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一、首先是开场白：各位老师，上午好！我叫……，是……级……班的学生，我的论文题目是……。论文是在……导师的悉心指点下完成的，在这里我向我的导师表示深深的谢意，向各位老师不辞辛苦参加我的论文答辩表示衷心的感谢，并对三年来我有机会聆听教诲的各位老师表示由衷的敬意。下面我将本论文设计的目的和主要内容向各位老师作一汇报，恳请各位老师批评指导。二、 内容首先，我想谈谈这个毕业论文设计的目的及意义。……其次，我想谈谈这篇论文的结构和主要内容。本文分成……个部分.第一部分是……。这部分主要论述……第二部分是……。这部分分析……第三部分是……三、 结束语最后，我想谈谈这篇论文和系统存在的不足。这篇论文的写作以及修改的过程，也是我越来越认识到自己知识与经验缺乏的过程。虽然，我尽可能地收集材料，竭尽所能运用自己所学的知识进行论文写作，但论文还是存在许多不足之处，有待改进。请各位评委老师多批评指正，让我在今后的学习中学到更多。谢谢！
毕业论文答辩流程来啦
毕业论文答辩开场白:
各位教师，xx好! （例：上午好）我叫xx，是xx级xx专业xx班的学生，我的论文题目是xxxxx，论文是在xxx导师的悉心指点下完成的，论文创作过程中得到教师和同学的关心和帮助，在此要向他们表示衷心的感谢。下面我将本论文设计的背景意义和主要内容向各位教师作一汇报，由于我的学术程度有限，所写论文难免有缺乏之处，恳请各位教师和学者批评和指正!
毕业论文答辩注意事项：
1、每个学校都会有一套自己的毕业论文格式要求，这个在学校官网一般都会发。我们往往会忽略学校的格式要求，论文格式不是通用。
2、写论文引用数据是很常见的，然而大段大段的引用数据，必定会出现一个状况：查重的时候此处全部飘。建议：可以换个办法，比如做成表格。图表一般是检测不到的，这样就既能保证数据引用，又可以避免大段飘红了。3、学术论文总会有脚注，在搜集整理论文材料的时候，有些会觉得别人引用的这一句话很好，于是直接把这段引用复制到自己的文章里，同时也明确标注了脚注来。有些论文作者引用的脚注根本就不存在。建议：如果不是核心期刊，如果不是学术大咖，如果你拿不准到底这个脚注是不是真的，一定多留个心自己去知网查，看到底有没有这篇文章。4、没看过的书，别往参考文献里塞。5、结语致谢，不要乱感谢。
1、答辩开场：各位老师好，我叫***，是**级**班的学生，我的论文题目是XXX，论文是在*导师的悉心指点下完成的，在这里我向我的导师表示深深的谢意，向各位老师不辞辛苦参加我的论文答辩表示衷心的感谢,并对三年来我有机会聆听教诲的各位老师表示由衷的敬意。下面我将本论文设计的目的和主要内容向各位老师作一汇报，恳请各位老师批评指导。
2、结束语：这篇论文的写作以及系统开发的过程,也是我越来越认识到自己知识与经验缺乏的过程。虽然，我尽可能地收集材料，竭尽所能运用自己所学的知识进行论文写作和系统开发，但论文还是存在许多不足之处,系统功能并不完备，有待改进.请各位评委老师多批评指正，让我在今后的学习中学到更多。
谢谢!
正式答辩开始，下面是我的部分发言：尊敬的评委老师以及在座的各位同学：大家早上好。我是X级XX专业的XX，很高兴在这里论文答辩，希望今天能为我20年的学生生涯画上一个完满的句号。（这句可是我琢磨了半天的经典啊）下面，论文答辩论文答辩ppt论文答辩技巧,就我毕业论文的选题原因，国内外研究现状，研究目的，研究方法，研究内容，研究结论等问题向大家做一个简单的汇报。之所以选择这样一个论文题目，主要是基于以下三方面的考虑：…………以上是我毕业论文的一些基本情况，欢迎各位老师批评指正（这句话挨了一顿批，答辩主席先给我个下马威。这句可是我上网时看到的，以示谦卑，没想到犯了本本主义错误。答辩之前最好是多答辩评委老师的性格爱好都有个底，尤其是答辩委员会的主席，他可是一把手），谢谢。在答辩中有一些小体会，这里与大家分享，希望对大家有所帮助。答辩分为三个阶段：陈述期（20-25分钟）、提问期、回答期，三个阶段大致一个多小时左右一个人。在陈述期的20分钟，有的学院要答辩者做PPT,有的则不用；有的陈述时要脱稿，有的则可以看稿子。在这个阶段，一般情况下没有老师在听你讲什么，他们都在低头看你给他们发的论文和论文简介，因为这么厚的论文是没有老师有时间看的，他们也都是临阵摸枪，看个大概。所以在这一阶段，你的任务就是磨时间，注意语气要平缓，要稳，发言时尽量不要太专业化，没有人听你讲晦涩的理论，当然，更不能拉家常，说一些你们邻居家怎们怎么的事情，这显得你太没专业素养和水准。总之，这个度要拿捏好。注意观察老师和同学的表情，察言观色才是硬道理。在提问期这个阶段，聆听是你的主要任务。老师会为你磨时间。有本校的老师，一般都会先评价下你的论文，当然是说很多好话的，这都是讲给答辩委员会主席听的。接下来就是提问，老师提问的时候你要记好他的问题，理解他的意思。在记得时候要注意把你回答的要点关键字一起写上，因为老师问完了你就要回答的，如果你反应比较快，你可以把老师的问题分类做个概述，然后按类作答，这样更显得你这孩子不错。回答之前要对老师的评价和建议表示感谢，接下来回答老师的问题。第一个问题，先念一下题目，然后作答。作答时忌讳一盲目自大，得意洋洋，一副欠抽的样子，忌讳二信心不足，慌里慌张，没有底气，一副心虚的样子。要知道论文是你写的，你看的相关东西比他们多，所以你可以大胆的说，只要自圆其说即可。在这一阶段回答时要言简意赅，一语中的，废话少说，言多语失，能说就说，不能说的就说自己在这方面写论文的时候也考虑过，但考虑的不充分。忌讳的是不知道了就不说话，大家都不说话，气氛就凝固了，在论文答辩中如果没人说话，那就不好了，所以一定要说，哪怕你说不会，也比不说好。值得一提的是，老师提问的问题有大有小。有对理论的，所以你要对你论文的理论了如指掌，尤其是一些相近的名词，尤其是长的差不多的词，比如这次我们同学的社会资源、社会资本、社会关系这三个词就让老师给缠了半天；有对方法的，所以你要对你做的调查细节注意再注意，不要有闪失。应付的东西老师都能看出来，人家干了这么多年，眼睛都很毒的；有对细节感兴趣的，所以你要对你的论文的逻辑结构、句子通顺与否、措词、错别字、标点尤其是摘要部分注意注意再注意注意，在这些方面出问题显得你不够认真仔细，所以校对时要下功夫，可以和同学交换校对，因为我们对自己写的东西，挑错别字是很困难的。摘要就那么点字，又在论文开头，这可是门面啊，还有最好有个后记，感谢之类的话，虽然老套，但咱们读了这么多年的书也应该感谢一下老师，必须的嘛。答辩通过基本上是十拿九稳的，但是咱们也不能弄的太难看。自己丢人无所谓，给导师丢人就是罪过了。为了导师，为了自己，也要好好表现。好了，基本上就说这么多吧，各个专业各个学校的情况不一样，我说的只是一家之言，仅供参考而已，希望对大家有些帮助。
最好的办法是选定你的题目后去查和该题目有关的书籍，去网上查也可以，好的内容你都记录下来，收集够资料后按照自己的构思，按照自己写论文拟好的纲目写出来，其实也不是件多难的事情，千万不要这里找点抄，那里找点抄，要有你自己的内容，自己的想法。
你不如动手搞一下黑白摄影 看你对什么方面有更多心得 也有东西可写其实还是有很多东西可写 写1000篇论文都不会重的
题目好大啊。。。其实这个题目不好写，因为被人研究的太多，很难出新出彩。。（哇哈哈哈，我当年写的是色彩构成，我老师就是这样跟我说的。。）非要写的话，我觉得构图啊，明暗，虚实什么的不代表黑白的特点，彩色和黑白的构图有什么区别？你比如黑白影调魅力之类的。围绕时代感，颗粒，质感之类的来写。。
摄影始于黑白摄影，黑白摄影将五彩斑斓的现实世界抽象成简朴、素雅的黑、白、灰三种色调。下面是我整理的黑白人像摄影论文，供大家参阅。
黑白人像摄影论文(一)
摄影是科技与艺术的结合体，是人类观察和记录世界的一种方式，摄影师通过影像传达自己的精神感受和对社会的看法，图片是他们的“语言”，黑白人像摄影是摄影世界中的重要组成部分，独特的表现形式使其具有特殊的魅力，纯粹的光影变化和形态变化使其更易表现与营造想象的空间。本文将从创作设想、光影的营造、形体线条的变化这三个方面对黑白人像摄影的基本因素进行探讨。
【关键词】光线;造型;线条;黑白人像
一、创作设想
摄影创作中的构思过程是一项复杂的精神活动，它体现在整个摄影过程中。在创作摄影作品时，摄影师要认识到自己拍摄的兴趣点并运用摄影语言与观看者进行情感上的交流，其次要慎重的选择拍摄的主题和所要表达的情感，最后根据以上两点来选择合适的拍摄对象，这样才能保证作品的品质。因此创作设想是决定黑白人像摄影艺术成败所在。
(一)寻找拍摄的兴趣点
在日常生活中，对于没有兴趣的事物人们通常是没有热情的，正如人们谈论没有兴趣的话题一样，人们也可以拍摄不感兴趣的事物，但只会造就枯燥无味的影像。因此在黑白人像摄影创作时摄影师要先找到拍摄的兴趣点。真正的人像摄影师具有一种共同的特质，观看他们的作品会让人身临其境。观看者之所以有这样的感受，是由于影像让观看者产生视觉和情感的瞬间交流与激荡。伟大的摄影师知道什么是他感兴趣的，什么是他感觉乏味的，也知道自己的强项和弱项，并专注于自己的强项。他们也会在其他的领域进行一些大胆的尝试，来扩展自己的兴趣范围并改进自己的强项。
(二)选定拍摄主题和情感基调
主题和情感基调是摄影作品的灵魂，一幅好的摄影作品必须是打动人心的。黑白人像摄影中的主要对象是人物，确立什么样的主题要根据我们拍摄的人像题材而定。题材和用途的不同，主题也千变万化。如纪实类摄影，摄影师在拍摄这类题材时主题的确立要围绕记录和表现真实的人类社会。首先，纪实摄影所反应的主题往往是社会重大事件和历史人物，黑白摄影是表现历史性事件和人物的绝佳手法。其次，纪实摄影最吸引人的地方在于他的人道主义精神，在表现战争、疾病、自然灾害时往往较多地采用黑白摄影，彩色照片过于真实地还原了颜色会使得观看者产生厌烦的心态。黑白人像摄影的主题很大程度取决于画面中的主要对象，而情感基调则大多由主题形象和画面构成决定，因此摄影作品中人物形象的面部表情、服装造型、肢体语言都也是决定该作品主题和情感基调的关键因素。
二、光影的营造因素
摄影是光影的艺术。光影不只是纯粹的抽象的影调，它既可以让人们准确的看清物体，又可以用来传达信息和情感。利用光影的目的就是为了创造美，光影只有准确表达了人们的情绪和心灵感觉才能真正达到效果。黑白人像摄影抛去了绚丽的色彩，使得人们更加注重效果的表现，与此同时不同的光影对摄影作品中人物表情、性格、心理的影响也是不容忽视的。因此光影是黑白人像摄影的生命。
(一)光线的运用
阳光随着时间的变化会不断地改变其入射方向、角度以及强弱，这些会给摄影作品带来不同的效果。根据拍摄时采光方向的不同我们一般把采光方向分为顺光、侧光、逆光、顶光和底光五种。顺光下人物的整体轮廓清晰，能全面表现人物的质感。侧光使得人物的五官更清晰更立体，画面中的明暗配置和反差对比清晰，有利于表现人物外在的轮廓立体感和复杂的内心情感。逆光状态下人物形象大多处于暗部，阴影部位的立体感也较弱，有利于勾勒人物的外轮廓，也有利于人物和背景的区分。摄影师常常会利用逆光的条件拍摄出剪影的效果。顶光会使得人物的皮肤纹理平顺骨骼轮廓明显;底光在戏剧、电影中常见用在妖魔鬼怪或者恶人的灯光上。一般而言这样的灯光较常作为一种补光形式，除非是摄影者要制造出特殊的灯光氛围。
(二)影调的配比
黑白人像摄影的影调主要是由黑、白、灰三大色调组成。通常，高反差的影像会具有较强的张力和艺术表现力，而低反差影调则会显得更加平静，黑白灰三大影调所具有的情感因素都是相对而言的。当影调的配比不同时三大影调所表达的情感也会发生很大的变化。中间色调往往因为其较低的反差而被人们所忽视，但是它们也可以成为影像的核心。在许多优秀的黑白人像作品中，中间影调清晰而权威的揭示出了人物的精神面貌。在人像摄影中，中间色调更利于表现皮肤的质感，它能展现脸颊上的每个毛孔，面部的每一条皱纹和棱角。影调的不同对人像摄影的影响也是至关重要的。
三、形体线条的变化因素
造型艺术都非常重视线条的概括力和表现力，它是造型艺术的重要语言。线条是构图的重要组成部分，是人们视线的指引者。因此，摄影师们可以充分利用线条，把人们的注意力引向被摄物。由于黑白人像影像纯粹的色调使得人们能更集中在人物的形态变化和表达上。要想再现人的表情、动作、姿态，就必须选择合适的角度和光线，将人物的面部线条和动作姿态的外轮廓线勾画出来，这样人们才能感受其表情、姿态、动作的视觉内容，并受到感染，否则，形象就会失去吸引力。
(一)人物的明线条表达
人物的五官、发型以及皮肤的质感和纹理都是构成画面的重要线条。人物的表情神态也要与肢体相配合，这样才能更好地突出主题。服装与配饰则是人物外表形象的装饰。选择与被摄人物年龄、性别、性格、职业、外形相得体的服装，有助于被摄人物形体特征、生活习性、职业阶层、神韵气质的映衬和流露。造型独特的帽子，质地各异的围巾，闪烁光亮的饰品等都可以作为被摄人物外表形象的装饰与点缀。不同材质和形式的服饰所形成的线条大相径庭，它们有时也会成为画面的主要构成因素。服饰对于黑白摄影的影响并没有随着时间而消散。
(二)光影和色调的间接线条表达
现代摄影语言是一种包含了视觉传达、现代形式语言、现代图像传播等为基础的视觉语言，因此现代黑白人像摄影也包含现代美学。在光线的运用方面我们既要从勾勒人物肢体线条和塑造身体形状方面考虑，也要注重画面整体的影调气氛。光影不像人物和服饰那样利于控制，而它的魅力也正在于此。光影的变化多端使得不同时刻拍摄出的同一事物产生出千变万化的效果。对光影进行有效的控制和巧妙的利用是多方面的，它不仅能以各种方式增加照片的艺术效果和美感，还可以丰富影像的精神内涵。黑白人像的魅力也在于摄影师采用了无色彩干扰的黑白影像来表现人类一种天赋的美感。它给观看者提供了最大的想象空间，这也正是黑白人像的魅力所在。
现今，摄影已经揭开了神秘的面纱走向了千家万户，摄影师就应该更加注重保留自己的个性，选择恰当的摄影手法来表达主题。科技的进步带动了摄影艺术的飞速发展，黑白人像摄影作为摄影艺术的一个重要组成部分，因其高度的概括和抽象能力而备受人们的喜爱。黑白人像摄影的真正魅力还是在于它能以一种全新的面貌展现人们司空见惯的人物形象。因此黑白人像摄影还将长期存在下去并在摄影艺术中占有一席之地。
黑白人像摄影论文(二)
摘 要：我们周围的世界，色彩斑斓、变幻莫测，令人赏心悦目。在这样一个充满彩色的世界里，黑白摄影以其独特的表现力和持久的生命力，显示了黑白照片所能包容的丰富多彩的艺术创造性和想象力。
关键词：黑白摄影;影调;魅力;情感
用黑白去概括世界是一件有趣的事，也是一项富于挑战性的工作。黑白摄影作品不能象彩色照片那样可以通过色彩去吸引人的注意力，而完全要靠黑白灰的过渡和层次的细腻来表现事物。在黑白的画面中，被摄体的层次和质感，被极为细致的记录和再现的同时，从作品中渗透出来的摄影家的内在精神也会令人为之叹服和感动。
自1839年8月19日，达盖尔摄影术在法国科学院公诸于世之日起，摄影已经走过了170多年的历史。当今，世界正步入一个高速发展的信息时代，彩色图片更能适合时代的要求，更能准确地传达信息，更为大众所喜闻乐见。但正是在这样一个充斥着彩色的世界里，黑白摄影以其独特的表现力和持久的生命力，深深地吸引着许多摄影爱好者。一方面是因为它不存在褪色问题，能够长久地保存;另一方面，从体现摄影家的思想内涵和创作意念来看，黑白摄影更具有象征性，更显得单纯化，更富有想象空间，也许这正是黑白摄影的最大魅力所在。
一、黑白摄影的情感区域
黑、白、灰三种调子有着自身的特性，影响着人们的视觉感受。白色具有膨胀性和炫耀性，容易引起观赏者的兴奋情绪;黑色深邃、浑厚、凝重，有助于营造一种沉静的气氛;灰色是平静的，有着细腻、朴素的情感特点，能使人的情绪产生一种宁静、平和的感受。作用于视觉时，只有当白色兴奋、黑色沉静、灰色平和三者有机地配合起来，并且互相烘托，才能形成画面中的兴奋、沉静和平和三大情感区域，这也正是黑白摄影特有的魅力和意境所在。
影调是黑白摄影造型的基础，影调的处理和运用，关系着景物的形态、质感、立体感、空间纵深度和整体气氛的表现，关系着画面的均衡与对比、和谐与统一的形成，以及创作构思的实现。
高调作品以大面积的白色为主，画面最为醒目，最能引发观赏者明快、轻松的生理感受。高调中的黑色，则会由于产生了对比和映衬的关系，显得异常突出而富于跳跃感，往往会成为画面的趣味中心。低调作品以黑色为主，能使人产生一种庄严、深沉、神秘的心理感受。画面中的白色显得相当活跃和兴奋，一般也是作品的灵魂所在。高低调的摄影作品实际是摒弃了一定面积的灰色，减小了平和区的范围，相应强化了兴奋和沉静的特殊影调。从而营造出一定的情绪氛围来影响观赏者的感情。
中间调以灰色为主，给人以柔和、安宁的感受，画面的影调细腻而丰富。中间调里的黑色多趋向低调，白色多趋向高调，只有努力扩展灰色的阶调，才能使作品达到真正的“平和”。充分运用黑白摄影的影调，既可以增强画面的空间感和透视效果，还可以使观赏者产生强烈的视觉感受，并由此而引发情感上的共鸣。
二、黑白摄影创作的艺术语言
摄影的艺术语言是画面结构的因素，黑与白是对五彩缤纷的世界的高度概括与提炼。在平面造型艺术中，黑与白是最朴素、最单纯、最强烈、最有生命力的语言。黑与白相辅而成、相互依赖，离开了一方，另一方也就不复存在。黑白摄影把一个现实的彩色世界，置换为黑、灰、白的单色影象，可以更准确地体现创作者的美学意识和思想内涵。
黑白摄影作品在内容上，反映的是摄影者对生活的审美评价以及具有审美价值的生活本身;在形式上，黑白摄影作品所表现的是符合美的规律、符合人们审美需要并且能给予人们美感的艺术形象。
黑白摄影以灰阶的形式呈现物体的色彩变化，以浓淡深浅的方式造型，再现的客观物象已经不是原生态了，这种“失真”恰好是艺术的特征。任何艺术都不可能是生活的再现，都必须是一种表现，这也是生活真实和艺术真实的分野。摄影艺术是瞬间的凝固，是具象的写真。因此，再现和表现之间的差别容易被人忽略，甚至误解，黑白摄影正是通过寻找与现实的距离，形成视觉差异来表现现实。黑白影像以自己特有的创作方式延伸了摄影艺术的魅力，给了摄影人广阔的创作空间，使得摄影作品更具艺术气韵。
三、黑白摄影作品情感的接受
摄影艺术接受是以摄影艺术作品为对象的审美活动，摄影作品的潜在美学特性，只有在接受者的欣赏和理解的审美活动中方能得以显现，摄影艺术接受过程始终伴随着接受者的情感活动。托尔斯泰在《艺术论》中说：艺术是建立在人们能接受别人感情的感染这一基础上的。黑白影像舍弃了视觉中的外界所固有的色彩，使影像处于“似是而非”的疏离状态，拉开了与现实的距离，正所谓距离产生美。这里的距离其实是心理距离，是欣赏者认知艺术、沟通情感的历程，也是欣赏者驰骋想象的自由空间和参与创作的平台。
在黑白摄影艺术接受活动中，接受者在感受和理解的基础上，会突破作品画面空间的局限而展开联想和想象，赋予作品更多的审美内涵，对作品中的艺术形象进行再创造。在翻拣历史记忆的时候，褪色泛黄、划痕遍布的老照片显得更亲切、更真实，可以使欣赏者在情感上有一种浓浓的怀旧情结。
黑白影像与彩色相比更具“距离”优势，在彩照充斥着世界的今天，欣赏者观赏同样题材的黑白和彩色照片，会觉得黑白更艺术，更具有表现特征，更容易令人浮想。安塞尔·亚当斯曾经说过，在表现画意的摄影中黑白优于彩色。
黑白摄影是一个充满魅力的世界，更是一个富于个性的世界，当人们徜徉其间，用细腻的心灵去接受世界、感受万物时，一定会有更多的感动。
黑白人像摄影论文(三)
[摘 要] 黑白摄影在这个广阔的大自然中寻求光与影的组合，运用黑、白、灰的影调表现力，对大千世界五彩缤纷的色彩进行提炼，压缩，对形体，质感，情调等进行更富有的表现能力，使画面效果高雅明快，更为凝练，集中和简洁，在彩色摄影成为普通老百姓手中文明游戏的今天，黑白摄影重整雄风，这是黑白摄影艺术的回归。
[关键词] 黑白、抽象、凝练、超越
摄影始于黑白摄影，黑白摄影将五彩斑斓的现实世界抽象成简朴、素雅的黑、白、灰三种色调。与纷繁的彩色摄影相比，它更加简洁、凝练、也更具纯粹的意味。黑白摄影是一种高度提炼的影像语言，它剥离了十五色彩的浮华表面，表达出事物的本质和内涵，塑造了影像与现实之间的抽象之美和距离之美。在黑白摄影拉开于现实之间的距离同时，也赋予了摄影者无限的创作空间。黑白摄影艺术是相对于色彩摄影而言的，通常以黑、白、灰三种影调表现摄影作品，抽象和凝练是黑白摄影艺术的最大特征。黑白摄影中白色高调的魅力，灰色的微妙，黑色的低调的神秘和深沉，带给人们视觉的和思想上的超越，让你感受与它的抽象与独特魅力的世界。黑白摄影它决不单简于黑、白、灰的色调，从心理角度来说，黑、白、灰具有优先唤起视觉神经感知的特性，特别是黑与白最能引起人们的视觉关注。在摄影中，黑、白、灰表现景物与彩色表现的景物带给人的视觉效果与心理感受完全不同。黑白摄影那神秘的影调能增加照片本身内容的深度。从艺术的角度看黑白摄影，由于需要把五彩缤纷的彩色世界转换为单纯的黑白灰天地，把各种的彩色关系概括和凝练成多种黑白灰的阶调关系来表现被摄物体，这就构成了黑白摄影独有的特殊语言。黑白摄影的特殊语言涉及到黑白灰的造型语言、情感语言和关系语言三个方面。
(一)黑白摄影中黑白灰的关系
黑、白、灰作为黑白摄影艺术的基本语言，三者共同构成了黑白摄影作品的影调美，然而三者又各具独特的审美属性。在人们的日常生活中，黑色已经形成了具有重量感和后对干的心理暗示。如果画面中多用黑丝，那么作品往往蕴藏着较为深刻的主题思想，营造出货深沉、货恐惧的心理气氛。白色则多带高洁、飘逸感，如画面中采用大部分的白色，最易诱发观者轻松活亢奋的心理感受。灰色影调的最大视觉恶性是平和。
(二)黑白摄影的影调美
现代科技，早已把我们带入到一个用彩色载体表现世界的时代。当我们轻而易取地用彩色相片记录我们的生活回忆时，当彩色让我们眼花缭乱的将一切事物展现于我们眼前时，黑白摄影似乎已渐渐离我们远去。但在我们意外地发现点缀于彩色世界里的几幅黑白作品时，黑白摄影并没有象昨日星辰那样暗淡无光，相反，它们以独具的审美价值和艺术魅力，给我们强烈的视觉冲击和丰富飞联想空间。古希腊哲学家赫拉克利特说：“相互排斥的东西结合在一起，不同的音调造成的最美的 和谐，一切都是斗争多产生的。“黑白摄影艺术正是通过黑和白、灰这三种影调在对比中取得某种和谐表现出来的。这两极色放在一起，最容易吸引人的视线，牵动人的感情。黑白摄影通过影调的变化来解释自然景物的本质，寄托摄影家的思想感情。因此，黑白摄影这种特有的影调美更容易吸引人，感动人，能给人以强烈的审美感受。种着影调的对比，和谐之美。美在单纯的丰富、同意的变化、抽象中的具象、开阔中的具体、美在情感的丰富性。
(三)黑白摄影的抽象、联想世界
我觉得想要深层次的表现出一个人物特征的摄影，黑白摄影和彩色摄影存在着很大的异同。彩色摄影充满朝气和缤纷，彩色会给予人很多色彩的选择空间，你可以变换色彩的主题，色彩的色调。而黑白摄影似乎更加倾向于真实，在纯色调的影像中，它能更加真实的反应出人物及其人物的内心世界，让你更加的渴望去了解与观察图片给予人的信息内涵。它抛开一切缤纷的外衣，不加任何改变的真实色调，真实的“裸露”于镜头，一个眼神，一个笑脸，一个表情，似乎都那么“一览无余”真实的崭露于眼前。我个人认为那是真实的表达，那是真实的世界，那是真实的自己，那是真实的内心。不可否认黑白摄影给予人充满幻想的空间，三色的影调中，它给予你内心世界的向往，似乎内心世界不能达到的，它都能给予你满足。我个人认为这样的抽象与幻想，是色彩摄影不能给予的。色彩摄影的色彩斑斓与黑白摄影三色影调的对比，似乎那么鲜明也那么不可比较，各具特色。色彩摄影大多给于人的都是色彩的斑斓，颜色的鲜明，给人一种童话般的幻想世界，而黑白摄影的不但也能表现出快乐，更能给于人心灵上的认知，似乎一下子就走进了内心的世界，让观者找到更多共同的认知。首先，我个人认为黑白摄影在视觉上它就比彩色摄影略胜一筹，因为黑白摄影更加能吸引人的注意与关注。黑白摄影具有优先唤起视觉神经感知的特性，最能引起人们的视觉关注，而且能打动他们的内心世界，给人的视觉效果和心理感受和彩色摄影完全不同，因为人的眼睛对黑白灰的敏感程度比其他色彩的程度高。黑白摄影的抽象与幻想性在这里就表现的淋漓尽致。它能引发观者的联想与想象，大大地扩展了画面的信息内涵量，充满幻想的思绪与抽象性。相对于彩色摄影相比，黑白摄影更加严肃，庄重，它似乎更加认真的表现于你，不加任何的修饰和包装真实的崭露于你。黑白摄影是对现实世界的一种抽象的，主观性的表达。与彩色摄影相比，它迫使摄影师关注作品背后的意义，走进作品，表达作品。因而它更能赋予表现对象一种灵魂，更加靠近人们的心灵，从而使观者获得更加广阔的视觉与心理空间。黑白摄影独特的原始美、生命美以及画面当中蕴藏着的情感，使我们自然的发生内在的关乎生命与内心的思考，以及对美与内心世界的共鸣。
很多人都认为黑白摄影给人一种压抑的感觉，似乎总是有种悲情在里面。我想那是他们还没有真正的走进黑白摄影，黑白摄影也可以拍出欢快开心的画面，只是它要表达的东西更加丰富一点，不单单的只是画面给人的第一印象，它有更多的思想在里面。光线是摄影中功不可没的因素。光线决定着影调效果，对同一个被摄体，采取不同的光照，效果也截然不同。在黑白摄影中，光线的运用尤为重要。低调作品较适合侧光拍摄。同时，光线的运用，不仅体现在画面明暗给人的感受，也影响着整体的质感。在视觉可辨的范围内，任何光影、明暗变化都会影响视觉上的质感效果。而从心理学的角度来说，质感不仅影响着视觉形象，而且会使人产生强烈的情绪效应，这种情绪效应甚至比光、色带来的更为直观。黑白摄影能赋予景物一种气魄，能强调它的重要性，在人像摄影中更是如此。在表现人物时，黑白摄影以独特的色相展示个性。黑白两极，构成强烈的对比和反差，无极变换的各种灰，在黑白之间过渡，形成黑白人像摄影丰富细腻的语言。
黑白摄影讲究影调，彩色摄影强调色调，影调与色调都是为了表现摄影艺术的画面。这个你要分清。下面是一系列相关网址，仔细浏览你就知道刚写什么了。影调基础： 最后给个建议，去找你本校毕业的学生的论文参考，那下手才快，才有针对性。影调特点： 影调的作用： item/影调控制：
晚上用手机拍照时，你会觉得很难拍出好的照片吗？你的夜景照片总是糊糊的？大概是因为光线不足。但通过一些简单的技巧，你可以大大提高你的夜间摄影水平。保持手机摄像头稳定你的照片经常在晚上拍摄时变得模糊吗？我可以肯定的告诉你，你不是一个人，我们拍出来的也会模糊。用手机晚上拍照时，照片模糊是一个常见的问题。首先，让我解释一下为什么弱光照片往往会变得模糊。原因其实是，当现场光线太弱时，照相机使用较慢的快门速度，快门速度是照相时相机的快门保持打开的时间，快门打开的时间越长，你的照片中捕捉到的光就越多，因此，在光线较低的情况下，快门会保持较长的开放时间，以捕捉足够多的光线和图像中的细节。为了避免拍出模糊的照片，我们可以自备一个手机三脚架，在拍摄的时候保持静止。如果没有的话，也可以寻找相对静止的地方作为支架，例如石头上，墙边等等；再不然就自己充当肉体支架，但前提是你需要找到支点来保持你自身的稳定。减少相机应用程序的曝光或许你有没有发现，夜间拍摄的照片经常看起来都很亮？阴影(黑暗区域)是否出现灰色？这些亮点(明亮的区域)是否显得过于明亮，完全没有细节？当你拍摄一张黑暗场景的照片时，相机会尽可能地捕捉到更多的细节。为了在阴影中显示细节，照相机使图像更加明亮，但这通常不是你想要的夜间照片。打个比喻，在你拍的照片中，你想让黑人看上去是黑色的，同时你也想看到更亮的地方的细节。那么要如何做到这一点的呢？你所需要做的就是，在你按下快门前，减少曝光。曝光是指照片的亮度。减少曝光会使图像变得更暗——这正是你拍摄一张很赞的夜间照片所需要的。你希望阴影的区域能够呈现出黑色或者深色，如天空；同时，高光的区域也有可见的颜色和细节。当你调节到满意的效果时，可以按下快门记录下你的照片。在光线充足的地方拍摄降低曝光不意味着曝光越小越好，如果你在黑暗中拍摄时完全没有灯光，你的手机夜景照片就拍不出好的效果，拍摄的时候必须有某种光来照亮你的主题。注意路灯和照明建筑，店面或广告牌的光，你甚至可以使用汽车前灯，蜡烛或手电筒作为你的光源。任何在场景中产生光的东西对于夜间摄影来说都是很棒的。对于夜间肖像拍摄，你可以从正面照亮他们的整个脸，或者你可以把他们放在灯光旁边，侧面照明会让他们一半的脸被照亮，而另一半出现在阴影中。如何在夜间拍摄时避免出现噪点你的夜间拍摄的照片经常看起来像下面的照片吗？你能做得最快也是最简单的事情就是减少相机拍摄时的曝光，这也能减少照片的噪点的。其次就是可以在拍摄时降低ISO值，ISO值越高，对光就越敏感，反之。在日出日落时进行拍摄不要总是在天（全）黑的时候拍照，而是可以选择在天空中有一点光的时候拍照。在日出日落前后拍摄，也是可以得到夜间拍摄的效果哦！尤其是当你天空中有云的时候。好啦，这就是五点夜间拍摄技巧，你都get到了吗！！！
摄影始于黑白摄影，黑白摄影将五彩斑斓的现实世界抽象成简朴、素雅的黑、白、灰三种色调。下面是我整理的黑白人像摄影论文，供大家参阅。
黑白人像摄影论文(一)
摄影是科技与艺术的结合体，是人类观察和记录世界的一种方式，摄影师通过影像传达自己的精神感受和对社会的看法，图片是他们的“语言”，黑白人像摄影是摄影世界中的重要组成部分，独特的表现形式使其具有特殊的魅力，纯粹的光影变化和形态变化使其更易表现与营造想象的空间。本文将从创作设想、光影的营造、形体线条的变化这三个方面对黑白人像摄影的基本因素进行探讨。
【关键词】光线;造型;线条;黑白人像
一、创作设想
摄影创作中的构思过程是一项复杂的精神活动，它体现在整个摄影过程中。在创作摄影作品时，摄影师要认识到自己拍摄的兴趣点并运用摄影语言与观看者进行情感上的交流，其次要慎重的选择拍摄的主题和所要表达的情感，最后根据以上两点来选择合适的拍摄对象，这样才能保证作品的品质。因此创作设想是决定黑白人像摄影艺术成败所在。
(一)寻找拍摄的兴趣点
在日常生活中，对于没有兴趣的事物人们通常是没有热情的，正如人们谈论没有兴趣的话题一样，人们也可以拍摄不感兴趣的事物，但只会造就枯燥无味的影像。因此在黑白人像摄影创作时摄影师要先找到拍摄的兴趣点。真正的人像摄影师具有一种共同的特质，观看他们的作品会让人身临其境。观看者之所以有这样的感受，是由于影像让观看者产生视觉和情感的瞬间交流与激荡。伟大的摄影师知道什么是他感兴趣的，什么是他感觉乏味的，也知道自己的强项和弱项，并专注于自己的强项。他们也会在其他的领域进行一些大胆的尝试，来扩展自己的兴趣范围并改进自己的强项。
(二)选定拍摄主题和情感基调
主题和情感基调是摄影作品的灵魂，一幅好的摄影作品必须是打动人心的。黑白人像摄影中的主要对象是人物，确立什么样的主题要根据我们拍摄的人像题材而定。题材和用途的不同，主题也千变万化。如纪实类摄影，摄影师在拍摄这类题材时主题的确立要围绕记录和表现真实的人类社会。首先，纪实摄影所反应的主题往往是社会重大事件和历史人物，黑白摄影是表现历史性事件和人物的绝佳手法。其次，纪实摄影最吸引人的地方在于他的人道主义精神，在表现战争、疾病、自然灾害时往往较多地采用黑白摄影，彩色照片过于真实地还原了颜色会使得观看者产生厌烦的心态。黑白人像摄影的主题很大程度取决于画面中的主要对象，而情感基调则大多由主题形象和画面构成决定，因此摄影作品中人物形象的面部表情、服装造型、肢体语言都也是决定该作品主题和情感基调的关键因素。
二、光影的营造因素
摄影是光影的艺术。光影不只是纯粹的抽象的影调，它既可以让人们准确的看清物体，又可以用来传达信息和情感。利用光影的目的就是为了创造美，光影只有准确表达了人们的情绪和心灵感觉才能真正达到效果。黑白人像摄影抛去了绚丽的色彩，使得人们更加注重效果的表现，与此同时不同的光影对摄影作品中人物表情、性格、心理的影响也是不容忽视的。因此光影是黑白人像摄影的生命。
(一)光线的运用
阳光随着时间的变化会不断地改变其入射方向、角度以及强弱，这些会给摄影作品带来不同的效果。根据拍摄时采光方向的不同我们一般把采光方向分为顺光、侧光、逆光、顶光和底光五种。顺光下人物的整体轮廓清晰，能全面表现人物的质感。侧光使得人物的五官更清晰更立体，画面中的明暗配置和反差对比清晰，有利于表现人物外在的轮廓立体感和复杂的内心情感。逆光状态下人物形象大多处于暗部，阴影部位的立体感也较弱，有利于勾勒人物的外轮廓，也有利于人物和背景的区分。摄影师常常会利用逆光的条件拍摄出剪影的效果。顶光会使得人物的皮肤纹理平顺骨骼轮廓明显;底光在戏剧、电影中常见用在妖魔鬼怪或者恶人的灯光上。一般而言这样的灯光较常作为一种补光形式，除非是摄影者要制造出特殊的灯光氛围。
(二)影调的配比
黑白人像摄影的影调主要是由黑、白、灰三大色调组成。通常，高反差的影像会具有较强的张力和艺术表现力，而低反差影调则会显得更加平静，黑白灰三大影调所具有的情感因素都是相对而言的。当影调的配比不同时三大影调所表达的情感也会发生很大的变化。中间色调往往因为其较低的反差而被人们所忽视，但是它们也可以成为影像的核心。在许多优秀的黑白人像作品中，中间影调清晰而权威的揭示出了人物的精神面貌。在人像摄影中，中间色调更利于表现皮肤的质感，它能展现脸颊上的每个毛孔，面部的每一条皱纹和棱角。影调的不同对人像摄影的影响也是至关重要的。
三、形体线条的变化因素
造型艺术都非常重视线条的概括力和表现力，它是造型艺术的重要语言。线条是构图的重要组成部分，是人们视线的指引者。因此，摄影师们可以充分利用线条，把人们的注意力引向被摄物。由于黑白人像影像纯粹的色调使得人们能更集中在人物的形态变化和表达上。要想再现人的表情、动作、姿态，就必须选择合适的角度和光线，将人物的面部线条和动作姿态的外轮廓线勾画出来，这样人们才能感受其表情、姿态、动作的视觉内容，并受到感染，否则，形象就会失去吸引力。
(一)人物的明线条表达
人物的五官、发型以及皮肤的质感和纹理都是构成画面的重要线条。人物的表情神态也要与肢体相配合，这样才能更好地突出主题。服装与配饰则是人物外表形象的装饰。选择与被摄人物年龄、性别、性格、职业、外形相得体的服装，有助于被摄人物形体特征、生活习性、职业阶层、神韵气质的映衬和流露。造型独特的帽子，质地各异的围巾，闪烁光亮的饰品等都可以作为被摄人物外表形象的装饰与点缀。不同材质和形式的服饰所形成的线条大相径庭，它们有时也会成为画面的主要构成因素。服饰对于黑白摄影的影响并没有随着时间而消散。
(二)光影和色调的间接线条表达
现代摄影语言是一种包含了视觉传达、现代形式语言、现代图像传播等为基础的视觉语言，因此现代黑白人像摄影也包含现代美学。在光线的运用方面我们既要从勾勒人物肢体线条和塑造身体形状方面考虑，也要注重画面整体的影调气氛。光影不像人物和服饰那样利于控制，而它的魅力也正在于此。光影的变化多端使得不同时刻拍摄出的同一事物产生出千变万化的效果。对光影进行有效的控制和巧妙的利用是多方面的，它不仅能以各种方式增加照片的艺术效果和美感，还可以丰富影像的精神内涵。黑白人像的魅力也在于摄影师采用了无色彩干扰的黑白影像来表现人类一种天赋的美感。它给观看者提供了最大的想象空间，这也正是黑白人像的魅力所在。
现今，摄影已经揭开了神秘的面纱走向了千家万户，摄影师就应该更加注重保留自己的个性，选择恰当的摄影手法来表达主题。科技的进步带动了摄影艺术的飞速发展，黑白人像摄影作为摄影艺术的一个重要组成部分，因其高度的概括和抽象能力而备受人们的喜爱。黑白人像摄影的真正魅力还是在于它能以一种全新的面貌展现人们司空见惯的人物形象。因此黑白人像摄影还将长期存在下去并在摄影艺术中占有一席之地。
黑白人像摄影论文(二)
摘 要：我们周围的世界，色彩斑斓、变幻莫测，令人赏心悦目。在这样一个充满彩色的世界里，黑白摄影以其独特的表现力和持久的生命力，显示了黑白照片所能包容的丰富多彩的艺术创造性和想象力。
关键词：黑白摄影;影调;魅力;情感
用黑白去概括世界是一件有趣的事，也是一项富于挑战性的工作。黑白摄影作品不能象彩色照片那样可以通过色彩去吸引人的注意力，而完全要靠黑白灰的过渡和层次的细腻来表现事物。在黑白的画面中，被摄体的层次和质感，被极为细致的记录和再现的同时，从作品中渗透出来的摄影家的内在精神也会令人为之叹服和感动。
自1839年8月19日，达盖尔摄影术在法国科学院公诸于世之日起，摄影已经走过了170多年的历史。当今，世界正步入一个高速发展的信息时代，彩色图片更能适合时代的要求，更能准确地传达信息，更为大众所喜闻乐见。但正是在这样一个充斥着彩色的世界里，黑白摄影以其独特的表现力和持久的生命力，深深地吸引着许多摄影爱好者。一方面是因为它不存在褪色问题，能够长久地保存;另一方面，从体现摄影家的思想内涵和创作意念来看，黑白摄影更具有象征性，更显得单纯化，更富有想象空间，也许这正是黑白摄影的最大魅力所在。
一、黑白摄影的情感区域
黑、白、灰三种调子有着自身的特性，影响着人们的视觉感受。白色具有膨胀性和炫耀性，容易引起观赏者的兴奋情绪;黑色深邃、浑厚、凝重，有助于营造一种沉静的气氛;灰色是平静的，有着细腻、朴素的情感特点，能使人的情绪产生一种宁静、平和的感受。作用于视觉时，只有当白色兴奋、黑色沉静、灰色平和三者有机地配合起来，并且互相烘托，才能形成画面中的兴奋、沉静和平和三大情感区域，这也正是黑白摄影特有的魅力和意境所在。
影调是黑白摄影造型的基础，影调的处理和运用，关系着景物的形态、质感、立体感、空间纵深度和整体气氛的表现，关系着画面的均衡与对比、和谐与统一的形成，以及创作构思的实现。
高调作品以大面积的白色为主，画面最为醒目，最能引发观赏者明快、轻松的生理感受。高调中的黑色，则会由于产生了对比和映衬的关系，显得异常突出而富于跳跃感，往往会成为画面的趣味中心。低调作品以黑色为主，能使人产生一种庄严、深沉、神秘的心理感受。画面中的白色显得相当活跃和兴奋，一般也是作品的灵魂所在。高低调的摄影作品实际是摒弃了一定面积的灰色，减小了平和区的范围，相应强化了兴奋和沉静的特殊影调。从而营造出一定的情绪氛围来影响观赏者的感情。
中间调以灰色为主，给人以柔和、安宁的感受，画面的影调细腻而丰富。中间调里的黑色多趋向低调，白色多趋向高调，只有努力扩展灰色的阶调，才能使作品达到真正的“平和”。充分运用黑白摄影的影调，既可以增强画面的空间感和透视效果，还可以使观赏者产生强烈的视觉感受，并由此而引发情感上的共鸣。
二、黑白摄影创作的艺术语言
摄影的艺术语言是画面结构的因素，黑与白是对五彩缤纷的世界的高度概括与提炼。在平面造型艺术中，黑与白是最朴素、最单纯、最强烈、最有生命力的语言。黑与白相辅而成、相互依赖，离开了一方，另一方也就不复存在。黑白摄影把一个现实的彩色世界，置换为黑、灰、白的单色影象，可以更准确地体现创作者的美学意识和思想内涵。
黑白摄影作品在内容上，反映的是摄影者对生活的审美评价以及具有审美价值的生活本身;在形式上，黑白摄影作品所表现的是符合美的规律、符合人们审美需要并且能给予人们美感的艺术形象。
黑白摄影以灰阶的形式呈现物体的色彩变化，以浓淡深浅的方式造型，再现的客观物象已经不是原生态了，这种“失真”恰好是艺术的特征。任何艺术都不可能是生活的再现，都必须是一种表现，这也是生活真实和艺术真实的分野。摄影艺术是瞬间的凝固，是具象的写真。因此，再现和表现之间的差别容易被人忽略，甚至误解，黑白摄影正是通过寻找与现实的距离，形成视觉差异来表现现实。黑白影像以自己特有的创作方式延伸了摄影艺术的魅力，给了摄影人广阔的创作空间，使得摄影作品更具艺术气韵。
三、黑白摄影作品情感的接受
摄影艺术接受是以摄影艺术作品为对象的审美活动，摄影作品的潜在美学特性，只有在接受者的欣赏和理解的审美活动中方能得以显现，摄影艺术接受过程始终伴随着接受者的情感活动。托尔斯泰在《艺术论》中说：艺术是建立在人们能接受别人感情的感染这一基础上的。黑白影像舍弃了视觉中的外界所固有的色彩，使影像处于“似是而非”的疏离状态，拉开了与现实的距离，正所谓距离产生美。这里的距离其实是心理距离，是欣赏者认知艺术、沟通情感的历程，也是欣赏者驰骋想象的自由空间和参与创作的平台。
在黑白摄影艺术接受活动中，接受者在感受和理解的基础上，会突破作品画面空间的局限而展开联想和想象，赋予作品更多的审美内涵，对作品中的艺术形象进行再创造。在翻拣历史记忆的时候，褪色泛黄、划痕遍布的老照片显得更亲切、更真实，可以使欣赏者在情感上有一种浓浓的怀旧情结。
黑白影像与彩色相比更具“距离”优势，在彩照充斥着世界的今天，欣赏者观赏同样题材的黑白和彩色照片，会觉得黑白更艺术，更具有表现特征，更容易令人浮想。安塞尔·亚当斯曾经说过，在表现画意的摄影中黑白优于彩色。
黑白摄影是一个充满魅力的世界，更是一个富于个性的世界，当人们徜徉其间，用细腻的心灵去接受世界、感受万物时，一定会有更多的感动。
黑白人像摄影论文(三)
[摘 要] 黑白摄影在这个广阔的大自然中寻求光与影的组合，运用黑、白、灰的影调表现力，对大千世界五彩缤纷的色彩进行提炼，压缩，对形体，质感，情调等进行更富有的表现能力，使画面效果高雅明快，更为凝练，集中和简洁，在彩色摄影成为普通老百姓手中文明游戏的今天，黑白摄影重整雄风，这是黑白摄影艺术的回归。
[关键词] 黑白、抽象、凝练、超越
摄影始于黑白摄影，黑白摄影将五彩斑斓的现实世界抽象成简朴、素雅的黑、白、灰三种色调。与纷繁的彩色摄影相比，它更加简洁、凝练、也更具纯粹的意味。黑白摄影是一种高度提炼的影像语言，它剥离了十五色彩的浮华表面，表达出事物的本质和内涵，塑造了影像与现实之间的抽象之美和距离之美。在黑白摄影拉开于现实之间的距离同时，也赋予了摄影者无限的创作空间。黑白摄影艺术是相对于色彩摄影而言的，通常以黑、白、灰三种影调表现摄影作品，抽象和凝练是黑白摄影艺术的最大特征。黑白摄影中白色高调的魅力，灰色的微妙，黑色的低调的神秘和深沉，带给人们视觉的和思想上的超越，让你感受与它的抽象与独特魅力的世界。黑白摄影它决不单简于黑、白、灰的色调，从心理角度来说，黑、白、灰具有优先唤起视觉神经感知的特性，特别是黑与白最能引起人们的视觉关注。在摄影中，黑、白、灰表现景物与彩色表现的景物带给人的视觉效果与心理感受完全不同。黑白摄影那神秘的影调能增加照片本身内容的深度。从艺术的角度看黑白摄影，由于需要把五彩缤纷的彩色世界转换为单纯的黑白灰天地，把各种的彩色关系概括和凝练成多种黑白灰的阶调关系来表现被摄物体，这就构成了黑白摄影独有的特殊语言。黑白摄影的特殊语言涉及到黑白灰的造型语言、情感语言和关系语言三个方面。
(一)黑白摄影中黑白灰的关系
黑、白、灰作为黑白摄影艺术的基本语言，三者共同构成了黑白摄影作品的影调美，然而三者又各具独特的审美属性。在人们的日常生活中，黑色已经形成了具有重量感和后对干的心理暗示。如果画面中多用黑丝，那么作品往往蕴藏着较为深刻的主题思想，营造出货深沉、货恐惧的心理气氛。白色则多带高洁、飘逸感，如画面中采用大部分的白色，最易诱发观者轻松活亢奋的心理感受。灰色影调的最大视觉恶性是平和。
(二)黑白摄影的影调美
现代科技，早已把我们带入到一个用彩色载体表现世界的时代。当我们轻而易取地用彩色相片记录我们的生活回忆时，当彩色让我们眼花缭乱的将一切事物展现于我们眼前时，黑白摄影似乎已渐渐离我们远去。但在我们意外地发现点缀于彩色世界里的几幅黑白作品时，黑白摄影并没有象昨日星辰那样暗淡无光，相反，它们以独具的审美价值和艺术魅力，给我们强烈的视觉冲击和丰富飞联想空间。古希腊哲学家赫拉克利特说：“相互排斥的东西结合在一起，不同的音调造成的最美的 和谐，一切都是斗争多产生的。“黑白摄影艺术正是通过黑和白、灰这三种影调在对比中取得某种和谐表现出来的。这两极色放在一起，最容易吸引人的视线，牵动人的感情。黑白摄影通过影调的变化来解释自然景物的本质，寄托摄影家的思想感情。因此，黑白摄影这种特有的影调美更容易吸引人，感动人，能给人以强烈的审美感受。种着影调的对比，和谐之美。美在单纯的丰富、同意的变化、抽象中的具象、开阔中的具体、美在情感的丰富性。
(三)黑白摄影的抽象、联想世界
我觉得想要深层次的表现出一个人物特征的摄影，黑白摄影和彩色摄影存在着很大的异同。彩色摄影充满朝气和缤纷，彩色会给予人很多色彩的选择空间，你可以变换色彩的主题，色彩的色调。而黑白摄影似乎更加倾向于真实，在纯色调的影像中，它能更加真实的反应出人物及其人物的内心世界，让你更加的渴望去了解与观察图片给予人的信息内涵。它抛开一切缤纷的外衣，不加任何改变的真实色调，真实的“裸露”于镜头，一个眼神，一个笑脸，一个表情，似乎都那么“一览无余”真实的崭露于眼前。我个人认为那是真实的表达，那是真实的世界，那是真实的自己，那是真实的内心。不可否认黑白摄影给予人充满幻想的空间，三色的影调中，它给予你内心世界的向往，似乎内心世界不能达到的，它都能给予你满足。我个人认为这样的抽象与幻想，是色彩摄影不能给予的。色彩摄影的色彩斑斓与黑白摄影三色影调的对比，似乎那么鲜明也那么不可比较，各具特色。色彩摄影大多给于人的都是色彩的斑斓，颜色的鲜明，给人一种童话般的幻想世界，而黑白摄影的不但也能表现出快乐，更能给于人心灵上的认知，似乎一下子就走进了内心的世界，让观者找到更多共同的认知。首先，我个人认为黑白摄影在视觉上它就比彩色摄影略胜一筹，因为黑白摄影更加能吸引人的注意与关注。黑白摄影具有优先唤起视觉神经感知的特性，最能引起人们的视觉关注，而且能打动他们的内心世界，给人的视觉效果和心理感受和彩色摄影完全不同，因为人的眼睛对黑白灰的敏感程度比其他色彩的程度高。黑白摄影的抽象与幻想性在这里就表现的淋漓尽致。它能引发观者的联想与想象，大大地扩展了画面的信息内涵量，充满幻想的思绪与抽象性。相对于彩色摄影相比，黑白摄影更加严肃，庄重，它似乎更加认真的表现于你，不加任何的修饰和包装真实的崭露于你。黑白摄影是对现实世界的一种抽象的，主观性的表达。与彩色摄影相比，它迫使摄影师关注作品背后的意义，走进作品，表达作品。因而它更能赋予表现对象一种灵魂，更加靠近人们的心灵，从而使观者获得更加广阔的视觉与心理空间。黑白摄影独特的原始美、生命美以及画面当中蕴藏着的情感，使我们自然的发生内在的关乎生命与内心的思考，以及对美与内心世界的共鸣。
很多人都认为黑白摄影给人一种压抑的感觉，似乎总是有种悲情在里面。我想那是他们还没有真正的走进黑白摄影，黑白摄影也可以拍出欢快开心的画面，只是它要表达的东西更加丰富一点，不单单的只是画面给人的第一印象，它有更多的思想在里面。光线是摄影中功不可没的因素。光线决定着影调效果，对同一个被摄体，采取不同的光照，效果也截然不同。在黑白摄影中，光线的运用尤为重要。低调作品较适合侧光拍摄。同时，光线的运用，不仅体现在画面明暗给人的感受，也影响着整体的质感。在视觉可辨的范围内，任何光影、明暗变化都会影响视觉上的质感效果。而从心理学的角度来说，质感不仅影响着视觉形象，而且会使人产生强烈的情绪效应，这种情绪效应甚至比光、色带来的更为直观。黑白摄影能赋予景物一种气魄，能强调它的重要性，在人像摄影中更是如此。在表现人物时，黑白摄影以独特的色相展示个性。黑白两极，构成强烈的对比和反差，无极变换的各种灰，在黑白之间过渡，形成黑白人像摄影丰富细腻的语言。
当今，两极镜头语言是正在被创 作者广泛应用的影像造型语言，尤其是在影视创作中大量出现。两极焦距摄影镜头也得到越来越多的摄影爱好者及摄影师的偏爱。将丰富的两极镜头与影视创作相结 合，能够给影片带来不一样的视觉感受，对影片的叙事起到很重要的作用。 两极镜头的结合使用对于影视叙事起到很重要的作用，比如控制动作强度，把握视觉节奏、渲染影片气氛，强调突出细节；长焦距镜头爱可以模仿人的主观视线，起 到窥视的效果；短焦距镜头在对影视叙事表达方面的夸张、抒情、造势，创造影片节奏等；两极镜头与运动镜头、色彩、光影、拍摄角度、长镜头等的结合使用对影 视叙事所起到的作用也是巨大的，比如说，营造空间、恐怖氛围的营造、交代人物位置关系及叙事关系，场面调度等； （1)其中许多优秀的电影作品运用了大量的两极镜头，比如国外最新的电影《罗拉快跑》、《巴顿将军》；国内的电影《寻枪》等。两极镜头的剪辑语言在整部影 片中占据了大部分的比例，两极焦距镜头的使用充分说明了影片的整体风格。在对两极镜头进行研究分析的过程中，我发现两极镜头没有一个硬性的创作标准，它不 是针对单个镜头而言的，而是指镜头与镜头之间的关系，几乎与剪辑观念同时产生的蒙太奇语言—两极镜头，在时尚的电影行业飞速发展。各大城市电影院如雨后春 笋般崛起。人们在闲暇之余纷纷走进电影院，观看一场新上映的影片。从2D到3D再到现在的4D电影，电影模式越来越先进，受众群也在不断扩大，从儿童到老 年人，观看电影成为一种流行。在观看电影越来越普及的今天，电影的制作也需要创新，所以两极镜头的剪辑语言对于电影创作产生的作用是不可忽视的。他可以抓 住人们的眼球，从视觉上给受众一种冲击，使其产生新奇感，强烈的画面对比，正是当今都市人们所需要的。两极镜头在影片中的运用越来越多，越来越广泛，对影 片的叙事起到了不可替代的作用，几乎现在的每部电影都要运用到两极镜头，本论文就基于这一点，对两极镜头的剪辑语言在影片叙事中所起到的作用进行着重剖析 并总结出两极镜头语言对于影视的叙事所起到的十大作用：（1）渲染环境，交代事件发生的时间、地点；（2）烘托，揭示主题；（3）描写刻画人物的形象（身 份、年龄、地位、国籍、功勋）；(4)刻画人物的心理活动，反映人物的内心世界；(5)承上起下的作用，交代故事的开始，引出故事的发展；(6)暗示、预 示、暗喻的作用；(7)表现人物回忆，追溯过去的作用；（8）象征的作用；（9)颂扬，歌颂的作用；（10）对比的作用等。并从新中国成立以来所拍摄的电 影中研究分析了两极镜头的运用，选用了很多优秀的经典的老电影进行论证这些作用,。并对两极镜头与其他造型元素的结合所产生的不同视觉震撼效果进行大胆创 新的研究。比如两极镜头与运动镜头、拍摄角度、特殊光影、色彩的结合使用。对影片的叙事都起到了不可替代的作用：（1)使观众有身临其境的感觉，真实逼 真；(2)放大可以显示细节，缩小则可用来突出显示周围环境；(3)营造视觉动感的效果；（4）渲染气氛，营造威严壮观的场面；（5）起到剧情转折点的作 用；(6)体现人物叙事关系及位置关系；(7)主观及视觉形式处理；(8)营造恐怖氛围等.所以有必要对影视语言：两极镜头进行深入研究与探索,为以后电 影艺术的创作提供给更加丰富的依据。
摄影技术是进行艺术摄影创作的重要基础条件。艺术摄影通过照相机表达作品的情感和意境,利用摄影技术增加摄影作品的艺术性,没有摄影技术,艺术摄影就无法实现。下面是我为大家整理的艺术摄影系 毕业 论文 范文 ，供大家参考。
《 浅谈民俗摄影创作 》
[摘 要]：民俗摄影创作，是用民俗摄影这个手段来记录人类 文化 的丰富性和多样性，直接或间接地反映民族文化和地域文化，记录社会和变革，记录人类进步的历史。最终以摄影来关心人类的生存环境，生活状态，这必将为人类社会的发展起着一定的积极作用。
[关键词]： 民俗文化 民俗摄影 民风民俗 文化内涵
民俗摄影是以民俗事象为主要拍摄对象，通过视觉艺术特有手段，形象记录民俗，并展示民俗独特的文化内涵及风采的记录性摄影。
要想拍摄出具有文化价值的民俗摄影作品，首先要深入了解研究民俗摄影的文化内涵;其二是要掌握民俗摄影创作的基本特点;最后应在作品中突显出民俗摄影的文化价值。
一、民俗摄影的文化内涵
历史发展到今天，人类社会已步入信息化时代，单一学科的发展将阻碍人类的进步，而民俗摄影这种即写实又详细的记录方式，以其自身的优势受到越来越广泛的欢迎，民俗摄影因不受民族地域、国度、文化背景的限制，被中外摄影界称誉为不用翻译的“通用世界语”。民族摄影作为一门新近兴起的艺术门类，正以它强大的内在潜力吸引着广大摄影工作者，人们在研究它的同时，潜移默化地增强了人类对自身的发展历程的认识，这对我们更加理性地认识我国五千年的悠久历史及灿烂文化，领略56个民族及世界 其它 各民族丰富多彩的生活及文化具有极其重要的意义。
1、民俗摄影的文化意识。
民俗摄影只有具备文化意识才有了其独特的艺术品格，它主要表现在两个方面。一是要注重摄影本身，而不是从固有的艺术教条出发。应从大文化的范畴中去寻求新的艺术因素和艺术感觉。二是努力在作品中注入大量的文化信息，让观赏者在大文化范畴中得以全新的感受。而民俗摄影中的情节、服饰、活动不再只是摄影艺术，而是一种实实在在的文化符号，而不是那种表面的形式。民俗的要求只能从这些“真”的呈现中，从文化信息的角度去体验，去感知，不要强制用概念化的艺术欣赏程序来理解和认识民俗摄影。民俗摄影所以能留住我们的目光引发我们的联想，最重要的因素显然不在于摄影的技艺，而在于强化的摄影对象的文化意味。民俗民情的纪实方式没有流行歌曲那种愉悦，而类似于严肃文学，是一种特殊的精神产品，因它记录的是历史。而我们的摄影工作者是从人类文化学的角度，把摄影看作是对人类社会活动的一种文化关照方式。只有将摄影与人类文化发展的进程联系起来的时候，摄影才会产生巨大的震撼力。
2、民俗摄影的本质
随着工业文明的到来，传统风俗将会一天天消失，社会进步的同时，将不得已舍弃某些不该舍弃的东西，现实中就有部分人来抵制这种舍弃，是合乎人类本身和人类社会利益的，它表现社会理性和人类良知的犹存，在社会发展的同时总有一批文人置身潮流之外，站在超现实的立场上观察社会，研究人类，反应人类文化，重建人类精神的家园。摄影作为文化的行为方式来关照人类的发展是有着其重要的职责。以民俗民情为题材的纪实摄影工作者，如何去把握民俗摄影的实质，在真实的基础上显示独特的拍摄风格和文化点，以文化的思考来把握作品的厚度，加强作品的冲击力。当然在民俗民情中有着很多落后的原始的乃至愚昧的东西，但它又蕴含着一些质朴、良知、温馨、宁静和平和。而这些正是人类精神追求中不可缺少的。在我们渴望现代文化的同时，也应记住人类不能彻底用现代来毁掉自己，所以用摄影来做这方面的记录研究是非常必要的。摄影给我们留下的是今天拥有明天不会再来的东西。
二、民俗摄影的创作特征
1、要了解民俗内涵。
民俗摄影的焦点是民俗，因此、要求民俗摄影工作者在开展民俗摄影之前，首先要读一些 民俗学 著作或一些相关民俗的专著，通过学习、了解民俗的连续性和传承性以及民俗的发展态势。只有这样才能做到有的放矢，准确地把握与判断拍摄对象，拍出具有真正的民俗风味与内涵的作品。
摄影是一种实践很强的文化方式，因而，有相当多的摄影人只重实践而忽视了理论学习，这对于民俗摄影工作者是不可取的，近年有不少民俗摄影者，因为文化准备严重不足，缺乏民俗理论的指导，导致了对拍摄对象把握与判断的失据，进而对民俗事象的表达失言。往往把裹着小脚等某种不文明的封建残留，也当作民俗精华来宣扬;或者只把焦点锁定在农 村和除汉族以外的少数民族，而独缺城市或汉民族丰富的民俗内容。这样拍出的作品只能是片面的或歪曲地反应民俗、给人以误导，使人产生民俗只是过去的，而不是当代的;只是陈旧的，而不是发展的;只是农村的，而不是城市的误解，甚至精华与糟粕不分。
2、要把握民俗特色
民俗的显著特点是它的地域和群体特征。但是，随着社会的发展和民族的大融合，各民族的民风习俗不断产生了碰撞、交流、逐步走向了融合。原来各民族、各个地域民众在各自不同的环境条件下生存、发展、而产生的不同特点的民俗文化，现在有些已较难区分出其各自的特征。因此，在拍摄之前，对民俗的许多事象和器物进行调查研究，取得相关的第一手资料，并对有关事象和资料进行分析，比较和研究，区辨和掌握拍摄对象的特色，是民俗摄影必要的准备。
做好民俗的调查研究，首先要有针对性地读一些古代典籍、史书、史料等，初步了解民俗事象的概貌及发展演变的历史;第二要细致的开展实地调查，为提交资料的可信度，还要在被调查者的直接交流的基础上，进而深入生活，从生活方式到民族意识，文化心理去感受民俗、了解民俗。第三要将所作的调查、记录和搜集的材料进行整理、归纳、比较、研究，进行历史的分析和结构与功能的分析，梳理出所要拍摄的民俗的特征、特色、在有可能的情况下，还要尽量摸清民俗活动所要经历的几个主要场景，从而使拍摄更富有针对性，更能有效的把握民族文化的精髓;第四要针对民俗事象的主要特征、理清拍摄思路，对整个拍摄过程预先进行构思，从而避免错过有效时机，能更准确的把握瞬间，更深刻地提炼主题，使拍摄的画面获得更高的价值。
3、要真实的再现民俗 真实是民俗摄影的生命、真实的反应民俗事象是民俗摄影的基本要求，只有真实、才能原汁原味地展示民俗风貌，揭示民俗内涵;弘扬民俗的美，讲究真实就是要求摄影者要以科学的、严谨的态度，用影像与文字相结合的方式去记录、整理、研究民俗的内容，结构等等。所拍摄的照片是类似司法上用的“证据”，一样真实可信。艺术性是摄影作品的灵魂，但民俗摄影又不同于摄影的艺术创作，艺术创作可以用纯艺术的技巧来抒发作者的自我感觉，自我意识，而民俗摄影照片中“自我”应是零度表达，当前有些民俗摄影过于强调“艺术性”甚至用编排、导演虚假民俗的手段拍摄“民俗”，这样做，往往会因此导致民俗摄影变味变相。变成有民俗招牌而无传统民俗文化内涵的“文化表现”活动。
三、民俗摄影作品的文化价值
世界因为有了人类才富有生机，人类因为有了各民族悠久灿烂的文化才变得融合美好。民俗摄影作品，就是以独特的纪录形式、以各民族、各个时期的不同民俗民风为切入点，以民族间相互友爱的团结精神为切入点，以各民族为人类的文化贡献，促进社会进步的事象为切入点，反映人民在各种社会生存活动中，生生不息的顽强生存力和丰富创造力。民俗摄影源于对自然对人类对生活的热爱，并不是简单地对过去落后生活的回味，而是作者强烈的责任心，在艰苦的创作过程中用友善的心与民俗去交流对话，才使民俗摄影真正成为民族与民族之间、各民族与整个人类之间的沟通、交往、友爱的桥梁。
在民俗摄影中，民俗专题摄影具有突出文化的价值。那么，什么是民俗专题摄影呢?所谓民俗专题摄影，其实就是民俗摄影的另一种表现形式，有这样一段话可作以准确的说明：“民俗专题摄影是指围绕一个具体鲜明的主题，用一组照片配合一定的文字完整展开的民俗摄影报道。它要求严格遵循真实性的原则，较清晰的时间坐标或坐标线;严格扼要的内容及内在的逻辑结构、形象情节连缀、互映互补、典型生动的视觉张力结构;与图片相辅相承的简要文字叙述。”其实作为民俗专题摄影早在英国探险家斯坦茵来中国后就出现了，当他掠夺完西部瑰丽的文化宝藏后深入我国内地，拍摄整理了大量民间盛行的手工艺作坊的资料带回欧洲，给欧洲的发展带去了许多东方的信息。摄影师作为一种信息传播的载体，关键是我们如何把民俗摄影的文化价值突显出来。2009年我在辽西农村拍摄了一组民俗题材的摄影作品《辽西背阁》(大秧歌的一种)曾获辽宁省摄影展览优秀作品奖。
这组照片就是民俗文化现象最好的体现。通过文图并茂的方式，向人们展示了“辽西背阁”的全貌。在拍摄过程中，我采用特写，仰视以及远景，中景相结合的手法，从近至远多视角反映辽西背阁，从化妆，上芯子，准备道具到演出全过程。特别是在抓取女主角，小仙女在化妆后钻窗户这一典型瞬间，很好的把孩子天真欢快的特点表露无疑。同时清晰的把小女孩身着地域特色的服饰展示出来。秧歌流行于我国广大农村的一种民间舞蹈、每逢喜庆之日，锣鼓喧天，载歌载舞，为广大群众所喜闻乐见。“背阁”又是秧歌这一民间舞蹈形式之一，每个伴像里面都具有很多古老的 传说 和文化符号，有很高的文化价值。在我国具有悠久的传统和广泛的群众性，因此流传之今。
民俗专题摄影逐渐的成熟，为继承传播民俗文化找到了最佳方式，民俗摄影传承保护了民俗，促进了民俗文化的发展，民俗文化增加了民俗摄影创作的题材，它的发展壮大，必将为人类社会的发展起着重要的积极作用。
民俗作为一种传统的民族文化已被越来越多的人所接受和认可。随着时代的发展，社会的进步，人们对民俗的研究已逐渐成为一种风尚。而民俗摄影则成为人类研究民俗的一种有效载体，直接或间接地反映民族文化、反映地域文化、记录社会变革、记录人类进步。
《 民俗摄影入门技巧 》
摘要：民俗摄影，作为一门年轻的摄影门类，与其他摄影虽有不少共性，但又有许多个性即特殊性。民俗摄影的特殊性，决定了它有自身的内在规律。掌握并适应这些规律，就能在民俗摄影实践中取得主权，从而使自己的民俗摄影水平不断进步，有所创新。要搞好民俗摄影需要遵循的原则和注意的问题比较多，如提高摄影技术、技法等，但主要应在以下几个方面下功夫。
关键词：民俗摄影;摄影理论;艺术创作
中图分类号：C45 文献标识码：ADOI：
文章 编号：1672-0407(2012)09-025-04收稿日期：2012-08-23
一、要学点民俗摄影理论
从严格的意义上讲，以民俗事象为题材的摄影作品不一定都是合格的民俗摄影作品。因为，民俗摄影具有极强的学科边缘性，它既是民俗学、社会学的组成部分，又与人类学、历史学、考古学、民族学等学科相联系，其自身也涉及摄影艺术的许多门类。所以，民俗摄影工作者需要具备多方面的知识，具有一种特定的民俗文化的观察力和极强的民俗意识，对具体民俗事象的形成、发展及其与 传统文化 的关系能有较深刻的理解，才能准确地把握民俗事象的深厚内涵，拍出优秀的民俗摄影作品。
就目前我国民俗摄影队伍而言，不论是有一定资历的中老年摄影工作者，还是从事摄影时间不长的年轻人，可以说，绝大多数都是初涉民俗摄影这一领域，对有关民俗摄影的理论知识普遍比较缺乏，对诸如什么是民俗学、民俗学包括哪些内容，民俗摄影的特性、内涵、原则及应具有的技术技法等比较模糊;致使一些同志的创作思路长时间停留在单纯为了猎奇而纪录或囿于唯美的艺术创作。
有的认为，民俗摄影就是到少数民族、边远落后的地方去拍摄，汉族、内地、城市没有什么民俗题材可拍;有的在拍摄过程中，舍本逐末，不得要领，使得许多难以遇到的拍摄良机失之交臂;有的干脆这也拍，那也拍，似无头苍蝇到处乱撞，带有很大的盲目性，结果片子消耗不少，收效甚微;还有的由于不大懂民族政策和当地民俗习惯，到民族地区采访闹出笑话，有的甚至违反当地的民俗禁忌和国家民族政策，引起民族地区的不满，造成了民族矛盾。如此种种，虽现象各异，但却说明了一个共同性的问题：缺乏民俗知识，缺乏民俗意识，一句话，缺乏学习。这就从中得出一条结论：从事民俗摄影，不下一定气力学点民俗知识是绝对不行的。许多颇有摄影 经验 的同志经过一段波折后曾发出这样的感叹：“搞民俗摄影，不学点民俗学知识就不知道哪些该拍，哪些不该拍，应该从哪个角度拍，通过学习才明白，原来民俗摄影的题材如此之广，范围如此之大，既大有作为，又大有学问。”
实践证明，从事民俗摄影须着重学习以下基本知识：一是民俗学，通过学习弄清什么是民俗，民俗学及民俗的范围;二是学习民俗摄影的有关理论知识和拍摄技法;三是学习有关民族政策，了解我国各民族的形成、发展及其主要的民俗民风特征及民俗禁忌，熟悉国家对各民族特别是少数民族的有关政策。应当指出的是，即便是从事民俗摄影有相当资历的同志，在采访前还要先期学习有关民族政策、民族习俗，民族心理。过去由于宣传内容与研究资料的界线不清，本应作为内部学术研究资料的却拿来公开宣传，结果虽满足了一些读者的猎奇心理，扩大了刊物发行量，但却严重伤害了少数民族同胞的感情。
本文之所以不惜笔墨地论述学习的必要性和重要性，正是由于它实在是从事民俗摄影必须的先决条件和最基本的要求，大概也是与从事其他摄影的显著区别之一。
二、要具有两个感情
民俗摄影工作者对事业的感情与对被采访对象的感情，是决定能否克服一切困难，能否拍出感人至深照片的重要因素。
拍摄民俗照片，必须深入民俗活动的生活中去，特别是到那些偏远山区的少数民族地区采访拍摄，需要作者具有吃大苦，耐大劳的坚毅品格与顽强精神，而这些又来源于作者对民俗摄影事业的高度责任感和事业心。很多同志以为民俗摄影首先要解决语言问题，实际，在经济、交通发展迅速的今日，即使再偏远的山寨，也可以找到翻译和向导，而考验民俗摄影工作者意志的正是日常生活中必不可缺的吃饭、睡觉、走路三大要素。入乡随俗，你能到藏区喝酥油茶、吃糌粑吗?在生活艰苦的环境条件下，能一个星期甚至十来天地把土豆又当菜又当饭来与老百姓共处吗?睡眠是恢复工作必不可少的条件，可是在条件较差的山区，没有床甚至没有被还有各类小动物的干扰，或者十多人乃至几十人共享一个大帐篷甚至露宿，你能保持足够的休息来维持连日紧张的工作吗?再说走路：过溜索，骑马，攀越白雪皑皑的山脉，背上几十斤重的摄影器材，连续几天或十几天的步行，所有一切构成了民俗摄影工作者艰辛的工作写照。民俗摄影的收获是要付出巨大的代价，有时甚至是宝贵的生命。如果对民俗摄影事业没有足够的认识和深厚的感情，也许一个跳蚤就会把你吓回去。
至于民俗摄影工作者第二个感情就显得更为主要了。这个感情问题实际也就是立场问题，无论是哪个民族，即使是最贫困、最弱小、最偏远的民族，采访者都应对他们抱着诚恳、平等、尊重的态度，只有这种态度才能被他们接受，才能受到他们的信任。一个人迹罕至的偏远小山寨，来一个外人是会有“轰动效应”的，很久以后，甚至几十年，上百年后都会由爷爷传诫子孙，某某汉人是我朋友，某个汉人是骗子，他们待人的态度是认真的，甚至是刻板的，是凭感情来认识的。对待被采访对象最好的方式是诚意，有诚意就不必怕误会，有诚意就可以交朋友，有诚意就会培养出深厚的感情。一旦与被采访者之间有了感情，你就不会去拍猎奇的照片，哪怕拍一间破茅屋，拍一位衣衫褴褛的劳作者，也会充满了温馨，充满了人情味，你就会从现实的贫困中找出他们和昔日的不同与发展，你就会从相对的落后环境中发现在现代城市里已经难以找到的情感与信任。你就不会嫌脏，你就不会嫌穷，你就会把充满诚意的镜头去寻找能反映他们真情实感的一举一动，去对准他们虽然贫困，但却认真而火热的生活，你也会在这样的采访中获得升华的快感，悟到更多人生的真谛，一切艰难困苦，一切生生死死的威胁都会被你那高于感情的采访热情所溶解。
《 航空摄影测量试析 》
摘要：我国的测量技术随着科技的进步和社会的发展已经有了大大的提高。航空摄影测量已成为测量工程的重要组成部分，我国的经济发展和一些突发事件的发生提供了帮助。笔者就航空摄影测量进行了较为系统的介绍。
关键词：航空;摄影;测量
1. 航空摄影测量的基本该概念及种类
航空摄影测量指的是“在飞机上用航摄仪器对地面连续摄取像片，结合地面控制点测量、调绘和立体测绘等步骤，绘制出地形图的作业”。航空摄影测量单张像片测图的基本原理是中心投影的透视变换，立体测图的基本原理是投影过程的几何反转。利用航空摄影测量技术可以快速获得道路阻断、河流阻塞、城镇的损坏和重要基础设施的破坏情况，为抗震救灾决策指挥提供依据。也可以在城镇规划中提供数据依据。航空摄影测量的作业分外业和内业。外业包括：像片控制点联测，像片控制点一般是航摄前在地面上布设的标志点，也可选用像片上明显地物点(如道路交叉点等)，用测角交会、等外水准、测距导线、高程导线等普通测量 方法 测定其高程和平面坐标。综合法测图。内业包括：加密测图控制点，以外业像片控制点为基础，一般用空中三角测量加密方法，推求测图需要的控制点、检查其平面坐标和高程。
2. 解析空中三角测量
在精密立体坐标量测仪或解析测图仪上，立体量测加密点及框标在左右像片上的坐标。当作业人员通过观测系统使左右眼分别观察左片和右片，则可看到重建的立体光学模型。其他建立立体视觉的方法，包括：互补色法，偏振光立体眼镜法;液晶立体眼镜法等。
内定向、相对定向和绝对定向
内定向是指“根据量测的像片四角框标坐标和相应的摄影机检定植，恢复像片与摄影机的相关位置，即确定像点在像框标坐标系中的坐标”。在立体测图仪上的内定向，是通过严格的装片来实现的，即使用对点器(―种精巧的放大镜)，分别地将涤纶像片上的框标精确对准承片盘上的相应框标。从而就实现了恢复像片内方位元素.对于解析测图仪，则只需将像片的基线大致平行于仪器的X 轴.像片的内定向，是通过精确量测像片的四角框标，利用严密的解析公式计算求解，同时进行像片的变形改正。
相对定向是指“恢复摄影瞬间立体像对内左右像片之间的相对空间方位”。确定两个像片的相对空间方位需要五 个参数.相对定向的数学关系通常用同名光线共面条件表示，即左右摄影中心至地面点的两条光线共面。相对定向至少需量测六个定向点，利用最小二乘法平差解算。对于模拟型立体测图仪，包括机助测图系统，立体像片对的相对定向，是通过左右像片车架的空间运动来实现的，以便消除立体模型内各点的上下视差，从而实现恢复立体像对左右片在摄影瞬间的相对空间方位。
绝对定向是指“确定立体模型或由多个立体模型构成的区域的绝对方位，也就是确定立体模型或区域相对地面的关系”。绝对定向参数为七个。传统的模拟立体测图仪绝对定向，通常分成高程置平和平面对点两个步骤来完成的.立体模型的绝对定向，通常需要六个已知平高定向点，至少应有四个平高点。解析测图仪和机助测图系统，立体模型的绝对定向，是按三维正形变换算法，利用最小二乘法进行平差解算的。
区域平差和联合平差
区域平差也称“区域空中三角测量”，俗称“电算加密”，是“对整个区域网进行绝对定向和误差配赋”。区域平差目前一般采用独立模型法或光线束法。独立模型法是以单个立体模型为单元，而光线束法则以单张像片为单元。联合平差是指“摄影测量数据与非摄影测量数据的整体联立解算”。联合平差指“带辅助数据的解析空中三角测量”。辅助数据系指大地测量观测数据，例如地面距离、水平角、方位角，像片外方位元素，湖面点等高等条件。目前，联合平差主要是指，摄影测量数据与机载GPS 精确定位数据的同时整体解算。这是解析空中三角测量的一项重要进展，可以实现少地控或无地控空中三角测量。
3. 数据采集―测图
地物采集
作业人员在完成立体模型的绝对定向后，需经专职质量检查人员联机检查，确认精度符合要求后，方可进行地物采集。应参照外业调绘片，在立体模型上仔细辨认，分类进行测绘.对于数字化测图，应按统一的地物编码系统分类进行采集，并且分层进行存储。同时采集的数据还应加上地物属性，以方便于同GIS 建立接口。为了便于在采集和编辑中明显地区分不同的地物，各种现状地物通常赋予相应的颜色。
地貌采集
在传统的模拟测图中，包括机助测图中，地貌采集是由等高线描绘和注记高程点两个部分组成的。等高线的基本等高距，应按规范根据成图比例尺、地形类别及用图需要选定;计曲线则取基本等高距，即首曲线的5 的倍数。高程注记点，一般选在明显地物点和地形点上，依据地形类别及地物点和地形点的多少，其密度规范规定图上每10cm×10cm 为5・20 个点。在解析测图仪上，地貌测绘可以有多种选择方式，除按等高线和高程注记点外，还可采用按程序控制的矩形格网或断面方式采集地形点。
4. 原图编辑及原图清绘
地形原图编辑包括对原图中地物地貌表示不合理之处的处理，相邻图幅的接边处理，以及道路、河流、街道等名称的注记。在传统的模拟测图中，原图清绘的主要任务是在铅笔稿原图上进行清理着色，或者在聚脂薄膜上刻绘。对于数字化测图，在经过图形编辑和审校后，可直接利用高精度绘图机绘制线划地形图，还可用磁介质提供数字地形图产品。航空摄影测量是根据摄影过程的几何反转原理，置立体像对于立体测图仪内，建立起所摄地面缩小的几何模型，借以测绘地形图的方法的。航空摄影测量的主题，是将地面的中心投影变换为正射投影。这一问题可以采取许多途径来解决。如图解法、光学机械法和解析法等。在每一种方法中还可细分出许多具体方法，而每种具体方法又有其特有的理论。其中有些概念和理论是基础性的，带有某些共性，如像片的内方位元素和外方位元素，像点同地面点的坐标关系式，共线条件方程，像对的相对定向，模型的绝对定向和立体观测原理等。
参考文献
肖志婷，郝娜. 数字航空摄影测量数据处理关键技术探讨[J]. 测绘与空间地理信息，2014(07).
刘先林，段福洲，宫辉力. 航空摄影科技发展成就与未来展望[J].2007(03).
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摄影是人们记录客观世界的一种方式，随着现代摄影技术的发展，摄影已经深刻地影响了人们的日常生活。下面是我为大家整理的摄影相关论文，供大家参考。
上好摄影课不容易，上好大学生的专业摄影课就更不容易。笔者作为一名兼职教师，在艺术 教育 教学第一线，通过听课、走访、问卷、调研，发现目前我们有相当一部分大学专业课老师在教学中，仍然是“老三篇”：黑板粉笔、照本宣科、缺乏激情。这种讲课从表象看很像写 作文 ，大家都在写，但精彩的篇章不多，多系平铺直叙，;有“标签式”硬贴，“商品式”硬配之嫌。这种讲课说老实话老师是花了苦力，也费了心血的，但大学生们不买账，不喜欢，学生掌握不了应该掌握的知识，素质提不高，教学成效甚微。笔者认为，要教好大学的专业摄影课，授课教师必须讲究授课艺术。要解决这个难题，授课教师必须努力做到三个字：新、情、活。
一、精心备课，内容求“新”
内容求新，一是指对内容的开掘要深，要扩充新内容，向大学生提供足够的信息量。摄影课内容变化较快，特别是数码技术、 网络技术 的出现，对传统摄影的冲击较大，要适应这种变化，摄影课教学必须“与时俱进”。因此，我们不能抱住老教材不放，应该坚持“信息新、数量大、实用性、课题化”的原则来组织教学内容。摄影课只有在有限的时间里给学生提供最大量的最新的和有用的信息，他们听起来才会觉得过瘾。二是指对内容的创新和发展，要掌握其本质，占据制高点，讲到最前沿。在调研中发现，大学生对老师不满意的意见中有一条就是“我们知道的老师反复讲，我们不太懂的老师省略讲，我们不明白的老师又不讲，老师讲过后我们还是不会做”，这就是没有处理好这些问题，当然，有时是老师自己也不太清楚，怎么能讲得清楚呢?
二、细心讲解，表达含“情”
这是研究“怎么讲”的问题。
有了好的、最新的摄影知识内容，如何将它们变成可视、可听、可读、可析的对象，并通过老师的语言将各个知识点让大学生记住并掌握呢?这是另一个困惑老师的地方。笔者认为只有发挥情感的功能，细心讲解，方可解之。情感在讲课中的功能主要有如下四个：一是动力功能，即老师积极的情感能引起大学生的兴奋、激动、愉快的情智体验，使学生们充满活力，积极投身于自己感兴趣的各种课堂活动。
因此，老师上课的每一段话，都要有感情色彩，都要努力从心灵深处自然流露，当然，这首先要求老师热爱学生、热爱教育事业，这样的话，大学生们就会在老师情感的动力驱动下，精神愉悦地学习，并转化为利于教学的行动。二是感染功能，即个人的情感对他人的情感具有施加影响的作用，也就是说老师的情感能感应大学生，使大学生们具有类似的情感，这表现在很多方面，如关怀、照顾、信任为主的温情式感染，以激发比、学、赶、超为主的示范式感染等。老师的关爱和信任会给学生以强烈的感染。三是调节功能，即人的情感对人的思想和行为具有调节作用。
这一点反映在师生关系上特别明显。和谐的师生关系以师生的积极情感为基础，能够激发师生的热情和智慧，唤起师生的责任感和积极性。因此，老师要热爱学生并尊重学生，及时与学生沟通，同时要情随境迁，善解人意，努力营造师生交流的和谐氛围。如给学生一种认真倾听的表情、一个信任鼓励的眼神、一种朋友商量的口吻、一封探讨问题的E-Mail等等，都会取得极好的效果。笔者认为在课堂上，师生要零距离接触，要有伙伴式交流，这有利于张扬学生个性，放飞学生思绪，使学生真正成为课堂的主人、问题的主人、学习的主人。四是迁移功能，即个人对他人的情感会迁移到与他人有关的事物。
当代大学生情感丰富，而且好激动、善迁移，他们的认识活动，常常靠情感的体验，经常因喜欢听老师的某门专业课而喜欢上这个专业，进而献身于这个事业。老师一定要以正面形象吸引和感染学生，教师对摄影艺术的执著和热爱，种种无言的、不求功利回报的关爱，对学生无疑具有强烈的亲和力和凝聚力。“其身正，不令而行;其身不正，虽令不从”。我们老师只有做一个有德有识之士，才能使大学生实现积极的情感迁移，“爱屋及乌”，从而“亲其师而信其道”。
三、用心设问， 方法 要“活”
这是研究“谁来讲”的问题。
一是课堂互动、连环问答。“知识是前提，表达是关键”。
摄影课上用音乐做补充，老师有意识地在师生互动讲课，指导学生课上思考、观察、讨论、写感受时，运用精选的与摄影作品相协调的、与课堂氛围相一致的音乐来“讲课”，定会取得非常好的效果。这一方法能充分调动学生动眼、动耳、动手、动脑、动心，从而实现教学目的。大学生喜欢这种氛围，在这种氛围中，他们更容易接受老师提供的知识。
二是让实践成为学生的又一老师。每节课都留下一个实践项目，精心设计一个创作主题，请同学课后做一下，下一次课时，请同学上台讲一讲实践经历。鼓励每一个同学站起来说话，表达自己的看法，从而引发大学生的学习兴趣和保持学习的注意力。有的教师可能会有这样的困惑：引发了学生的主动性，学习没有结果怎么办?其实，激发了同学的学习兴趣和使其掌握了正确的 学习方法 ，这不就是结果吗?这种没结果的结果倒是最重要的。在经历了一个教育过程之后，无论结果是否达到，实际上这个过程本身就是结果，是无形而珍贵的结果。什么是素质?这个结果就叫素质。在很多情况下，教育的结果还没出现，但过程已经存在，在此过程中，大学生的 思维方式 和学习主动性发生了变化，这个变化就是素质的变化，这理应是我们教育追求的目标。同学回答问题的对与错并不重要，重要的是他敢于发表意见。学生做事有没有结果，这也不重要，他做事的过程已经很重要了。因为在这种过程中，实践在给大学生们“上课”。诚如江汉大学人文学院女生汪洋所言：“与其说摄影课是一门课，还不如说它是一面镜子，让我们学会从生活中、从实践中审视自己，审视自己的生活状态，从中得到人生的启迪和哲理。”
综上所述，高校摄影课教师在授课时，认真做到三个字：新、情、活，细心解决好讲什么、怎么讲、谁来讲的问题，一定会受到大学生们的热烈欢迎，同时也会收到良好的教学效果。
摘 要：在摄影艺术中，摄影构图有着自己独特的形式规律。一幅成功的摄影作品，在进行画面布局的时候是十分讲究的，它既符合人们的生活规律，又符合人们的心理和视觉习惯。只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传达给受众。
关键词：对称与均衡 主次关系 黄金分割 画面空白
一、构图的意义
构图在传统画论中称之为“章法”、“布局”、“经营位置”等。是指根据画面的需要，安排形象，体现作品的整体效果。构图作为摄影的第一步，因其创作手法的特殊性，决定了它的复杂性和丰富性。事实上，任何艺术形式都有其固有的形式规律，只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传达给受众。虽然摄影构图的形式规律不是死的，但了解这些形式规律可以避免一些初级的错误;掌握和运用这些形式规律，对塑造艺术形象、揭示主题思想则是一条捷径。
在设计摄影画面的构图时，最重要的一点就是构图的均衡美。在日常生活中，每个人可能都有过以下的体会：一把椅子倾斜了就会让人产生不稳定的感觉。而大多庄重、尊严的东西又是很对称的，比如古代宫殿门口的石狮子，它是成双存在的，给人以对称的美感。因此，摄影作品的画面均衡，在构图时十分重要。
二、对称和均衡在画面中的运用
对称，象征一种高度整齐的程度。比如蝴蝶，它的形体和翅翼花纹的对称美，一直为人们所欣赏，在摄影作品中对称的画面也时常可见，但大多数摄影作品，在构图中并不追求一半对一半的对称，而是刻意于画面的视觉均衡。
摄影画面布局的均衡，是人们运用视觉和心理上的习惯，对画面内全部可视形象所处的部位，进行稳定与否的一种衡量。在摄影的构图中，绝对的对称会给人一种静止、拘谨、单调的感觉，生活中人们对审美的要求仍然以追求均衡居多。过多的运用对称会使人感到呆板，缺乏活力。而均衡则是为了打破较呆板的局面，它既有“均”的一面，又有灵活的一面。结构的均衡是指画面中各部分的景物要有呼应，有对照，达到平衡和稳定。均衡的范围包括构图中形象的对比：人与人，人与物，大与小，动与静，明与暗，高与低，虚与实等等。
对摄影者来说，布局的均衡是结构理想的结果，因而处理均衡的问题，也就是处理画面结构的问题。作为摄影画面的两大组成部分，主体与陪体是表达思想内容的主要对象和辅助对象。所以在处理画面布局均衡的时候，首先要考虑的就是它们之间的呼应关系，这其中包括两者在情节上、情绪上以及动态、动势方面的呼应关系。
三、构图中的主次关系
根据主题思想要求，选择有价值的景和物，组成摄影画面。在这个画面中最能体现主题的对象，就是主体。而在画面中，那些不是最直接体现主题思想，仅对主体起到一定程度的烘托、陪衬，帮助主体说明主题思想的对象，习惯上称为陪体或周围环境。在摄影画面中要妥当的安排和处理好主次关系，避免出现零乱、主次不分，淹没或失掉主体，而造成没有主题的现象。
在设计画面时要注意主体和陪体的关系，一幅照片如果只有主体而无陪衬，画面就会显得呆板而无变化，但陪体不能喧宾夺主;主体在画面上必须显著突出，要弃繁就简，必要时可改变拍摄位置和角度，或是搬动不必要的东西，以达到画面简洁，突出主体的效果。在照片画面的主次关系上可以掌握以下两点：第一，如果遇到杂乱的背景，可以采取放大光圈的办法，让后面的背景模糊不清，以突出主体。第二，选择适宜的角度进行拍摄，避开杂乱的背景，以使人物的形象突出。
第四、构图中“黄金分割”的运用
初学摄影者最容易犯的错误，就是把最吸引人的景物放在正中间。的确，在正中间的景物是最容易吸引人的注意力的。但是，将吸引人的物体放在正中间，很容易只让人专注在那个物体上，而令画面变得呆板。
既然要避免居中，就要知道所谓的“黄金分割”，也就是“黄金比例”， 将之运用于美术和摄影的构图中往往以5：8的比率来表示。另外，九宫格构图(也称井字构图)，实际上也属于黄金分割的一种形式。就是把画面按水平方向在1/3，2/3位置画两条水平线，按垂直方向在1/3，2/3位置画两条垂直线，然后把主体尽量放在交点的位置上。实际上这几个交点都符合“黄金分割定律”，是最佳的位置，当然还应考虑平衡、对比等因素。这种构图能呈现变化与动感，画面富有活力。这四个点也有不同的视觉感应，上方两点动感就比下方的强，左面又比右面强。在具体的摄影构图中，可将其应用于情节对比、虚实对比、动静对比、大小对比等。
五、处理好画面的空白
摄影构图中的空白，既有因景物本身，如：烟、云、雾、天、水、空隙所制;又有因为光与色的艺术处理所制。实体与空白的相互衬托，形成有规律的起伏节奏，产生一定的的韵律感，是摄影艺术在处理画面构图虚实关系中，广为运用的手段之一。
虚实关系在摄影画面中比较容易看出，也比较容易分辨。但在具体处理的时候，却要注意实体与空白的关系，使画面有变化、不呆板。空白常常可以刻画意境、渲染气氛，在画面中运用得当，会在构图的形式上添加积极的作用。空白还有在视觉上和心理上造成动势的功能，在运动和所注视的方向要留有一定的空白，可以给人们留下伸张的空间，造成一定的方向性，有助于加强运动的空间感。所以才有“大抵实处之妙，皆因虚处而生”之说，足见空白在构图中的重要性。
同绘画一样，摄影也是一种艺术手法，线条的明快以及画面的和谐是关键，好的构图不仅让人感觉主题明确，而且会给人以视觉和心理上的冲击。所以，摄影水平的提高，必须从构图这个环节入手。当然，构图形式也不是绝对的，它只能提供对摄影表现形式的帮助与参考。有句话说得好：规则是用来打破的。所有的规则都不是死的，吸收前人的 经验 对摄影的形式表现将产生积极的作用，会有利于对形式美的理解。
目前的国内各大高校在摄影系、广播电视编导系、广播电视系的本科学习阶段几乎均开设了影视摄影课，将其作为一门专业基础必修课程。笔者所在的摄影系影视摄影方向在一二年级，分别开设了《摄像技术基础》和《影视摄影造型》课。影视摄影这门课程具有很强的理论性和实践性，如何更好的进行实践教学是教师要思考和解决的重要课题。
一、合理实用的实践教学改革理念
摄影系的学生在一二年级要学习好几门以实践为主的专业基础课，在学习《影视摄影造型》课之前，先修完《摄像技术基础》。应该说是《摄像技术基础》侧重基础知识和技术的学习与训练，而《影视摄影造型》更注重培养学生的艺术感觉， 创新思维 和画面造型能力。同时，摄影系的学生还要开设其他相关课程，作为有益补充。笔者在讲授影视摄影课程的过程中，根据学科特点和性质，秉承“理论和实践并举，更重实践”的理念。这样做是为了改进以往影视摄影课过多的依赖课堂理论讲授，教师大多是采用上单一的填鸭式理论灌输，而疏于实践技能培养的弊端。通常根据教学大纲的制定，将理论课和实践课的课时数量设置在1：2的比例左右，教学环节按照“理论―实践―理论―实践”的节奏推进。即每次课堂理论教学的落脚点最终是指导学生实践练习和操作，将上一阶段所学到的理论知识充分转化为实践能力，提升学生的实践技能和水平。然后再进行下一阶段的“理论课―实践课”学习。如在《摄像技术基础》课上，教师讲授完数字高清摄像机的基本基本原理和曝光控制白平衡调节等理论知识后，便在下一阶段课时中安排进行实践课部分，教师将学生分小组，讲解并示范摄像机的曝光与白平衡控制的操作步骤，然后指导学生分组逐个练习。在课堂上对学生出现的操作环节错误，教师及时指出并予以纠正。待此部分实践内容学生基本掌握后，再进行下一环节的“理论――实践”教学。
二、改善实践 教学方法
影视摄影作为一门学科，具有很强的理论性和实践性，同时又是融技术性和艺术性于一体的学科。在实践创作中，一名影视摄影师艺术创意的体现有赖于扎实的技术素养和水平。而检验一个学生理论知识扎实与否的落脚点，就是看他的实践能力如何。因此，如何上好实践课以提升学生的专业实践能力，是影视摄影专业任课教师面临的重要问题。笔者根据数年的教学经历和改革尝试，通常在理论教学时采用全班集体授课方式。而在实践课环节，采用分小组示范讲解，学生分小组练习实践的小班化学习方式。考虑到现在的每个自然班学生人数较多，而实验器材相对有限的现实状况，教师每次指导学生分小组时将组员人数控制在6人左右。每个小组成员人数不宜过多的目的，就在于确保每个学生在实践课上都有足够的时间量来练习操作。无论是课堂实践练习，还是课下的实践作业以及期末结课作业，学生都以这个相对固定的小组完成实践拍摄。
1、利用多媒体技术，提升教学效果
在实践课上，教师利用多媒体影像技术手段，结合优秀的影视作品案例，对学生在实践过程中出现的普遍性和个别性错误进行对比和指导。教师可以选取摄影画面优秀的影视作品片段，对比学生实践作业中出现的问题进行分析、讲解和指导。例如学生在练习使用摄像机拍摄固定机位不同景别画面的实践内容时，初学者普遍存在的问题就是景别取景不规范，镜头与镜头之间景别运用不合理或景别过于单一等问题。这时任课教师利用多媒体为学生播放一些优秀影视作品中景别运用规范的镜头片段，然后来对比学生学生实践作业中普遍出现的错误案例，帮助学生分析问题所在并寻找解决办法。
在这个环节，教师避免局限于单方面的讲授知识和技法，而是采用引导学生对比自己的练习作业进行思考，检查，分组讨论，分析问题，积极调动学生的积极性，营造活跃互动的课堂氛围。这样，学生会在积极思考热情参与的状态下，更好的将专业理论和实践相结合，从而提高自身的实践水平。此外在课堂练习中，现使用的数字高清摄像机普遍具有USB串行接口，学生可以直接将拍摄练习的作业素材拷贝至教室内的多媒体电脑中。教师现场对学生拍完的练习素材进行回放，讲解。这样可以确保在实践课堂第一时间内就发现学生存在的问题。教师及时给学生指出问题症状，并和学生一起讨论解决办法。
2、根据学生特点，帮助学生制定拍摄主题和计划
影视摄影的实践需要学生调动自己多方面的能力，是一个“脑眼手”综合运用的过程。它需要摄影师用眼睛细致观察，大脑积极思考，最后由手(和身体)来掌控摄像机来完成操作和拍摄。因此影视摄影的实践创作考验的是一个人的综合协调能力。在分组拍摄中，它还考验着学生团队协作和沟通的能力。教师会根据自然班的学生数量、结构和特点，指导他们合理分组搭配，制定合理的拍摄进度安排，时间周期控制。有拍摄采访对象的，教师会指导学生如何与拍摄对象沟通(尽管如何采访不是影视摄影课的重点)。甚至在拍摄时长较长的期末结课作业时，教师要讲授一些制片管理方面的知识，对于拍摄过程中有可能出现的一些制片方面的困难，提醒学生提前做好备选方案和计划。对于大幅度更改实践作业拍摄计划和方案的，指导学生调动现有资源和条件，尽可能拍摄出更好的影像效果。
3、扩展实践教学空间，紧跟行业发展趋势
影视摄影这门学科有一个显著特点，就是随着科学技术的发展，新的创作设备和拍摄理念层出不穷，更新换代的速度极快。例如笔者刚从事教学工作时，当时行业内领先的是数字全高清技术。几年的时间，现今行业内的发展趋势是4K技术，数字电影摄影创作，log模式拍摄甚至是未来VR技术的使用。这一切都意味着无论是专业教师、学生还是从业者，要想从事影视摄影这项职业，就必须要保持对新鲜事物的好奇心，保持一个不断学习新知识的状态。也只有这样，我们培养的学生才会在未来的专业发展道路中越走越宽，不被行业淘汰。基于此，教师积极利用互联网上的相关专业知识和信息资源，结合课堂实践内容。为学生拓宽知识面。例如在介绍行业领先的RED和ARRI数字电影摄影机的知识，市面上常见的纸质教材和资料鲜有这方面内容。
教师搜索专业的技术网站，寻找适当的资料截取成视频影像，做成图片PPT和文字介绍，选取业内专家对此摄影机性能指标的介绍和使用注意事项，所有这些都可以作为实践教学的补充。不但激发了学生的学习兴趣和热情，更是将影视摄影行业内先进的知识和理念带给学生，让他们及时掌握专业发展趋势和动态。此外，专业的影视摄影交流网站和信息公众号也是教师指导学生拓宽知识面的好 渠道 。专业性比较强的影视工业网、拍电影网、V电影网，微信电影摄影师公众号，摄像人公众号等等，经常会有业内人士发表的技术 文章 和创作心得，教师会经常选取有用信息介绍给学生。这些网站一般还设有作品交流专区，学生可以将自己拍摄的作品放到这个板块内进行交流，听取更多业内人士的意见。这样，学生获取专业知识和实践经验的领域不仅仅局限在课堂和校园，他们有更多的可能接受更前沿的专业讯息，提升自己的实践水平。 三、实践作业点评
1、学生实践作品课堂展示
每次的实践作业后和期末结课作业之后，教师会安排每个小组将自己的作品用多媒体在课堂上公开展示，教师现场进行点评。这也是影视摄影课实践教学中不可或缺的重要组成部分。在课堂展示的过程中，小组成员会阐释自己的创作思路及理念，讲述拍摄过程中遇到的难题和解决办法，以及尚未解决的技术和艺术问题等等。教师如此安排是为了深入了解学生的实践创作过程。学生实践创作的过程，是检验他们对理论知识掌握程度的具体和真实体现。反映在学生作品中的一些问题，有些是大家普遍存在的，有些则是每个小组甚至每个学生的个别存在的。每个小组的学生在展示并介绍自己实践作业拍摄经历时，其他同学也会反观自身作品中存在的问题。好的实践经验可以得到印证并分享，存在的问题就需要由教师引导学生思考。必要时候教师可以明确指出，以帮助学生提高专业水平，在下一次的拍摄中取得进步。
2、保护并激发学生的创作热情
摄影技术论文2000字篇二 摄影中的创新技术问题 英文摄影Photography一词是源于希腊语Φωphos(光线)和γραΦιgraphis(绘画、绘图)或γραΦη graphê，两字一起的意思是“以光线绘图”，是指使用某种专门设备进行摄像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。有人说过一句精辟的话：摄影家的能力就是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像。 1.摄影的类型 记录摄影。 摄影诞生，是为了记录。它诞生以后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。因此，从广义上说，摄影就是记录。 艺术摄影。 随着摄影的发展，人们在摄影中不断地增加艺术元素，开始产生艺术摄影。它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。例如：我们去照张相做身份证或留个影，一般照相馆拍摄的照片，最多有点资料或记录价值。可是，齐白石先生的人像，多年过去了，至今仍是世界20幅最优秀的人像作品之一。其中的差别就在于艺术性的高低。 画意摄影。 画意摄影的唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。19世纪后半叶，英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了”的作品——《人生的两条路》，在摄影还被轻视的当时，这幅作品就以其劝勉性的主题和油画式的构图，受到了维多利亚女王的极高评价。可以这样说，雷兰达对推进摄影被承认为一门艺术功不可没。从此，画意摄影逐渐成为摄影艺术的一个重要流派。 水墨风格摄影。 和传统的水墨画一样，目前出现的水墨摄影作品，按题材，可以分为风景和花鸟，对应国画中的山水画和花鸟画;按手法和意境，可以分为抽象和具体，对应国画中的写意和工笔。水墨风格的摄影照片虽然少不了Photoshop等软件的后期加工，但是这并不意味着可以任意扭曲原照片。好的水墨摄影作品要尽量少地修改原照片，它考验更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力。 全息摄影。 全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。普通设摄影记录物体面上的光强分布，不能记录物体发射光的位相信息，因而失去立体感。全息摄影采用激光作为照明光源，并将光源发出的光分为两束，一束直接射向感光片，另一束经被摄物的反射后再射向感光片。人眼直接去看这种感光的底片，只能看到像指纹一样的干涉条纹，但如果用激光去照射它，人眼透过底片就能看到原来被拍摄物体完全相同的三维立体像。一张全息摄影图片即使只剩下一小部分，也可以重现全部景物。全息摄影可应用于工业上进行无损探伤、超声全息、全息显微镜、全息摄影存储器、全息电影和电视等许多方面。 2.摄影技术的创新 摄影艺术的追求与科学技术的追求不同，科学技术的追求总有新的领域去探讨和追寻。摄影艺术的目的即在于激发观众的智慧和感情。它的新领驭就在于摄影艺术家内在的探讨。正如世界上没有两片相同的叶子般，世界上的每一个人都是不同的个体，摄影艺术家独有的个性和表现就是他能追求而带来的新领域。 摄影常常被人称为“视觉的语言”，相机则被形容为“第三只眼睛”。如果我们认真地看待它，“第三只眼睛”所看到的将是独具慧眼的观察，而“视觉的语言”所表达的将是独特的个人情感和思维，那么摄影作品的价值就不再是任何先进的科技所能够取代或者复制的了。 作者本身的气质素养决定了作品创新的个性。 文化孕育了个人艺术的气质和修养，作者本身的文化气质和素养就是作品创新的度量衡。随着世界文化的进一步交融，摄影的创新需要对世界趋势的高瞻远瞩，需要对优秀作品的借鉴学习，需要对大胆另类作品的批判容纳。摄影作品的生命力，反映了摄影者的创新思维和学习激情。摄影者必须不断拓宽视野，并将新知识新理念运用在自己的创作中，创新才会在作品中有更深刻的体现。可以这样说，创新既是衡量摄影者对世界认知和包容的尺度，又是摄影作品容纳百家所长获得的认同。 注重细节表达是摄影创新的基本手段。 我们在进行摄影创作时，要对作品有清晰的概念和准确的定位，除了熟练地运用摄影技术技巧和造型语言之外，还要善于倾注情感，渗透更强的情绪，创作中更要注重细节的表达和细节的处理，以展现生活中最具代表意义和最美的一面，从而带给人们赏心悦目的艺术享受。人们都说梵·高的画是世界绘画史上的一次创新外，除了画风创新，人们还注意到一个细节，就是梵·高在画里画出了无形的风。摄影也一样，需要用细节传递摄影者本身的情感，需要通过细节来探索和发现。 突破个人思维局限，对题材进行深层挖掘是作品创新的重要环节。 摄影作为个体的视觉造型艺术，首先注重的是个性化的张扬，而创新则从作者个性的逆反思维开始。逆反的思维方式，应该是在继承和借鉴传统的基础上进行的一种反传统思维。这种思维锐意求新，完全不羁于传统的摄影理论和法则。 由于作品代表的是摄影者的个性，而个性的表现则是作者进行思考和接搜新思路的体现。个性的创新包括作品在内容上的丰富和在形式上的新颖。标新立异的创作思维往往有先入为主的优势，尽管后来可能会引起竞相模仿，但是人总是认同第一次出现的事物。有时候拍摄同样的内容，作者别出心裁同样会使作品有别于其他的特质，这就是一种创新。 关于这一点，我在风光摄影的时间上有很深的体会。摄影考验的是摄影者对题材观察的细心、等待的耐心和不厌其烦踩点的决心。有了这“三心”，才能发现在不同时间空间之下同一景物呈现的不同状态，并在瞬间的快门中捕获鲜为人知甚至不为人知的细节。这样做的收获是：作品最终能够以新的形式表达自然景物最富表现力的一面。 3.结语 总之，摄影的创新不但需要对题材进行细节的“微距”观察，而且需要对世界艺术氛围的“广角”观测，更需要作者突破个人思维的局限，它是摄影者对摄影艺术的义务和对艺术的更好的诠释。作为新一代的摄影工作者，我们不仅要在艺术形式与艺术技巧上创新，而且要在作品四项内容上大胆创新，创作出内容丰富、思想性强、富于时代精神、具有较强艺术感染力的摄影作品。 参考文献： [1]夏洪波.浅析创新思维对摄影作品的影响.文学与艺术，2011，(5). [2]尹秋颖.浅析摄影教学中创新能力的培养.中国科教创新导刊，2009，(8). [3]刘军杰.探究摄影创新能力的培养.科教导刊，2010，(36). 看了“摄影技术论文2000字”的人还看： 1. 浅谈摄影研究毕业论文范文 2. 大学生摄影技术论文 3. 浅谈摄影相关论文范文 4. 浅谈摄影的艺术论文 5. 浅谈摄影技术艺术研究论文
黑白摄影的魅力在于它能够突出主题的形态、纹理、光影和构图等方面，同时也能够深刻地传达出主题的情感和意境。黑白摄影能够使观众更加专注于主题的表现，而不是被色彩所干扰。它能够帮助摄影师更好地表达自己的想法和感受。黑白摄影在不同领域都有着广泛的应用。它被用于纪实摄影、人像摄影、风景摄影、建筑摄影和艺术摄影等领域。在纪实摄影中，黑白摄影能够更好地表现出主题的真实感和历史感。在人像摄影中，黑白摄影能够突出人物的表情和肌肤质感。在风景摄影中，黑白摄影能够更好地表现出景色的纹理和构图。在建筑摄影中，黑白摄影能够更好地表现出建筑的线条和结构。在艺术摄影中，黑白摄影能够更好地表现出艺术家的创意和风格。
不少人喜欢黑白照片独特的魅力，黑白照片之所以经久不衰，关键在于它由黑、白、灰三色组成，没有色彩上的干扰，以简洁的明暗光影变化，描绘出摄影者的意图和想法，让观赏者感受到照片表达的情绪和氛围。黑色营造的是沉静、庄重的感觉，白色容易引起观赏者兴奋的情绪，而灰色则产生平和的感觉，三色呼应、配合与衬托，是普通彩色照片难以实现的，从而形成了黑白照片独特的魅力。 （照片源自网络）
我们为什么拍黑白照片?
简称黑白，不要说成白黑白照片，统称黑白照片为好，单色照片多指黑白照片。与彩色照片相对的术语。
下面，我们就来看看黑白摄影技巧有哪些。
我们为什么拍黑白照片?
有人说“没有色彩的干扰，照片所要表达的就更为纯粹”。
有人说“是与现实的距离感。审美需要建立在一定距离上，这样才能不产生功利实用主义联想，黑白便是把我们从这个彩色的世界隔离出来”。
我觉得，首先颜色会产生带有个人立场的主观偏见，比如，看到红色会想到热情、奔放;绿色会想到生机、清新;蓝色会想到忧郁、宽广等等，而如果同 样的内容没 有了颜色对我们的影响和干扰便会迫使我们去关注画面本身的形状、造型、事件、元素，也便使我们更加注重主体的本质，往往有些时候，我们拍摄一张照片的目的并不需要颜色来辅助阐述，这时，黑白摄影会变得纯粹。
黑白，Black and white，既对立又统一，是色彩最后的抽象，能够用来表达富有哲理性的东西。黑色代表神秘，未知，沉重，永恒的沉默;白色代表公正，纯洁，超凡，无尽的可能。
不同的黑白照片总能引起人们不同的感受，那是一种无声的敬畏，是一种奢望的简单，是一种等待中的平静，不要大起大落，没有大悲大喜，我们用黑白色的眼球去 静观这彩色的世界。从世界上第一张黑白照片诞生的1826年至1928年第一种彩色胶片软片的研制，这100多年间为黑白摄影的发展打下了坚实的基础。
而在现在数码横行的年代，黑白摄影，它绝不仅仅只是彩色照片去色那么简单，它讲究影调、对比、明暗、黑白灰的关系，讲究层次过渡的均匀、画面的通透、成 像的稳重，甚至从中我们可以看出画面透露出的一股深邃，下面我就来从各个方面来谈一下本篇的中心，当看黑白照片时我们到底在看什么，黑白照片的好到底好在 哪?我们自己如何去拍摄优秀的黑白作品?
1、Contrast 反差
反差是影像黑白密度差别、被摄景物明暗差别。黑白照片中的，反差的表现主要是黑白灰色阶反映出来的不同 相对亮度，白色越亮、黑色越暗，对比度就越高，灰色则是起到均衡黑白之间的过渡作用，高反差和低对比度的照片都有各自的独特魅力，像日本摄影家中平卓马、森山大道便是以高反差著称的。
对于反差对影像的影响问题，个人认为，高反差的影像看起来会比较硬朗，轮廓分明，尤其在光影交融中，那种极致到歇斯底里的对比度仿佛把影像推到了高 潮，像 雕塑，像丰碑，一样永驻。而低反差的影像更多的像是一种温柔的默片，云里雾里，朦朦胧胧，不需要说话，就能经历过影像中故事一样，和作者感同身受。
2、Grain 颗粒
颗粒，可以说是黑白照片的精华了，颗粒对照片的反差、明暗都有影响，恰到好处的颗粒会为作品增色不少，是黑白照片魅力的外现，我想这也是为什么大家在数码领域后期模仿所谓老照片的颗粒质感的原因吧!
当然，在这里要注明一下，黑白负片的颗粒质感是有别于数码照片中的噪点的，前者带来的机理、质感是起到积极作用的，极致的颗粒让照片看上去更像是古典的画意派，而噪点是因为光线问题产生影像的粗糙部分，为影像带来消极的影响。
3、Dark 暗角
暗角，在摄影中对着亮度均匀景物，画面四角有变暗的现象，叫做“失光”，俗称“暗角”。暗角主要产生的原因有三：一是广角镜头边缘亮度随着视角 变大急剧下降，二则变焦长焦镜头镜片较多，部分镜片直径缩小，造成边角成像光线不能完全通过，降低了边角的亮度，三是由于边角的像差较大，为了提高像质，某些镜片的 边缘专门设置的光阑有意挡住部分影响成像质量的边缘光线，造成边角失光。
虽然说，暗角的产生是由于种种工业设计的弊端和光的现象导致，但暗角一定就是坏的麽?我们不能直接去定义它的好坏，不能盲目的说有暗角就一定不好， 关键在 于是否能够良好的驾驭它，比如有时候合适的暗角恰恰就会使整体照片变得深邃，欧洲著名时尚摄影师让。卢。西伏说过，如果他的照片没有暗角，会感觉有些东西从照片的边缘溜走了。摄影大师安塞尔。亚当斯也一再强调，一定要在图片中保留暗角，如果没有，他会在暗房印刷照片时加入。由此可见暗角这东西也并非一无是 处，尤其在黑白摄影领域，其起到积极的作用更是不容小觑。
4、Tone 影调
到底什么是影调? 影调是黑白摄影的造型手段和技术概念，是指在照片，负片或透明片上能够区别于较亮或较暗部分的任何均匀密度区。
从黑白摄影来看影调的主调可以分为三类：高调、低调、中调(灰色调)。不同的影调有其不同的感情色彩，如高调的明快、淡雅，低调的庄重、深沉，中间调的和谐、平稳等。影调只有与具体的形象、物象相结合，才能赋予作品以鲜明的、生动的感染力。
1)高调
高调给人以光明、纯洁、轻松、明快的感觉。比较适合于表现妇女、儿童的形象。
风光照片中的恬静，商品摄影中的素雅洁净，高调摄影一般采用较为柔和的、均匀的、明亮的顺光。有时会觉得它空虚、肃穆、素淡、哀怨，有时又会觉得如同轻音乐、抒情诗一般，根据内容的不同，传达给人们的感情色彩也会不同。
2)低调
低调的作品有时让人感到坚毅、稳定、沉着、充满动力，有时又会觉得黑暗、沉重、阴森森。低调表现的感情色彩比高调更强烈、深沉。它伴随着作品主题 内容的变 化，显示着各自不同的面目。在人物表现中通常用在老人，威信很高的长者，当然也可以表现性格深沉的年青人等等。表现物像的有雕塑群，纪念碑，古建筑中的庙宇等。
3)灰色调(中间调)
灰色调有其独特的魁力。基调的性格特征不很明显。但画面层次丰富、细腻，它往往随着画面的形象、动势、色彩、光线的不同而呈现不同的感情色彩。它讲究用光，一般为多光源综合配置。
用灰色调来表现大自然的景观是很理想的。灰调善于模糊物体的轮廓，造成柔和的、恬静的、素雅的秀美，它又有表现雨、雾、云、烟的专长。
5、Filter滤镜
黑白胶卷曝光后在胶片上的成像是以银盐的不同密度呈现的，与彩色胶卷以染料呈现有所不同。银盐的密度是曝光量决定的(不考虑冲洗因素)，因此在 同等亮度下 的不同波长光线的通过量不同，就形成了色阶。这是正常情况下的黑白胶卷成像。阻止或加强某种波长的光线通过，形成的色阶就会发生变化，这就是滤镜的作用。
不同滤镜对拍摄的照片影响不同，如果你记不住那些复杂的作用、效果，只要记住成色的原理即可推算，滤镜只让同色的光通过，互补色完全阻档，互补色左右的阻挡依次减少。
以红镜为例，只让红光通过，而对绿光阻挡最大，蓝光亦受很大程度阻挡，因此，拍摄蓝天拍云时，蓝天部分光线通过少，导致蓝天部分在胶片上曝光少，而白云部分中的红光可透过，导致胶片曝光，这个胶片显影处理后，蓝天部分是透明，白云部分银盐密度大，印到相纸上正好相反，蓝天部分曝光多，天色黑，而白云部分曝 光少，相纸上是白色，形成了颇为夸张的衬托效果。
不过，如果景物中同时有红色物体，则要注意红镜不会阻挡它，结果在胶片上曝光较多，而在相纸上红色物体则变成了白色物体，可能会带来问题。
因为红色会最大程度阻挡绿色，而蓝天白云的风光又经常有大量的绿色，结果是绿色部分容易死黑，因此红色用起来实际上要慎重，经常用黄镜或橙镜替代红镜。
所以，综上所述，虽然得到黑白图像是件极容易的事，但学会控制好黑白影调、层次还需要认真的研究一番才行，这就是要靠自己常年积累的结果了。