唱讲文学有很大的关联,甚至有学者提出,许多地方剧种完全就是在地方说唱艺术的基础上形成的。当然,有关唱讲文学对戏曲艺术所产生影响究竟有多大的问题,相关的研究仍需进一步深入;但可以肯定的是,戏曲从唱讲艺术中吸收了很多珍贵的养料,其中就包括“口头性”特征。由于唱讲文学本身就是一种口头创作、口头传承的艺术样式,“一般来说,说唱的文本就是这样从无数艺人的口中产生的‘口头创作’的阶段成果”[16]48—49。对民间说唱艺人来说,“与文字相比,戏剧或说唱的词句首先是作为‘声音’存在的”,而且艺人还常常“得到师父口头传授书词”[17]84。即使对于现成的演出本,“艺人们也一般不将其书词全部背诵下来,而仅仅是记住其故事情节和成为‘赞’、‘套’、‘赋’的某种韵文就登场了”[18]87。那些认为戏曲源自唱讲艺术、戏剧剧本来自说唱文本的观点,至今有一个问题无法解释,那就是,为什么从说唱文本到戏曲“剧本”之间的“链条仍有一些缺环”?有学者将完善这些“缺环”的希望寄予“文献发现”[18],其实,这个重要的环节就是戏曲艺人的口头创造。既然唱讲文学本身,允许艺人对底本进行口头的即兴创作,当它转为另一种形式不同却拥有更加突出的“表演”本质的艺术所用时,这种被实践证明极富创造力和实用性的创作方式,自然会被继承下来。从“口头诗学”的角度来思考,也更容易理解中国戏曲幕表制、条纲戏的演出形式何以成为可能。

总而言之,如果考虑到戏曲唱词、念白的“文学形式”,从文学角度理解戏曲的“传统”,这也未尝不可,但必须认识到戏曲剧本不仅仅“为上演而设,非奏之场上不为功”[19]1,而且是可以直接在场上以口头方式创作、并且以师徒之间口耳相传的方式传承下去的。

戏剧是由“文本”和“表演”共同组成的一种“综合艺术”,两者缺一不可,互相依存。上文已经分析指出戏曲“文本”的口头性质,那么接下来,则需再来探讨“表演”的口头性质。事实上,用口头诗学的理论分析戏曲表演的口头性仍有一定的局限,因为舞台表演已经远远超越了口头讲述、口头表演的唱讲艺术范畴,而具有肢体表演艺术的特征。笔者此处只是借鉴口头诗学的理论思维,反对将戏曲艺术文本化、将演出凝固化,认为戏曲的舞台表演具有类似于口头表演的临场创造性和口头传承性特征。笔者在对宝鸡新声剧团及宝鸡秦腔民间演出形态的调查中发现,同样的一个剧目,从来不会以同样的方式进行演出。正如有老艺人明确指出的那样,有些戏“根本没有啥本子”,“不同班子有不同班子的演法”。唱词和念白部分尚且如此,具体的身段表演就更加具有灵活可变性了。新声剧团丑角演员杨宝国的表演就很能体现这一点,作为该团唯一当行的丑角演员,他饰演的刘媒婆、杨三小、花仁义、赵飞等角色,时常令观众捧腹大笑,而同样的这几个角色每一场他都有不同的演法、不同的台词和动作,每一场都会增加自己临时发挥的“活口”。当笔者问他这些活口是如何编排出来时,他笑着回答:“这都是胡说八道呢,没有啥道理。见啥人说啥话么!”但又随即严肃地说道,“虽然不存在编排那一说,可也不能真的胡说,要心里有底,说得干净利落、适可而止。”①

其实,理解戏曲的口头性特点,也只能是作为理解戏曲唱词、念白等语言性表演部分的一个新切口。凝结着更多戏曲“传统”的表演的口头性,则需要从另外的角度切入,那就是师徒之间“口传身授”的技艺传承方式。由于戏曲演出纯粹依靠演员高度技艺化、繁难化[20]的肉声演唱和肢体表演,因此,从根本上来说,戏曲是完全诉诸场上的一种表演艺术。它的许多身段程式不仅无法用文字来记录、表达,甚至也是“口传”都说不清楚的。和其他所有类型的文化传统一样,在世代延传过程中的“那些弦外之音(over-tones),不言而喻的知识(tacitknowledge)成分,以及洞见之类不宜应用原理和规则的东西,是不能以明确的语言进行传授的,而要通过内心联想,通过对动作执行者的典型行为的移情来获得”[8]23。具体至戏曲艺术中,就需要老演员的亲身示范,也就是“心授”,演员们习惯称之为“带着走一遍”。演员“跟着铜器点子”、“跟着师父走一遍”之后,很多困惑便可以得到解决。

同样以宝鸡新声剧团为例,该团大部分年轻演员毕业于各类戏曲学校,三年的在校学习仅能掌握基本的表演技法,进剧团后,要想上台表演还需要由老演员对其作具体的指导,这种指导便都是以口传心授的方式进行的。笔者在调查期间发现,这种技艺传授行为可以随时随地发生,灵活性很强、形式也比较多样,比如年轻演员在台下观看老演员的现场表演,休息时听老演员“说戏”,等等。如今,随着各种视频影像资料的普及,年轻人还可学习其他知名演员的表演。但这样“看”、“听”、“说”仍然不够,还需要“做”,即老演员的动作示范和年轻人自己的舞台实践。总之,老演员的口传心授和年轻人的身体力行,是戏曲表演技艺得以传承的两个根本要素,二者缺一不可。这一点,从新声剧团老团长李扶中对现在大部分演员不认真练功,只想偷懒地看看、听听,“上台后学样样”的现象表现出的强烈不满也可以体现出来。正如他情绪激动地感慨道:“不是说所有东西都是你看就能看会的,这需要功夫,没有功夫,你演的就算是对的、没错,也不好看、不合式,行家一看就看得出来你这个演员的水平”②。

事实上,认为戏曲是“语言艺术”和认为戏曲是由“剧本”和“演出”共同组成的“综合艺术”这两种观点,笔者均不敢苟同。但上文仍然在肯定这两种观点的基础上分析戏曲“传统”的口头特征,只是为了强调认识“口头性”的重要意义。笔者认为,戏曲不仅仅具有口头艺术的特性,更是一种纯粹的表演艺术,无论是其体现为“文学形态”的唱词和念白、还是最终以“表演”为本质的成品———一次具体的演出,作为一种非物质文化遗产,舞台表演艺术就是一种“时间与空间的瞬间结合,它的本质就是intangible”,也就是“无形性”、“转瞬即逝性”①[21-23]。而戏曲之所以具有这种intangible之特性,根本原因就在于它以演员在场上的“在场表演”为主要创作方式,以师徒之间的口传心授为主要传承方式,既不囿于剧本、灯光、舞美等物质工具,也不会停滞于任何一个固定状态,整个创作、传承过程都依赖“人”的创造力,长期处于不断更新、不断变动的发展过程中。

以剧种多样化和民间性为主要表征的地域性,和以口头创作为主要创作方式、以口传心授为最佳传承模式的口头性,是戏曲“传统”最为突出的两个特征。其中,剧种多样化是一个长期的过程,至今仍然在继续。口头创作和传承的灵活性、创造性也体现出强烈的活态特性。因此,戏曲的“传统”绝对不是已经僵死的、固定不变的、“跟不上时代”的“旧传统”,而是内在的蕴含着无限的生命力和创造力,是一种“活”的传统。遗憾的是,这一点却常常为传统戏曲研究所忽略。[24]96因此,笔者以为,回归“传统”,肯定“传统”的活态性和创造性,发掘古老“传统”对当下戏曲传承、发展的重要意义,从“传统”中汲取力量,是解决当前戏曲困境的根本出路。

浅议戏曲打击乐艺术论文

我国戏曲打击乐历史悠久，通过历代艺人和戏曲艺术工作者辛勤努力不断探索的创新和发展，形成了一套完整的戏曲打击乐结构。它随着社会的发展而发展，随着戏曲艺术的进步而渐趋完善。戏曲打击乐又称“武场”，与“文场”(指吹、拉、弹、等各种管弦乐)相对，共同组成“场面”(各种伴奏乐器的总称，也是戏曲乐队的别称)。戏曲打击乐是戏曲乐队的重要组成部分，对整个戏曲艺术，具有极为重要的辅佐作用。

一、戏曲打击乐的功能

戏曲打击乐(武场)与戏曲管弦乐(文场)平分秋色，在整个戏曲乐队(场面)中，占有“半壁江山”。是名副其实的乐队“半边天”。戏曲乐队无指挥，司鼓既是鼓板演奏者，又是戏曲乐队的权威指挥者。1日时称司鼓者为“鼓师”。戏曲是演员、乐，队、舞美高度统一的艺术，司鼓作为演员、乐队、舞美之间的桥梁和纽带，是戏曲的重要表演手段之一，是戏曲演出和乐队的核心。老艺人把演戏划分为“七分场面三分唱”。由此可见打击乐之重要。鼓师又是创作者，根据剧情人物的需要，恰当掌握打击乐的“轻、重、缓、急”合理使用锣鼓点，把整台戏的“唱、念、做、打、舞”有机的统一在剧情要求的节奏之中，做到与演员“同心、同力”，“化演员为角色，化角色为自己，化自己为角色”，并训练出一支养之有素的打击乐队伍，使司鼓“令行禁止，配合默契”，通过打击乐的渲染，使戏曲艺术更上一层楼，并非简单容易之事。因此，没有一位文化素养好、艺术素质高、基本功底子强的打击乐队伍是万不可能的。戏曲打击乐有着掌握全剧演出的节奏、渲染舞台气氛、指挥乐队演奏等多种功能。

二、戏曲打击乐的构成

戏曲打击乐本身，即是一个丰富多彩的艺术世界，它由多种乐器构成，其中主要的乐器有如下几种：鼓、板、花盆鼓、堂鼓、钩锣、手锣、铙钹、水镲、小饶、大铙、碰铃。

三、戏曲打击乐的多功能深层次伴奏

戏曲打击乐的演奏，也是戏曲演员表演过程中不可缺少的一门艺术，甚至可以认为它已经与表演艺术构成有机统一为音画同步、视听一体的整体，它为演员的'表演起到了多功能深层次伴奏的重要作用。

首先是在唱腔中，戏曲打击乐可以起到领起、决定板式、节奏、快慢、强弱、终止等至关重要的艺术作用。在领起作用的打击乐中。领起过门，然后开唱；或在唱腔终止时的打击乐中，用于一般唱念之后，表示告一段落：或为加强唱腔气势、加重唱腔情感、引起观众的注意等。其次是在念白中，也有许多打击乐起到起止、加强、装饰、丰富等艺术作用。

四、戏曲打击乐的“共性”与“个性”

由于各个剧种所处的地域、风情、形成发展不同，所以各个剧种的打击乐也不同。它们之间有“共性”也有“个性”。“共性”是指剧种与剧种之间相互学习借鉴发展而来共同使用的锣鼓点。如：“急急风”、“四击头”、“马腿”、“五锤”等。而“个性”则是各个剧种特有的。因为各个剧种的唱腔不同，所用的曲牌不同，各个剧种吸收借鉴本地民间特色打击乐等因素不同，所以各个剧种都有自己富有特色的打击乐，这些特色的“共性”与“个性”打击乐点，是经过历代艺人长期艺术实践创作积累的宝贵财富，也是广大观众认可的。对于这些传统的戏曲打击乐。我们应吸取精华，去其糟粕，使其发扬光大，为中华民族的戏曲艺术增光添彩

五、戏曲打击乐人才培养不容忽略

打击乐人才的培养已成为戏曲界关注的焦点。近年来，演出市场萎缩，市、县级剧团形势严峻，原有水平较高的打击乐手基本已退休改行，加之对打击乐人才的不重视，艺校多年招生无人报考打击乐，致使不少剧团打起“三大件”凑合演出，直接影响演出质量，打击乐后继乏人!把打击乐人才培养摆上议事日程，文化艺术学校重点纳入招生计划，并选派得力教师，强化打击乐教学，并与专业剧团挂钩，使培养的优秀学生毕业不改行。专业剧团应重视打击乐才人的培养，也可以自己选苗子，以团代教，边学习边实践，自己培养自己用。只要戏曲团体引起重视，还是能够解决打击乐才人问题的。

《浅谈元杂剧三国戏的艺术特征》，《三国演义研究集》（四川省社会科学出版社，1983年12月）《漫谈中国古代对戏剧审美功能的认识》，《福建戏剧》1984年第3期。《也说“衙内”》（与长胜合作），《广西师范大学学报》1985年第1期。《明清时事剧概述》，《江苏戏剧》1985年第2期。《明清之际时事剧的思想艺术特色》，《中州学刊》1985年第2期。《论〈水浒传〉的思想意义》,《水浒争鸣》第4辑。《论元杂剧的戏剧冲突》,《戏曲研究》第15辑。《元杂剧作家身分初探》，《晋阳学刊》1985年第4期。《元杂剧与元代文艺思潮》，《光明日报》1985年7月16日。《福建戏史录补遗二则》，《福建戏剧》1985年第5期。《古典戏曲脚色漫谈》，《福建戏剧》1985年第6期。《天意怜幽草，人间重晚晴——义山诗意蠡测》，《名作欣赏》1986年第1期。《“戏剧之道，出之贵实，而用之贵虚”——古代戏剧家的戏曲虚实论》，《戏曲艺术》1986年第2期。《论元杂剧的时代精神》，《河北师范学院学报》1986年第2期。《“戏剧之道，出之贵实，而用之贵虚”——中国古代戏曲美学散论之一》，《福建戏剧》1986年第3期。《“剧场即一世界，世界只一情人”——中国古代戏曲美学散论之二》，《福建戏剧》1986年第4期。《寄讽实无，雪耻或有——〈琵琶记〉创作意图之疑案》，《古典文学知识》1986年第4期。《关于元杂剧兴盛的社会原因的争议》，《文史知识》1986年第8期。《论元杂剧中的喜剧性类型形象》，《中华戏曲》第2辑。《无奇不传,无传不奇——中国古代戏曲美学散论之三》,《福建戏剧》1987年第1期。《“异物之情也有人道”——〈任氏传〉的任氏形象》，《古典文学知识》1987年第1期。《蒋士铨〈临川梦〉传奇漫议》，《名作欣赏》1987年第3期。《“一夫不笑是吾忧”——李渔〈风筝误〉传奇的喜剧特征》，《名作欣赏》1987年第4期。《画出潇湘水墨图——元杂剧雨景描写赏析》，《陕西电大》1987年第5期。《论晚明清初才子佳人戏曲小说的审美趣味》，《文学遗产》1987年第5期。《论元杂剧作家的基本思想特征》，《北京师范大学学报》1987年第6期。《论汤显祖文化意识的悲剧冲突》（与李真瑜合作），《戏曲研究》1987年12月。《半世清狂，一生情种——谈沈起凤〈才人福〉中张幼于和祝希哲形象》，《古典文学知识》1988年第1期。《“偌大乾坤无处住”——谈尤侗的〈钧天乐〉传奇》,《名作欣赏》1988年第1期。《浅谈元杂剧善恶观的性质》，《语文学刊》1988年第3期。《“才人福分从来少”——沈起凤〈才人福〉传奇的审美趣味》，《名作欣赏》1988年第4期。《古代文学研究的两难心理与多元选择》，《文学遗产》1988年第5期。《论明清文人传奇的理想人格范型》，北京师范大学学报增刊《学术之声》第2辑。《论明清文人传奇的创作方法》，《戏曲研究》第28辑1988年.12月。《四十年古典小说研究道路批评》，《文学遗产》1989年第3期。《古典戏曲理想人格论》，《戏剧文学》1989年第7期。《“借太真外传谱新词，情而已”——明清浪漫思潮与〈长生殿〉的“至情观”》，《文史知识》1989年第7期。《论明清文人传奇的时代主题》，《北京师范大学学报》1989年第5期。《关剧文化意蕴发微》，《戏曲研究》第30辑。《论古代戏曲文学的文体特性》，北京师范大学学报增刊《学术之声》1989年第6辑。《丁耀亢生平及其剧作》（与郝诗仙合作），《齐鲁学刊》1989年第6期。《蒋士铨传奇本事考略》，《文献》1990年第1期。《艺术精神的传承与文化精神的变异——戏曲艺术出路断想》，《戏剧文学》1990年第1期。《蒲松龄文化心态发微》，《文史哲》1990年第2期。《明清文人传奇的历史演进》，《文学遗产》1990年第2期。《“最怜儿女又英雄，才是人中龙凤！”——〈儿女英雄传〉的“人情天理”观新诠》，《民族文学研究》1990年第2期。《论〈水浒传〉作家的创作思想》，《语文学刊》1990年第3期。《“因情成梦，因梦成戏”——明清文人传奇作家文学观念散论》，《中国文学研究》1990年第3期。《是“风教”还是“风情”——明清文人传奇作家的文学观念散论》，《中州学刊》1990年第4期。《抄本〈一合相〉传奇作者考》，《文献》1990年第4期。《论明清文人传奇的忠奸斗争主题模式》，《四川师范大学学报》1990年第4期。《“等为梦境，何处生天”——〈南柯梦〉、〈邯郸梦〉荒诞意识谈》，《文史知识》1990年第12期。《元曲与少数民族文化》（署名张应），《民族文学研究》，1991年第1期。《贾宝玉和宋江——浅谈〈水浒传〉对〈红楼梦〉的影响》，《福建教育学院学报》1991年第2期。《论〈水浒传〉作者的创作思想》，《信阳师范学院学报》1991年第2期。《佳园结构类天成——〈红楼梦〉网状艺术构思的特征》，《红楼梦学刊》1991年第4期。《中西戏剧观念的当代形态》，《戏剧文学》1991年第8期。《中国古书的价值》，《大学生》1991年第9期。《浅谈元杂剧的市民意识》，《北京师范大学学报增刊》1991年。《漫谈明清文学中的才子佳人》，《名作欣赏》1992年第1期。《两宋酬和词述略》，《中国文学研究》1992年第1期。《关于中国古典文学学术史研究的思考》（与傅璇琮、谢思炜合作），《文学评论》1992年第3期。《明代文人结社说略》，《北京师范大学学报》，1992年第4期。《漫谈中西戏剧形象创造的审美规律》，《戏剧文学》1992年第8期。《启功先生的治学之道》，《文献》1993年第1期。《书圣原是大诗人》，《跨世纪》1993年第2期。《典籍的现代阐释和文化传统》，《光明日报》1993年7月7日。《中西戏剧文体的本质特征》，《戏剧文学》1993年第8期。《审美趣味的多元化走向──论明清文人传奇的丑的形象》，《中华戏曲》第14辑（1993年8月）。《中国古典文学研究史的对象、任务和方法》，《中国文学研究》1993年第4期。《沈璟传奇本事考略》，《文献》1993年第4期。《近代古典文学研究方法的更新》，《传统文化与现代化》1994年第4期。《蒲松龄与孩子王》，《人民政协报》1993年10月7日。《（1992年）元明清戏曲小说研究综述》，《中国文学年鉴（1993）》。《艺术与淫秽：差之毫厘，失之千里》，《中国消费者报》1995年1月7日。《禅宗的三重境界》，《中国消费者报》1995年3月18日。《元明文学史观散论》，《北京师范大学学报》1995年第3期。《中国现代话剧的形成及其启示》，《戏剧文学》1995年第7期。《叙事性：古代小说与戏曲的双向渗透》，《文学遗产》1995年第4期。《中西传统戏剧观念辨异》，《戏剧文学》1995年第11期。《桃花扇底系兴亡——〈桃花扇〉的历史意识》，《名作欣赏》1995年第6期。《第一印象·第二视力·第三只眼（评〈宁宗一小说戏剧研究自选集〉》，《文学遗产》1996年第2期。《刺世伤时，显微阐幽——论苏州传奇的文化内涵》，《北京师范大学学报》1996年第3期。《中国古代文人集团论纲》，《中国文化研究》1996年夏之卷。《论明代的文学流派研究》，《求是学刊》1996年第4期。《中国古典小说史的理论思考——读杨义的〈中国古典小说史论〉》，《人民日报》1996年5月16日。《明清传奇的价值》，《文史知识》1996年第8期。《稗官为传奇蓝本——论李渔小说戏曲的叙事技巧》，《文学遗产》1996年第5期。《建构中国叙事学的操作规程——评杨义〈中国古典小说史论〉的方法论》，《文学评论》1996年第5期。《向后倒退的革新——论明末清初的求实文学观念》,《湖北大学学报》1996年第6期。《古籍校勘原则之我见》，《传统文化与现代化》1996年第6期。《论清前期的正统派传奇》，《文学遗产》1997年第1期。《情的探险——从汤显祖到曹雪芹》（与过常宝合作），《红楼梦学刊》1997年第1期。《传奇戏曲的兴起与文化权力的下移》，《中国社会科学》1997年第2期。《中国古典文学研究的理论品格》，《文学评论》1997年第4期。《论明代传奇剧本体制的规范化》，《中国典籍与文化论丛》第4辑。《论元明清小说戏曲中的雷同形象》，《明清小说研究》1997年第4期。《论中国古代典籍文化的现代阐释》，《殷都学刊》1997年第4期。《论明清传奇剧本长篇体制的演变》，《聂石樵教授七十寿辰学术纪念文集》。《论“知人论世”的古典范式》，《中国古典文学学术史研究》，1997年。《我们比王国维多走了多远——二十世纪中国古典戏曲研究随想》，《文艺报》1997年10月23日。《正史以外的补充——简评〈珍本中国古代历史演义小说丛书〉》，《中国图书商报》1997年10月24日。《详备精细，益智启思——评丁锡根〈中国历代小说序跋集〉》，《中华读书报》1998年1月21日。《“温情与敬意”的国史学——谈钱穆的几部著作》（与李山、过常宝合作），《书品》1998年第1期。《如何突破文学史写作的三大传统——〈明清传奇史·后记〉》，《佳木斯大学社会科学学报》1998年第1期。《雅与俗的扭结——明清传奇戏曲语言风格的变迁》，《北京师范大学学报（社会科学版）》1998年第2期。《论先秦儒家的叙事观念》，《文学评论》1998年第2期。《学术研究范式的嬗变轨迹——关于二十世纪中国古代白话小说研究的谈话》（与刘勇强、竺青合作），《文学遗产》1998年第2期。《〈宝剑记〉：忠奸剧的定型──〈明清传奇史〉选载之一》，《佳木斯大学社会科学学报》1998年第2期。《〈浣纱记〉：历史剧的新篇——〈明清传奇史〉选载之二》，《佳木斯大学社会科学学报》1998年第3期。《〈鸣凤记〉：时事剧的发轫──〈明清传奇史〉选载之三》，《佳木斯大学社会科学学报》1998年第4期。《在感性与知性之间——评叶嘉莹的文学研究著作》（与过常宝、李山合作），《书品》1998年第3期。《江湖奇人写真录——清初传记文选注》（与陈洁合作），《中华活页文选》，1998年。《说诗说稗自风流——评陶尔夫、刘敬圻〈说诗诗稗〉》，赵仁珪、郭英德，《文学遗产》1998年第3期。《论“知人论世”古典范式的现代转型》，《中国文化研究》1998年夏之卷。《论明清传奇剧本长篇体制的演变》，《湖北大学学报（哲学社会科学版）》1998年第4期。《丰厚的历史文化遗产——〈宋元明思想史纲〉、〈清代思想史纲〉读后》（与李山合作），《师大周刊》1999年6月25日。《话剧是演给谁看的？》，《戏剧文学》1999年第1期。《文学研究与文学史研究》，《人民政协报》1999年1月20日第4版。《元杂剧：中国古典戏曲艺术的奇葩》，《中国教育报·文化周刊》1999年4月27日；《光明日报》1999年5月10日。《元明的文学传播与文学接受》，《求是学刊》1999年第2期。《困境和出路：古典文学研究的现代化历程》（与过常宝合作），《北京师范大学学报》1999年第2期。《明清小说的文化意蕴》，《高校理论战线》1999年第3期。《悬置名著——明清小说史思辨录》，《文学评论》1999年第2期。《长时间远距离的姿态检讨历史——谈黄仁宇的几部历史著作》（与过常宝、李山合作），《书品》1999年第2期。《文学史著作的读者》，《师大周报·文化增刊》1999年4月23日。《挑战自我超越极限——〈杨义文存〉读后》，《中国社会科学通讯》1999年4月27日。《论戏曲角色的文化内涵》，《戏剧文学》1999年第9期。《经典文献的诗学读法——评介杨义〈楚辞诗学〉》，李山、郭英德，《文学遗产》1999年第5期。《论顾炎武的遗民心态》，《新国学》第一卷，巴蜀书社，1999。The 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QingYanjiu（《明清研究》）1999，Napoli-Roma，1999。《论古典文学研究的“私人化”倾向》，《文学评论》2000年第4期。《黄宗羲明文总集的编纂与流传——兼论清前期编选明代诗文总集的文化意义》，《郑州大学学报（社会科学版）》2000年第4期。《独白与对话──论明清传奇戏曲的抒情方式》，《北京师范大学学报（人文社会科学版）》2000年第5期。《沿袭与创新的互动──袁行霈主编〈中国文学史〉读后》，《中国图书评论》2001年第1期。《至情人性的崇拜——明清文学佳人形象诠释》，《求是学刊》2001年第2期。《雪泥鸿爪——从我的博士论文写作谈起》，《古典文学知识》2001年第4期。《小说史的叙述视角、叙述体例和叙述方法──兼评陈大康〈明代小说史〉》，《文学遗产》2001年第5期。《中国古代文体形态学论略》，《求索》2001年第5期。《文学传统的价值与意义》，《中国文化研究》2002年第1期。《浅谈中国文学史研究者的知识结构》，《求是学刊》2002年第5期。《论宋江形象的人格内蕴》，《昌吉学院学报》2003年第2期。《光风霁月:宋型文学的审美风貌》，《求索》2003年第3期。《〈水浒传〉的三重寓意》，《文史知识》2003年第9期。《清切平淡宛陵诗》，《古典文学知识》2003年第5期。《关于中国古代文学史写作的思考》，《陕西师范大学学报（哲学社会科学版）》2003年第5期。《对中国传统文学观念的重新审视——简评王齐洲〈呼唤民族性——中国文学特质的多维透视〉》，郭英德、李文洁，《学术界》2003年第5期。《自成一家山谷体》，《古典文学知识》2004年第1期。《20世纪明代文学研究方法述评》，郭英德、王丽娟，《人文杂志》2004年第1期。《明清传奇戏曲叙事结构的演化》，《求是学刊》2004年第1期。《论历代〈文选〉类总集的分体归类》，《中国文化研究》2004年第3期。《论中国古代文体分类的生成方式》，《学术研究》2005年第1期《由行为方式向文本方式的变迁——论中国古代文体分类的生成方式》，《陕西师范大学学报（哲学社会科学版）》2005年第1期。《中国古代通俗小说版本研究刍议》，《文学遗产》2005年第2期。《明人自传文论略》，《南京师范大学文学院学报》2005年第1期。《论“文选”类总集文体排序的规则与体例》，《北京师范大学学报（社会科学版）》2005年第3期。《中国古代文体分类学刍议》，《中山大学学报（社会科学版）》2005年第3期。《中国古典戏曲文学文献整理刍议》，《戏曲研究》2005年第1期。《海纳百川,有容乃大——启功先生与中国古典文献学》，《北京师范大学学报（社会科学版）》2005年第5期。《启功先生与中国古典文学》，《古典文学知识》2006年第2期。《中国古代文学史研究中的文学教育研究》，《文学遗产》2006年第2期。《〈词林一枝〉、〈八能奏锦〉编纂年代考》，郭英德、王丽娟，《文艺研究》2006年第8期。《古代中国文学教育的基本特点》，《陕西师范大学学报（哲学社会科学版）》2006年第6期。《〈牡丹亭〉传奇现存明清版本叙录》，《戏曲研究》2006年第3期。《古代文学教育与当代社会文化》，《和谐·创新·发展——首届北京中青年社科理论人才“百人工程”学者论坛文集》，2007年4月。《稀见明代戏曲选本三种叙录》，《清华大学学报（哲学社会科学版）》2007年第3期。《明清女子文学启蒙教育述论》，《北京师范大学学报（社会科学版）》2007年第4期。《论明人传状文的文体特性与文化内涵》，《人文杂志》2007年第5期。《明清文学教育与戏曲文学的生成》，《学术研究》2008年第3期。《传统戏剧表演艺术传承人的特性与功能》，《天津社会科学》2008年第3期。《新视域下的新成果——评〈汤显祖与晚明戏曲的嬗变〉》，郭英德、范红娟，《武汉大学学报（人文科学版）》2008年第3期。《艺术幻境与审美魅力——上昆〈长生殿〉观后》，《艺术评论》2008年第6期。《明清时期女子文学教育的文化生态述论》，《中山大学学报（社会科学版）》2008年第5期。《论傅惜华戏曲目录著作的史学价值》，《戏曲研究》2008年第2期。《真实的“假人”：宋江之“好汉”行径》，《文史知识》2008年第9期。《真实的“假人”：宋江之人生选择》，《文史知识》2008年第10期。《真实的“假人”：宋江之阴暗品性》，《文史知识》2008年第12期。《病梅〈琵琶记〉蔡伯喈形象的文化人格》，《中华戏曲》2008年第2期。《学而不厌:明清成年女子的家庭文学教育》，《社会科学研究》2009年第2期。《北美地区中国古典戏曲研究博士学位论文提要（2003-2008）》，林舒俐、郭英德，《戏曲艺术》2009年第2期。《垂艳流芳:女子文学教育的效果》，《文化学刊》2009年第3期。《北美地区中国古典戏曲研究博士学位论文述评（1998-2008）》，《文艺研究》2009年第9期。《海外汉学的“中国趣味”》，《人民日报》2009年12月8日。《中国古典戏曲研究英文论著目录（1998-2008），林舒俐、郭英德，《戏曲研究》2009年第3期、2010年第1期。《小题目含蕴大境界》，《中国文化报》2010年1月25日。《“中国趣味”与北美地区中国古典戏曲研究》，《戏剧艺术》2010年第1期。《论剧作家李渔的文学教育》，《文学遗产》2010年第3期。《论明代论辨文的时代特征》，《北京师范大学学报（社会科学版）》2010年第3期。

戏曲学术学论文题目

1）昆曲文化价值2）昆曲艺术格调3）昆曲经典剧目赏析4）昆曲传播路径；

之前也是为论文苦恼了半天，网上的范文和能搜到的资料，大都不全面，一般能有个正文就不错了，而且抄袭的东西肯定不行的，关键是没有数据和分析部分，我好不容易搞出来一篇，结果还过不了审。还好后来找到文方网，直接让专业人士帮忙，效率很高，核心的部分帮我搞定了，也给了很多参考文献资料。哎，专业的事还是要找专业的人来做啊，建议有问题参考下文方网吧下面是之前文方网王老师发给我的题目，分享给大家：中国当代小剧场话剧的文学性与剧场性空间表演：全球化时代舞台图形转换和空间剧场化中国话剧演员文化研究(1977年-2014年) 《红楼梦》戏曲、曲艺、话剧研究戏曲舞台现代叙述方式的导演探索与建构维吾尔戏剧研究民营剧社的品牌化运营研究——以民营剧社“开心麻花”为例高等院校音乐剧人才培养（本科）课程设置与实施研究产业融合背景下话剧IP影视化开发研究《桃花扇》接受史研究肢体语言在话剧表演中的运用——以校园戏剧实践为例样板戏的发生与改编研究新编历史剧生产体制研究开心麻花喜剧创作中台词的二度创作应用研究市场化经营下我国剧场的设计思路更新研究中国话剧演员文化研究二十世纪末叶戏曲现代戏研究舞蹈元素在话剧表演中的应用——以《洒满月光的荒原》为例高中语文戏剧教学策略研究政治化与世俗化的合流与悖反—上海剧艺社研究 20世纪90年代以来山西高校话剧社团调查研究林兆华戏剧舞台叙事观念与方法研究古代学人戏曲观的生成与演进舞台艺术中武术表演形式研究中国话剧（2000-2015）舞台多媒体运用研究论现代话剧艺术民族化的生命力中国当代小剧场戏剧论近代中国歌剧文学创作特性历史审视中国当代话剧舞台叙事形式的演变天津民营小剧场话剧运营研究——以美域话剧团为例中国现代话剧：民族表演体系的探索和建构延安戏剧运动研究（1937-1947）兰州市小剧场——大河剧场调查报告从苏区到延安：李伯钊与根据地戏剧发展研究中国话剧的民族特色与诗化精神论林兆华话剧对戏曲假定性的借鉴和发展王延松关于曹禺经典剧作的诗意解读与美学建构《分手大师》从话剧到电影的叙事转换西方话剧对海派京剧的影响市场细分背景下小型舞台演艺产业化运营研究——以我国二线城市小型歌舞剧、话剧等表演艺术为典型声有情，词有味—台词二度创作探析长沙小剧场话剧传播研究 “破”与“立”视域中的五四话剧新论异态时空中的展演与观看—伪满洲国女作家杨絮的生存与写作 “译者登场”——英若诚戏剧翻译系统研究以舞剧《原野》为例谈话剧元素在舞剧中的运用中国当代小剧场校园话剧艺术研究中国儿童戏剧发展史（1919-2010） “开心麻花”话剧改编电影的策略研究黄河流域道情戏研究戏曲表演程式研究异化和归化策略在音乐文献翻译中的初步实践——以《文革文化史》的翻译为例中国剧院管理经营研究——以上海为例用戏曲搭建跨文化沟通的桥梁传统美学与现代美学的融合——田沁鑫话剧艺术探析 1872-1919年近代报刊剧评研究话剧表演与声乐的融合十七年“戏改”过程中的民间与国家——以福建地方戏为考察中心二十世纪前期（1904-1949）戏曲期刊与戏曲理论批评新中国话剧演员文化生态研究（1949-1966）中国戏曲剧本语言研究新中国舞台美术研究伪满洲国戏剧研究双生与互动的美学历程——中国戏剧与电影的关系研究赖声川即兴创作研究试论中国话剧对民族传统戏剧的学习借鉴——兼及戏剧教育汲取戏曲养分的问题论朱琳的话剧表演艺术基于戏改背景的样板戏版本考察与美学分析——以《智取威虎山》为例当代国内电影改编话剧作品的艺术方法及美学特征研究——以“表演工作坊”和“开心麻花”为例韩国学生中文话剧表演教学设计与指导实践英语表演式教学研究——以江西某高中英语教学为例基于话剧表演式教学法的韩国小学汉语口语课教学设计——以《务安五味》的教学为例演员话剧表演创作中的节奏研究高中语文戏剧类文本教学研究传统戏曲的经典化与再生产——以《赵氏孤儿》为中心新时期以来中国话剧观众期待视野问题研究直面戏剧在中国的接受复合性观演空间设计研究从先锋到大众——论中国小剧场话剧的发展论我国经典话剧中的性格化表演——以《雷雨》人物周萍的角色塑造为例投影艺术介入舞台戏剧的应用研究新中国初期民族歌剧表演艺术研究 “十七年”戏剧与电影的互动研究——以戏剧对电影的影响为中心表演艺术的肢体语言再探索当代台湾戏剧在中国大陆的接受研究近年来中国IP话剧电影改编的研究《樊粹庭文集》整理与研究非营利艺术表演团体社会导向研究论“赖声川模式”对内地话剧产业的启示意义浅谈话剧与戏曲在角色塑造上的差异山西戏剧文化创意及其产业发展研究建国后老舍的多重身份“表演”与话剧实践斯坦尼体系与中国话剧演剧话剧舞台表演节奏之总体观近代戏曲改良运动研究中等艺术学校戏剧（话剧）表演专业发展研究——以石家庄市艺术学校为例电子音乐制作技术在话剧舞台表演声音呈现中的若干应用——以话剧《白露为霜》为例戏逍堂商业戏剧运作模式研究现代性理论视角下的新时期话剧发展与艺术特点研究

音乐专业的论文题目有很多，下面学术堂整理了二十个好写的论题，供大家参考：1、多媒体技术在视唱练耳教学中的应用2、高校音乐专业合唱训练与视唱练耳的关联互动3、公民社会塑造过程中的高校职能研究4、冷爵士的艺术风格研究5、论歌唱中“声”与“情”的关系6、论民族声乐艺术传统的继承与发展7、论声乐学习和演唱中心理调适的作用8、论西方音乐剧的发展脉络9、论中国传统音乐中“和”的审美内涵10、论中国近现代声乐演唱发展的多元化11、论中国艺术歌曲的风格及演唱特点12、浅述抗战时期在重庆创作的音乐13、浅谈“微笑”在声乐学习中的重要作用14、浅谈西方民族音乐对我国民族音乐的影响15、如何将视唱练耳与基本乐理教学相互渗透16、如何提高即兴伴奏的能力17、印度宝莱坞电影音乐的特点18、由中国好声音引发的思考19、《试论民歌演唱方法训练与民歌地域风格把握——以陕北民歌为例》20、贝多芬钢琴奏鸣曲《暴风雨》第一乐章中减七和弦的使用技法及其审美

1、美国黑人早期布鲁-鲁斯音乐的兴衰（1890-1929）2、高等学校音乐表演专业学业表现性评价研究3、音乐意义存在方式并及真理自行置入艺术作品的形而上学研宄4、全球化背景下贵州苗族音乐传播研究5、中国社会音乐教育钢琴课程之文化阐释与建构6、音乐心理视角下的肖邦第二钢琴奏鸣曲7、西方指挥艺术风格类型研究8、隋唐宫廷音乐表演研究9、卡拉斯的薇奥列塔10、学分制下艺术设计教学模式研究11、论打击乐与电子音乐的结合12、基于元理论的音乐表演艺术组织战略管理研究13、19-20世纪中叶捷克音乐的社会学研究14、内地音乐资源对澳门当代音乐的影响15、普通高校音乐表演专业课程体系重构研究以上十五个音乐专业方向的毕业论文题目由学术堂提供

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1.专业期刊：复印资料，文学遗产，文学评论，文史知识，古典文学知识，国学研究，文艺理论研究，文艺评论，中国韵文学刊，中国文学研究，文史，文史哲。明清小说研究，红楼梦学刊，名作欣赏。2.社会科学：北京社会科学，甘肃社会科学，广东社会科学，广西社会科学，贵州社会科学，湖北社会科学，江苏社会科学，江西社会科学，内蒙古社会科学，新疆，云南社会科学，社会科学，宁夏，青海，北方论丛，东南学术，东岳论丛，福建论坛，湖湘论坛，晋阳学刊，兰州学刊，岭南学刊，鄱阳湖学刊，齐鲁学刊，社会科学论坛，唐都学刊，天府新论，天中学刊，殷都学刊，阴山学刊，云梦学刊，中州学刊3.大学学报安徽大学学报，安徽师大，安庆师院，北华，北大，北师大，渤海，长安，长春，长春师大，成都，成都师大，重庆大学，重庆师大，重庆第二师院，东北大学，东北师大，东南大学，广西师大，贵州，赣南师院，广东第二师院，福建师大，福州大学，复旦，贵州师大，杭州师大，海南，海南师大，合肥师院，河北，河北联合大学，河北师大，河南，华东师大，华南师大，河南教育，河南师大，衡阳师院，湖北，湖南师大，华中师大，淮阴，惠州，吉师大，吉首，集美，济南，暨南，佳木斯，江汉大学，江汉学术，江南，江苏第二师院，江苏，江苏师大，江西师大，喀什，开封，兰州，辽师大，聊城，鲁东，洛阳师院，牡丹江师院，南昌大学，南开，内蒙，内蒙师大，宁波，宁夏，南大，南师大文学，齐齐哈尔，青海师大，清华，三峡，山东师大，山西师大，陕西师范大学，汕头，商丘，上海大学，上海师大，深圳，沈阳师大，首师大，四川，四川师大，苏州，太原师范学院，天津师大，同济，温州，五邑，武陵，武大，厦门大学，西北大学，西北师大，西华，新疆师大，信阳师院，湘潭，烟台，燕山，扬州，云大，云师大，社科院，中南大学，中南民大，中山，人大，浙大，浙师大，郑州。

两个都是scd。写的是昆曲，可以重点选择戏剧之家、戏剧艺术、戏曲艺术、戏曲艺术等，相关度更高的期刊。

戏剧类期刊||||

研究生发论文的期刊如下：

《智库时代》万方收录，目前安排23年5月出刊（可加急），综合刊，不敏感的稿件皆可收；《传奇故事》万方收录，目前安排22年12月出刊，主收文化文艺、教学、图书档案、就业创业、建筑等方向。

《名汇》万方收录，目前安排23年2月出刊，收教育教学、文化艺术、语言文学、档案图书馆、经济管理等；《新丝路》维普收录，目前安排23年2月出刊，主收社科、管理、经济、科技、教育、图书档案、历史文博、文化艺术、思政党建等。

《办公室业务》知网收录，目前收23年2月出刊，主要收办公、文秘、思政、党建、档案、管理、社科等稿件。

其他还有《西部学刊》《公关世界》《参花》《国际公关》《文化产业》等，都是知网收录的，最快12月可以出刊，图书馆、图情相关稿件也都可以收，具体哪个合适需要看文章主题。

期刊按内容分类：

1、一般期刊，强调知识性与趣味性，读者面广，如我国的《人民画报》、《大众电影》，美国的《时代》、《读者文摘》等。

2、学术期刊，主要刊载学术论文、研究报告、评论等文章，以专业工作者为主要对象。

3、行业期刊，主要报道各行各业的产品、市场行情、经营管理进展与动态，如中国的《摩托车信息》、《家具》、日本的《办公室设备与产品》等。

4、检索期刊，如我国的《全国报刊索引》、《全国新书目》，美国的《化学文摘》等。

本人对期刊略有研究，这俩期刊都听说过，但都不是你说的CSCD。如果文章是昆曲类，推荐戏剧之家或其他艺术类相关刊物。文学教育就是很一般的期刊，主要刊发文学语言类文章，艺术文章不太合适。

戏曲论文文献

谈戏曲旦角表演艺术特点论文

在社会的各个领域，说到论文，大家肯定都不陌生吧，论文写作的过程是人们获得直接经验的过程。怎么写论文才能避免踩雷呢？下面是我精心整理的谈戏曲旦角表演艺术特点论文，仅供参考，希望能够帮助到大家。

【摘要】吕剧是山东地区最具代表性的一个剧种，可以运用戏曲的方式来对地方民情、民风与民俗进行展现，其中旦角等戏曲行当的表演都有其独特的艺术魅力与特色。为了更好地提升旦角的表演效果，有必要提前明确其表演艺术特点。本文以吕剧旦角为研究对象，重点对其表演艺术特点进行了探讨，旨在为相关戏曲人员学习旦角表演知识提供一些理论参考。

【关键词】戏曲；吕剧；旦角；表演艺术特点；

戏曲演员是戏曲这门表演艺术的主体，其演绎能力与表演能力是促进戏曲艺术蓬勃发展的重要基础。为了可以对角色形象进行更好的塑造，就必须要利用恰当的表演技法以进行有效的表达，尤其是要注意对相关角色的性格特征等进行充分的理解与深入的把握，从而保证可以更好地塑造出特定的角色形象。其中旦角是戏曲中的重要行当，也需要系统化地依据“四功”与“五法”的基本表达方式及其本身的艺术特点来展现其艺术魅力。

一、吕剧旦角概述

（一）吕剧概述

吕剧是我国山东地区一种非常具有地域性的戏曲剧种，在20世纪五六十年代发展到了顶峰，期间诞生了《借年》、《小姑贤》、《李二嫂改嫁》等众多经典剧目以及李岱江、郎咸芬等众多吕剧名角。基于自身蓬勃发展的态势与广泛的影响力，吕剧被评为了国家级非物质文化遗产。吕剧作为一种地区性剧种，具有优美朴实、贴近群众与自然流畅等艺术特点，其优美朴实主要体现在唱腔兼有曲牌与板腔体特征，曲调动听、朴实、顺口、灵活，相应的伴奏乐器可以分为武场和文场两种类型，并且还有效地融入了一些西洋管弦乐器，使得伴奏乐器整体展现出朴实、优美的特征。而在演唱的过程中，吕剧主要用真声，针对个别高音的演唱则会相应地利用真假声有机结合的演唱方法，从而使得最终演唱出来的曲调流畅、自然，同时在吐字的过程中保持清晰，使整个唱腔优美、动听。

（二）吕剧旦角特征

吕剧旦角主要可以分成老旦、彩旦、花旦、武旦、青衣、闺门旦几种类型，具体表现特征如下：其一，老旦。主要在戏曲中扮演中老年妇女，表演中展现出老态，在唱、念及做的过程中展现出稳重大方，如《穆桂英挂帅》当中的“佘太君”这一角色。其二，武旦。主要扮演掌握武打技艺的女子，要保证身段灵活、轻捷，如《打焦赞》当中的“杨排风”这一角色。其三，彩旦。主要扮演喜欢搬弄是非、狠毒、可恶狡猾的妇女，其表演动作以及台词多来源于现实生活，如《小姑贤》当中的“刁氏”这一角色。其四，花旦。主要扮演热情、活泼、可爱的青年或少年女性，要保证吐字清晰，唱腔甜润，身段也要娇俏、灵活。其五，青衣，主要扮演成年妇女，一般会非常重视唱功，要求演唱细腻清亮，行腔流畅委婉，如《井台会》当中的“兰瑞莲”这一角色。其六，闺门旦，主要扮演贫苦人家有教养的妙龄少女或者未出阁的大家闺秀，唱腔具有缠绵委婉的特征，并注重形体与水袖功夫的运用。

二、吕剧旦角表演艺术特点

（一）台步艺术特点

在吕剧旦角表演的过程中，台步是一种最基本的表演方式，也就是戏曲界俗称的“走身架”，即演员在表演过程中需要运用脚步进行展现。为了可以有效地将所演绎的.旦角角色表现出来，首先需要走好台步，保证可以将所表演的人物以生动、直观的方式展示出来。旦角表演过程中人物形象的塑造直接体现在旦角台步的表现当中，具体表现方式需要结合角色的年龄特征、性格特征以及周边的环境特征等进行把握，不同的旦角角色需要通过台步的有效应用来将特定的角色形象完美地展现出来。也正是基于这一要求和特点，针对不同的旦角人物，形成了具有差异化的台步。

比如，针对青衣角色而言，由于其主要表现成年妇女，一般会非常重视唱功，所以在台步运用上要更加侧重稳健；闺门旦要采用小步距进行表现，展现出温柔、细腻的台风；武旦则要讲求流畅、迅捷、有力、刚劲的台步。此外，吕剧旦角表演过程中，台步还需要相应地展现出山东地区浓郁的地方色彩，使台步具有更强的表现力。因此，针对吕剧旦角的台步艺术而言，要在旦角人物特征及吕剧作品表演内容的基础上进行综合考虑，采用恰当的台步技巧来生动地塑造出旦角形象，展现其真正的艺术魅力。

（二）身段艺术特点

身段也是吕剧旦角表演过程中非常重要的一种表演艺术，主要表现为表演的动作、技巧以及展示出来的架势等，如不同动作的衔接、前后动作的连贯以及不同种类姿势的展示等等。在演绎角色的过程中，旦角演员要注意把握好台步的移动、眼神的运用以及水袖的抛收等等，力求使旦角表演中的身段与手部动作、台步移动、眼神运用等形成有机、协调的配合。对吕剧旦角演员而言，婀娜多姿的身形与优美的体态对最终呈现出来的表演效果有重要的影响。

因此，在吕剧旦角演员实际表演的过程中，要注意采取恰当的身段表现方法来将山东地区浓郁的地方色彩进行有效的展现，力求可以更好地凸显出山东地区的历史、风俗、文化等。基于此，吕剧旦角表演者平时除了要注意学习身段表演技巧之外，还需要多接受戏曲美学方面的熏陶，保证可以不断地提升自身的气质，同时还要注意有效地对肢体表达进行调节，确保其协调性与优雅性。只有善于运用这些协调、优雅的肢体语言才能够将戏曲旦角的特征有效地表现出来，展现出不同角色的个性特点与情绪特色，保证可以更好地展现出戏曲旦角表演艺术真正的魅力，不断提升旦角表演的整体效果。

（三）念白艺术特点

念白是吕剧旦角表演中所涉及到的白口、道白或说白，或者说就是人们日常生活中说话这一行为的戏剧化表现，是一种基本的戏曲台词表现形式，也是构成戏曲的重要部分，需要旦角在表演过程中加以注意。吕剧旦角的念白艺术需要进行艺术层面的美化与加工，力求可以形成一种艺术化的语言形式。而吕剧本身的念白同样具有地方性特征，也需要旦角表演者借助念白的有效表达来展现出地方特色，如利用念白艺术来对山东地区的文化习俗、语言风格进行展现。

此外，吕剧中念白的难度较大，其难于唱腔的表达，吕剧本身的地方性特征决定了其非常注重念白的有效表达，所以要通过有效的表达方法来提升念白的艺术表达效果，使其为吕剧旦角的表演增加亮点。为了提升整体的表达效果，旦角表演者必须要注意在念白方面多下功夫，多进行刻苦的训练，力求使自身在语气与字音等的表达上做到准确，表现出地方韵味，这样才能整体上提升旦角表演的艺术效果。

（四）演唱艺术特点

演唱是吕剧旦角表演中最为关键的一个环节，会对最终的表演效果产生决定性的影响，所以为了保证吕剧旦角表演的整体效果，就必须要注意对演唱技巧进行准确把握。在演唱过程中，吕剧旦角主要展现出了吟诵性和抒情性相结合的戏曲艺术特色，具体表现就是类似于曲艺当中“夹叙夹唱”的艺术表达方式，以此来突出吕剧本身的戏剧性功能，具体表现如下：

1、在半说半唱的过程中实现词与曲的有机结合。吕剧旦角在演唱曲目的时候常常会采用半说半唱的方式，借助这种说唱的表达方式来对曲目中的唱词内容进行有效的表达。而在说唱当中，吕剧旦角尤为依赖念白。通过采取这种“夹叙夹唱”的说唱表达方式，可以有机融合多种声腔，更容易展现出戏曲艺术本身的真实性特征，如可以唱一句之后再念一句词，又或者念多句词之后再接一句唱。

2、在似说似唱的过程中实现词与曲的有机结合。似说似唱主要指的是要注意音乐旋律和唱词字调，使旦角演员在对曲词进行说唱的时候有效地融入音乐旋律当中，可以给人一种“唱”的感觉。在演唱的过程中，音乐旋律也犹如唱词表达当中的口语字调，可以强化唱词表达，借助这种艺术表现方式更容易展现出山东地区浓郁的地方特色。比如，在《王定保借当》中，旦角的唱段涵盖了垛板、流水以及快二板等唱段，在旦角演唱时，采用半说半唱和似说似唱的表达方式，能使得整体的音乐表现更加多彩、质朴，避免呆板、平淡，从而展现出浓郁的山东地方特色。

3、在又说又唱的过程中实现词与曲的有机结合。吕剧旦角是一种非常独特的角色，许多曲目当中的旦角唱段都是以故事情节当中的矛盾冲突为基础来对唱和说进行安排和布局的，这时候一般会运用口语化的说白来对故事背景以及故事中涉及到的人物的关系进行交代，还要运用吕剧唱腔来对人物的思想情感进行抒发，具体可以采用快二板、流水、垛板、散板等多种唱腔吟诵板式，从而通过交替出现的大段的说和唱来实现词与曲的有机结合，提升整体演唱效果。综上所述，旦角是吕剧表演中一个非常重要的角色，其表演的成效直接关系到最终吕剧表演的效果。在吕剧旦角实际表演的过程中，要重点做好身段、念白、台步和演唱几个方面的艺术表达，确保可以凸显出吕剧表演的本土特色与艺术魅力，不断提升吕剧表演的整体效果。

三、参考文献

[1]阮丹青.戏曲旦角表演艺术特点分析[J].戏剧之家,2018,(22):36.

[2]张丽恒.戏曲中花旦角色表演技巧[J].戏剧之家,2018,(28):41-42.

[3]姚彩虹.浅谈戏曲旦角身段教学[J].艺术大观,2019,(13):142-143.

[4]路倩倩.戏曲旦角的表演艺术探析[J].戏剧之家,2020,(19):135-136.

[5]梁燕.戏曲旦角表演艺术特点[J].文化产业,2020,(12):76-77.

戏曲化妆造型与角色对人物形象塑造论文

无论在学习或是工作中，大家都有写论文的经历，对论文很是熟悉吧，借助论文可以达到探讨问题进行学术研究的目的。你知道论文怎样写才规范吗？下面是我整理的戏曲化妆造型与角色对人物形象塑造论文，欢迎大家分享。

【摘要】人物是戏曲表演的核心内容，鲜明的形象可将人物的心理和生理特征直观地展现在观众眼前，从而与观众产生心灵上的共鸣。戏曲形象可概括为社会、心理和外貌这三部分。三者相互依托、相互配合，将人物所处的社会环境及其生活和教育背景、人际关系、内在气质、爱好特征展现在观众眼前，将观众带入到戏曲情境中去，加深观众的感悟，完成戏曲情感的表达。本文就戏曲人物塑造进行分析，通过戏曲化妆剖析造型与角色，以提高戏曲表演的艺术性、真实性。

【关键词】戏曲化妆；造型与角色；人物形象塑造；关系；

戏曲表演的关键就是人物形象的塑造，而人物形象的塑造与前期的角色化妆及造型有着紧密的联系。随着社会的发展，化妆技术也取得了较大程度的进步，戏曲表演人员在演出开始前，除了要对所表演的人物进行深入揣摩和分析外，还要借助化妆技术，完成形象扮演，从而尽快将观众带入到真实情境中去，在提升表演效果的同时，深化观众对戏曲的感悟和情感体验，提高戏曲表演水平。

一、戏曲化妆的独特性

戏曲化妆与生活化妆有着本质区别，生活化妆是为了美化外在形象，让人看起来更有精神，而戏曲化妆则是为了完成人物形象的塑造，是为了让演员更加真实地模仿所扮演的人物角色，直观地展现人物的外在形象和内心变化。戏曲表演虽然是通过演员唱、念、打等专业技术来展现人物整体形象的，但观众因为认知上的不同、感知上的偏差以及艺术理解上的不同，对演员展现的肢体、表情等会产生不同的解读，对戏曲的理解也会存在较大的差异，而戏曲化妆则能够直观地给人们一种固定的感知，让观众从妆容上对人物有一个直观的初期判断，这对于观众理解人物后期行为起到了较好的引导作用，更便于观众捋顺剧情，实现深层次的感悟。比如戏曲中曹操这一形象，人们一看到曹操白脸的妆容，就可将其与阴险、狡诈联系起来，直观地构建人物形象，并对其后续所有行为展开合理的想象，从而进一步感受戏曲的魅力所在。

二、戏曲化妆的作用

舞台人物造型是舞台艺术造型中不可或缺的重要组成部分。舞台人物造型有其自己独特的艺术系统，且随着舞台变化呈现出不同的表现风格，以达到提升表演艺术性，满足观众精神需求的目的。化妆是舞台人物造型的重要手段，目的是感染观众并引导观众进入表演情境中去，渲染真实的表演氛围。利用戏曲化妆还可将不同演员塑造成与演员自身完全相反的舞台人物形象，从而帮助演员增强自信心，以提升舞台表演效果。如一个斯斯文文的书生形象的演员，要想扮演一个凶猛骁勇的人物，便可借助戏曲化妆技术，重新塑造演员的面部形象，再通过身体上的装饰，达到凶猛骁勇的效果，从而将两个反差较大的人物很好地融合在一起，给人一种颠覆惊讶之感。

另外，戏曲化妆还需要配合演员自身的专业基本功，以免造成僵硬之感，影响表演效果。以演员特点为基础，以化妆造型的方式完成人物塑造，先要考虑演员自身的实际情况，确定其与戏曲人物形象之间的契合度，这样才能通过化妆达到传神的效果，从而更好地进行形象塑造，让演员的各种表情动作成为戏曲人物真实情感的流露。在戏曲表演中，演员扮演的角色多种多样，经常会存在演员本身与扮演人物不相契合的情况，这时就需要结合化妆技术来达到人物塑造的目的，提高表演水平。

三、化妆造型对塑造人物形象的帮助

（一）可以丰富人物的个性

塑造人物形象需要从细节着手，要在细微处见真功夫，塑造戏曲人物形象更是如此。化妆造型要想做好细节的刻画，就需要化妆师吃透剧本，熟悉人物，给人物一个准确的定位，然后结合人物形象和角色定位设计符合要求的妆容造型，从而呈现出观众喜爱的、有丰富表现力的人物形象。例如，要表现一个普通劳动者，如果仅通过唱词语言和表演动作，人们会觉得差点什么，可是如果穿上经过设计的衣服，就会更为人们所接受，在此基础上再用油彩做化妆造型，塑造出一个皮肤粗糙、饱经风霜的劳动者形象，则会大大提高人物形象的表现力。由此可知，服饰和化妆，可以在很大程度上提高人物形象的表现力，可以直接传达出人物的年龄、职业、家庭以及性格等信息，是一种表现人物最为快捷的方式。因此，戏曲表演的前期准备工作中，一项重要的内容就是服饰和化妆，要把对角色的理解、定位融入到造型中。如戏曲中的丑角，为了让观众能够马上看到剧中人物那种滑稽与搞笑的状态，同时也为了让演员能更形象、更真实地表现出来，化妆师会用油彩等化妆品对演员的面部五官进行调整。

（二）可以完善演员形象

演员对角色的理解和把握是一个逐渐深入的过程，起初会存在一定的不足。而要弥补这种不足，则需要演员不断提高自己的表演能力和技巧，吃透角色，再辅以一定的化妆和造型，从而完成对角色的最终定位，通过内外两个方面的共同努力，塑造出符合剧本要求的完美的人物形象。在这个过程中，化妆师要提前介入，分析剧本，把握剧情、人物特点及人物关系，从而理解角色形象对化妆和造型的要求，通过恰当的妆容实现演员和角色的统一，缩小演员与角色的心理距离。化妆师要掌握造型塑造的艺术技巧，如用突出、分明的眉角来表现刚毅坚定的汉子，用平且细的眉毛来表现温柔婉约的女子等。总之，化妆造型就是用艺术的方法放大角色需要的特征，弱化角色不需要的特征，从而完善演员的艺术形象。

（三）可以再现经典形象的艺术魅力

在戏曲漫长的发展过程中，留下了很多经典的艺术形象，这些经典艺术形象无一不是有着非常精致的舞台化妆造型，塑造了令人印象深刻的舞台形象，赋予了角色不朽的生命力。在当下戏曲表演中，重新演绎经典剧目的现象也十分常见。在重新演绎时，面对新的社会历史时期，如何做到既能够传承经典，又能够有时代的新意，稳中求变，再现经典艺术形象的`勃勃生机，就成为化妆师首先要考虑的问题。以越剧《红楼梦》为例，王文娟塑造的林黛玉获得了观众的广泛认可。在这种情况下，观众会很难接受其他人塑造的同一角色。为体现新意，其弟子王志萍对林黛玉的妆容进行了修改，根据自己的实际情况和对角色的把握设计了新的林黛玉的妆容，获得了很大的成功。这就说明，角色的设计、化妆与造型要和时代相一致，要体现时代的审美特点。

四、戏曲中人物形象的塑造要与化妆造型相互融合

化妆造型是外在的，是对人物外形的塑造。而外形要想真正展现应有的效果，则需要与人物内在的精气神相一致，即形和神要完美统一，也就是我们常说的形神兼备，只有形和神表现一致，才有可能达到塑造完美的艺术形象的目的。要实现这一目标，需要化妆师和演员不断地揣摩作品，加深对剧中人物的理解。化妆师要和演员进行充分的交流，交换对人物形象的看法，反复实践、修改，而后实现对剧中人物形象的精准定位。在这个过程中，化妆造型的作用不是简单地复制，而是一种艺术创造，是在加工的基础上塑造出能够反映演员和角色的本质特征、符合戏曲表演要求的舞台形象。化妆师要充分发挥自己的艺术想象，根据自己对剧情和人物的理解，与演员共同创造出符合艺术规律的形象，将艺术形象和化妆造型完美融合在一起。

五、通过化妆塑造典型人物的策略

（一）尊重剧本

通过戏曲化妆塑造艺术形象，是建立在剧本的基础上的，是对剧本中的人物形象的再创造。因此，化妆需要紧密结合剧本的要求，充分表现剧本的风格与主题，要合理运用戏曲化妆的方法塑造符合剧本要求的人物形象，表现人物的心理变化。塑造人物形象要充分体现生活的真实，这也是艺术的原则之一。要结合现实生活，根据生活中人物的特征、状态进行化妆，这样塑造的舞台人物会充满生活气息，可以有效增强人物的艺术感染力，更贴近群众的心理定位。

（二）遵循艺术规律

戏曲化妆是为了塑造出丰富的、具有典型特征的艺术形象，因此就要遵循戏曲艺术的规律。化妆是为了塑造人物形象，但不应只是简单生硬地再现，而应在遵循艺术规律的基础上进行一定的艺术创新。这就要求化妆师在深入研究剧本、剧情的基础上，还要深入生活，学会思考、学会观察，多观察身边的各式人物，把握他们不同的性格特点及面部特征。通过化妆塑造人物形象还应该注意人物生活的场景、环境和其文化背景等，从而让人物形象更加贴近真实生活。

（三）结合舞台灯光

化妆还需要与舞台因素相互配合，其中就包括舞台灯光。看过戏曲表演的人都知道，舞台上通常是各种强光直接照射，所以如果没有考虑灯光的因素则会极大地削弱化妆的效果，导致人物脸色苍白。因此，化妆师要结合舞台灯光的效果进行化妆，在体现人物面部层次感的同时，提升面部的表达效果。化妆师要对戏曲知识有充分的了解，这样有助于更好地进行剧中人物的塑造，并彰显自己的审美追求。

（四）合理运用色彩

通过化妆塑造人物形象其实就是科学地运用色彩。戏曲化妆需要使用干净、简洁的色彩，突出色彩在人物装饰中的作用。在化妆时，要结合所要塑造的人物形象的特点，用相应颜色的颜料在脸部进行装饰，通过人物的外貌特征等，突出人物的形象，让人物更具有典型意义。

六、结语

戏曲化妆是为了更好地塑造人物形象，化妆是手段，目的是表现人物的典型特征，塑造出剧本想要展现的人物形象。化妆是戏曲艺术的一项重要内容，化妆时要充分考虑到戏中人物的性格、年龄、文化层次及社会背景，要通过化妆增强演员的代入感，拉近演员与角色之间的距离，将演员与角色尽可能地融为一体，充分发挥化妆对人物形象塑造的作用，从而更好地展现戏曲的艺术魅力。

七、参考文献

[1]易慎.传统戏曲中的人物造型对当代舞台剧人物形象设计的影响分析[J].明日风尚,2018,(15).

[2]何艳霞.戏曲化妆对人物形象的塑造影响探索[J].明日,2018,(13):29.

[3]赵赫.浅谈群众戏剧表演中化妆造型对角色创造的帮助-以文化馆排演话剧情暖西岸>为例[J].中文信息,2019,000(007):296-297.

戏曲论文答辩

曹禺的《雷雨》是中国现代话剧的杰作。她是一个标志，标志着中国话剧艺术的成熟。《雷雨》广泛吸收了古希腊戏剧的“命运悲剧”、莎士比亚戏剧的“性格悲剧”、易卜生戏剧的“社会悲剧”的合理因素以及受到基督教文化、美国戏剧家奥尼尔等的影响，并将其优点有机融汇在一起，成功地表现了二十年代中国社会资产阶级家庭中各种人物的生活、思想和性格，成为中国现代第一出真正的悲剧。。《雷雨》融合了命运悲剧、性格悲剧、社会悲剧的多种因素。它以两个家庭的悲剧，在剧中人复杂的血缘、亲缘关系中揭露了带有强烈的封建专制性的资产阶级家庭的罪恶，寄同情于被损害被污辱的社会下层者。但曹禺所感觉到的“天地间的‘残忍’”决非仅仅这些，《雷雨》构成曹禺式命题的是对多种悲剧交织中人的挣扎和这种挣扎的绝望性的发现。《雷雨》也是一种性格的悲剧。《〈雷雨〉序》说：“与这样原始或者野蛮的情绪俱来的还有其他的方面，那便是我性情中郁热的氛围。夏天是个烦躁多事的季节，苦热会逼走人的理智。在夏天，炎热高高升起，天空郁结成一块烧红了的铁，人们会时常不由己地，更归回原始的野蛮的路，流着血，不是恨便是爱，不是爱便是恨；一切都走向极端，要如电如雷地轰轰地烧一场，中间不容易有一条折衷的路。”

三种悲剧相互交织，互相体现，《雷雨》广泛吸收了古希腊戏剧的“命运悲剧”、莎士比亚戏剧的“性格悲剧”、易卜生戏剧的“社会悲剧”的合理因素以及受到基督教文化、美国戏剧家奥尼尔等的影响。

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