大学音乐会毕业论文初步设想

丰富多彩的拉丁美洲音乐 拉丁美洲指的是美国以南直到南美洲最南端的广大地区。面积相当于两个欧洲，包括墨西哥，中美洲，加勒比，南美洲四个部分，古代印第安人曾在这里创造了灿烂辉煌的玛雅、阿兹台克、印加三大文化。音乐在当时也得到了较高的发展。玛雅人的器乐与歌唱、舞蹈紧密地结合在一起，他们用敲击乐器较多，如用半个葫芦制成放在水盆中敲击的水鼓和用坚硬的长豆荚相互敲击的乐器，还有能吹出鸟鸣声的管乐器等。阿兹台克人则经常使用木鼓、竹笛、海螺和葫芦制成的摇铃。在印加人的音乐中，以排箫和竖笛著称，据说当时曾有多达百人的竖笛乐队为舞蹈伴奏。在印加贵族子弟的教育中，音乐是很重要的一部分。无半音的五声音阶是印第安人普遍采用的音阶。 经过300多年的殖民统治后，拉丁美洲的音乐文化发生了巨大的变化。由于大量欧洲（尤其是地处伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙）的音乐文化传播到了整个拉丁美洲。同时，来自非洲的黑人奴隶也带来了非洲的音乐艺术。长时期种族间的混血，也形成了各种新的混合民族。拉丁美洲的文化正是欧洲文化、印第安文化和非洲文化经过长期的碰撞、冲突、渗透、吸收后融合而成的一种统一而又多元的文化。它源于这三种文化而又不同于原有的文化，以崭新的面貌出现在世界上。从宏观的角度看，拉丁美洲音乐也是欧洲音乐、印第安音乐、非洲音乐的混合体。但由于混合的类型、层次、成份、程度各不相同，就形成了十分丰富、多种多样的音乐风格。如今，拉丁美洲音乐正以其色彩的丰富。节奏的独特，旋律的美妙，和声的浓郁，吸引着广大的音乐爱好者。它那无比的热情，充沛的活力，神奇的风貌，使世人为之瞩目。正如拉丁美洲伟大的革命家古巴诗人何塞·马蒂所说的：“这是一片用音乐和大自然秀丽景色装点的和谐和富有艺术的国土”。 拉丁美洲的音乐文化大致可分为三种类型：即印第安人音乐；以黑人音乐为中心的非洲--美洲音乐；以土生白人、混血人音乐为代表的拉美民间乐。 印第安人音乐大致可分为两类：一类是处于孤立偏僻地区印第安人的音乐，如亚马逊热带丛林区的印第安人。由于处于较原始的状态，其音乐比较简单；又如厄瓜多尔希法罗人的音乐只采用了三个音。巴西卡马尤拉人的音乐也比较简单，但却拥有世界上最长的管乐器--由两根植物茎（一长米、一长米）捆绑在一起的乐器，他们的音乐与舞蹈是紧密相连的，而且往往是在各种仪式、庆典上才表演。这些，对于研究音乐的起源和发展是很有用的。另一类是发展得较高的印第安人的音乐，如秘鲁、玻利维亚、厄瓜多尔等国的安第斯高原音乐，它是印加传统音乐的继承和发展。他们演奏的排箫、竖笛音乐很有特点，在表现高原印第安人的风情方面十分出色。庄严的太阳神颂歌，忧郁抒情的亚拉维情歌，欢快活泼的瓦衣诺舞曲，都是他们的创造。美妙动人的民间花腔女高音唱法一安第斯高原唱法是世界民间音乐中的瑰宝。印加古都库斯科被称为“美洲考古之乡”，每年6月24日是著名的太阳祭节日，在隆重的庆典上可以见到传统的印地安人音乐歌舞表演。玻利维亚高原的普诺也被誉为"美洲大陆民间歌舞之乡"。 黑人音乐亦称美洲--非洲音乐。这种音乐主要分布于加勒比海和巴西以及秘鲁、哥伦比亚、委内瑞拉的沿海地区。苏里南的原始森林中，逃亡的黑人奴隶和加勒比海的海地保存了较纯的非洲音乐。在巴西的巴伊亚地区和古巴、特立尼达多巴哥等国的黑人音乐，则受葡萄牙、西班牙文化的影响较多。美洲--非洲音乐的特点是节奏在音乐中起主导作用，切分很强烈，常采用多线条节奏，呼应式的歌曲，乐段结构不方整，使用欧洲乐器多，且偏爱敲击乐器。加勒比海流行的钢鼓乐就是黑人的创造。这是一种用汽油桶制作的旋律性敲击乐器。这种来自汽油桶的美妙音乐震惊了世界。巴西的桑巴、伦都和古巴的伦巴，加勒比海的卡立普索、曼波、恰恰恰以及秘鲁的马里涅拉、冬德达等舞曲，都是较典型的美洲--非洲音乐歌舞体裁。 拉美民间音乐指的是：主要受到欧洲音乐强烈影响的土生白人、印欧混血人的音乐。这类音乐直接来源于伊比利亚半岛，但在几百年的漫长岁月中己适应了拉丁美洲的风土人情，产生了变异。它基本保留欧洲音乐体系的基础（包括调式、和声、节拍、乐段结构等），但它那热情洋溢的风格，激荡人心的气氛，已根本不同于伊比利亚半岛的民族音乐了。这种音乐的特点是带有淡淡的怀乡、忧愁的色彩，重唱形式多，唱法放松，音色柔和抒情，采用3/4及6/8节拍多，乐段结构较方整，采用吉他很多。来自西班牙的竖琴在拉美也流行很广，但乐器音色变得嘹亮明快、"竖琴之国"巴拉圭还发展了用竖琴伴奏的独唱、重唱等形式。具有小吉他形状和曼陀林音域的恰朗戈（五弦琴）、蒂波里（三弦琴）、瓜德罗（四弦琴）等弹拔乐器都是欧洲音乐文化与印第安音乐文化巧妙结合的硕果，现已成为拉美音乐中不可缺少的乐器。在墨西哥还发展了一种溶吉他、小号、小提琴、低音吉他为一体的马里阿奇乐队音乐，特色鲜明，很受欢迎。 墨西哥的松，智利的库艾卡，阿根廷的探戈，秘鲁的秘鲁园舞曲等都是典型的拉美民间音乐歌舞体裁。

毕业音乐会作为地方院校毕业时候的一个总结以及回顾，对学生的成长来说,无疑是极佳的形式,学生学了三年的成果也得到了有效的检验。下面是有大学毕业音乐会策划书，欢迎参阅。

一、活动主题：

和你一样去飞翔，和你一样去梦想，和你一样边走边唱，让我们走出校园，迈向世界!

二、活动目的：

光阴流转，又是一届同学到了告别大学生活的时候，大学生活的时间也许不算长久，但在一个青年的学生时代却显得格外珍贵。在这段特殊时光即将结束的时候，我们制作这个特别的盛宴，来共同怀念我们的过去，并为自己的未来壮行。这既是我们纪念的方式，也是我们延续的传统。谨以此献给在大学中度过了快乐和忧伤的即将离开母校的年轻人。

三、活动时间：20XX年6月21日19：30

四、活动地点：xx

五、活动对象：xx全体在校师生

六、主办单位：共青团xx委员会

七、承办单位：共青团xx委员会社团部音乐协会

xx大学大学生艺术团

八、特邀嘉宾：

团委领导、校学生主席、各学院学生会主席、各社团主要负责人

九、活动工作安排：

(一)、活动前期

1、活动前外联部做好外联策划和外联工作

2、宣传部做好舞台背景设计方案

3、负责收集节目

(二)、活动中前期

1、外联部负责到校外拉取赞助

2、办公室收集好各协会负责人的联系方式以及各学院学生会主席的联系方式，确定好邀请的人数

3、确定邀请的主持人

4、节目组负责活动前节目的彩排、筛选

(三)、活动中期

1、后勤部负责购买举办本次活动所需要的物品

2、组织部负责安排好本次晚会嘉宾席的位置

3、办公室确定好所邀请的嘉宾名单后写好邀请函

4、外联部负责礼仪队的出场邀请

(四)、活动中后期

1、6月10日左右召开全体干部会议，由会长给各部门分配具体工作和任务，各部们负责人及其成员准备协助工作

2、宣传部、信息部负责舞台背景的制作和海报制作

3、晚会当天下午协会全体干部到场布置舞台、装饰礼堂、挂横幅，下午6点将宣传板抬到礼堂楼下摆放

4、晚会当天下午乐队音响师试音，主持人和乐队组合试音、彩排

5、7：30音乐会正式开始

(五)、活动后期

1、协会全体干部干事清理现场

2、活动结束后三天内做好活动总结电子文档

3、对活动录像、照片收集整理存档

十、活动分工：

总策划组：xx宣传组：xx外联组：xx后勤组：xx节目组：xx信息组：xx

十一、小组职能：

总策划组：负责与校团委、社联、团社工委和琴行的联系以及场地的申请，并协调与监督各工作组的情况

宣传组：负责横幅、板报、海报的内容设计及制作和舞台的设计

外联组：负责拉外联、请帖的书写以及礼仪的邀请等相关外联工作

后勤组：负责晚会所需各种物品的采购、报账等相关财务工作、并在整个音乐会过程中提供相应后勤服务

节目组：负责节目的收集、筛选、彩排，以高质量的节目献给观众

信息组：负责摄影、拍照、新闻稿

共青团xx委员会社团部音乐协会

xx大学生艺术团

一、活动主题名称

“回顾青春，放飞梦想”

二、活动主题目的

通过举办这次大学生艺术团毕业生音乐会，进一步发挥大学生艺术团在校园文化建设中的重要作用，丰富大学校园生活，增添校园色彩。通过歌声、器乐等艺术形态，展现大学生团结向上,青春健康的靓丽风采,放飞大学生的激情与梦想，呈现给我校毕业生及全体师生一台主题思想明确，形式新颖别致，内容精彩纷呈的毕业生音乐会。同时，展现出当代大学生为梦想而奋斗的青春!

三、活动时间：

四、活动地点

五、活动对象：全体毕业生

六、主办单位:大学生艺术团

七、活动进程:

(一)、前期准备

(二)、活动当天

1、6月11日12：00全体工作人员到达会场进行布置;

2、嘉宾席、幕布的悬挂、音响与乐器的调试、灯光的调试同时进行;

3、所有准备工作在16：30分前确认完毕;

4、各节目在舞台装饰完毕后，可视自身情况自行彩排;

5、18：20各工作人员各就其位;

6、各节目要在18：40准备完毕;

7、19:00嘉宾及观众入场，19：30活动正式开始;

8、负责催场的工作人员，必须提前两个节目，带领需要演出的演员到准备区准备;

9、活动结束后全体工作人员清理会场。

(三)、活动后期

1、做好物品的归还工作。

2、活动的后期宣传和资料整理。

八、经费预算

九、活动流程(具体流程见【附件五】)

十、注意事项

1、各节目及所需道具要从舞台的右边上右边下，且所有道具摆放于舞台右侧;

2、所有工作人员必须佩戴工作牌;

3、节目开始后，工作人员要做好观众的入场引导工作;

4、各节目要做好音乐备份，以备不时之需;

5、现场秩序维护由全体工作人员负责;

6、活动过程中，工作人员负责保管好演员的物品;

7、礼仪要做好嘉宾的入场引导工作;

8、在接拉电源时，要注意不要多个插头同时插于同一电源上，注意分压;

9、节目彩排期间，做好音乐光盘记录和保存工作，并记录所需手麦和胸麦的数量，提前准备麦克，确保其使用正常;10、活动结束后，及时清理会场及物品的归还。

十一、嘉宾邀请

校团委老师、校团委学生委员代表、校学生会代表、校社工委代表、校社团联代表、各学院团委学生会代表等。

毕业音乐会时间:20XX年5月20日晚7点

毕业音乐会地点:长江师范学院音乐厅

毕业音乐会主题:以爱之名

音乐会主办单位:长江师范学院音乐学院

毕业音乐会备用题目:爱要大声唱出来

指导老师:王淑芳

音乐会形式:3人组合形式

策划人:高婷婷

本场毕业音乐会(设计)的意义和特点:

意义:

通过这次音乐会的准备，使我在演唱及歌曲技巧的处理上都有了很大的提高。并且这次音乐会的举办也为我的大学生活画上了一个圆满的句号!为实现自己的梦想舞台，做一名合格的音乐教师打下了很好的基础。并充分展现了自己的风格同时以音乐会的形式检验自己在大学四年学习成绩，使之更加深入地了解自己，找出自身优缺点。

特点：

1、此次音乐会在歌曲的选择上，主要以美声唱法为主，其中包括中国艺术性歌曲和富有反应中国文化底蕴的电影插曲，不同歌曲表达出不同的情感，并体现出了自己的风格!

2、在伴奏上，采用正谱伴奏和即兴伴奏，丰富了音乐会的伴奏形式、增添了舞台气氛!

3、在演唱风格上，主要以体现自己声音效果的歌曲为主。几种不同风格结合使得音乐会别开生面。

主题阐述:爱是一颗心，帮助眼睛发现所有的美丽。同时它又是一种责任，一种付出，一种无私的奉献:它是我们生命舞台上最重要的角色。没有爱我们的生命就不会完整。以爱之名，用爱来缔造世界是完美而坚不可摧的，用爱谱写生命之歌永远是动人的，这个世界上什么都会离我们远去，唯有爱才是永恒不变的。毕业音乐会(设计)实施步骤、进展计划:

第一阶段;20XX年申报音乐会

第二阶段;20XX年6月确定曲目

第三阶段;假期查找曲目背景、信息资源等;

第四阶段;20XX年2月开学进行声乐发声训练和歌曲的演唱处理;

第五阶段;找伴奏老师合伴奏

第六阶段;20XX年5月准备服装

第七阶段;音乐会演出

节目流程安排:

1、彩排及布置场地

2、主持人致开场词并宣布音乐会正式开始

3、由高婷婷，郭超，陈芳玲分别演唱四首声乐作品

4、演唱完各自曲目后接着由主持人宣布音乐会到此结束

5、请相关人员上台合影留念

毕业音乐会设计曲目第一乐章情意绵绵

在琼瑶笔下，爱情是无往而不胜的，可以依靠，可以寄托，可以创造，甚至惊天地泣鬼神。在金庸笔下，爱情则是神仙眷侣，笑傲江湖的豪放。其实，所谓的爱情，就是一种超凡脱俗的、虚无飘渺的精神寄托，是人们离开现实的另一个世界，在那儿的男女们都对对方存有无尽的幻想。爱情像达玛花，爱情像海洋，爱情像美酒，有的人用笔尖来描述爱情，而有的人则用歌声来歌唱爱情。《心上人像达玛花》创作背景

女声独唱《心上人像达玛花》是一首非常成功的艺术歌曲,它的酝酿,产生更是源于生活的产物,歌曲由李刚改词,薛明,杨青作曲,是一首优美抒情的好歌,原词是藏族民歌,改词后更显优美,富有诗意,歌词以布谷鸟的歌声,达玛花的美丽,比喻心上人的歌声和美丽,词义含蓄而有深情。

《蓝色爱情海》创作背景

由樊孝斌作词、印青作曲的歌曲《蓝色爱情海》,是一首诗词与旋律完美结合的经典之作,充分体现了诗的韵律与音乐旋律的和谐统一,具有很强的艺术感染力。通过中西合璧的旋律创作、抑扬相间的节奏变化、丰富准确的衬词衬腔,使艺术歌曲《蓝色爱情海》具有很高的艺术魅力,它的旋律优美流畅,清新典雅、大气舒展,使观众(听众)无不被它所感染,受到强烈的心灵震撼,表现了新时期声乐作品所表达的思想内涵和情感深度。

《断桥遗梦》创作背景

歌曲《断桥遗梦》描写了在美丽的西子湖畔,许仙和白娘子断桥相会的一段凄美爱情故事。歌曲以此为创作素材,歌颂世间真情,是一首以古代题材为主题的现代创作歌曲。这首歌曲旋律优美,戏剧性强,富有张力。

《一杯美酒》创作背景

《一杯美酒》是一首维吾尔族民歌，艾克拜耳词。歌曲体现了青年男女间炙热的恋情，通过富有维吾尔民族心理特征和地狱特色的比兴手法来加以表达，因此歌曲具有一种独特的艺术魅力。歌曲采用固定切分节奏型，节拍规整，节奏鲜明，气氛热烈。旋律生动活泼，热情奔放。

第二乐章母爱颂

意义:母爱，是人类一个亘古不变的主题。艺术歌曲表现母爱，真挚而恳切，很少拿腔捏调、装腔作势，这与声乐艺术表达感情时的先天优越性有关，也与人们对母亲感情的深厚基础有关，在伟大的母爱面前，几乎所有人都会自动脱下伪装，露出情感的真实面目，因为对母爱的依恋几乎是人与生俱来的一种本能。《母爱》

《母爱》是一首意义深远、歌颂母爱的优秀声乐歌曲。这首歌曲曲调优美、音域宽广、节奏深沉、旋律起伏荡漾，这首歌曲的演唱难度很大，旋律的跳动比较明显，充分的表现了孩子对孩子母亲无限的赞美和感激之情。此曲虽然以抒情为主，但是整体磅礴大气。《母爱》为单三部的曲式结构。

《母亲教我的歌》

《母亲教我的歌》融入淡淡哀愁的旋律，将德沃夏克那种斯拉夫人的伤感情怀毫无保留的倾泻出来。任凭你铁石心肠也会为之动容，此曲调朴实无华、亲切动人，在简练的音乐语言充满了怀念的愁思，感人肺腑，表现出母亲心灵的颤动。《最美的女人是妈妈》

“最美的女人是妈妈，妈妈的乳汁似蜜，妈妈的笑靥如花，每一声呼唤都是诗，每一缕皱纹都是画，”此歌词平实动人，曲调婉转优美，表达了孩子对母亲无尽的爱，凸显了母爱的伟大。

《儿行千里》

《儿行千里》是由车行座次，戚建波谱曲的一首歌唱母亲的深情作品。曲调中1234567俱全，而且有些7音还处在强拍或强位上初看似乎更像是西洋的自然小调式，但是旋律中羽、角之间的空五度进行非常多，而且其中5、6、1、3四音列对作品的支撑作用显然要强于作为小调式主三和弦的6、1、3三音，从音响听觉上，乐曲有着一种羽调式的激情和苍劲。

第三乐章:祖国之恋

意义:德国诗人海涅曾说过:“谁不属于自己的祖国，他就不属于人类”。可以说祖国永远是一个人的根，只有祖国繁荣昌盛，我们才能过上美满幸福的生活。所以我们要热爱我们的祖国，因为爱国永远是一个民族、一个国家存在的支柱，也是做人最起码的标准。

歌曲《我爱你中国》是电影《海外赤子》的一首插曲，创作于20XX年，作词为瞿琮，作曲为郑秋枫。尽管歌词质朴无华，却有动人心魄的激情。并把海外游子眷念祖国的无限深情抒发得淋漓尽致。每当唱起这首歌，都能让人体验到一派喷涌而出的激情，让每一个炎黄子孙心中都荡漾着对祖国的崇高之爱

《亲吻祖国》是由著名作词家、国家一级编剧雷子明所创作的一首反映主旋律题材的歌曲。歌曲创作于香港回归时，真正流传开来已是澳门回归之后。为了歌曲更具生命力，歌词有意规避回归等词，不受时间、地点的局限，站在海外华人的角度，抒发了游子对祖国久别归来的思念之情。歌曲旋律高潮迭起，扣人心弦，表现了浓烈的爱国情怀。

《我和我的祖国》是由张藜、秦咏诚创作的歌曲，这首歌是一首深受人们喜爱的经典之作。它采用了抒情和激情相结合的笔调，将优美动人的旋律与朴实真挚的歌词巧妙结合起来，表达了人们对伟大祖国的衷心依恋和真诚歌颂。

《祖国，慈祥的母亲》创作于20XX年，是:陆在易与诗人张鸿喜合作创作的反映“”后人们对新生祖国热爱的心曲。这首歌曲风格朴实自然，品味高雅，既有深情倾诉的抒情特质，又有清新真挚的旋律语言，表达了亿万中华儿女对祖国母亲的赤诚的爱，和对祖国母亲由衷的赞美，赞美她的不断强大。

音乐表演课程,提高的不仅是学生的音乐理论知识,而且能够提高学生的音乐表演专业技能,同时还能使学生具备教学、音乐组织能力,综合知识、技能、实践三者为一体。下面是我为大家整理的音乐表演专业 毕业 论文，供大家参考。

《 音乐表演教学论文 》

内容摘要：随着社会的飞速发展，当今时代急需培养适应社会全面发展的有用人才，这就给 教育 工作者提出了更高的要求，既要继承优良传统，又要与时俱进。因此，探索音乐表演的多元化教学，显得尤为重要。只有这样，才能更有效地提高教学质量，密切联系实际，满足社会的发展需求，为社会培养全面发展的合格人才。 文章 对如何采用多元化教学以及采用多元化教学所产生的实际效果进行了分析和论述。

关键词：音乐表演多元化教学

音乐表演的种类有很多，其中包括声乐、器乐、舞蹈、钢琴等专业的人才培养。多元化教学是指多种 渠道 、多种形式的教学，在音乐表演中，如舞台演出、教学实践、举办音乐会、参加录音录像，包括欣赏、观看录音录像等，都属于多元化教学范畴。当然舞台的演出形式是多种多样的，仅以器乐演奏形式为例，就有很多种，如独奏、重奏、合奏、伴奏等，这些都属于多元化教学中的一部分，都可以称之为多元化教学。实践证明，在音乐表演专业的教学过程中，在以传统教学为主的基础上与时俱进，对学生有计划地、弹性地采用多元化教学，具有良好的效果。这一教学方式受到学生的普遍认可和欢迎，学生普遍感到受益匪浅。笔者认为科学地采用多元化教学，在科技飞速发展的今天，具有深远的现实意义。

一、多元化教学的几种形式

1.舞台演出

这是音乐表演最主要的表现形式之一，是最终要达到的目的。舞台的演出形式繁多，这里重点例举器乐演奏的舞台形式。器乐演奏的舞台形式包括独奏、重奏、合奏、伴奏。

(1)独奏

只要具备演奏基础，有一定的基本功训练，具备一定数量的演奏曲目，老师就应尽可能地创造机会让学生上舞台进行表演，让学生多参加独奏的演出。独奏也需要 经验 的积累和心理素质的调试、培养。首先要把上台前的准备工作做好，例如，检查一下乐器的状态如何，音准调试得是否准确等。调整放松自己的心情，有了充分的思想准备，在舞台上才能充分发挥并展示自己的技术水平。一般音乐表演的考试大都以此种形式出现。笔者抓住考试前的机会，给学生上公开点评课，也就是每个学生上舞台演奏准备要参加的考试曲目，其他同学进行点评。同时寻找不足，当场改进。能解决的问题马上解决，一时解决不了的问题，下去反复练习，下次必须解决。通过公开点评课的训练，学生进步很快，而且在考试过程中，每个学生的进步幅度都非常明显，收效极佳。

(2)重奏

重奏不同于独奏。它讲究相互配合。因此双方的互相配合十分关键，二者是一体，在演奏自己声部的同时，也能倾听到或感受到对方的演奏声部的进行，要使两个声部有条不紊地结合，这样才能够配合好。要倾听和声的整体效果，积极主动、和谐合作、默契配合。在短学期教学期间，笔者采用多元化教学，给学生布置两首器乐重奏作品，要他们亲自演奏，体会音乐感觉。虽然刚开始对于没有过合奏经历的学生来讲，挺有难度，但最终还是坚持下来了，而且得到了很好的锻炼和提高。学生热情很高，都主动找老师给他们安排重奏训练。

(3)合奏

合奏是器乐演奏最常见的一种演奏形式，是非常重要的一个环节。平时要多积累这方面的经验，会对将来的工作有很大的帮助和影响，很多人就缺少合奏意识及合奏经验，最终无法胜任合奏。除了依靠学院的合奏课，还要寻找各种机会多参加合奏训练，及时 总结 ，不断积累经验。

(4)伴奏

伴奏是音乐表演中的另一种形式，如独奏伴奏、独唱伴奏、舞蹈伴奏等，是大家非常熟悉多见的一种形式。伴奏所处的地位不同，它处于辅助地位，起配合和烘托、衬托的作用。伴奏时要突出主旋律，要做好陪衬和铺垫工作。学生要多参加 社会实践 ，克服困难，多参加伴奏，有意识地培养自己的服务意识。

2.录音

录音和平时演奏不同，一说到录音学生就都会有一种紧张感，不过这样他们会更加认真对待，必要的紧张还是要有的，但不能失控。在没有录像的条件下，笔者就组织学生录音，每次的考试都要录下来，反复听，帮助学生查找不足之处。这对学生的提高非常有帮助。录音时演奏者本身所用的力度和平时也有所区别，因为麦克风的灵敏度极高，它所处的位置、角度的不同都会产生不同的音响效果，包括演奏者的松弛度和紧张度等，都会对录音产生影响。所以在录音时，要多讲究音色和音质。这样对录音的效果有益。在录音时，往往不用平时舞台演出时的力度，则会有更好的音响效果。否则，麦克风的灵敏度大，用平时的力度来演奏带来的噪音大，效果极差。录音时，应该多在演奏技巧上下工夫，例如，在进行琵琶演奏时左手要多加些“吟”弦的技巧，这会使声音更加有润性，音色柔美好听，获得很好的效果。

有时笔者把学生带进录音棚，进行多元化教学，表面上看给人比较松散的感觉，其实更接近于现实。实际上更接近实际，这就是实践，是学生在一对一的课堂上所学不到的知识，也是超前实现目标的良好途径。如果没有实际操作，就没有以上经验的积累。

就像学生在学校学习，只有理论基础，没有社会实践是不完美的。年轻时应抓住大好时光，勇于创造，拼搏进取，我们就会有收获，就会有成绩。如果在学校时就积累经验，等到走上社会后就能够很快地适应社会，满足社会需求。采用多元化教学，能解决这一难题。

3.录像

录制音乐要讲究声情并茂，这是表演的进一步升华，必须自然松弛，美观大方。这是听觉艺术和视觉艺术的完美结合，不可紧张或松懈。有的演奏员，一录制作品就很假，很做作，或录制不好反复地接录，这些都会对录制产生一定的影响。在学校学习期间就要定时安排录像，可以在学期的期末考试时给学生录制。先讲录制的要求，然后再由有经验的老师进行点评，找出每个学生存在的不同问题进行总结，不断积累提高录制效率。这也是多元化教学的体现。

4.举办演奏会

定期组织学生举办演奏会，对积累舞台经验大有好处。有的学生基础不好，弹奏几首曲子就没劲了，弹不动了，基本功匮乏。这样的同学就要求多练习基本功，练习力度、速度、耐力等，这些提高后，方可上台演奏。有的学生怯场，无法控制自己紧张的情绪，导致不能正常发挥和演奏。所以要多为他们创造演出机会，多锻炼从而缓解紧张度。对于特别爱紧张的同学，刚开始可以安排和其他同学一起演奏，经过锻炼逐渐适应后，再让他自己进行表演。这样就逐渐缓解了学生的紧张心理，让他们更加松弛，从而达到自由发挥的境地。5.参加教学实践

要有计划地让学生亲自参加教学实践。在短学期教学工作期间，笔者安排了两名大一年级的学生，来给两名小学生授课。课的内容是一首短小的琵琶复调二重奏作品，这些内容笔者事先并没有教过他们。对他们来说都是刚刚接触的新作品，笔者在旁边现场指导，学生们换位了，现在他们不是学生，是老师。老师在教学时，就要有迅速试奏的能力，科学安排指序、把位，还要回答学生提出的问题。这时他们的注意力是绝对的高度集中，这时他们的试谱、安排指序指法等就显得更加积极主动了。当遇到问题，笔者认为这个问题他们解决起来有难度时，就会主动有意识地引导学生一起分析解决。这样他们在小学生面前既不失去自尊，又可以进一步增强他们的自信心。当发现他们的演奏姿势懈怠时，笔者就在旁边提醒他们，注意自己的演奏形态，学生会学你们的。小同学也是不一样的，有的小同学，积极主动配合老师的思维，主动试奏，很快可以学会。有的小同学试奏本来就不快，也不主动配合老师，就等着老师一句一句地教，这就考验老师的耐力和耐心了。等到笔者送两位同学离开课堂的时候，他们异口同声地说：“老师，其实你当老师也挺不容易啊!”笔者开心地笑了。通过实践，首先，让他们懂得了老师的辛苦和用心。这样回到他们自己的课堂，他们会更加积极地配合老师的教学。其次，他们得到了教学上的训练，也为将来教学积累了经验，为他们逐渐适应社会做准备。这就是多元化教学带来的益处。所以，有计划地采用多元化教学，结合多媒体进行教学，多看、多听大师及演奏家的演奏和表演，解放思想，开阔视野，声情并茂，更有助于学生的学习和进步。

二、如何采用多元化教学

要做好多元化教学，教与学是相互的。无论是对老师的专业素质还是对学生的本身素质要求都是较高的。

1.多元化教学对学生的要求

(1)学生要具备较好的基础和音乐素质。人人知道，无论做什么，基本功都是最重要的。然而基本功的训练往往是一些学生的弱项。如何有效地调动学生的学习热情，苦练基本功，提高学生练功的积极性。对于这个问题，笔者采取了集体练功的形式，互相勉励、互相促进的 方法 ，一起练功，从而调动起学生的积极性。他们听到同学在练功，马上放下手里的工作，主动要求参加到练功的行列，取得了很好的效果。

(2)吃苦耐劳，任劳任怨。基本功训练往往很枯燥，还需要一定的体力、毅力。有的传统乐曲很长，不好背谱。这需要有能吃苦耐劳的精神，任劳任怨，不厌其烦地反复训练才能达到要求。

(3)德艺双馨。学生不但要有吃苦耐劳的精神，而且要有严禁谦虚的学风，品学兼优，德才兼备。要培养人情、人格、人性等全面发展的人才，要以此为积淀培养合格的人才。

2.多元化教学对教师的要求

教师在多元化教学中主要应实现以下方面的内容。

(1)引导启发。音乐表演本身就是对音乐作品的艺术再创造，要求学生有创新，有自己的构思和想法，教师不要过多干涉其思路，关键在于引导。在不违背音乐规律和原则的前提下，允许学生尽情发挥，给学生充分展示自己的空间。

(2)归纳重点。教师要调动学生的学习积极性。让学生有计划地学习、复习学过的乐曲，预习不同时代的新作品，分析它们的结构和特点。老师可以归纳重点，鼓励学生改编创作。通过实践，充分调动学生的学习积极性。

(3)由浅入深。音乐表演是综合性的艺术，教师要把握难度和进度，做到循序渐进，由浅入深。有了老师的正确引导，学生的积极配合，多元化教学才会取得好的效果。

当今社会需要全面发展的优秀人才，就应采用多元化教学的培养方式，培养全面发展的合格人才，更有效地满足社会发展的需求，培养合格人才。

三、实行多元化教学带来的社会效益

1.自食其力，信心倍增。笔者在多年的音乐表演的实际教学中，尝试着采用多元化教学的方式。有的学生在校期间就不断地实践，逐渐积累经验，自食其力。通过多种形式的锻炼学习，学生增强了学习热情和自信心。多元化教学收到了很好的效果。

2.理论密切联系实际。在大学生接受高等教育期间，对学生采用多元化教学，可使教学更加灵活、切合实际。这是一种非常有效的、理论联系实际的教学。

3.积累经验，符合社会发展。采用多元化教学，有助于帮助学生在校期间就不断地摸索和积累实践经验，将来他们就能够很快地适应社会发展，满足社会的需求。通过不断地探索并采用多元化教学，学生能够迅速成长，这是技术能力的培养，符合市场要求，学生从中受益匪浅。

总之，音乐表演的多元化教学，灵活多样，积极有效。它补充了传统教学方式的不足，是传统教学与现代化教学的完美结合体。多元化教学有助于理论与实际的密切配合，使学生迅速有效地适应社会的发展需求，这点是符合社会发展要求的。社会发展到今天，我们要有 文化 ，更要有能力。

《 音乐表演中创造性分析论文 》

内容摘要：音乐表演不仅仅是一种再现的艺术，更重要的是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。如何加强在表演中的创造性是众多的音乐教师和演奏者不断探索的重要课题。文章试从创造性在音乐表演中的地位及创造性与原作风格、个人风格、情感表现等方面作了探讨。

关键词：创造性原创风格个人风格情感表现

音乐作为一种表演艺术，它必须通过表演者的参与才能将其中的乐音、思想、内涵等加以传达。它不同于绘画、文学等艺术形式能够直接地展示在人们面前，使人们能够感受到它的思想内涵。音乐可以说是一时一刻都不能离开表演的艺术，单独的乐谱是不能够给人以听觉上的享受的，只有和表演一起，才使得音乐具有了不断发展的生命力。

一、创造性在音乐表演中的地位

对于一首音乐作品来说，它的形成应该由三个环节组成——作曲家的创作、演奏(唱)家的表演、听众的欣赏，这三个环节缺一不可。只有在这三个部分完整的情况下，一首作品才能完整地被人们感知，获得审美上的一种享受。作曲家的创作，毋庸置疑是作品的本源，没有这个环节的完成就根本谈不上后两个环节的存在。而演奏(唱)家的表演处于中间环节，有着重要的作用，他对于能否正确表达音乐思想，能否使作品与听众之间达到情感的共鸣，能否为听者带来美感……都起着承上启下的作用。因此，音乐表演作为“二度创作”有着不可替代的重要地位。科普兰曾经有这么一段话：“如果了解作曲家的作品风格对聆听者来说是重要的话，对演绎者来说更是如此，因为演绎者是音乐的中间人。聆听者更多地听到的是演绎者对作曲家的想法，而不是作曲家。”①所以，对音乐作品的再创造从某种程度上来说比原作品更为重要，因此科普兰还有这样一个观点：“在作完曲之后，可怜的作曲家必须把它交给演绎艺术家，任其摆布——而我们又必须记住，后者是有自己的音乐风格和个性的人。”②英国著名的指挥家亨利·伍德在《论指挥》一书中也说道：“音乐是写下来没有生命的音符，需要通过表演来给予它生命。”③而在表演的过程中，演奏(唱)者作为“执行者”势必将音乐打上自己的“烙印”。音乐表演是赋予音乐作品生命力的创造性行为，它不仅仅是原样地再现，而是通过演奏(唱)者富于创造性、独特的表演，使音乐作品焕发新的光彩。从表演艺术美学的历史来看，表演美学主要有浪漫主义音乐表演、新古典主义音乐表演、原样主义音乐表演、当代音乐表演的综合倾向这几个流派，而钢琴表演也被包含其中。在这几种表演美学的观点中，演奏者对于同一首作品都有着不同的创造性表现，这样表现出的音乐就被打上了自己的或者不同流派的“烙印”。

二、音乐表演中的创造性应该注意的几个问题

音乐表演是由具有主观能动性的人执行的，因此在表演过程中音乐作品必然要被蒙上表演者的个性与创造性。但是，这种个性与创造性的表现并不是没有“度”的随意表现，它必须遵循一定的原则，否则，演奏的音乐就会“面目全非”。笔者认为，在钢琴表演中至少要注意创造性与原作风格、个人风格、情感表现之间的关系，才能使自己的表演更能为作曲家和听众之间做好“桥梁”。

1.创造性与原作风格

任何一首音乐作品都是产生于一定的历史年代，一定的社会环境中。因此，这些作品自一出现就带有了当时历史时代的风格与审美特征，它主要表现于乐谱上，这就是原作的真实性。在音乐表演中首先应处理好的一对关系，就是创造性与原作风格的关系。真正的表演艺术家都努力从历史的角度把握作品的音乐风格，并且力求将这种风格真实、完美地加以再现。他们尽可能地使自己去熟悉、体会作曲者生活的时代环境，努力体验作者当时的心理活动及思想，以便能够真切地表现作品的历史风格。著名的罗马尼亚作曲家、小提琴家埃涅斯库曾经说过：“我觉得我在演奏巴赫的一部奏鸣曲时，不置身于18世纪，那么我恐怕就不能很好地把作品表达出来了。”④在“第二次世界大战”之后，西方盛行的原样主义音乐表演不仅仅要求要严格按照原版乐谱演奏，而且还努力“还原”原来的演奏乐器、方法等等，努力恢复作品的原貌，这也是一种对作品风格的再现。当然，这样的演奏在今天看来也并不是我们大力提倡的，这毕竟是历史中的一个分支。

在表演中，除了要对原作风格进行较深入的了解，在保持原作风格不被破坏的情况下，还应该对作品进行创造性的表现。毕竟，表演者所处的时代已经与作曲家所处的时代不能完全等同，他们总是不自觉地站在自己时代的立场上，对音乐作品进行处理和创造。这样的音乐作品才更具有时代精神和美感，所以，表演者应该在自我创造性与原作风格之间找到更好的切入点，使自己的表演既能体现作曲家的原作风格，又具有自己的创造性，还能给听众以美的享受。

2.创造性与个人风格

音乐演奏是由演奏的执行者——人通过自己的认知活动而产生的，所以在这个过程中表演者必然体现自己长期形成的演奏风格。比如，在听美籍俄国钢琴演奏家霍洛维茨和阿根廷女钢琴演奏家阿格里希对同一首作品的诠释，应该有不同的感受。因为霍洛维茨更注重于技巧的表现，最大限度地发挥自身的创造个性。而阿格里希对音乐的表现更加“自我”，她综合了浪漫主义和新古典主义的表演美学观念，使她的表演焕发出新的光彩。因此相对来说，霍洛维茨的表演要稍微严谨一些。这些个人的风格就来自于演奏者长期的经验积累、知识积累，并且与自身的文化修养、阅历等也有着密切的关系。达尼埃利·玖尔克说：“表现个性是演奏者的主要任务。他应当致力于全身心地浸透乐曲的情绪，并通过如诉的音响将自己的感觉传达给听众。”⑤在音乐表演中也特别要求表演者艺术个性的自觉发挥。正是由于不同个性的存在，才使得音乐作为一种表演艺术在历史的发展中大放光彩。而表演者也将个性作为自己表演走向成熟的标志，表演者根据自身的条件，找到适合于自己的表演方式，从而形成自己的表演风格。所以，在表演过程中我们应该将创造性与个人风格结合起来，使音乐具有鲜明的个性，在表演中能够“独树一帜”。但是，在充分表现个人风格的同时还应注意一个问题：切莫将所有作曲家的作品都表演成一种风格，或者说这个也似乎有点像，那个似乎也有点感觉，这也是在表演中应该忌讳的。

3.创造性与情感表现

音乐如同其他艺术形态一样，通过音符、节奏、织体等表现手段，表达人的感情和对社会、生活的感受。音乐以其乐音的运动这种特殊的表达方式，以隐讳的手法(相对于文学作品来说)表现作曲家蕴含在作品中的感情。如果从乐曲中抽掉感情内容，乐曲就会沦为毫无意义的零碎的音响。⑥而在音乐表演中，演奏者不仅仅需要把谱面上应有的东西表达出来，还应该根据自己对乐曲的理解(这种理解包括作曲家的个性、创作时的心理、演奏者的生活阅历等)进行创造性地表演。表演者在表演过程中，应该完全进入该作品的情绪、内容，才能比较充分地表达出作曲家的本意。匈牙利伊施特万·加提写道：“如果我们想正确地演奏某一首乐曲，那么就应该在我们自身首先唤醒支配那首乐曲的热情。如果我们不适于产生这种热情，我们就不应演奏这首乐曲。”⑦比如在巴赫的赋格曲和贝多芬晚期的钢琴奏鸣曲中表达的是深刻寓意和哲理性的思想，只有演奏者自己真切体会和融入其中才能使听众产生同样的感受，使听众似乎回到了那个时代。因此，表演者永远都不要做转述者，只有在我们内心唤醒对乐曲中的某一华彩乐段、某一颤音的感情时，我们才能够很好地演奏它们，那么听众也会产生一种身临其境的感觉。所以，真正富有天才的演奏家绝不会满足于那种自我陶醉的音响美，他更多的是在发音中追求一种内容上的深度和真谛，从而达到艺术的最高层次。就如同现今存在的一种现象：掌握了高超的钢琴表演技巧的青少年大有人在，但是真正能够成为钢琴演奏家的却并不是很多。浪漫时期著名的作曲家和钢琴演奏家李斯特已经给我们指出了他们之间的不同之处：“在音之诗人和普通的音乐家之间有着巨大的差别，前者力求表达自己的感受，把这些感受再现于音乐中，后者循着传统的陈规，将音符排列、组合，轻巧地超越种种障碍，得到的至多是一些新奇而任意复杂的音响配合。”⑧但是，我们也不应该有这样的想法：既然钢琴表演中需要“我”的情感表现，那么“我”就可以没有限制地随意发挥。这样的观点无疑是走入了另外一个情感表现的极端。在音乐表演的过程中，表演者应该以作品原有的情感表现为基础，糅和自我的、有节制的感情表达，这样的表演才能做到“感人至深”，使自己的艺术追求逐渐走向“真、善、美”的境界。

结语

以伽达·默尔为代表的现代释义学认为，音乐表演不仅仅要追寻音乐的历史视界，即对音乐的历史意义做出解释;另一方面，也是更重要的，解释者必须有自己的视界。从这个意义上说，音乐表演就不仅仅是一种再现的艺术，更重要的应该是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。不同的人具有不同的创造力，不同的人也具有不同的理解力，即使是同一个人在不同的时期也会有不同的音乐体验。因此，音乐就随着不同表演者不同的创造性而具有不同的姿态，而这些也恰恰构成了音乐的多样性，也体现出了演奏者的综合素质和能力。所以，创造性在音乐中不是偶然的，而是必然的。

注释：

①②艾伦·科普兰.怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版.

③闫妍.浅议钢琴教学中音乐表演能力的培养，《宿州师专学报》，2002年6月.

④引自《音乐译文》，1959年第4辑.

⑤⑥⑦(匈牙利)约瑟夫·迦特.钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版.

⑧引自《音乐的哲学与演奏者的创造》，《国外音乐资料》，人民音乐出版社编，第14辑.

参考文献：

[1]张前.音乐表演艺术论稿，中央民族大学出版社出版2004年11月.

[2](匈牙利)约瑟夫·迦特.钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版，2000年8月.

[3]魏廷格.钢琴学习指南，人民音乐出版社1997年1月.

[4]艾伦·科普兰.怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版.

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