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哲学作为 文化 的一种特有形式，是具体的自然知识、社会知识和思维知识的概括和 总结 ，对人类社会和科学文化的发展有着指导作用和智慧启迪作用。以下是我精心整理的西方艺术哲学史论文的相关资料，希望对你有帮助!
浅析西方造型艺术创作中的哲学思维
学作为文化的一种特有形式，是具体的自然知识、社会知识和思维知识的概括和总结，对人类社会和科学文化的发展有着指导作用和智慧启迪作用。人类漫长的文明史和艺术史，自始至终都受到哲学思想的影响。在中国传统造型艺术实践中，处处都体现着中国传统哲学——儒、道、释三大思想的理论精髓，形成了富有东方特色的艺术文化。当然在这里我们主要是来探讨哲学思维与西方造型艺术创作的问题，对西方造型艺术来说西方从古希腊的人本主义到中世纪的宗教神学，从文艺复兴时期的人文主义、康德的理性主义，再到近代的科学主义、结构主义、现象学、法兰克福学派、后现代主义等思想流派，这些都深深地影响着西方造型艺术的发展。柏拉图的大宇宙观和亚里士多德的哲学就给予了艺术创作以较高的地位。他们认为艺术的创造是模仿自然的创造。认为宇宙的演化有物质进程形式，就象希腊的 雕刻 家在一块云石里呈现人体的形式。所以他们的宇宙观已经类似艺术家的艺术创作。
巴尔扎克曾经说过：“应该象莫里哀那样，先成为一个深刻的哲学家，再去写小说。”如果把他的话稍微扩充，就是：“应该先成为一个深刻的哲学家，再去从事艺术创作”。这意味着艺术创作和哲学思维有着千丝万缕的联系。
一、从模仿真实到“改变真实”
从历史上看，作为智慧之学的哲学，一开始就特别注重生活体验和智慧启迪。古希腊的苏格拉底通过演讲和论辩传授哲学，他将这种 方法 称为“精神接生术”;柏拉图的雅典学园充溢着思变和讨论的气氛;亚里士多德与其弟子们边散步边讨论哲学问题，颇为“逍遥”。我国古代圣贤也用类似的方式研究和传授哲学，老子的格言和庄子的寓言，孔子与其弟子的对答，都体现了哲学发人深省、开启智慧的特点。在许多哲学家看来，“理论是灰色的，而生活之树常青”。既然现实生活是活生生的，是创造性的，那么，知识与其对象之间就只能是协商的、对话的关系，而不是主观对客观单向度的“模仿”关系。另外，任何一种哲学都在为某种价值、观点或利益说话，当然就会有另外一种价值、观点或利益说话的哲学。这意味着哲学不只是提供一种命定如此生活模式，而是提供多种供人们选择的生活;哲学的对象不是即定事实，而是哲学正在或准备要创造出来的世界。从广义意义上说，哲学就是创造观念形态、价值体系，构筑行为模式和生活意义的艺术。这样一种生活搏弈的哲学就是人类的自我认识，它是创造性的。在这里，哲学和艺术已经融为一体。由此可以得出一个结论：对对象的绝对肖似的摹仿，并不能产生最美的艺术作品。例如，用模子浇铸是复制实物的最佳方法，但一件好的浇铸作品无论如何也比不上已做好的雕像。法院庭审中，书记员可以把控辩双方的话原原本本地记录下来，但书记员的速记本身并不是艺术品，至多只能为作家提供原始的素材。画家但纳曾借助放大镜来忠实地画人物肖像，他画出皮肤纹缕、颧角上细微的血丝、散在鼻子上的黑斑、表皮下淡蓝的血管，他几乎再现了模特脸上的一切，包括被反射到明亮的眼睛里的周围景物!但是后人却评价道：“凡·代克的一张笔触豪放的速写就比但纳的肖像有力百倍!”在西方造型艺术创作表现中有些作品甚至于故意和实物不符，一座雕像通常只有一种色调，或青铜色，或云石色，而且雕像的眼睛没有眼珠，但正是色调的单一和表情的淡漠构成了雕像独特的美。相反，那不勒斯和西班牙教堂中那些着色穿衣的雕像，圣徒披着真正得道袍，面黄肌瘦，正合乎苦行僧的皮肤色;血迹斑斑的手和洞穿的腰，确实是钉过十字架的标记——由于他们逼真到了极致，不但不能给人以美的享受，反而使人生厌和作呕。
进一步讲，真正的艺术品更多地改变了真实的关系。例如米开朗基罗创作的放在佛罗伦萨第奇墓上的四座云石雕像。在两个男人身上，尤其在一个睡着、一个正在醒来的女人身上，各部分的比例和真人的比例明显不同。在意大利可以看到衣着华丽、年轻貌美的女子，眼睛发亮、蛮气十足的乡下人，以及画院中那些举止大方的模特，但没有一个真正的男人或女人会和陈列在美第奇庙中的愤激的英雄、心情悲痛的巨人式的处女相像。米开朗基罗的典型是在他自己的性格中找到的。作为一个生性孤独、好沉思、爱正义的人，一个慷慨豪放、容易激动的人，在备受欺诈与压迫，专制与不义的压抑之后，他的伟大心灵和悲痛情绪在艺术中尽情宣泄。米开朗基罗在那个睡着的雕像的基座上写道：“只要世上还有苦难和羞辱，睡眠就是甜蜜的。要能成为顽石，那就更好。一无所见，一无所感，便是我的福气，因此别惊醒我。啊，说话轻些吧!”受这样的情绪鼓动，他才会创造那些形体，为了表现这情绪，他才改变正常的比例，把驱干和四肢加长，把上半身弯向前面，眼眶特别凹陷，额上的皱痕象攒眉怒目的狮子，肩膀上对着重重叠叠的肌肉，背上的筋和脊骨扭成一团，象一条拉得太紧、快要折断的铁索一般紧张。正由于米开朗基罗改变了正常的比例，寓动感于晶态之中，达到了“莫言铁石心肠，有热血沸腾涌满腔”的效果，才使得这组雕塑像成为著名的传世佳作。
二、从单维视角到“视角主义”
视角主义是风靡当代西方的一股重要的哲学方法论思潮，也是后现代思潮的一个重要部分。根据《枫丹娜现代思潮辞典》的界定，哲学中的视角主义“认为存在着多种可供选择和互不等同的概念体系或假设体系，在各自体系里都能解释世界，不存在权威性的选择方法”。视角主义根本的方法论特征在于对一种固定不变观点的放弃，主张视角的多元性、多面化，认为对世界的解释不能是一元的、单向度的，而应该是多元性的、多向度的，即多视角的。
三十年过去了，视角主义的影响并未随着时光的流逝而消退，反而超越了哲学的象牙塔，扩散到思想文化的一切领域。有一位哲学家曾经用人们对立方体的认识来表现视角主义的思想，他指出：按照定义，立方体有六个面，但实际上没有人能同时看到他们，这六个面永远不能同时出现在我们眼前。当我们说“这是一个立方体”时，它身上的东西实际上多于此时此地我们可以看到的东西。也就是说，如果我们围着它动，我们将会看到其他几个面。在这里，过去的或未来的 经验 起了作用。出现在我们眼前并为我们提供有意义的事物，永远不可能同时将其所有的方面完全显露出来。因此，必须把现实看作一个变化的动态系统，允许并提倡从不同的视角去感知、解释、创造对象。一元性是惰性的需
要，多义性才是智慧的信号。任何一种视角的感知都无权自封是唯一的真理，因为旧有的感知总是涉及被新的感知所否定的可能性，今天的真理也蕴含着被推翻而沦为明日黄花的危险。于是，没有独断论和怀疑论都认可的真理。真理是在生成中被规定的，是它自身的修正和超越。
在西方绘画造型艺术创作中，同一题材可以用某种方式处理，也可以用相反的方式处理，还可以用不同于这两者的一切中间方式来处理。艺术家由于种族、气质、 教育 、文化的差异，在同一事物上感受的印象也有差别，个人根据自己独特的视角，从中辨认出一个鲜明的特征，对实物构成一个独特的观念。这观念一但在其作品中表现出来，就在艺术殿堂中加进了一件新的杰作，例如，就文艺复兴时期的意大利绘画而言，对来源于希腊神话的同一题材“利达”，达·芬奇、米开朗基洛、柯罗乔都曾经做过处理。达·芬奇的《利达》带有羞涩的神情，浸透着因无限的幸福而产生的诗意;相反，米开朗基罗的《利达》充满了刚强悲壮的气魄，俨然是魁伟的战斗部落的女王;柯罗乔的《利达》则陶醉在爱情的甜蜜中，并透露出对少女体贴入微的深刻同情。对这三幅画，你能说更喜欢那一幅?哪一个特点更高级吗?是幸福的诗意，悲壮的气魄，还是深刻的同情?从视角主义的观点来看，这三幅画是三位画家经由不同的视角对同一题材所作的精湛的艺术处理。三个境界分别表现了人性中的某个主要部分，分别刻画了人类发展的某个主要阶段，因而各具特色，在造型艺术创作上都有重要价值。
三、从唯一方法到“怎么都行”
实证主义哲学非常强调认识的确定性、明确性、严格性、“真实性”，主张一种不以时间和地点为转移、放之四海而皆准的方法，把能否被“证实”与对象相符当作划分科学和非科学的唯一标准。可是，任何事物的内容及其发展，总是比科学家和方法论家所想像得更丰富，更“难以捉摸”。因此，后现代主义哲学家费耶阿本德指出，科学不是唯一的思想形式，实证主义主张的科学方法也不是唯一的研究方法。人们要认识世界，必须使用任何思想、任何手段、任何方法。实际上，在人类发展的所有阶段都应该得到维护的只有一个原则——“怎么都行”。通俗一点讲，就是不管白猫黑猫，能捉耗子就是好猫。
作为后现代主义哲学在西方造型艺术领域的表现，后现代美学致力于将造型艺术从形式主义的桎梏中解放出来，为日益崛起的“通俗艺术”正名、张目，强调日常生活的艺术化，强调审美价值的“无处不在”。在这方面，后现代主义架起到了推波助澜的作用。画家奥登伯格放弃在画上作画，劳申伯格将实物粘贴在画布上，威瑟尔曼则把货真价实的地毯结合进自己的油画作品中，这一切都只在破坏艺术创作中人为设置的界限。
至于艺术作品是否与对象相符。艺术上的“模仿论”、“再现论”能否成立，可以从后现代艺术家对《蒙娜丽莎》的发难中看出其立场。《蒙娜丽莎》可以说是画中摹本之王，但只有少数人看过原作，现在的人们对蒙娜丽莎本人更是一无所知，所拥有的只是达·芬奇的第一张“摹本”，这就为以杜尚为代表的后现代艺术家对《蒙娜丽莎》的发难埋下了伏笔。杜尚在蒙娜丽莎的鼻子下加上八字胡，又在下巴上添上山羊胡。既然作为原本的蒙娜丽莎早已不存在了，而且现代人都没有看过她本人，既然达·芬奇的《蒙娜丽莎》和杜尚的《蒙娜丽莎》都是摹本，都是原本的摹仿和再现，那么，如何判定谁的摹本更真实更客观地再现了蒙娜丽莎本人呢?显然，杜尚笔下变了性的那个《蒙娜丽莎》，是对传统“再现”观念的一种嘲讽和反叛。安迪·沃霍尔的《蒙娜丽莎》则利用“三十个比一个来的好”的画题传递了这样的后现代信息：再现或摹本不但早已忘却了“原本”或“源头”已经没有什么重要意义。人们被日益膨胀的信息所淹没的心灵，根本无力也无兴趣再去承担这些东西，大家所能做的只是再现过程本身。
总而言之，从某种意义上来说，哲学思维和艺术创作非常相似，尽管要创作的东西很不一样——但都是“艺术”(art)。假如说艺术创作是为了保持人类感觉的创造性，那么哲学就是为了保持人类思想的创造性。
[作者简介]孙德惠(1972-)女，河北省涞源人，河北经贸大学艺术学院艺术设计系主任，美术学硕士，主要从事美学理论与艺术设计的教学与研究;陈辉(1978-)女，河北省邯郸人，河北经贸大学艺术学院艺术设计教师，主要从事美学理论与艺术设计的教学与研究。
孙德惠陈辉
[摘要]探讨哲学与艺术的关系。人类漫长的文明史和艺术史，自始至终都受到哲学思想的影响。可以说艺术创作和哲学思维有着千丝万缕的联系。西方哲学的各种思想流派，都深深地影响着西方造型艺术形式的发展。本文以西方造型艺术创作为依据分别从模仿真实到“改变真实”、从单维视角到“视角主义”、从唯一方法到“怎么都行”三个方面对哲学思维和艺术创作的联系进行了科学的分析和理论的论述。作者认为尽管哲学思维和艺术创作要创作的东西很不一样，但都是“艺术”(art)。
[关键词]哲学思想;艺术创作;联系
哲学作为文化的一种特有形式，是具体的自然知识、社会知识和思维知识的概括和总结，对人类社会和科学文化的发展有着指导作用和智慧启迪作用。人类漫长的文明史和艺术史，自始至终都受到哲学思想的影响。在中国传统造型艺术实践中，处处都体现着中国传统哲学——儒、道、释三大思想的理论精髓，形成了富有东方特色的艺术文化。当然在这里我们主要是来探讨哲学思维与西方造型艺术创作的问题，对西方造型艺术来说西方从古希腊的人本主义到中世纪的宗教神学，从文艺复兴时期的人文主义、康德的理性主义，再到近代的科学主义、结构主义、现象学、法兰克福学派、后现代主义等思想流派，这些都深深地影响着西方造型艺术的发展。柏拉图的大宇宙观和亚里士多德的哲学就给予了艺术创作以较高的地位。他们认为艺术的创造是模仿自然的创造。认为宇宙的演化有物质进程形式，就象希腊的雕刻家在一块云石里呈现人体的形式。所以他们的宇宙观已经类似艺术家的艺术创作。
巴尔扎克曾经说过：“应该象莫里哀那样，先成为一个深刻的哲学家，再去写小说。”如果把他的话稍微扩充，就是：“应该先成为一个深刻的哲学家，再去从事艺术创作”。这意味着艺术创作和哲学思维有着千丝万缕的联系。
一、从模仿真实到“改变真实”
从历史上看，作为智慧之学的哲学，一开始就特别注重生活体验和智慧启迪。古希腊的苏格拉底通过演讲和论辩传授哲学，他将这种方法称为“精神接生术”;柏拉图的雅典学园充溢着思变和讨论的气氛;亚里士多德与其弟子们边散步边讨论哲学问题，颇为“逍遥”。我国古代圣贤也用类似的方式研究和传授哲学，老子的格言和庄子的寓言，孔子与其弟子的对答，都体现了哲学发人深省、开启智慧的特点。在许多哲学家看来，“理论是灰色的，而生活之树常青”。既然现实生活是活生生的，是创造性的，那么，
知识与其对象之间就只能是协商的、对话的关系，而不是主观对客观单向度的“模仿”关系。另外，任何一种 哲学都在为某种价值、观点或利益说话，当然就会有另外一种价值、观点或利益说话的哲学。这意味着哲学不只是提供一种命定如此生活模式，而是提供多种供人们选择的生活;哲学的对象不是即定事实，而是哲学正在或准备要创造出来的世界。从广义意义上说，哲学就是创造观念形态、价值体系，构筑行为模式和生活意义的 艺术。这样一种生活搏弈的哲学就是人类的自我认识，它是创造性的。在这里，哲学和艺术已经融为一体。由此可以得出一个结论：对对象的绝对肖似的摹仿，并不能产生最美的艺术作品。例如，用模子浇铸是复制实物的最佳方法，但一件好的浇铸作品无论如何也比不上已做好的雕像。法院庭审中，书记员可以把控辩双方的话原原本本地记录下来，但书记员的速记本身并不是艺术品，至多只能为作家提供原始的素材。画家但纳曾借助放大镜来忠实地画人物肖像，他画出皮肤纹缕、颧角上细微的血丝、散在鼻子上的黑斑、表皮下淡蓝的血管，他几乎再现了模特脸上的一切，包括被反射到明亮的眼睛里的周围景物!但是后人却评价道：“凡·代克的一张笔触豪放的速写就比但纳的肖像有力百倍!”在西方造型艺术创作表现中有些作品甚至于故意和实物不符，一座雕像通常只有一种色调，或青铜色，或云石色，而且雕像的眼睛没有眼珠，但正是色调的单一和表情的淡漠构成了雕像独特的美。相反，那不勒斯和西班牙教堂中那些着色穿衣的雕像，圣徒披着真正得道袍，面黄肌瘦，正合乎苦行僧的皮肤色;血迹斑斑的手和洞穿的腰，确实是钉过十字架的标记——由于他们逼真到了极致，不但不能给人以美的享受，反而使人生厌和作呕。
进一步讲，真正的艺术品更多地改变了真实的关系。例如米开朗基罗创作的放在佛罗伦萨第奇墓上的四座云石雕像。在两个男人身上，尤其在一个睡着、一个正在醒来的女人身上，各部分的比例和真人的比例明显不同。在意大利可以看到衣着华丽、年轻貌美的女子，眼睛发亮、蛮气十足的乡下人，以及画院中那些举止大方的模特，但没有一个真正的男人或女人会和陈列在美第奇庙中的愤激的英雄、心情悲痛的巨人式的处女相像。米开朗基罗的典型是在他自己的性格中找到的。作为一个生性孤独、好沉思、爱正义的人，一个慷慨豪放、容易激动的人，在备受欺诈与压迫，专制与不义的压抑之后，他的伟大心灵和悲痛情绪在艺术中尽情宣泄。米开朗基罗在那个睡着的雕像的基座上写道：“只要世上还有苦难和羞辱，睡眠就是甜蜜的。要能成为顽石，那就更好。一无所见，一无所感，便是我的福气，因此别惊醒我。啊，说话轻些吧!”受这样的情绪鼓动，他才会创造那些形体，为了表现这情绪，他才改变正常的比例，把驱干和四肢加长，把上半身弯向前面，眼眶特别凹陷，额上的皱痕象攒眉怒目的狮子，肩膀上对着重重叠叠的肌肉，背上的筋和脊骨扭成一团，象一条拉得太紧、快要折断的铁索一般紧张。正由于米开朗基罗改变了正常的比例，寓动感于晶态之中，达到了“莫言铁石心肠，有热血沸腾涌满腔”的效果，才使得这组雕塑像成为著名的传世佳作。
二、从单维视角到“视角主义”
视角主义是风靡当代西方的一股重要的哲学方法论思潮，也是后现代思潮的一个重要部分。根据《枫丹娜现代思潮辞典》的界定，哲学中的视角主义“认为存在着多种可供选择和互不等同的概念体系或假设体系，在各自体系里都能解释世界，不存在权威性的选择方法”。视角主义根本的方法论特征在于对一种固定不变观点的放弃，主张视角的多元性、多面化，认为对世界的解释不能是一元的、单向度的，而应该是多元性的、多向度的，即多视角的。
三十年过去了，视角主义的影响并未随着时光的流逝而消退，反而超越了哲学的象牙塔，扩散到思想 文化的一切领域。有一位哲学家曾经用人们对立方体的认识来表现视角主义的思想，他指出：按照定义，立方体有六个面，但实际上没有人能同时看到他们，这六个面永远不能同时出现在我们眼前。当我们说“这是一个立方体”时，它身上的东西实际上多于此时此地我们可以看到的东西。也就是说，如果我们围着它动，我们将会看到其他几个面。在这里，过去的或未来的 经验起了作用。出现在我们眼前并为我们提供有意义的事物，永远不可能同时将其所有的方面完全显露出来。因此，必须把现实看作一个变化的动态系统，允许并提倡从不同的视角去感知、解释、创造对象。一元性是惰性的需要，多义性才是智慧的信号。任何一种视角的感知都无权自封是唯一的真理，因为旧有的感知总是涉及被新的感知所否定的可能性，今天的真理也蕴含着被推翻而沦为明日黄花的危险。于是，没有独断论和怀疑论都认可的真理。真理是在生成中被规定的，是它自身的修正和超越。
在西方绘画造型艺术创作中，同一题材可以用某种方式处理，也可以用相反的方式处理，还可以用不同于这两者的一切中间方式来处理。艺术家由于种族、气质、 教育、文化的差异，在同一事物上感受的印象也有差别，个人根据自己独特的视角，从中辨认出一个鲜明的特征，对实物构成一个独特的观念。这观念一但在其作品中表现出来，就在艺术殿堂中加进了一件新的杰作，例如，就文艺复兴时期的意大利绘画而言，对来源于希腊神话的同一题材“利达”，达·芬奇、米开朗基洛、柯罗乔都曾经做过处理。达·芬奇的《利达》带有羞涩的神情，浸透着因无限的幸福而产生的诗意;相反，米开朗基罗的《利达》充满了刚强悲壮的气魄，俨然是魁伟的战斗部落的女王;柯罗乔的《利达》则陶醉在爱情的甜蜜中，并透露出对少女体贴入微的深刻同情。对这三幅画，你能说更喜欢那一幅?哪一个特点更高级吗?是幸福的诗意，悲壮的气魄，还是深刻的同情?从视角主义的观点来看，这三幅画是三位画家经由不同的视角对同一题材所作的精湛的艺术处理。三个境界分别表现了人性中的某个主要部分，分别刻画了人类 发展的某个主要阶段，因而各具特色，在造型艺术创作上都有重要价值。
三、从唯一方法到“怎么都行”
实证主义哲学非常强调认识的确定性、明确性、严格性、“真实性”，主张一种不以时间和地点为转移、放之四海而皆准的方法，把能否被“证实”与对象相符当作划分科学和非科学的唯一标准。可是，任何事物的内容及其发展，总是比科学家和方法论家所想像得更丰富，更“难以捉摸”。因此，后现代主义哲学家费耶阿本德指出，科学不是唯一的思想形式，实证主义主张的科学方法也不是唯一的研究方法。人们要认识世界，必须使用任何思想、任何手段、任何方法。实际上，在人类发展的所有阶段都应该得到维护的只有一个原则——“怎么都行”。通俗一点讲，就是不管白猫黑猫，能捉耗子就是好猫。
作为后现代主义哲学在西方造型艺术领域的表现，后现代美学致力于将造型艺术从形式主义的桎梏中解放出来，为日益崛起的“通俗艺术”正名、张目，强调日常生活的艺术化，强调审美价值的“无处不在”。在这方面，后现代主义架起到了推波助澜的作用。画家奥登伯格放弃在画上作画，劳申伯格将实物粘贴在画布上，威瑟尔曼则把货真价实的地毯结合进自己的油画作品中，这一切都只在破坏艺术创作中人为设置的界限。
至于艺术作品是否与对象相符。艺术上的“模仿论”、“再现论”能否成立，可以从后现代艺术家对《蒙娜丽莎》的发难中看出其立场。《蒙娜丽莎》可以说是画中摹本之王，但只有少数人看过原作，现在的人们对蒙娜丽莎本人更是一无所知，所拥有的只是达·芬奇的第一张“摹本”，这就为以杜尚为代表的后现代艺术家对《蒙娜丽莎》的发难埋下了伏笔。杜尚在蒙娜丽莎的鼻子下加上八字胡，又在下巴上添上山羊胡。既然作为原本的蒙娜丽莎早已不存在了，而且现代人都没有看过她本人，既然达·芬奇的《蒙娜丽莎》和杜尚的《蒙娜丽莎》都是摹本，都是原本的摹仿和再现，那么，如何判定谁的摹本更真实更客观地再现了蒙娜丽莎本人呢?显然，杜尚笔下变了性的那个《蒙娜丽莎》，是对传统“再现”观念的一种嘲讽和反叛。安迪·沃霍尔的《蒙娜丽莎》则利用“三十个比一个来的好”的画题传递了这样的后现代信息：再现或摹本不但早已忘却了“原本”或“源头”已经没有什么重要意义。人们被日益膨胀的信息所淹没的心灵，根本无力也无兴趣再去承担这些东西，大家所能做的只是再现过程本身。
总而言之，从某种意义上来说，哲学思维和艺术创作非常相似，尽管要创作的东西很不一样——但都是“艺术”(art)。假如说艺术创作是为了保持人类感觉的创造性，那么哲学就是为了保持人类思想的创造性。
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楼主的问题不够明确啊~~~~附上一篇，希望能帮到你。平凡质朴的崇高之美——米勒与《拾穗者》米勒在43岁时完成的《拾穗者》，这是一幅描写农村夏季收割劳动场面的作品，从题材上看，应该说平凡而简单。但它在当时产生的艺术效果是所有人没有料到的。画面上，金黄色的田野一望无际，秋天麦收后的辽阔土地上，有三个农村妇女正在弯腰而细心的捡拾收割后被遗落在田间的麦穗，她们身后的不远处，有堆积如山的麦垛。这一切，都说明三位拾穗的农家妇女是勤劳而朴实的劳动者。从画面上看，尽管她们身体健壮，但始终在重复着机械而单调的动作，目光却全神贯注在地上的麦穗。尤其是她们手中拿着的几根拾起的麦穗，与远处的草垛形成极其鲜明的对比。她们那憨笨的动作，也流露出一种虔诚和忠诚，画作将农民和土地的这种情意刻画得淋漓尽致，入木三分。所以，任何人在这幅作品前，都会产生一种对丰收、对生命的庄严景仰，都会产生一种农民对土地那种类似于宗教般虔诚的情怀。当然，也对画面上的平凡而质朴之美产生崇高的敬意。《拾穗者》这幅画刻画了三位贫穷的农家妇女在辽阔的麦田里捡拾麦穗的情景，她们弯腰捡拾的动作展示了一种古典美。重要的是对人性的讴歌与赞美。同时，美丽富饶的农村自然景色与农民的辛酸与勤劳又形成明显反差。法国文艺评论家卡德莱曾这样说道：“米勒的《拾穗者》等作品刻画出他当时那个时代一般平民的心理和思想，表达了近代思想，这是一位高贵而不朽的人性画家。”在这幅作品中，米勒安排的人物动作和形态已经成为后人研究构图的经典，人物朴素动作优美，特别是在她们的背后，那合理而有序的铺陈，使得画面散发着一股泥土的芳香，也弥漫着古老而沉重的诗意，使我们感受到大地之神的魅力和古典的庄严美。据说，米勒在创作这幅作品的时候，自己的孩子连奶水都吃不饱，家庭生活极其窘迫，所以他对底层的劳动者有着非同一般的理解和同情，甚至他是在继续接受着并在绘画中融化他的痛苦，在生活的痛苦和创作过程的痛苦中寻找到一种庄严而崇高的宗教式的喜悦。因此，米勒笔下的劳动人民是在生活的痛苦中却饱含着道德，这是一种美，最后成为米勒的一种信仰。《拾穗者》是他思想与技术最完美的结合物，罗曼•罗兰这样赞赏道：“米勒画中的三位农妇是法国的三位女神。”米勒一生留下的作品不多，从1840年到去世的三十多年间只有八十余件油画作品。而且很多都是较小的画幅。据说，他的每一幅作品都是经过反复思考而成的。除《拾穗者》之外，还有《播种者》、《晚钟》和《牧羊女》等，同样在美术史上占有一席之地。无论什么时候，《拾穗者》总会给人一种心灵的震撼与冲击，这一点与画家始终关注现实、反映现实是分不开的。这幅作品在沙龙展出的时候引起了极大地反响，其中褒贬不一，甚至还有人认为画面上的三个女人丑陋不堪，还有人指责画面的内容揭露了农民生活的艰辛而有意向上层生活挑战的意味，还有人认为这是在有意煽动农民的情绪等等。面对这一切，画家米勒毫不畏惧，他说：“我将坚强的站着，即使他们称我是表现丑的画家，是妨害我们民族进步的东西，但我们绝不做把农民模样加以美化的蠢事。如果只能无力的表现我自己，我宁愿不表现。”我们从米勒的这番话语中感受到他那坚定的现实主义立场，通过平凡的人物表现崇高的理想和内在的精神。特别是他用真实的笔触和感受描绘着他生活在一个空间中的农民，成为后来法国许多画家共同的创作主题。因此，米勒成为法国美术史上伟大的画家，与库尔贝一样，为法国现实主义绘画的蓬勃发展做出了巨大的贡献。
一、内容要求毕业设计报告正文要求：（一）理、工科类专业毕业设计报告正文内容应包括：问题的提出；设计的指导思想；方案的选择和比较论证；根据任务书指出的内容和指标要求写出设计过程、课题所涉及元件结构和相关参数的设计计算，有关基本原理的说明与理论分析；给出所设计课题实际运行的数据或参数，并与理论设计参数进行比较和分析，说明产生误差的原因。最后要对所设计课题实用价值做出评估说明；设计过程中存在的问题，改进意见或其它更好的方案设想及未能采纳的原因等。（二）经济、管理类专业毕业设计报告或论文正文应包括：问题的提出、设计的指导思想；设计方案提出的依据，设计方案的选择和比较；设计过程；所运用的技术经济分析指标和方法；数学模型及其依据，数据计算方法；对设计方案的实用性和经济效益等方面做出评估；对设计实施过程中存在的问题 （ 或可能发生的问题 ） 提出合理化建议。毕业论文的基本论点、主要论据；根据国家有关方针、政策及规定联系实际展开理论分析。（三）文科类专业毕业设计报告或论文正文应包括：问题的提出、解决问题的指导思想；解决方案提出的依据，解决方案的选择和比较，结论。二、论文印装毕业论文用毕业设计专用纸打印。正文用宋体小四号字，行间距为24磅；版面页边距上3cm，下、左2.5cm，右2cm。三、论文结构、装订顺序及要求毕业论文由以下部分组成：（一）封面。论文题目不得超过20个字，要简练、准确，可分为两行。（二）内容。1、毕业设计（论文）任务书。任务书由指导教师填写，经系主任、教务部审查签字后生效。2、毕业设计（论文）开题报告；3、毕业设计（论文）学生申请答辩表与指导教师毕业设计（论文）评审表；4、毕业设计（论文）评阅人评审表；5、毕业设计（论文）答辩表；6、毕业设计（论文）成绩评定总表；7、中英文内容摘要和关键词。（1）摘要是论文内容的简要陈述，应尽量反映论文的主要信息，内容包括研究目的、方法、成果和结论，不含图表，不加注释，具有独立性和完整性。中文摘要一般为200-400字左右，英文摘要应与中文摘要内容完全相同。“摘要”字样位置居中。（2）关键词是反映毕业设计（论文）主题内容的名词，是供检索使用的。主题词条应为通用技术词汇，不得自造关键词。关键词一般为3-5个，按词条外延层次（学科目录分类），由高至低顺序排列。关键词排在摘要正文部分下方。（3）中文摘要与关键词在前，英文的在后。8、目录。目录按三级标题编写，要求层次清晰，且要与正文标题一致。主要包括绪论、正文主体、结论、致谢、主要参考文献及附录等。9、正文。论文正文部分包括：绪论（或前言、序言）、论文主体及结论。（1）绪论。综合评述前人工作，说明论文工作的选题目的和意义，国内外文献综述，以及论文所要研究的内容。（2）论文主体。论文的主要组成部分，主要包括选题背景、方案论证、过程论述、结果分析、结论或总结等内容。要求层次清楚，文字简练、通顺，重点突出，毕业设计（论文）文字数，一般应不少于8000字（或20个页码）。外文翻译不少于3000字符，外文参考资料阅读量不少于3万字符。中文论文撰写通行的题序层次采用以下格式：1 1.1 1.1.1 1.1.1.1格式是保证文章结构清晰、纲目分明的编辑手段，毕业论文所采用的格式必须符合上表规定，并前后统一，不得混杂使用。格式除题序层次外，还应包括分段、行距、字体和字号等。第一层次（章）题序和标题居中放置，其余各层次（节、条、款）题序和标题一律沿版面左侧边线顶格安排。第一层次（章）题序和标题距下文双倍行距。段落开始后缩两个字。行与行之间，段落和层次标题以及各段落之间均为24磅行间距。第一层次（章）题序和标题用小二号黑体字。题序和标题之间空两个字，不加标点，下同。第二层次（节）题序和标题用小三号黑体字。第三层次（条）题序和标题用四号黑体字。第四层次及以下各层次题序及标题一律用小四号黑体字。（3）结论（或结束语）。作为单独一章排列，但标题前不加“第XXX章”字样。结论是整个论文的总结，应以简练的文字说明论文所做的工作，一般不超过两页。10、致谢。对导师和给予指导或协助完成毕业设计（论文）工作的组织和个人表示感谢。文字要简洁、实事求是，切忌浮夸和庸俗之词。11、参考文献及引用资料目录（规范格式见附文）。12、附录。13、实验数据表、有关图纸(大于3#图幅时单独装订)。(三)封底。附：规范的参考文献格式参考文献（即引文出处）的类型以单字母方式标识：M——专著，C——论文集，N——报纸文章，J——期刊文章，D——学位论文，R——报告，S——标准，P——专利；对于不属于上述的文献类型，采用字母“Z”标识。参考文献一律置于文末。其格式为：1、专著示例 [1] 张志建.严复思想研究[M]. 桂林：广西师范大学出版社，1989.[2] 马克思恩格斯全集：第1卷[M]. 北京：人民出版社，1956.[3] [英]蔼理士.性心理学[M]. 潘光旦译注.北京：商务印书馆，1997.2、论文集示例 [1] 伍蠡甫.西方文论选[C]. 上海：上海译文出版社，1979.[2] 别林斯基.论俄国中篇小说和果戈里君的中篇小说[A]. 伍蠡甫.西方文论选：下册[C]. 上海：上海译文出版社，1979.凡引专著的页码，加圆括号置于文中序号之后。3、报纸文章示例 [1] 李大伦.经济全球化的重要性[N]. 光明日报，1998-12-27，（3）4、期刊文章示例 [1] 郭英德.元明文学史观散论[J]. 北京师范大学学报（社会科学版），1995（3）.5、学位论文示例 [1] 刘伟.汉字不同视觉识别方式的理论和实证研究[D]. 北京：北京师范大学心理系，1998.6、报告示例 [1] 白秀水，刘敢，任保平. 西安金融、人才、技术三大要素市场培育与发展研究[R]. 西安：陕西师范大学西北经济发展研究中心，1998.7、对论文正文中某一特定内容的进一步解释或补充说明性的注释，置于本页地脚，前面用圈码标识。8、其他要求（1）文字论文中汉字应采用严格执行汉字的规范。所有文字字面清晰，不得涂改。（2）表格论文的表格可以统一编序，也可以逐章单独编序，采用哪种方式应和插图及公式的编序方式统一。表序必须连续，不得重复或跳跃。表格的结构应简洁。表格中各栏都应标注量和相应的单位。表格内数字须上下对齐，相邻栏内的数值相同时，不能用‘同上’、‘同左’和其它类似用词，应一一重新标注。表序和表题置于表格上方中间位置，无表题的表序置于表格的左上方或右上方（同一篇论文位置应一致）。（3）插图插图要精选。图序可以连续编序，也可以逐章单独编序，采用哪种方式应与表格、公式的编序方式统一，图序必须连续，不得重复或跳跃。仅有一图时，在图题前加‘附图’字样。毕业设计（论文）中的插图以及图中文字符号应打印，无法打印时一律用钢笔绘制和标出。由若干个分图组成的插图，分图用a,b,c,……标出。图序和图题置于图下方中间位置。（4）公式论文中重要的或者后文中须重新提及的公式应注序号并加圆括号，序号一律用阿拉伯数字连续编序，或逐章编序，序号排在版面右侧，且距右边距离相等。公式与序号之间不加虚线。（5）数字用法公历世纪、年代、年、月、日、时间和各种计数、计量，均用阿拉伯数字。年份不能简写。数值的有效数字应全部写出。（6）软件软件流程图和源程序清单要按软件文档格式附在论文后面，特殊情况可在答辩时展示，不附在论文内。（7）工程图按国标规定装订图幅小于或等于3#图幅时应装订在论文内，大于3#图幅时按国标规定单独装订作为附图。（8）艺术设计作品无法用纸质文档保存的艺术设计作品应用光盘或照片保存。(9)计量单位的定义和使用方法按国家计量局规定执行。以上是我的毕业论文要求，全国各个学校其实都是一样的.回答完毕.
艺术类论文提纲范文
艺术是用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，艺术类院校是培养具备各专业知识，能从事各专业门类教育和实践的人才。那么，艺术类论文提纲要怎么写呢？
摘要 4-6
ABSTRACT 6-8
引言 11-16
一 选题目的及意义 11-13
二 研究概况 13
三 研究方法 13-16
一、内蒙古察哈尔蒙古族毛植的历史文化背景和生存发展现状调查 16-37
1.1 内蒙古察哈尔蒙古族毛植的历史溯源 16-19
1.2 内蒙古察哈尔蒙古族毛植产生的人文地理环境 19-21
1.3 当代社会生活中的察哈尔蒙古族毛植 21-24
1.3.1 察哈尔蒙古族毛植的生存现状 21-22
1.3.2 察哈尔蒙古族毛植的发展与传承 22-24
1.4 制作工艺流程详解 24-37
1.4.1 制作材料与制作工具 24-29
1.4.1.1 制作材料 24-27
1.4.1.2 制作工具 27
1.4.1.3 图案设计 27-29
1.4.2 工艺流程 29-37
二、对内蒙古察哈尔蒙古族毛植的对比分析与毛植的审美特征——兼与蒙古族地毯、挂毯、毡绣等毛纺织品的比较 37-50
2.1 察哈尔蒙古族毛植作品的造型分析 37-41
2.1.1 早期毛植作品造型分析 37-39
2.1.2 近期毛植作品造型分析 39-41
2.2 察哈尔蒙古族毛植制作工艺今昔对比 41-43
2.2.1 从材料构成对比 41-42
2.2.2 从工艺技法对比 42
2.2.3 从造型设计对比 42-43
2.3 察哈尔蒙古族毛植与蒙古族毡毯工艺品的比较 43-46
2.3.1 唯美唯上——察哈尔蒙古族毛植与地毯的实用性比较 43-44
2.3.2 唯真唯上——察哈尔蒙古族毛植与挂毯的装饰性比较 44-45
2.3.3 各有千秋——察哈尔蒙古族毛植与毡绣的观赏性比较 45-46
2.4 察哈尔蒙古族毛植独特的审美特征 46-50
2.4.1 制作技法与内容题材的并重 46-48
2.4.2 毛植的再现力 48-50
三、对内蒙古察哈尔蒙古族毛植可持续发展的思考 50-57
3.1 察哈尔蒙古族毛植技艺传承的局限性——经济利益与艺术追求 50-51
3.2 口述历史的模糊与文献资料的缺失 51-53
3.3 毛植的非物质文化遗产保护实践先行与理论滞后的问题 53-55
3.4 察哈尔蒙古族毛植转型的.可能性与可行性 55-57
结语 57-59
参考文献 59-61
附录: 内蒙古察哈尔蒙古族毛植作品图例一览表 61-63
致谢 63-64
攻读学位期间发表的论文 64
摘要 4-5
Abstract 5
绪论 8-13
选题来源和依据 8-9
选题来源 8
选题依据 8-9
研究的文化背景 9-10
研究目的和使用价值 10
国内研究现状 10-12
研究的主要内容和主要方法 12-13
研究的主要内容 12
研究方法 12-13
第一章 ：巍宝山古建筑雕刻艺术基本状况 13-19
1.1. 巍宝山古建筑群之代表——巍宝山八景 13-14
1.2. 巍宝山古建筑雕刻艺术基本状况 14-19
1.2.1 .巍宝山古建筑雕刻艺术的历史演变 14-15
1.2.2 .巍宝山古建筑雕刻艺术风格的形成 15-19
第二章 ：长春洞古建筑的雕刻艺术 19-35
2.1. 长春洞古建筑雕刻艺术基本状况 19-21
2.1.1. 长春洞的布局 19-20
2.1.2. 长春洞古建筑雕刻艺术折射的文化内涵 20-21
2.2. 长春洞古建筑雕刻艺术的分类 21-31
2.2.1 长春洞古建筑雕刻艺术的材料分类 21-22
2.2.2. 长春洞古建筑雕刻艺术的技法分类 22
2.2.3. 长春洞古建筑雕刻艺术的建筑构件分类以及图案释意 22-31
2.3. 长春洞古建筑装饰艺术与其他古建筑的装饰艺术的不同 31-35
2.3.1 对本土文化的吸纳 32-34
2.3.2 道教建筑主要装饰形式的不同 34-35
第三章 ：长春洞古建筑雕刻艺术的审美特征研究 35-39
3.1. 长春洞古建筑中的雕刻装饰艺术美的产生 35-36
3.2. 长春洞古建筑雕刻艺术的审美特征 36-38
3.2.1. 长春洞古建筑雕刻艺术具有直观具象性 36
3.2.2. 长春洞古建筑雕刻艺术以静态表现出动态 36-37
3.2.3. 长春洞古建筑雕刻艺术具有的形式美是与道教文化的结合 37-38
3.3. 长春洞古建筑雕刻艺术题材的多样性 38-39
第四章 ：巍宝山古建筑及其雕刻艺术的保护和传承 39-44
4.1. 如何保护和传承巍宝山长春洞古建筑及其雕刻装饰艺术 39-41
4.1.1 强化本地区群众保护和传承民族文化的意识 39-40
4.1.2 创新本地区民族文化传承的形式 40-41
4.1.3 进一步拓展本地区民族文化传承的渠道 41
4.2. 巍宝山古建筑雕刻艺术在现代设计中的应用 41-44
4.2.1 巍宝山古建筑雕刻艺术是现代设计借鉴的源泉 41-42
4.2.2 巍宝山古建筑雕刻艺术在现代设计中的应用实例 42-44
结语 44-45
致谢 45-46
参考文献 46-47
美术教育专业毕业论文提纲范例
有了一个好的提纲，就能纲举目张，提纲挚领，掌握全篇论文的基本骨架，使论文的结构完整统一;就能分清层次，明确重点，周密地谋篇布局，使总论点和分论点有机地统一起来;也就能够按照各部分的要求安排、组织、利用资料，决定取舍，最大限度地发挥资料的作用。下面是我整理的美术教育专业毕业论文提纲范例，希望对大家有所帮助。
摘 要
Abstract
引言
1 课题研究的意义
2 国内外研究现状
3 存在的问题
4 研究方法及思路
5 数字化项目学习的优势
6 论文的创新
第 1 章 数字化教学的时代背景
1.1 教育范式的转换对教育理念的影响
1.1.1 理解教育范式
1.1.2 教学范式向学习范式转换的必然性
1.1.3 学习范式体现以学生为主体的优势
1.2 教育技术的发展
1.2.1 国内外教育技术的发展概况
1.2.2 教育技术与教育范式的关联
1.2.3 教育新范式下的教育技术范式转变
1.2.4 网络技术对美术课的.影响
1.3 课程改革
1.3.1 我国相关政策的支持
1.3.2 新课程改革对数字化美术课程的要求
第 2 章 数字化下美术项目学习的积极作用
2.1 回顾以往数字化美术教学模式的多样性
2.2 数字化美术项目学习模式的理论基础
2.2.1 解读项目学习
2.2.2 建构主义
2.2.3 多元智能
2.2.4 实用主义
2.3 数字化美术项目学习的必要性和科学性
2.3.1 必要性
2.3.2 科学性
第 3 章 数字化环境下小学美术项目学习模式的建构
3.1 美术项目学习模式的建构
3.1.1 项目学习目标的建构
3.1.2 项目学习活动设计的建构
3.1.3 项目学习成果展示、评价体系的建构
3.2 数字化环境下小学美术项目学习活动的设计实施案例
3.2.1 《正月十五闹元宵》项目学习活动实施案例
3.2.2 项目学习单元设计方案
3.2.3 项目实施过程
3.2.4 项目反思
第 4 章 数字化美术项目学习模式的前景展望
结 论
参考文献
艺术论文提纲模板
导语：随着人们生活水平的提高，艺术越来越受到人们的关注。下面是我分享的艺术论文提纲的模板，欢迎阅读!
传统文化下声乐艺术审美观研究
摘要：中华民族的声乐艺术深深受中国传统文化的影响，这主要体现在其审美观念上，并对声乐艺术的不断发展起着重要的促进作用。以此为出发点，本文在中国传统视阈的观照下对民族声乐艺术美善合一、心理和谐、清新简淡、以及追求韵味的审美观念进行了详细的探讨。
关键词：传统文化;声乐;艺术;审美
一、美善合一的声乐艺术审美观
二、心理和谐的声乐艺术审美观
三、清新简淡的声乐艺术审美观
四、追求韵味的声乐艺术审美观
五、结语
在中华民族传统文化的视阈下来探析声乐艺术中的审美观，是对于声乐艺术的发展特性的遵循，能够使我们声乐艺术中审美价值内涵有一个深切的体悟。从传统文化的视角出发，对中华民族的声乐艺术审美风格进行探讨，有利于构筑和完善美学概念下的声乐审美体系，以满足新时代下大众对声乐艺术的不断追求。
[参考文献]
[1]张晓农.传统文化审美视野下的声乐艺术审美观——兼及中西传统艺术的审美差异[J].音乐研究,2004,01:59-64.
[2]齐祥涛.民族声乐艺术审美内涵及嬗变[D].曲阜师范大学,2013.
钢琴音乐艺术的审美情感表达研究
摘要：音乐作为一种特殊的语言形式，能够对人的主体意识进行反映，实现对情感的完美表达。钢琴素有乐器之王的美誉，不仅能够弹奏出交响乐队般宏大的音响效果，也可以表现出流水般细腻的音乐形象，一个优秀的钢琴音乐作品，蕴含了作者以及演奏者的情感，可以通过不同的方式向听众传达。本文主要针对钢琴音乐艺术的审美情感表达进行讨论。
关键词：钢琴;音乐艺术;审美情感;表达
1钢琴音乐艺术审美情感表达的特点
2钢琴音乐艺术审美情感表达的形式
在钢琴音乐艺术中，对于审美情感的表达，并不单纯的.局限于音乐作品，其形式是多种多样的：
2.1旋律钢琴音乐的旋律创作
2.2和声
2.3小品
3钢琴音乐艺术审美情感的诗意化表达
3.1标题音乐的发展
3.2诗歌的改编创作
3.3诗歌意境的营造
4结语
音乐与人的心理活动以及情感活动存在一致性，能够实现感情的同步，其本身就是一种人的主观表象，可以凭借优美的旋律，表达出作曲家、演奏者的内心情感，引发听众的心灵共鸣。钢琴音乐能够将简单的音符和记号转变为美妙的乐音，表达内心的情感变化，唤起各自的人生体验。
参考文献：
[1]袁科.论钢琴音乐艺术的审美情感表达[J].时代文学(下)，2009(3)：197-198.
[2]刘琉.钢琴音乐艺术的审美情感表达和魅力[J].教育艺术，2010(2)：23-24.
[3]刘琳.论钢琴音乐艺术的审美情感表达[J].成功，2013(20)：275.
[4]吴旭东，马宁宁.钢琴艺术审美因素与情感关系研究[J].音乐时空，2015(24)：110
公共艺术与城市景观探析
摘要：公共艺术作品通过艺术介入城市空间，使现代城市景观在形式和精神内涵上都得以新的延伸，公共艺术作为城市景观中的一部分，其创作过程中必须保持“场所精神”，以及把握四个原则：以人为本、公众参与、情景交融、延续与创新。
关键词：城市景观;公共艺术;场所精神
1公共艺术的定义
2公共艺术在城市景观中的作用及类别
3公共艺术在塑造城市景观中的创作原则
3.1以人为本原则一个人来到空间中就必须寻找人的足迹，人成了社会空间中内容价值的精华。正是有了公众的需求，城市才被要求具有更有品质的城市公共环境景观。
3.2公众参与原则
3.3情景交融原则
3.4延续与创新原则
4结语
参考文献：
[1]张斌，杨北帆.城市设计与环境艺术[M].天津：天津大学出版社，2004.
[2]靳埭强.集•公共艺术国际论坛暨教育研讨会[M].桂林：广西师范大学出版社，2009.
[3]王中.公共艺术概论[M].北京：北京大学出版社，2007.
[4]赵和生.城市景观的视觉评价[M].南京：东南大学出版社，1999.
[5]姜竹青.欧洲公共环境艺术[M].济南：山东美术出版社，1998.
[6]翁剑青.城市公共艺术[M].南京：东南大学出版社，2004.
[7]吴家骅.环境设计史纲[M].重庆：重庆大学出版社，2002.
[8]邓承金，陈海源.关注城市公共艺术创造特色的城市景观——城市公共艺术环境设计与研究[J].中国建设信息，2006(11)
艺术论文提纲模板
导语：随着人们生活水平的提高，艺术越来越受到人们的关注。下面是我分享的艺术论文提纲的模板，欢迎阅读!
传统文化下声乐艺术审美观研究
摘要：中华民族的声乐艺术深深受中国传统文化的影响，这主要体现在其审美观念上，并对声乐艺术的不断发展起着重要的促进作用。以此为出发点，本文在中国传统视阈的观照下对民族声乐艺术美善合一、心理和谐、清新简淡、以及追求韵味的审美观念进行了详细的探讨。
关键词：传统文化;声乐;艺术;审美
一、美善合一的声乐艺术审美观
二、心理和谐的声乐艺术审美观
三、清新简淡的声乐艺术审美观
四、追求韵味的声乐艺术审美观
五、结语
在中华民族传统文化的视阈下来探析声乐艺术中的审美观，是对于声乐艺术的发展特性的遵循，能够使我们声乐艺术中审美价值内涵有一个深切的体悟。从传统文化的视角出发，对中华民族的声乐艺术审美风格进行探讨，有利于构筑和完善美学概念下的声乐审美体系，以满足新时代下大众对声乐艺术的不断追求。
[参考文献]
[1]张晓农.传统文化审美视野下的声乐艺术审美观——兼及中西传统艺术的审美差异[J].音乐研究,2004,01:59-64.
[2]齐祥涛.民族声乐艺术审美内涵及嬗变[D].曲阜师范大学,2013.
钢琴音乐艺术的审美情感表达研究
摘要：音乐作为一种特殊的语言形式，能够对人的主体意识进行反映，实现对情感的完美表达。钢琴素有乐器之王的美誉，不仅能够弹奏出交响乐队般宏大的音响效果，也可以表现出流水般细腻的音乐形象，一个优秀的钢琴音乐作品，蕴含了作者以及演奏者的情感，可以通过不同的方式向听众传达。本文主要针对钢琴音乐艺术的审美情感表达进行讨论。
关键词：钢琴;音乐艺术;审美情感;表达
1钢琴音乐艺术审美情感表达的特点
2钢琴音乐艺术审美情感表达的形式
在钢琴音乐艺术中，对于审美情感的表达，并不单纯的.局限于音乐作品，其形式是多种多样的：
2.1旋律钢琴音乐的旋律创作
2.2和声
2.3小品
3钢琴音乐艺术审美情感的诗意化表达
3.1标题音乐的发展
3.2诗歌的改编创作
3.3诗歌意境的营造
4结语
音乐与人的心理活动以及情感活动存在一致性，能够实现感情的同步，其本身就是一种人的主观表象，可以凭借优美的旋律，表达出作曲家、演奏者的内心情感，引发听众的心灵共鸣。钢琴音乐能够将简单的音符和记号转变为美妙的乐音，表达内心的情感变化，唤起各自的人生体验。
参考文献：
[1]袁科.论钢琴音乐艺术的审美情感表达[J].时代文学(下)，2009(3)：197-198.
[2]刘琉.钢琴音乐艺术的审美情感表达和魅力[J].教育艺术，2010(2)：23-24.
[3]刘琳.论钢琴音乐艺术的审美情感表达[J].成功，2013(20)：275.
[4]吴旭东，马宁宁.钢琴艺术审美因素与情感关系研究[J].音乐时空，2015(24)：110
公共艺术与城市景观探析
摘要：公共艺术作品通过艺术介入城市空间，使现代城市景观在形式和精神内涵上都得以新的延伸，公共艺术作为城市景观中的一部分，其创作过程中必须保持“场所精神”，以及把握四个原则：以人为本、公众参与、情景交融、延续与创新。
关键词：城市景观;公共艺术;场所精神
1公共艺术的定义
2公共艺术在城市景观中的作用及类别
3公共艺术在塑造城市景观中的创作原则
3.1以人为本原则一个人来到空间中就必须寻找人的足迹，人成了社会空间中内容价值的精华。正是有了公众的需求，城市才被要求具有更有品质的城市公共环境景观。
3.2公众参与原则
3.3情景交融原则
3.4延续与创新原则
4结语
参考文献：
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大学的艺术概论是高等艺术院校学生的一门专业基础理论必修课,是对艺术的基本原理、知识及相关问题进行系统化专门性研究的学科。下文是我为大家搜集整理的关于大学艺术概论结课论文的内容，欢迎大家阅读参考! 大学艺术概论结课论文篇1 浅谈艺术图形符号应用于商业广告中的重要性 在人类语言产生之前，人们记录和传递信息的方式主要依赖于艺术图形符号来完成。从结绳记事到象形文字的产生，图形符号不断被运用和发展，这奠定了艺术图形设计的基础，使这种源于人们生存需求的符号发展到现阶段形成了一种独特的符号学。在目前的商业广告中，艺术图形符号在广告领域起着决定性作用，其在特定的环境中能够明确展现出商业信息、性质及原则等，是商业广告的重要组成部分。那么，艺术图形符号具有什么象征性，在商业广告应用中具有何种重要性，笔者对此问题进行探讨。 1. 艺术图形符号的象征性 图形符号是人类发明的一种语言，是为了传达事物信息的载体，能代表某种事物。在商业广告设计中，艺术图形符号主要包括下述几种：传统图形符号、自然图形符号及抽象图形符号，不同类型的图形符号具有不同的象征性。 1.1.传统图形符号的象征性 传统图形符号是随着人类社会的发展，为了满足人类自身需求而逐步形成的某种定式，通常具有祈福驱祸、祈求吉祥的象征意义，如兽纹具有等级和尊卑的含义、龙是帝王的象征等。其象征性具有包括时间性、地域性、文化性，时间性表示过去古老的、历史的、沧桑的;地域性是指国家的、民族的等;文化性是指不同地域具有的典型文化。 1.2.自然图形符号的象征性 自然图形符号通常来源于自然界，并非人为创造的，而是自然界本来就存在的。这种类型图形种类繁多，不同的类型具有不同的象征性，通常根据其外在样式和特性象征和其类似的概念或者意图，如树的年轮文理象征时间、蜂窝象征结构、建筑等。 1.3.抽象图形符号的象征性 抽象图形符号分为规则和不规则，通常根据其外在样式象征人们的某种视觉心理，如正方形象征可信、坚实等;三角形象征层次、锐利;不规则几何图像象征波动、扭曲、激动及噪音等。 2. 艺术图形符号在商业广告中的重要性 2.1.能有效传播信息 从传播学角度来说，艺术图形符号应用到商业广告中，既能有效的承载信息内容，又能有效的传播信息。在商业广告中，不论是影视广告制作还是平面设计，使用艺术图形符号的主要作用是传递商品的相关信息，以构建和消费者之间的联系。与文字相比，在商业广告中使用艺术图形符号具有“与象共生，与意同行”的特征，既能最大限度的还原并美化广告商品的造型，并能带给消费者明确的视觉感知。除此之外，就象征意义而言，艺术图形符号更容易和消费者的视觉认知产生共鸣，通过商业广告中的艺术图形符号，消费者不仅能感受到商品的美感，还能体会到其中的深刻内涵，大大增强了广告画面的视觉效果。 2.2.能有效传承民俗文化 艺术图形符号的设计和文化密不可分，通过独特的表现形式承载人类社会的文明和审美观念。在现代商业广告设计中，设计师通过灵活多样的表现技巧，能够有效的将图形符号的象征性和企业产品的形象实现完美对接，这样不仅能使消费者对历史产生回忆，又能将民俗文化融入到企业文化理念中，进而建立强大的社会公信力。如民族传统食品广告，设计师设计时既要掌握消费者的心理，又要融入传统民俗文化，更关键的是通过图形符号将传统文化优美的展现出来。如中秋节的月饼广告，其中有两大图形符号：月宫仙子和月饼，前者表示嫦娥，后者表示食品。这种巧妙的图形符号组合，即传统了民俗文化，也宣传了月饼的美味。 2.3.能促进销售 现代商业的广告设计，对刺激消费心理、引导消费方式和观念、传播消费文化等具有十分重要的意义。设计师在进行广告设计时，为了更好的实现将商品的功能、审美与消费理念进行对接，通常借助丰富的意向图像符号塑造美好的观念形态，以获得消费者的价值认同和情感共鸣。通过设计师的精心处理，艺术图形符号展现了一种近乎完美的观念形态。消费者看到这种广告时，能从精神和物质生活得到一定的满足。如房地产广告中，设计时将住宅区优美的环境、超然的生活理念以艺术图形符号的形式展现出来，与消费者的需求近乎一致，这能使消费者产生消费的冲动。 2.4.具有审美体验和精神满足功能 在商业广告中，消费者对于艺术图形的审美，是从视觉冲击再到情绪变化，最终反应到行为中。就商业广告的传播意图来说，主要是为了将商品信息通过艺术图形的方式传达出去，采用这种艺术性传达的方式能够有效调动消费者的审美情绪，激发消费者对美好生活的向往，最终刺激消费者进行消费。就消费者视觉感知来说，对商业广告中艺术图形符号的审美体验是从视觉愉悦再到情感共鸣，最终到心灵升华的一个过程。 消费者审美的愉悦和精神满足类似于“连体婴儿”，一旦满足其中一方面，另一方面就很容易被满足。现代商业广告的设计日益重视审美和精神的有机结合，同时也将产品的功能、品质及民俗文化融入其中，使消费者在认同艺术图形符号所展现的审美和文化价值时，也能满足其精神需求。 3. 结束语 综上所述，艺术图形符号在商业广告中具有十分重要的作用。随着时代的变化，商业广告的艺术图形符号也发生巨大的变化，设计师在广告设计时要将艺术图形符号与现代科技紧密结合，并与空间环境相适应，以便在能实现功能的同时，也带给消费者愉悦的享受。 大学艺术概论结课论文篇2 试谈当代珠绣艺术在城市家居装饰中的价值体现 一、引言 “中国珠绣文化在某种程度上已经成为一种传统，一种传承的力量”。珠绣工艺的运用在各个方面，可以运用在各类具有特色风格的城市家居设计中。珠绣的材质具有特殊性，可展现出浮雕的效果。珠绣是传统的手工技艺，是工艺师将美丽的珠粒精致地手工缝合，再采用一定的处理手法而制作成的珠绣，直至达到作品的完美效果。 二、珠绣艺术的作用与特点 珠绣工艺是把多种色彩的珠粒或珠片，经过专业绣工纯手工精制而成。珠绣的材料丰富，大致有珍珠、玻璃珠、珠片、珠管、人造宝石、水晶、亚克力以及一些非常规材料。珠绣家居装饰的特点是富丽堂皇、精致完美，具有有浮雕的视觉效果。其次，珠绣可以改变材料的肌理感，从而打破原有材料本身的质感和触感，使其在城市家居装饰等各方面中有更好的体现。 三、珠绣艺术在家居装饰材料中的选择 (一)珠绣的装饰要求 珠绣家居装饰的用料有涤纶、仿真丝、毛织物等面料。缝合上绣珠的面料靓丽而有动感。而缝合上亮片的毛织物与亮片形成强烈的对比效果，光彩夺目。珠绣家居装饰制作是先将图案拓印在家居装饰材料上，然后上再采用镶嵌和挂饰等手法处理。高档的珠绣是在装饰材料上做大量的图案构成组织。一般的珠绣则只做珠片小点缀。 (二)珠绣家居装饰中的色彩搭配 珠绣的色彩搭配应该与家居装饰的风格一致。不管是进行类似色和互补对比色的搭配组合，只要在整体风格上与家居装饰风格保持一致性就可以。但品牌家居装饰设计常常按照系列来进行表现，在销售门店也是以系列效果来销售的，所以珠绣家居装饰的色彩需要与系列感的要求来完成设计，需要注意珠绣家居装饰材料的色彩和整体设计风格的完美结合。 (三)珠绣对家居材质的要求 清新的家居装饰就不宜使用太重或感觉沉闷的材质，也不需要运用太多的亮片等材质，以免破坏家居装饰的整体效果;而适合浓郁色的的家居产品常使用厚重的材料，选择大颗粒的珠绣材质，以表现出特色家居装饰的视觉感;民族风格家居装饰则适合天然的木材绣珠、彩钻等来点缀;而需要表现富丽的家居装饰效果等则可选择带有金、银色的水钻、亮片完成装表现的效果。 四、珠绣的在家居装饰中的表现形式 (一)打散与组合 在常规的家居产品装饰部件进行再次设计，对设计元素进行打散再次组合的方式。运用人们的恒定思维模式去反向设计研究，使家居产品体现出时尚前卫的表现效果，能够体现出家居产品另类的特点，绣珠的的变动方式越大，跟常态家居设计的反差更能给人视觉冲击力。由于家居装饰的形式人们常常用定向思维思考，所以这种变形能够引人们的关注与青睐。 (二)重复与排列 家居装饰设计中运用某个元素重复的排列组合，产生深刻的视觉冲击效果。 我们常常看到，单位元素的反复重复的出现有力量和节奏感。重复可以元素反复出现而加深人们头脑中的印象。绣珠在重复可以是将单一的形式，也可以是组合后图案再重复出现，视觉的震撼感会更为有效果。 (三)夸张与个性 在家居装饰设计中装饰对象的特点，在设计通过体积，大小数量等方面的夸张来彰显性特点。夸张是把设计对象的特征进行强调。夸张手法在家居装饰设计中非常多，绣珠中也可以灵活的进行展示，可以达到不错的审美效果，绣珠可以在数量上的进行夸张，夸张的对象除了装饰材料以外，还可以对家居装饰的细节部位做适当的夸张变化，体现出具有个性特征的整体效果。 (四)聚散与完整 绣珠的分散是分解组合的构成手法，将完整的部分进行分割成小的部分，然后再进行装饰组合。分散后的部分和原型部分不同，这些元素之间又有着相互相同的地方，统一之中有着一定的变化。分散与组合的手法在家居装饰中多通过图案组织形式的变动来体现。解构主义风格的家居装饰是打散构成的方式，以家居装饰对象完成打散后再重新组合出新的形象，使得家居装饰具有视觉冲击效果。 (五)对比与和谐 将家居装饰的整体与局部进行有序的排列对比，局部与局部之间的比较。运用在家居装饰设计中，就是指家居装饰的细节元素与整体家居装饰的比较，使得其视觉上具有和谐的效果。 五、珠绣艺术在现代家居装饰中的运用 (一)珠绣艺术的绣法要求 绣珠的大小材质的要求，绣珠绣时选择绣珠很关键。在完成绣的工艺时候选择大小体积均匀的材料，大小不同的珠子会影响最终的大效果。绣珠的方向，绣珠绣时要求所有珠子的倾斜方向必须保持一致，才会有光泽感。起针点要求，绣珠绣时通常是以图案的最下面一排(左下角或者右下角)为起针点。起针要求，起针时，先将绣线尾部打结，在绣布背面穿过几针(注意不要穿透到正面)后从直针点穿出。收针要求，绣线快用完时，将针穿入绣布背面，在绣布背面穿几针，然后直接剪断即可，且必须再打结。注意尽量少在绣布上打结。 (二)珠绣在婚礼家居装饰设计中的运用 手工珠绣表露奢华精致，无论时间怎样沉淀，婚纱家居装饰上的手工珠绣工艺都是爱美的人们追捧的宠儿。其中创意狐， FARAH KHAN等最常用到珠绣艺术设计。以新颖别致的传统工艺手法，绣制光彩夺目的立体图案，带来富丽堂皇的奢华感觉。绣、花边、烫钻、珠绣、毛皮等一切华丽的装饰主义都会集于她的设计之中，或妖艳、或怪诞、或颓废、或复古，配合人体优美曲线，显得高贵典雅，扑朔迷人，如图1所示。 (三)珠绣在中国风家居装饰设计上的运用 近年来，一股强劲的中国风在家居装饰设计界越吹越猛。几千年传承的文化精华，成为设计师们创作设计永不枯竭的灵感之源。2015年高级家居装饰设计发布会在北京饭店金色大厅举行。家居装饰设计设计可以高度概括为五大特征：以“礼”为魂，以“锦”为材，以“绣”为工，以“国色”为体，凝汇呈现数千年华夏家居装饰设计的文明，开创现代中国特有的一种家居装饰形象，延续了“贯通古今，融汇中西”的中华精神，将宋代淡雅高贵、简洁婉约的家居装饰文化与轻盈通透、色彩柔和的2015年国际流行家居装饰趋势精妙融合，展开了一场关于美学与历史、繁花与诗画的精妙对话。飘逸轻灵的设计，淡雅高贵的色彩，缂丝、织锦、印金、刺绣等中国传世绝艺让家居装饰都令人目眩神迷，堪称经典与时尚完美融合的力作，如图2所示。 六、结语 珠绣艺术对于现代家居装饰的设计作用巨大，其锦上添花的艺术效果，永远备受人们青睐。作为家居装饰新兴的装饰手法，珠绣的手工技术日渐丰富，其装饰图案、色彩、材质也受到流行趋势的影响。在现代家居装饰设计中，随时关注流行趋势，把握审美需求，利用家居装饰不同的质感与工艺，巧妙的运用珠绣装饰图案、色彩、材质的不同造型手法和特殊工艺手段进行设计，根据不同的装饰题材与设计手法丰富家居装饰的面貌，使珠绣在家居装饰中更有时代感和感染力。了解珠绣在现代家居装饰中的应用及手法，不仅认识到珠绣在家居装饰中的重要性，而且也是对中国传统手工艺术的一种传承和赞许。 猜你喜欢： 1. 艺术概论论文 2. 运动艺术概论论文 3. 对美术概论的认识和思考 4. 大学毛概课结课论文 5. 艺术鉴赏论文 6. 环境艺术概论论文
三、绳带在服装实用与装饰方面的广泛应用 绳带在服装上出现很早，甚至在服装还没有正式出现以前，人类祖先就懂得用绳子一类的东西将兽皮捆绑在 身上用以防护和御寒。几千年来，绳带一直在服装上大量使用，其中很多形式沿用至今，原因很明显，一是它的实 用性，使用简单，不需复杂加工；二是它是纤维物质，柔软、易塑型，与服装整体和谐统一；三是它自身具有视觉 美感，有极强的装饰效果。 大体说来，在早期的服装中，绳带的作用主要是连接和束缚衣片，以实用功能为主， 后来装饰作用逐渐增加，甚至有些服装上的绳带已脱离了实用功能，完全用作装饰。 春秋战国时期，绳带在服装上已有了它的装饰作用。山西侯马出土的陶范中有男 子穿着丝绦束腰服的形象，其腰际有一个大的蝴蝶结束紧衣服。另外，湖北江陵、河南 信阳出土的一些系带、腰带等文物，也都表明绳带在那时的式样已非常纷繁，装饰技巧 也十分巧妙。唐代大诗人王维的"翠羽流苏长"所描写的就是服装上各式各色的丝带和垂 饰。丝带是古人用以束衣的实用工艺品，可宽可窄，还可结冠挂印。垂饰的历史更为悠 久，它小巧、精致、变化多样，富有吉祥美好的寓意。"君子无故、玉不去身"，说的就 是古人佩玉的风尚。 值得一提的还有中国古代的"大带制度"，绳带在这里除了束腰功能和装饰作用外，还是政治身份和社会地位 的象征。据文献记载，腰带形制非常复杂，颜色装饰各不相同，尤其是各种佩饰，上自天子、下至士庶，等级差别 十分显著。 绳带在其他地域、其他民族的服装中，同样应用得十分广泛。古希腊的希顿、古罗 马的丘尼卡，都是在简单而宽大的布料上系上一根带子，既有保暖和方便活动的作用，同 时又形成了优美的衣褶。信奉基督教、天主教的新娘结婚所穿用的白色婚纱，经常有大量 的缎带、丽丝飞边、蝶结等作装饰，非常漂亮。日本和服上的腰带也十分有特点，因为腰 节提高，使日本妇女较为短粗的下半身在视觉上变得修长了。再如朝鲜族传统的长裙，简 洁、飘逸，胸前宽大的蝴蝶结成为朝鲜族服装最显著的特征。 上述实例中绳带只是在服装的某一局部使用， 其实，绳带还可以当作服装的主要 材料，特别是在现代服装设计中，这类例子非常多。如左图，将皮革裁成细条从胸部围 合，直接用腰带固定成衣身，很有创意。再如美国电影《第五元素》中女主角米拉的"捆 绑装"，即是根据剧情需要完全用宽的带子设计制作的，给人留下了深刻印象。此外，绳 带还有一种特殊形态就是编织（结）。编结物有一种独特的风格，松垂、有空隙，那种 反复而对称的几何风格的骨骼纹络，在人们眼里俨然已经成为一种美妙的图案。编织服 装的历史非常久远，在我国，早在春秋战国时期编结物就已十分精致并开始运用到衣服 上，最为突出的代表是1972年长沙马王堆一号汉墓出土的"千金绦"，手工精湛，颜色讲究，编织手法老道，令人 赏心悦目。 绳带在现代服装设计中使用的范围极其广泛，形式和功能多种多样，使服装风格千变万化。有的是服装造型 的主要手段，作用关键；有的则画龙点睛，强调装饰；有的与服装主体相连，是服装的延伸； 有的与服装主体相 分离，运用自如；有的对比，有的统一；有的简单，有的复杂…… 除了上衣下裳，帽子、鞋、包等独立服装附属 物上也经常出现绳带的踪影，而发带、颈带、吊带、腰带、裙带、绑腿、鞋带等的样式就更为丰富多彩。
我对艺术审美特性的探讨和观点谈艺术审美特性的探讨，首先我们怎样培养艺术和审美观点及审美经验是一个主要的问题。艺术源于自然。艺术是包罗万有的，《燕园梦》作者悠哉(杨秋荣)参编的一部《美学原理》教材。<<隐是很广泛性的问题。我们要了解艺术及它的审美都是有一定的分类的。但从深层次的角度来看我们不难发现它的共同点和统一性。我将细化和着重探讨一小部分艺术分类出来的项目去结合它的统一性。也有宏观的发展潜力。 （前言） 关于艺术审美特性的探讨，千百年来有多少学者都对其解析和论证多不胜数。艺术审美特征的探讨也是和当今好多问题的探讨那样使人难明和深奥。它就同文言文那般，使普通的世人对其比较难分析。通过《现代汉语》和《语言概论》一书中，我们都知道语言和文字都是随着时代的变迁有着不同的变化，文言文也随着人们对其的了解进行了白话文的解析和分类，但学者认为只有文言文的存在才能把原本的意义给保留。艺术审美特征的研究也像文言文研究大致类同。艺术的存在也不是我们所认识才有的。例如静止的也是一种艺术。艺术源于自然。 近几年来随着我对武术的深认知和问学及从各方的学者的指导，一直在探讨从武术到艺术的问题上。一般在学术上要求高的学者都是多能的，我是一名比较专业的武术运动员，也从事过理工专业的学习，略懂音律和美术，我一直认为真理是不需要华丽的装潢，才会使人相信的。艺术源于生活和实践。 其次我通过汉语言文学的学习当中得知在《文学概论》一书中提出了隐含读者一词。“隐含读者”是德国接受美学代表人物伊瑟尔提出的重要概念。所谓“隐含读者”是相对于现实读者而言的，是指作家本人设定的能够把文本加以具体化的预想读者。也就是说，是作家预想出来的他的作品问世之后，可能出现的或应该出现的读者。这种预想有时是自觉的，有时可能是不自觉的。随着隐含读者一词被挖掘和认识出来，同时也诞生出许多隐含问题。自77年恢复高考以来，每年的毕业生论文多如牛毛，接着网络的推动和高速发展不管是什么研究的项目，我们都会找出一批相同的字眼及理论成果。例如某某大学教授有抄袭嫌疑等等的隐含问题。在这个年代我们常常都提出要创新和自主，为了减少这些没有意义和比较相同的结果，我希望运用我的专业知识将所知道的，所悟到的去磨合和简单明了的方式去解析及论证关于艺术审美特性的探讨的问题上。也许这是一个太冒险的行为，但这也是符合我的个性。 一、对艺术的认知 1）、艺术通过时间的到来和生活实践，我们得知有时候不同的国籍，不同的血统，对相同的事物有着不同理解，在很大的程度上是历史和更深层次的文化渊源及民族传统所导致的艺术表现和审美观点及审美经验的不同，有时候的差异性是非常大的，甚至表达错误。例如外国人打武术，中国人跳国标舞，唱意大利歌曲，他们在表演过程中我们不难发现在某些环节上欠缺的东西。 2）、谈艺术是要有一定的文化基础和文化底蕴的，也就是说没有一定的基础从何谈艺术和审美？ 3）、时间和地点，人物也是艺术和审美的推动者，不同的时间，不同的地点和是什么人，人们对事物的不同观点。你不至于在枪林弹雨的战场上播放音乐剧吧，你也不至于在抢救生命的时候站在护士和医生面前搞行为艺术吧。 4）、很多艺术的表达基础是人类的肢体语言，也就是说人体的内外各部位，而人类通过思想指挥肢体，而思想就是人类的对事物的认知，加深文化底蕴。在对此情此境，境随心变或心随境变下产生艺术作品。例如我写的诗。 《明月在》 《拳醉》 明月照当头， 先秋之风花落地， 山河烟城在。 旁见意境心略动。 举杯邀月时， 酒醉过半拳更厉， 人却几春秋。 一朝醒来新鲜事。 以上的两首诗是我在中秋节和秋天某个特定情感和灵感下写的，也就对艺术基础的认知所得出的作品。 5）、学艺术之首（为人师表）。 在没开始谈如何细化培养艺术和审美观点及审美经验过程的问题上。我先说说我通过近十几年的学问，学武术的道路上所听所闻的种种社会现象，这也就是最关键的，我是获过国际太极拳冠军的民间武术运动员，有好多人游走在自以为是的半懂半唔知的阶段，去误导世人。对学术走向艺术道路上几乎成为了很多人的绊脚石，也就是说同一个病为什么大家都是医生就只有少数的能治好。那就是说你还没到家。 我常常在与我交流的人群中提出读万卷书不如行万里路，行万里路不如名师指点，名师指点不如自己领悟，又回到那中心点又重新来过的循环，在实践中再实践的过程，从而得到圆满和自然的学术乃至艺术美。二、举例说明如何细化培养艺术和审美观点及审美经验过程。 （1）、走向艺术的基础。 关于艺术审美特性的探讨，我希望用我的专业知识去磨合和简单明了的举例方式去解析及论证。 例子1：我的一篇文章《问功夫》。 上个世纪至今随着一部部功夫片的诞生和一代代功夫巨星或一些人将所谓的功夫在电影中和在日常生活中演得出神入化，尤其是一代功夫巨星李小龙将(功夫)这一名词带进世界词典中，功夫就成为当今世界人们在生活中不可少的话题之一。 人们在生活中通过电影和在江湖上所看到的，所听到的，所谓的功夫是都是半知半解的，我可能也是，《叶问》上演的前前后后都有很多人问我关于功夫的问题，还有一些所谓特异功能和一些神话的问题，功夫是怎样练成的，有没有天下无敌的功夫等等。那我就在以下一一的把我所知道的所理解的解答一下。 1. 特异功能和神话到现在都没有发现到（因世界成立了特异功能基金会到现在没有一个人拿到）很多人所用的手法有魔术，生物，物理，化学等等的手法。 2. 所谓功夫这一名词的解释和含义有很多种，可以说你雕刻的功夫不错喔，你的做菜做饭的功夫不错喔，你修理的功夫不错喔等等。人们往往把功夫误解为是武术的代言，解释等等，一代功夫巨星成龙是这样解释功夫的——你随便把一些东西丢出去就把人打死的你的功夫很不错。含义很深吧，我在《家》这篇文章中可以找到一些答案。功夫是很广的就像宇宙那样，解释功夫和表演有很多种的，尤其有一种大家也就是想知道这个，就是武术。 3. 武术在古代就有了，人们通过武力得到了和平，武术的解释也有很多种，武字在笔画解释中是止和戈组成的，就是以武制（止）讨（伐）的意思。术字的解释也有很多种，一般有通过表演的手法，人们所听所闻的等等术数而组成术。武术在当今世界上有很多种，有各门各派的武术，武术一般分为拳术，器械，内家，外家，套路，散打等。 4. 拳术一般是用肢体演练的拳术。 5. 器械一般是用肢体拳术搭配器械而演练。 6. 内家一般是用肢体拳术或搭配器械而演练比较慢的武术，一般有太极拳，软气功硬气功，八卦拳等。 7. 外家一般是用肢体拳术或搭配器械而演练比较快的武术，一般有跆拳道，空手道，柔道，散打，泰拳等。 8. 套路一般是用肢体拳术或搭配器械而演练比较快和比较慢的一组武术动作等。 9. 散打一般是用肢体拳术或搭配器械而演练比较快的武术格斗动作等。 10. 天下无敌的功夫是有的大家都知道的就是以和为贵，例如我们的外交部，通过外交关系得到和平。 11. 功夫是怎样练成的很简单就一句话（功多艺熟）就会演练得出神入化，我在《家》的文章中的“家”就是这样成为家的。 通过以上我所理解和知道的去解释功夫这一名词，大家大概也知道一些功夫的含义。我们已知道这样的学术问题，不难已点，线，面的方法去探讨艺术。 例子2：通过对太极拳之美的了解升华到艺术美 在我《问功夫》的文章中提及到的内家拳中有一种是太极拳，在日常生活中有好多时好多人都问我有关于太极拳的问题，怎样练好太极拳也就是成为近百年来人们所提及的话题之一，怎样练好太极拳呢？那我就把我所以为知道的、我最熟悉的太极拳竞赛套路来讲讲，也就是很多人想知的所谓秘密所谓神功。 在我国有一部名经那就是《易经》，在易经中所提到的无极生太极，太极生两仪，两仪生四象，四象生八卦，也就是说在不断的变化的一种说法。记得在金庸武侠小说笑傲江湖中提到华山派有剑气和剑式之争，最后还是剑式是最厉害的。从以上的两个例中我们也不难找到一点道理。其实在万事万物中是在不断变化的，不管你是从那里学起，只要是正确的都能走上一层、走向统一。我的理论体系中就有以下及我要提出的问题之处和很多我见过的例子去解释。 1、我们先不要讲练太极拳，从武术的角度来讲我认为练太极拳前首先先从武术的基本功开始，练长拳、南拳、刀、枪、剑、棍、棒等外家拳学起。也就是说无极生太极，剑式到剑气的道理，从原始学起。 2、我通常提及到不管你练什么拳都要练得大气大架子，方为正确。我见过社会上有好多人打拳或所谓的教练几乎百分之九十的人都是打错的，那不是一般的错（我说的是竞赛套路）什么弯腰，驼背，手势不正确等的。 3、换句话来讲太极拳可以说是长拳慢打，这样讲那就并不是那么难懂了，教好和学好拳术，首先是教的人必须要学好，教太极拳一开始就讲一些深奥的东西就是走进了误区，我通常教的就是先教二十四式太极拳，先讲武术的基本知识后开始教与练，这才会使人明白，我常常会已简单而又直接的方式去教人，这就是与武术中的一招制敌一样简单明了。 4、我认为无论是什么学术体系文章不一定要长，别人明白就行了，不要像一本天书那么厚，写的天上有地下无，写的人做不到，学的人更做不到。 5、我认为武术可以从武术转变为艺术，但前题是你要学好，所以学正确，学好太极拳，方能看到太极拳之美从而升华有艺术之美，固此以太极拳为例各种拳术也一样美，从艺术到美是一种难明的哲学，也是科学的统一，这就要看你啦。 6、在近几年的大型武术剧目及表演来看从例子里面了解太极拳之美升华到艺术美我们不难明白如何探讨审美特性的问题。（2）、举例说明已统一的观点去探讨艺术审美特征。 1、关于艺术审美特性的探讨的论坛有很多，这个我们已经知道。艺术是包罗万有的，《燕园梦》作者悠哉(杨秋荣)参编的一部《美学原理》教材。<<隐是很广泛性的问题，而艺术审美特性的探讨多已分类方法去探讨的。我们通过艺术审美特性的分类不难看到它们有时候都存在着统一性的问题。我们知道艺术更深层次的问题就是美的统一，美包含了艺术。而在佛学当中，一小部分上他包含了真、善、美，而美也只是他的一个分类。 《燕园梦》作者悠哉(杨秋荣)参编的一部《美学原理》教材。<<隐 2、艺术是反映社会生活的特殊方式，是通过审美主体与审美客体的相互交融，并由主体创造出来的艺术成果。但是，任何艺术作品的形象都是具体的、感性的，也都体现着艺术家对待生活的审美态度和思想感情，都是客观因素与主观因素的有机统一。艺术作品除了形象的特征以外，还必须具有审美特征和情感特征，它们是三位一体的，密不可分的。3、不同的观点看艺术审美得出统一的结果。为什么我会提出这样的问题呢？因为我在一段时期通过汉语言文学的学习中，在一些案例里面得知，例如我们的教授黄汉平是从事西方文学的研究和翻译的，他在和我们上课时提出从文学角度去翻译名著，并不是像翻译家那样直译时从中又看到和提出的不同的，有历史价值和观点甚至找出他们问题所在。其次我们的功夫巨星李小龙就是从舞蹈中探讨出自由搏击的步伐，而导入截拳道的哲学思想中。而这些经验常常与我的审视经历大致相同。从这里可以看到艺术也是统一的.。 4、举例部分项目艺术审美特性的统一问题。 在我同与我交流的一些运动武术系的学生们时，我问过他们对不懂武术套路的东西用审美经验只是看看他相对的是否有美感，去评论。这里面就包含了许多审美套路和统一的问题。 自第九届全国运动会的开始，我们不难看到武术发展的转变和趋势。通过走向艺术基础的举例谈论，我们的国家通过了好多学者的探讨和实践，对武术套路项目有了重大的改革，我们发现它的审美特性与舞蹈，艺术体操等有了大致相同艺术审美特性。例如音乐，衣服等等讲究。 例子：我通过武术套路与舞蹈的对比，他们都有共同的审美特性。 武术套路与舞蹈以手、眼、身、法、步的完美结合和高度统一为其主要特色, 是一门借鉴、汲取、综合戏曲、杂技、武术等艺术精华的表演艺术。近几十年来,过几代舞蹈家武术家的辛勤探索和创造, 从继承舞蹈和武术套路身法等中华民族传统文化艺术样式入手, 根据武术和舞蹈艺术自身规律的特点, 以及时代精神的要求, 运用科学的方法, 对传统的进行开发式整理, 并对其作了创造性的理论与实践上的研究与探讨,创立了一套教学的基本方法,取名为“身韵”教学法。身韵教学法的确立使摆脱了对古典的依附,从而成为一门独立的种类,因此, 对武术套路与舞蹈身韵的特性、作用、价值和教学方法等进行系统性研究, 也就成为发展必然要求, 具有极为重要的历史作用和现实意义。 “身韵”即“身法”与“韵律”的总称。“身法”属于外部的技法范畴, “韵律”则属于艺术的内涵神采, 它们二者的有机结合和渗透, 才能真正体现武术套路与舞蹈的风貌及审美的精髓。换句话说“身韵”即“形神兼备, 身心并用, 内外统一”这是武术套路与舞蹈不可缺少的标志, 是武术套路与舞蹈的术灵魂所在。一个成熟的武术套路与舞蹈演员在舞台上展现的动作之所以具有审美价值和艺术魅力, 是因为体现了“形、神、劲、律”的高度融合, 这正是武术套路与舞蹈身韵的重要表现手段。“形、神、劲、律”作为身韵基本动作要素, 高度概括了身韵的全部内涵。其规律是“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”。 形:一切外在的、直观的体态、动作; 动作与动作之间的连接; 姿态与姿态之间的过渡、路线; 凡是一切看得见的形态与过程都可称之为“形”。“形”是形象艺术最基本的特征, “皮之不存, 毛将焉附”, 没有“形”作为艺术表现和传达的媒介。任何艺术的审美性都是不能存在的。当然, 不同民族和时代都有着对形式美不同的要求。作为武术套路与舞蹈而言, 它在解决“形”的训练上要注意以下3点要领: 1 、在静止的体态(或姿态) 情况下所必须具备的自我审美意识与气质。比如: “挺拔而含蓄”、“刚劲而柔韧”这种矛盾而统一的审美意识。2、掌握姿态与姿态、动作与动作的运动过程中所经过的路线与轨迹。正如书法艺术上的笔一样, “横、竖、点、撇”是有极其严格的规范而又有充分的发展余地的, “没有规矩, 不成方圆”,人体运动艺术也是具有其自身严谨的规范和规律的。3、“由动到静”或“由静到动”这瞬间变化的运动法则。 作为“身韵”教材, 究竟在“形”上应包涵哪些内容? 众所周知, 通过传统艺术审美特征和各种典型姿态的剖析, 得出了在“形”上必须首先解决体态上的曲线美和“刚健挺拔、含蓄柔韧”的气质美。武术套路与舞蹈在人体形态上强调“拧、倾、圆、曲”这决不是什么人杜撰出来的审美标准, 从出土的墓俑和敦煌壁画中不难看出这一点是自古至今一脉相承而不断发展演变的。那就是“身韵”在“形”的训练中, 是以“拧、倾、圆、曲”的体态美为重点、以腰部的动律元素为基础、以“平圆、立圆、字圆”的运动路线为主体、以传统中优秀的典型的动作为依据, 以由浅入深并层层发展的教材为方法来培养真正懂得并掌握。 各种提、沉、冲、靠、含腆等身法的运用形式, 动作势态上的舒扬、闪凝、蓄发。 神:这是泛指内涵、神采、韵律、气质。任何艺术若无神韵, 就可以说无灵魂。在中国文艺评论中,神韵是一个异常重要的概念。无论谈诗、论画、品评音乐、书法都离不开“神韵”二字。在武术套路与舞蹈中人体的运动方面, 神韵是可以认识的, 是可以感觉的。而且正是把握住了“神”, “形”才有生命力。 在神这一元素中, 身韵强调内涵的气蕴、呼吸和意念。强调神韵, 强调内心情感。在形与神的关系中, 把神放在了首位,“以神领形, 以形传神”, 正是此意念情感造化了身韵的“韵”。譬如获得05 年CCTV 舞蹈大赛古典舞一等奖的作品《书韵》, 其男演员可以说是用气在泼墨, 用心在书法, 气“心一想, 归于腰、奔于肋、行于肩、跟于臂”, 把中国千年来书法艺术的神韵通过古典舞身韵的一招一式充分地展现出来。可以说, 没了内心情感的激发和带动, 也就失去了武术套路与舞蹈最重要的光彩。 劲:“劲”即赋予外部动作的内在节奏和有层次、有对比的力度处理。比如运动时“线中的点”即“动中之静”, 或“点中之线” (即“静中之动”) ,都是靠“劲”运用得当才得以表达, 有“刚中有柔”、“韧中有脆”、“急中有缓”等劲的区别。“劲”不仅贯穿于动作的过程之中, 在结束动作时的“劲”更是十分重要的。无论戏曲、芭蕾舞、武术套路都是十分重视动作结束前的瞬间节奏处理,。它有如下几种典型的亮相劲头: “寸劲” ———体态、角度、方位均已准备好,运用一寸之间的劲头来“画龙点睛”; “反衬劲” ———给予即将结束的体态造型以一个强度很大的反作用力, 从而强化和烘托最后的造型, “神劲” ———一切均已完成, 而用眼神及肢体作延伸之感, 使之“形已止而神不止”。 律:“律”这个字包含动作中自身的律动性和它依循的规律这两层意义。一般说动作接动作必须要“顺”, 这“顺”劲正是律中之“正律”; 动作通顺则能一气呵成, 有如行云流水。武术套路与舞蹈往往又十分重视“不顺则顺”的“反律”, 以产生奇峰叠起,出其不意的效果, 一个动作和动势的走向分明是左, 突然急转直下地往右, 或者正向前时突变向后等等均是。这种“反律”是特有的, 可以产生人体动作千变万化、扑朔迷离、瞬息万变的动感。从每一具体动作来看, 还有“一切从反面做起之说”, 即“逢冲必靠、欲左先右、逢开必合、欲前先后”的运动规律, 正是这些特殊的规律产生了特殊审美性。无论是一气呵成、顺水推舟的顺势, 还是相反相成的逆向动势, 或是“从反面做起”, 都是体现了武术套路与舞蹈的圆、游、变、幻之美, 这正是精奥之处。从人体的运动整体分析出“形、神、劲、律”各自的特点, 这正是武术套路与舞蹈“身韵”的出发点和归宿。 在以上武术套路与舞蹈审美特性的对比，再次讲明了艺术具有统一性。也得出其艺术审美经验和审美特性，在这个例子里面统一性的概念，看出了艺术的文化底蕴的重要性，里面包含了好多不同艺术的特性混合体。 （三）、艺术的审美特征 我们通过以上的浅谈，可以知道审美就是对美的欣赏。审美是人类掌握世界的一种特殊形式，指人与自然界形成一种无功利的、形象的和情感的关系状态。自然界的美是无限丰富、千姿百态的。凡是对感官知觉或想象力，具有个性表现力，同时又具有抽象的表现力的东西就是美。 艺术美不同于自然美。虽然，任何艺术作品都必须是人们所创造的，凝聚着人类劳动和智慧的结晶。然而，我们又必须注意到，并不是人类一切劳动和智慧的创造物都可以称之为艺术品。我们经常说艺术美高于生活美，就是因为真正的艺术品，必须对生活进行提炼、概括，把分散、隐蔽在生活中的自然形态的美集中起来，突现出来。只有那些能够给人以精神上的愉悦和快感，也就是具有审美价值的人类创造物，才能称之为艺术品。艺术家如果没有进步的审美观，就不可能对生活中美的和丑的事物作出正确的审美判断，不可能创造出真正的艺术品。请继续阅读相关推荐： 毕业论文 应届生求职 毕业论文范文查看下载 查看的论文开题报告 查阅参考论文提纲 查阅更多的毕业论文致谢 相关毕业论文格式 查阅更多论文答辩 ;
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