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1、所谓无印良品从字面上理解来说就是没有品牌标识，但一样是优良的产品；现在无印良品（MUJI）的品牌形象已经渐渐变成树立起来了，无印良品（MUJI）就是品牌标识。2、因为他们家的好品质以及独到的设计，简单而不单调，有家的感觉。杂牌中的名品可以理解为它产品本身没有任何的LOGO标志，就像很多小路边摊，但是它又的确是挺好的品牌。3、无印良品(MUJI)在中国有店铺的地方：上海、北京、南京、沈阳、杭州、苏州、天津、青岛、宁波、深圳、成都、厦门、大连、重庆、济南、武汉、南通、福州。无印良品深圳万象城：深圳市罗湖区宝安南路1881号 华润中心一期中区万象城3层368号无印良品深圳益田假日广场店：深圳市南山区深南大道9028号 益田假日广场L1层49号商舗
【岗位经验萃取（最佳实践）015】《无印良品的mujigram》无印良品内部就有一套MUJIGRAM，规范公司运营的方方面面。极其细节。 虽然现在无印良品风头很劲，光中国内地的门店就数不清，但是，原来无印良品在这股风头之前也是陷入过经营不善赤字38亿的低谷的。而把陷入谷底的无印良品拉出来的就是作者制定的MUJIGRAM，所有的门店都按照一样的指南去做事，那样顾客无论进到哪个城市或者那个国家的无印良品店都能像进到同一家门店一样，也能够得到一样的对待。 非内部成员看过MG以后，必定会惊讶“连这种东西也要规定吗？”举个例子，无印良品店铺中有五种衣架，指南里将每种衣架使用时的注意点都配上图片进行说明。 也就是将“那种事情直接口头传授不停吗？的细节都进行了明文规定。无印良品的目标是，让客人无论走进哪家店铺，都能感受到同样的分为，得到同样的服务。店铺分文的同样可以借助店内的布局、商品摆设、员工装束、清洁方法等”细节“来实现，而这些”细节“往往容易被个人理解所俺去，因此难以实现全公司的同样。这就是为什么要将其指南化的缘故。 或许有人会认为：”连那种小事都要规定，太麻烦了。“”工作中全是条条框框“。完全相反，直男甚至能让工作更加顺利，因为无印良品的指南，正是集合了现场工作人员”这样做更好“的创意而诞生的。 此外，每一天现场都会发现更多问题点和改善方法，而指南也会每月更新一次。工作方法不断被刷新，自然而然的，员工也就会在工作时主动寻找可以改善的地方。 1. MUJIGRAM详细到令人发指的程度。MUJIGRAM里每一个词语，都需要有详细的定义，比如何为「整齐」，就是「正面朝上（有吊牌的一面朝向上面）、商品的方向（杯子一类的把手要朝向一致）、缝隙·间隔等要呈一条直线。」2.领导人无论处于任何位置，都需要对一线的场景有感觉。松井先生（在MUJI内部所有员工互称先生/小姐）就任社长后最先做的事情就是探访全国的店铺，他认为躲在办公室里可无法了解现实店铺中的情况。MUJIGRAM的制作者，只有现场员工，作为它的使用者，才有制定和不断修正的权利。MUJIGRAM中有一个「改善提案」的流程，店员可以亲自提交计划，有审查部门专门判断是否采用此提案。源取自然的极简产品理念深入人心，被世界多家公司借鉴 3.员工参与感。除了上述的只要有合理建议就可以提交的优化方案，都能在通过审核后优化MUJIGRAM；员工还可以选择自己最想销售的商品，以八折的优惠销售。这点我个人觉得很有意思，员工不再是简单的执行者，而能够参与到公司最终的行为规范制定中， 4.只有设置完成时限的工作才能称之为工作。为了保证员工都能按时完工，不加班，MUJI的解决方案是将信息透明化。每一个员工，每天的工作内容和时限都在「时限公告」上，按时完成打○，未按时完成打X，员工亚历山大啊。我不是特别的赞同，比如我们做移动软件项目，不可预知的事情挺多的，只能定个大概时间点，在我看来，早几天和晚几天没有区别。 5.生活中也可以建立属于自己的MUJIGRAM。这个概念其实就是把生活中的一些琐事或流程上的事情，固定规范化，成为「例行公事」。这样就能把握时间，专注处理事情本身。我个人是相当赞同，也在尽量的执行，虽然结果，你懂的。 是提倡不加班的。我觉得这个前提是有足够的人手，已经员工的效率都很高。然而这是大公司才可能有的条件，小公司特别是创业团队，一人身兼数职，怎么可能正常上下班呢？ 7.决策效率高，审批一个流程印章只有三个。看起来很美好的，要是大公司里都能这么快就无敌了，最近在申请公司内部发一个邮件，我愚蠢到连流程都看不懂，还要不断的问相关接头人。所以，无印的这三点流程不禁让人有些怀疑啊，怎么可能就3个呢？比如开店等那么大的事情，肯定要多个部门共同协作，保证信息同步吧，否则谁担当的起责任。 •品牌产品种类已达到6000种左右 •从38亿赤字到1620亿营业额的传奇 •《福布斯》曾将其评为全球最佳中型企业 没错，这些说的正是日本品牌无印良品。不过你可能不知道，一家如此成功的企业，也曾遇到业绩下滑，亏损严重的危机。然而在随后的几年，这家公司扭亏为盈，进而成为世界知名的日本国民品牌，并保持十年的长盛不衰。V字型的业绩恢复是如何实现的？无印良品又是如何长期保持企业竞争力的？《解密无印良品》一书正是良品计划会长松井忠三对以上问题作出的解答，他将无印良品的成功归功于他上任以来建立起的两大指南： 1. MUJIGRAM：无印良品店铺使用的经营指南； 2.业务规范书：将店铺开发部门和策划室等本部业务整合到一起的指南。 这两本指南代表着松井忠三的管理理念，也是本书的灵魂，即“机制的建立”。两本指南中本身已经包含着无印良品的多种机制，如开店地址筛选、员工早会、店面陈列，而在两本指南之外，松井忠三更是建立了方方面面的机制来运转整个企业，正是这数不清的机制支撑起了无印神话。 为什么建立机制就能让无印良品实现V字形恢复呢，换言之，建立机制能给企业带来什么？ 1.消灭感性，建立规范化 每个人在工作中对所有的事务有自己的一套评价、判断体系。然而人的这些感性认识往往只是根据自己的直觉，并不能保证其正确性。不知大家是否遇到过这样的私企：企业内所有决定，从办公用品采购到客户成单全部由总经理拍板决定，这也暴露出一个弊端——即使最成功的企业家也不能保证自己所做的每个决定都是正确的。无印良品的两本指南涉及店铺经营和本部业务的方方面面，将个人感性和经验主义所带来的负面影响降到了最低。 例如店铺橱窗里的模特摆放以及衣着穿搭，一千个人可能会摆出一千种效果，而MUJIGRAM将所有重点浓缩在了一页，“将轮廓摆成△或▽”、“搭配服装的色彩保持在三色以内”，甚至还添加了“关于色彩的基础知识。”这样，即使是新员工也一定会摆出符合无印良品调性的陈列，让不同地区的无印良品都能让顾客体会到无印风格，最大程度上保证顾客无论走到哪家店铺都能得到同样的商品和服务。 2.企业内部知识沉淀 公司在不断运营中，在产品设计、销售、店铺经营等方面都会积累各种经验，而在传统公司中，这种经验一般只存在于各个岗位上辛勤工作的员工。由于缺乏积累工作能力和知识的机制，一旦该员工被猎头挖走、或者调离原岗位时，新的员工又要重新学习，这对企业和员工都是一种时间和资源上的浪费。 无印良品的两本指南就是对这个问题的一种解决方案，指南的内容就是在各岗位上的员工知识沉淀的结果，把个人智慧和经验变成了组织的财富。例如MUJIGRAM的编写工作是无印良品整个公司共同参与的，各个岗位的员工都能把自己的知识添加其中，并且，下文也会提到，MUJIGRAM会根据员工知识的更新而不断修改、添加。上文提到的服装搭配正是知识沉淀的最终成果。 3.自下而上的沟通渠道 在公司规模扩大到一定程度时，公司在纵向上的管理层级可能会非常复杂，基层员工基本不可能有与管理层沟通的机会。这是非常典型的大企业病，即管理层和企业业务的销售现场是脱节的，懂得现场问题的人只有现场员工。而在多数公司里，制定机制或者指南的都是这样与销售现场“脱节的人”。 松井忠三为了听到现场员工的声音，在上任之初即到日本全国107个门店走访了一次，甚至与员工喝酒聊天创造出说真心话的机会。MUJIGRAM的编写更是创造了一条自下而上的沟通渠道，每年无印良品总部能收到来自全国门店两万份提案，平均每年采纳四百多条。这一切都是建立在无印良品的机制之上。4.减少审批流程，优化决策流程 企业规模越是庞大，决策的流程有可能变得越长，这是另一个常见的大企业病。一家500强饮料公司，合同审批甚至可能需要十个以上负责人的签字。相信你也有过这样的经验，为了经费预提或者活动策划在办公室之间来回奔波，如果负责人外出还要多次往返，体力消耗不算，有可能半天甚至一天的时间因此而浪费。 无印良品也曾存在这个问题，一个文案上盖满七八个印章。松井忠三先是建立了“盖章不能超过三个”的机制，缩短了决策流程，之后也是利用企业内联网，不再需要盖章。5.统一“度量衡”，实现标准化 业务不完善，组织不规范是创业公司初期的通病，甚至很多已经成立多年的企业依然有这一毛病。这涉及到企业运营各方面。比如，广州的销售和北京的销售记账方式不一样，文档即使分享也要花很长时间研究；某个岗位继任员工看不懂前任员工留下来的报表；在提交报销的时候，财务人员会反复强调每个人要按照他的方式来贴发票。这都是因为需要一个标准。 无印良品的服装杂货部门细分成了五个部门，每个部门负责人都按照自己创建的Excel表格来管理自己部门，因此，向哪个工厂发了多少订单、半成品数量约有多少、何时入库、何时降价等信息全都在负责人手上，个人能力就直接变成了公司的水平。后来，公司建立了统一的销售状况管理表格，把每个负责人的旧表予以没收，最终成功将库存减少至原来的三分之一。 6.顾客之声——改进产品 每个公司都会有一条热线，或者与其顾客沟通的渠道，然而真正重视客户意见并且把客户意见应用于产品设计的又能有多少？甚至很多公司的沟通通道都只是虚设而已，例如下图。很多公司只会重视顾客的投诉，对顾客提的产品建议却是不屑一顾。无论是投诉还是建议，如果能发挥实际作用，就能成为企业创意的一个来源。无印良品则建立了“收集顾客之声”的机制，还创建了“生活良品研究所”的网站，建立起顾客交流来进行商品开发的机制，并且网站还会把顾客意见如何反映在商品中的细节公布出来，使顾客们提建议的积极性更高。 这款热销沙发正是采纳顾客建议的产物 7.提高工作效率 业务越来越多，生意体量越来越大，每个员工的工作量也就越来越大，于是加班成了惯例，准时下班的员工越来越少。有的老板甚至很高兴：员工如此热心工作，公司业绩一定越来越好。其实不然，加班也是工作效率不高的一种体现，原本可以在工作时间内完成的工作，为什么一定要加班呢？ 无印良品内部建立了任务流程可视化以及18:30准时下班的机制。每个任务必须要给出时限，上传到企业内部的系统上并标明进度，而且信息是多部门共享。准时下班并非一打出口号就能立即实现，所以松井从每周制定一个“无加班日”开始，半年内增加到一周两天，最终基本实现了零加班，即使结算和商品展示会期间加班不可避免，加班人数也控制在7%。 其实任何成熟的公司都会有建立起来的一套机制或者指南，然而为何这些公司却无法达到无印良品的高度呢？怎样才能制定企业不断前进的机制呢？ •属于本公司的机制 不同的公司，员工数量不同，产品不同，合作对象不同，所以照搬其他公司任何企业的机制都不会起到很大效果。所以即使需要花费大量时间，也必须从零开始将属于本企业的指南制作出来。MUJIGRAM耗时五年之久才得以完善。 •解释原因 在将行为规范化的同时，也要让员工知道这么做的动机。MUJIGRAM中一定会在每个项目的开头注明“为什么要进行此项工作”。不要认为这种小事何必写出来呢，正是这种主观臆断会培养出经验主义的氛围。 •注重细节 如上文提到的模特摆放，MUJIGRAM有两千多页，本部使用的业务规范书有六千六百多页，可想而知指南细致到了何种程度。企业的机制究竟要细致到何种制度，MUJIGRAM给出的答案是：用新人看过也能理解的语言进行说明。如有企业内部的专业术语必须加以说明，指南的各项要求必须具体化，必要时以图片说明。 •不断更新 无论多么完美无瑕的指南也不可能支持超过十年，企业所指定的机制或指南也应该时刻做出更新。MUJIGRAM的更新频率达到了一个月一次，当员工看到自己所提的意见被MUJIGRAM采纳也能激发起积极性。 •反复强调，加强执行 事实证明，再好的指南也会被遗忘或者扔在一边，因此松井每周开会时都会反复强调指南的重要性，并且每个月组织一场店长考试，确保MUJIGRAM在全国门店都得到彻底的执行。 •整理知识沉淀 上文讲到知识沉淀，有的人会说，我们公司的每一份资料都会自动上传到云端，但是最后也没有什么用啊，而且经常要找某个文档的时候死活找不到。这说明了一个问题：只让知识沉淀，却不加以利用，是不会起到任何结果的。一个没有索引分类的图书馆，藏书量再大也不是一个好图书馆。无印良品内部有一个部门专门负责MUJIGRAM的制作、修改以及更新。这并不是说每个公司都要雇佣一个部门的人，而是必须要进行维护、整理知识沉淀的工作。
1 2 我就不解答了3 还补充一下 已开业的 ： 罗湖 - 万象城一期 - F3 (地铁 大剧院站 ) 福田 - COCOPARK - F2 （地铁 购物公园站） 南山 - 益田假日广场 - L1 （地铁 世界之窗站） 福田 - 深国投广场 （最近为安托山站） 南山 - 宝能太古城ALL City广场 （地铁 登良 或 海月站）
1“无印良品(MUJI)”创始于日本，其本意是“没有商标与优质”。极力淡化品牌意识，它遵循统一设计理念所生产出来的产品无不诠释着“无印良品”的品牌形象，它所倡导的自然、简约、质朴的生活方式也大受品位人士推崇。 2为了环保和消费者健康，无印良品规定许多材料不得使用，如PVC、特氟隆、甜菊、山梨酸等。在包装上，其样式也多采用透明和半透明，尽量从简。由于对环保再生材料的重视和将包装简化到最基本状态，无印良品也赢得了环境保护主义者的拥护。此外，无印良品从不进行商业广告宣传，就如木内正夫所说：“我们在产品设计上吸取了顶尖设计师的想法以及前卫的概念，这就起到了优秀广告的作用。我们生产的产品被不同消费群体所接受，这也为我们起到了宣传作用。” 3无印良品(MUJI)在中国有店铺的地方：上海、北京、南京、沈阳、杭州、苏州、天津、青岛、宁波、深圳、成都、厦门、大连、重庆、济南、武汉、南通、福州。无印良品深圳万象城：深圳市罗湖区宝安南路1881号 华润中心一期中区万象城3层368号无印良品深圳益田假日广场店：深圳市南山区深南大道9028号 益田假日广场L1层49号商舗
我觉得可以从起源，发展，流传，还有一些经典佛教故事写！~最好和旅游挂钩，为什么人们会在旅游的同时喜欢参观藏传圣地！~
藏传佛教，又称为喇嘛教，是指传入西藏的佛教分支。藏传佛教，与汉传佛教、南传佛教并称佛教三大体系。藏传佛教是以大乘佛教为主，其下又可分成密教与显教传承。虽然藏传佛教中并没有小乘佛教传承，但是说一切有部及经量部对藏传佛教的形成，仍有很深远的影响。藏传佛教始于松赞干布时期，自寂护论师传入大乘佛教及随瑜伽行自续派，莲花生大师来到西藏，制服了外道（苯教），逐渐建立了密教的基础，此一时期称为前弘期。此后经过朗达玛灭佛的波折，佛教经过灭佛运动的破坏后重新振兴，并逐渐形成了宁玛、噶举、噶当、萨迦、格鲁、觉囊等各派的传承，此一时期称为后弘期。在宗喀巴大师创格鲁派，成为藏传佛教的主流後，在西藏出现了政教合一的特殊局面。近现代，藏传佛教逐渐流传到世界各地。中国藏传佛教开始於西元七世纪中叶。当时西藏的松赞干布藏王，在他的两个妻子，唐朝文成公主和尼泊尔毗俱底公主（藏名尺尊或赤尊公主）共同的影响下皈依了佛教。他派遣大臣端美三菩提等十六人到印度学习梵文和佛经，回来後创造了藏语文字并开始翻译了一些佛经，到了八世纪中叶藏王赤松德赞迎请寂护大师及弟子莲花戒入藏，逐渐奠定藏传佛教的基础，但此时仍有许多人反对。後寂护大师返印，敦请莲华生大士由印度入藏，传入密宗，折服了原来盛行的苯教，佛教於是得到了弘扬。寂护与莲华生大士入藏之後，首先建立了桑耶寺，度僧出家，成立僧伽，并请译师从梵文翻译大批佛典，同时也从汉文翻译一些佛经，据现存的登嘎尔目录（布敦认为是赤松德赞王府所编），当时译出的大小显密经律论有738种（内从汉文转译的32种），故当时佛教流传是很兴盛的。莲华生大师另一个重要的贡献，是他吸取了许多西藏传有的传统与信仰的元素，加入印度佛教之中，使得佛教信仰得与在西藏生根，建立了独特的藏传佛教风格。当时唐朝禅师摩诃衍(Mahayana)，藏文称其为「和尚」(Hva-san)或「大乘和尚」(Mahāyāna Hva-san)入藏宏扬禅宗，後与莲花戒辩论失败，赤松德赞下令不得再修顿门法[1]。因为西藏王室刻意压抑汉传佛教的影响力，使得汉传佛教无法进入西藏。但是在西藏固有的大圆满、大手印传承中，仍然可以看出它受到汉传佛教影响的痕迹。在九世纪中叶，西藏佛教曾一度遭到破坏，即朗达玛灭佛，曾有一段时间（公元842－978年）佛教沉寂了。後来由西康地区再度传入，藏传佛教又得复甦。在朗达玛灭佛後，因经典散失，开始有人发掘编辑旧有保留的佛经，称为伏藏，根据前弘期旧译经典及伏藏所建立的教派称为宁玛派，又称旧派。而在朗达玛灭佛之後，重新由印度取回重译的经典，称新译。西藏史上称朗达玛灭法之前为前弘期，之後由大译师仁钦桑波重兴的佛教为後弘期。此後印度的佛教学者，特别是遭遇变乱时期的那烂陀寺、超岩寺等的学者，(印度比哈尔邦省的佛教各大寺庙在1203年被入侵军全部毁坏)，很多人前往西藏取经，传译事业因而兴盛，著名的译师有马尔巴等人。十一世纪时有孟加拉佛教大师阿底峡尊者入藏（1042年），又大弘佛法，重建僧伽，传播中观应成派大义，同时藏族比丘仁钦桑波（宝贤）等翻译了很多的经论。印度传入西藏的佛学，主要的称五大部，就是『因明』，『戒律』，『俱舍』，『中观』，『现观庄严论』。藏文大藏经（包括《甘珠尔》和《丹珠尔》）近六千部中绝大多数是直接由梵文翻译的，少数是从汉文转译的，因此，印度後期佛教的论著丰富保存在藏文大藏经裏，尤其是因明、声明、医方明等论著数量庞大，这些译著都非常重要。喇嘛教传播的另一高潮是在明神宗时代，俺答汗与索南嘉措在青海仰华寺见面殿下在蒙古传播的种子，蒙古源流说，俺答汗的从孙切尽皇台吉是第一位信仰喇嘛教的皇族，到十七世纪中几乎所有蒙古人已信仰喇嘛教
普陀山佛教文化景区深度开发策略研究.pdf
而凿刻年代稍迟(1903-1912年间)，也属于藏传佛教系统：宣统元年甲戌月吉日立;观音洞 这是洞门上方文字，即横幅(扇面形)。洞门两边刻一副对子，(对于我们而言的)右联：...
1、理论联系实际
毕业论文的题材十分广泛，社会生活，经济建设，科学文化事业的各个方面，各个领域的问题都可以成为论文的题目，马克思主义告诉我们，理论来源于实践，理论为实践服务，因此科学研究的选题首先要注意理论联系实际。
2、新颖性
所谓要有新意，就是要从自己已经掌握的理论知识出发，在研究前人研究成果的基础上，善于发现新问题，敢于提出前人没有提出过的，或者虽已提出来，但尚未得到定论或者未完全解决的问题。
只要自己的论文观点正确鲜明，材料真实充分，论证深刻有力，也可能填补我国理论界对某些方面研究的空白，或者对以前有关学说的不足进行补充、深化和修正。这样，也就使论文具有新意，具有独创性。
3、客观性
客观性主要是指要客观地把握自己写作毕业论文的能力。确题的方向、大小、难易都应与自己的知识积累、分析问题和解决问题的能力以及写作经验相适应，要对自己有一个客观性的估计。只要充分估计到自己的知识储备情况和分析问题的能力才可以很好的完成。
知识和能力的积累是一个较长的过程，不可能靠一次毕业论文的写作就来个突飞猛进。所以选题时要量力而行，客观地分析和估计自己的能力。
具体的范文模板链接：
提供一些设计专业毕业论文的题目，供参考。1、数码相机的设计报告2、产品设计中的人机交互探讨3、绿色设计与世纪未来4、浅谈各种塑料管道的特点及应用5、居住小区智能化技术的发展趋势6、论平衡式燃气热水器与密封燃烧室新设计7、浅谈地铁车站的装修概念设计8、节能建筑设计与高新技术应用9、城市设计、城市规划一体论10、市场经济下建筑设计业的发展方向及对策11、住宅室内储物空间设计论文12、国内外室内设计的发展13、浅谈建筑造型设计14、建设设计中的虚拟现实15、21世纪未来住宅的设计16、浅谈城市“文化”广场的设计原则17、文革视觉文化与文革风格视觉设计18、论视觉传达设计的创新19、浅析CI设计中的企业文化冲击力20、视觉传达设计师——创作独立性21、图形创意的表现22、平面艺术设计的本土语言23、传统美学观对现代广告招贴设计的影响24、平面设计从混沌中走出25、浅析现代标志设计教学与传统图形艺术的结合26、设计当随时代---浅谈技术的发展对插图设计的影响27、包装设计的定位28、平面图形设计中的符号学原理29、现代包装设计的文化观30、品牌包装设计31、中国古代图徽与现代标志设计32、医药商标标志设计之我见33、中国平面设计-现实与展望34、浅议汉字标志的存在价值与竞争优势35、论计算机图形艺术设计36、西方现代美术教育理论中的工具论和本质论37、社会转型期民间舞蹈文化的发展态势38、传统绘画艺术与现代艺术设计39、中国当代艺术设计教育反思——制造大国的设计教育现状及存在的问题40、城市空间艺术与可持续发展41、论东西方舞蹈文化的冲突与融合42、衰落与蜕变——百年中国民间美术态势思考43、设计史的状况44、设计艺术中的界面设计探讨45、“似花还似非花”——浅析花在中国传统文化中的象征46、试论概念设计的思维程序及方法
这个地方我没有明白。2.用基础概念，剩下的都是自己写的话，实际上并不能算学术不端。基础概念的话，你自己找也能找到，也要套入文章中去。大纲的话，其实我不觉得用别人的大纲能算学术不端。举个反例，你导师也能给你个大纲，但具体写作还是你完成的，那这种文章肯定不能算你导师写的呀。像你这种，就是整体上就没有用代写的这篇文章。我们换个角度，如果学术不端是一种犯罪的话，那你这个就属于犯罪中止，虽然在道德上依然要谴责你，但只要没造成损害，那么没理由处罚你。也就是说，如果你代写了，但代写的这篇文章你没做任何使用，那么虽然行为属于学术不端，但应该对你免于处罚。————————忽然看到有人来点赞回答这里重新回答下按目前我们所听闻的一些惩罚案例来看代写是有可能会被当作行为犯来惩罚的什么意思呢？就是说只要你找了代写，不管你是否有使用这篇用来代写的文章，那么你所在单位或学校都是可以来惩罚你的，因为相关学术不端规定里面写的是存在相应的“行为”即可惩罚，不一定要存在结果才惩罚。但如果是那种已经拿到学位或职称的，有些单位或学校会觉得惩罚太麻烦，而且可能会觉得当时没发现自己也有责任
实体店相对于网店，质量上还是有一定差别，相当于A货和稍微差一点的货吧，所以价格比较高，而且实体店成本也比较高
永恒的魅力 法国印象派于19世纪后半期诞生，后成为法国最著名的艺术流派，其影响波及文学、音乐等领域，至今仍受到世界人民的广泛喜爱。正如中国美术馆馆长冯远所言：艺术杰作是人类最为深层、最为神秘感受的表达方式，因此，它超越于时空界限和文化差异之上。事实上，真正的艺术并不在于我们给它下了怎样的定义，它始终是人类情感、思想和信仰层面上的一种生动活泼且不断被赋予新意的表述形式。 印象派没有抛弃古典绘画的造型，加之在色彩和光上的突破使作品特别耐看。而其后的现代主义流派如野兽主义、达达主义抛弃了造型，与现实世界的联系割裂，作品中充斥着喧哗和暴力，让观者感受不到美。 “印象派的独特价值在于，它有一种永恒的魅力，我们永远可以在画中呼吸新鲜的空气。”
油画作为一种“舶来品”在中国的发展虽然只有短短的几十年时间，但在这期间中国画家们教育家们孜孜不倦的对其进行研究探索正寻找出一条有自己风格的中国油画道路。我们不难看出在以往的油画作品中，中国的油画受到前苏联深刻影响的过程中，但在这其中我们却可以看到它蕴藏着“印象派”的影子。但在改革开放后我国的油画在思想上解放了，接受了印象派的绘画艺术，无论从绘画题材技法或色彩中都可以清楚的看到这种由表及里的影响。史上对于印象派的研究不计其数，于这发展了半个多世纪的法国的画派对世界画坛的变化发展起着至关重要的作用，这也使我们对印象派产生了极大的研究兴趣，特别是对中国当代美术教育的影响也产生了很大的作用。一、印象派之前的画家及其产生的历史客观因素要研究一个画派如果从它的代表画家开始说起也许会给人一种很唐突的感觉。所谓的究根问底也许就是我们中国人最大特点吧。所以在介绍印象派的技法和色彩以及它给中国当代美术教育带来的影响之前，我们先来了解一下它产生的历史客观因素。在印象派产生以前的，画家康斯太布尔被看作是“印象派鼻祖”之一。因为他和许多其他画家一样在野外作画，而作为真正的康斯太布尔画法的继承者法国是18世纪30年代的青年风景画家。因此印象派画家从某种意义上说是非直接性的受到康斯太布尔的影响。是什么让野外作画成为了可能？在17世纪很多的画家的颜料都是自己或是由徒弟助手来配制的各自形成了小规模的作坊。到了18、19世纪很快发展为从制色商那里购买颜料，这是由于新涌现的大批业余画家不愿意浪费时间去做那种程序复杂有肮脏的工作。而这种流行于18、19世纪的便于携带的手提颜料也促使野外写生成为了可能。另一个原因就是照相术。在这个时期的画家几乎没有一个能摆脱照相术强有力的影响。以往追求的画面和真实物体的完全一致真实的创作写生想法受到了极大的冲击。有些画家直接用照片作为素材，与写生画并用，甚至用照片完全代替了写生；有些画家则不自觉地把照相机取景方法和日本画的构图法结合起来。但印象派的画家不需要用照片作为依据，因为他们坚持对景物写生，而且喜欢让完成的作品保持速写的风格，而不愿意在画室中对其在进行加工。但其中最重要的原因就是17 世纪后半期,牛顿于1666 年做了一个试验:把一道阳光通过一个三棱镜“折射”到暗室的白墙上,结果墙上呈现的是一条“红橙黄绿青蓝紫”的色带。从而打破了物体“固有色”这个旧观念。从而得出结论:“色彩根源于光”。印象派画家以此为依据认为世界万物并没有什么“固有色”,阳光照射下色彩不是一层不变的! 他们力图表现丰富微妙的光色变化,直接了当地以自己敏锐的感受去观察大自然的真实面貌。以上的三个现实的客观因素可以说是印象派形成的客观因素。印象派绘画即是指发生在19世纪下半期，以法国为中心风靡全欧并具有世界性影响的印象主义绘画现象。它经历了印象派、新印象派、后印象。而印象派是在1874年在巴黎的闹市区举办了震惊画坛的“无名艺术家、油画家、雕塑家、版画家协会”展览。在这次画展中展出莫奈的一幅风景画，名为《印象·日出》。作家勒罗瓦对这次展览发表一篇评论，题为“一次印象主义的展览”。“印象派”由此而得名。1876年举办第二次展览，有20位画家参加，这次展览干脆打出了“印象主义画展”的旗号，从此印象派登上了法国画坛，扩及欧洲，影响世界。引：“当时中国有不少的画家到法国留学，接触到法国前沿的印象主义，归国之后便使得绘画风格手法上有了一部分印象派的意味。中国近现代艺术家具有代表性的有司徒乔的布上油画《船》和颜文梁的《威尼斯风景》。还有远赴日本学习西洋画的李叔同，他于1911年作的《自画像》很明显受到当时印象派和点彩派的影响。另外， 20 世纪50 年代，国人带着对于西方资本主义的排斥而掩埋了印象派本身的艺术价值。当时，艺术创作大多是以通俗的写实风格描绘革命斗争和新时代的群众生活，评论家和观众都以是否逼真生活来判断作品的优劣，印象主义个性化的艺术语言无法得到合理的理解。当时有一个代表性的事件，即：1953 年中央美术学院调出吴冠中，调入李宗津。对这两位画家的取舍，恰好表明了有关艺术思想与语言的变更——吴冠中积极介绍西方的现代绘画，李宗津则提倡模仿苏联画家的风格，歌颂领袖，具有极其鲜明的政治倾向。在文革期间，偏激的意识占据人们的思维，“即一种狭隘化的社会主义现实传统，再加上同样狭隘的极左思想方式”。以契斯恰柯夫素描体系为基础的素描方法得到推广，却切断了与印象派的联系，色彩单调，风格和创作方式停留在西方古典主义。其艺术语言单一而趋同，扼杀了艺术的特性。20世纪80年代，中国正值改革开放，印象派也随着各种纷繁的绘画流派再一次得到了人们的认识。人们面对眼前笔触鲜亮的色彩，不再像以往那样横加排斥，中国美术界开始认真体会印象派艺术的真正价值。90 年代后，中国油画由单一现实主义发展为多元并存的局面，强调个体性，开始进行不同绘画风格的实验。1993年章晓明的作品《画室》，采用“涂涂抹抹”、“痕迹叠痕迹”的方式，捕捉即时的印象，这很明显受到西方印象主义的影响。21 世纪伊始，印象主义艺术又一次带着对“光”的执著摹写，洞开了我们的艺术思维。”二、印象派的绘画对中国当代美术教育的影响(一)印象派的绘画教学方式进入课堂1、印象派油画的课程安排在中国的很多画家受到了印象派的绘画形式的影响所以从直观的方面看印象派绘画模式被引入到中国美术教育中也是一种必然。作为一名美术学院的学生我们可以看到在整个教学的过程中在课程的安排上古典油画的课程只有4周。而从大三开始印象派表现油画却占了一个学期的课程。由此可见印象派在教学上占有很重要的地位。也说明了印象派无论从技法或是色彩的运用上都是适合中国当代美术教育的。它在学生原有的造型和色彩基础上使学生在绘画技巧和色彩的运用上可以得到更好的提高。2、印象派绘画的创作形式与当代中国美术教育形式的比较印象派最大的特点就是采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和氛围气的创作方法。这不得不使我们把视线关注于户外阳光下直接描绘景物的产生这是印象派与以往各个时期的创作方式最大的区别之一。在印象派的技法上看我们会发现印象派要求画家尽可能直接接触所画的题材，画家必须亲眼看到——不是凭想象和记忆——而且必须看成一个整体，而不能省略任何细节，也不能在画室进行再创作。因此印象派的题材就是画家本人实际生活的世界，也就是他所熟悉的场面、人物和风景。这些场面给了他直接的瞬间感应也被原封不动的搬到画布上。因此在我们的教学过程中也提倡像印象派那样的写生手法要求学生在自然光下直接描绘景物，而且在教学的过程中一般以写生风景和景物人物为主，要求要脱离画“照片”的写生方式，从某种意义上说也就是摆脱了像古典油画写生的要求，更注重主观的意识表达。在大三阶段又不提倡完全的表现手法因此可以看出这一方法和印象派的创作相似有相同之处。在画幅的要求上，一开始在教学的过程中一般要求学生用40*50到60*80的画框作画，主要由于小的画幅在控制力上比起大幅的油画作品更好把握，适合初学油画的学生。如果像古代画法一样采用大的画框不适合初学油画的学生，那样就无法循序渐进的提高学生对油画画面的驾御能力。从这点可看到印象派的作品也很少超过40英寸，大部分作品是20*25英寸左右，有许多的作品更小。画家在野外写生关键是要在较小的画框内快速的抓住瞬间的光照效果，所以他们的作品表面看起来很想速写手稿。这也符合油画教学过程中对初学的学生只要求抓住瞬间的光照效果的能力。(二)、印象派色彩运用和技法的与当代中国美术教育形式的比较1、印象派色彩运用与当代中国美术教育形式的比较印象主义画家在色彩运用方面做出了创新意义的贡献。在作画时，色彩尤其是最值得仔细观察的，而且要认识到阴影本身是有颜色的，不仅仅是比物体局部的颜色略暗的色调。因此在他们的画中一棵树或一片绿色叶子的阴影也会呈现出浅蓝色，如果我们仔细的观察会发现其中的变化也会接近紫色。这些颜色的变化都来自画家的亲身观察。改变以过去宗教神话等主题内容的灰褐色调，他们认识到暗部或阴影并非黑色的浓淡变化,改变了用调和过的单一色彩画暗部的传统作法,在亮部和阴影部位也用色点并置。对颜色有不同的见解及应用，提出了“物体没有一层不变的颜色，推翻从前全是黑褐色的影子，改以影子为物体的互补色代之。由于视觉生理的作用,并置的色点在一定距离外看去是透明的、有冷暖倾向的色块,并形成微妙的过渡。印象主义淡化了景物的体积感,强化了色彩因素,不再依靠明暗和线条形成空间距离感,而依据色光反射原理,用色彩的冷暖形成空间。印象主义的作品出现了前所未有的鲜明与生动,也表明色彩既有综合的、也有纯粹的表现力。但从光学和染色化学的角度来看，虽然每个阴影中包含很多的色彩——有些却是人的肉眼所查觉不到的色彩。印象派画家以色光混合原理解决油画的色彩问题，采用原色并列、重叠和补色手法，把红、黄、蓝三原色并列，时而重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙的补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种色相去反映自然界的瞬间印象，对色彩变化耐心细致的观察。例如：19 世纪70 年代法国印象派画家雷诺阿常使用的颜料如下:从左到右分别是:银白(铅白) 、镉黄、那波里黄、赭石、浓土黄、朱红、茜红、维罗纳绿、翡翠绿、翠绿、钴蓝、群青。当然,他使用颜料也并非一成不变。在其后的画中大量用象牙黑。后期印象派大师塞尚更选用的颜色种类较多,其中有五种黄色、六种红色、三种绿色、三种蓝色,另外还有黑色和白色。细分起来大致如下:黄色有:亮黄、那波里黄、铬黄、赭石、浓土黄;红色有:朱红、棕红、土红、深红、洋红、煅红;绿色有:维罗纳绿、翠绿、土绿;蓝色有:钴蓝、群青、普蓝;黑色为桃黑。修拉则是运用类似科学家的方法来进行绘画,他在颜色的选择和排列上更有意思。他把颜色在调色板上排列成三行:第一行从左到右,分别是:镉黄、朱红、茜红、钴紫、群青、钻蓝、天蓝、宝石绿、一号二号(混合绿) 、淡镉黄;第二行从左到右,分别是:纯色与白色的混合色;第三行是纯白色。而在我们的教学过程中也延用的印象派大师的用色方法，一般在颜料的排列上都是由浅到深的排列银白、镉黄、那波里黄、赭石、浓土黄、朱红、茜红、棕红、土红、深红、洋红、煅红、 翡翠绿、翠绿、维罗纳绿、土绿、钴蓝、群青、象牙黑。印象派的画家给我们的启示不仅在颜料的系统排列上，对我们当代美术最重要的色彩启示在于色彩的和谐运用上。首先是纯色的和谐上它通过保持各色颜色高纯度的情况下，在色彩并置的关系之中达到和谐。例如：凡高的《吊桥》这幅画中蓝色和橙色块的关系，在达到一定纯度的基础上。上右半的是蓝色，左下小半为橙色。两个色块在纯度对比上相呼应。这样的颜色排置打破了古典油画中避讳大量使用高纯度的言论做画的方法，却达到了令人惊奇的效果。其次是高调和谐。虽然纳比派是这种画法的典型代表。但我们可以看到在凡高的作品《宏丽的小径》中前景和中景都为明度很高的色快，运用了柠檬黄、中黄、橘黄、土黄到红色的系列。再从蓝到绿到紫色的运用。在我们的教学过程中，老师也提倡学生在色彩的运用上用响亮的颜色描绘景物或人物。再次是主导色的和谐。它是在明度协调的基础上在强烈的对比中一种或一类色彩占主导地位。例如：雷若阿的《在台阶上》大片的背景和人物的脸及花篮小孩的头上的花圈都有主导色黄色。还有同性色的和谐，邻近色与同类色的和谐，无彩色和复色的缓冲和谐，光源色的和谐等等都对我们的教学有很重要的启示作用。后印象派在色彩的观察方法上更注重个人的情感。因为主观色彩最能体现个人的风格从对自然色彩的描绘到对主观感情的表现。在刚开始的风景写生过程中提倡的是把握客观色彩并正确的运用色彩但要求把握大的色彩倾斜这也和印象派画家如西斯莱在风景画中采用的方法是一样的。在大体上把握住事物的颜色也很符合初学油画的学生这一方法很适合在上户外风景写生当中，对着所画的景色在落笔之前,先观察比较,眯缝眼睛观察明暗变化,留心色彩对比,区别反光。而在创作的阶段就从理想阶段上升到了感性阶段注重个人情感的表现就如印象派画家不仅注重写生而且也不断的研究光对客观事物的影响也就产生了主观的色调，在绘画的过程中我们也提出了从对自然色彩的描绘到对主观感情的表现就如高更、凡高的“色彩并重”的表现方法。对于印象派色彩给教学的启示中我们还可以看到它对当代的各个种类的绘画如水彩、水粉、广告设计、服装设计的运用上都有不小帮助。2、印象派技法运用与当代中国美术教育形式的比较在印象派的绘画技法中继承了先前的技法在他们的油画作品中我们可以看到挫、拍、揉、扫、跺、刮、点、砌、擦、抑、等。在众多技法中值得一提的是点画法。尽管早在古典坦培拉技法中，点画法就是印象派的一种表现层次的重要技法。点的方法在综合性画法中与线条和体面结合可产生丰富的对比，用不同形状和质地的油画笔又可产生不同的点状笔触，对表现某些物体的质感能起独特的作用。要求丰富在用笔方面，细碎笔触的厚涂法和对比色并置，这就要求画家用色时采用小的不透明的笔触，而不是画一大片颜色或采用薄薄的平涂法。这些笔触要求尽可能在调色板上不加任何调色油调出来（因为这种短笔触不要求颜料具有流动性），并直接画到画布上去。其他的笔触逐渐往上加，有些是并列的，有些是重叠的。这种严肃的整体结构像用各种碎而拼凑起来的衣服一样，几乎完全除去了线条。在教学的过程中为了让学生在用笔的技巧上得到锻炼所以提倡在作画的过程中将挫、拍、揉、扫、跺、刮、点、砌、擦、抑、等方法运用到一副画中,使画面不仅在颜色上丰富也在笔触上有变化。这也和印象派画家在绘画过程中笔触的变化丰富有共同之处。3、印象派与中国绘画的相互影响和渗透如果把中国的国画和印象派的绘画相比较我们可以看到的是在后期的发展中，画家们开始关注中国的国画艺术，他们看到了线的作用。因此在油画的表现艺术中以大版块的线条表现的画幅渐渐成为了后来的野兽派的主流。而在印象派绘画绚丽色彩的影响下，中国的国画大师们也在用色方面从以往的淡雅为主到现在的色彩相对的艳丽。三、结论在现在有人说印象派的东西已经“过时”。现在艺术家玩的是行为，架上绘画已经从展览厅中消失。但我觉得中国现今的教育方式虽然不是一种创新，但它是适合中国的现状的。印象派的绘画艺术不仅在创作题材形式上采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和氛围气，脱离宗教题材的束缚多描绘身边的人和事物。在色彩运用打破了固有色的说法在色彩上强调从对自然色彩的描绘到对主观感情的表现中运用的较多的是高纯度和高明度的色彩。在技法运用上将挫、拍、揉、扫、跺、刮、点、砌、擦、抑、等方法运用到一副画中。都是适合我国的美术教育的，其在教育过程中的作用是不可忽视的——应该说取其道而用之。印象派画家以其广阔艺术视野，在相互影响、借鉴、冲撞和激励之中赐予我们艺术历程甚至是艺术教育过程的反思。印象主义使自己的艺术更贴近于现实的真实，但是在形式表现上却走向了更高的层次，对光与色的追求引发了一套新原则模式的艺术创作。而新印象派的行为说明了艺术的真实性只有通过科学的方法才能获得成就。后印象派的画家对人物心理的关注产生了更大的兴趣，充分展示着形式不一的表现潜力。这一些都对我们的教育起这指导性的作用。
塞尚是印象派到立体主义派之间的重要画家。 塞尚由毕沙罗（Camille Pissarro）介绍加入印象派，并参加了第一届印象派画展。有人依他的风格也归于后印象派。 塞尚认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。 塞尚认为：“画画并不意味着盲目地去复制现实，它意味着寻求各种关系的和谐。”从塞尚开始，西方画家从追求真实地描画自然，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成现代绘画的潮流。 塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画流派提供了引导，所以，其晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，被称为“现代绘画之父”。 在可以被当成二十世纪探索绘画先知的十九世纪画家中，从成就和影响来说，最有意义的乃是塞尚。他是一个很少为人理解的孤独者。他终生奋斗不息，为用颜料来表现他的艺术本质的观念而斗争。这些观念扎根于西方绘画的伟大传统之中，在包容性方面，甚至属于艺术中最革命的观念之列。 在塞尚之前漫长的艺术发展史中，所有的画家都把注意力放在再现客观对象上，而画家本人却做了模仿自然的奴隶。但塞尚则放弃了传统的艺术观念和法则，完全依靠自己独立的观察进行创作，有意识的地将注意力转向表现自己的主观世界，通过概括和取舍，从结构的观点来描绘对象。正是由于塞尚这种绘画的主观性改变了整个西方艺术的进程，对他以后的艺术家产生了观念上的震撼，这种震撼导致了艺术思想的全面解放。可以说，现代艺术起始于塞尚。编辑本段艺术生涯保罗·塞尚(1839～1906年)在埃克斯出生和辞世，是祖籍皮埃蒙特的小工匠、小商人的子孙。他先在小学和圣约瑟夫学校就读，由于父亲交了好运,从帽店老板变成银行经理，他被送入中学学习。1858年，保罗带着坚实的基础知识，完整的宗教信仰以及对同学米尔·左拉的真挚友谊从中学毕业，通过了文科毕业会考，并按照父亲的意愿，进入了大学法学院。不过，他并不因此而放松在埃克斯素描学校的课程。从1856年起，强烈的兴趣爱好就已把他带向了这所学校。他虽然勤奋刻苦。多悉善感，但天赋不高。他身材矮胖，长着宽大额头和鹰钩鼻的面孔也不讨人喜欢，但他目光炯炯，动作敏捷，喜欢游泳、打猎，在原野上远游。他还醉心于音乐，在学生乐队中，他吹铜管，左拉吹长笛。1859年,他父亲在埃克斯附近购下维拉尔侯爵在十七世纪建造的热德布芳花园，带着妻子、儿子，两个女儿在那里避暑。保罗在别墅中安排了自己的第一间画室。他已经决定了自己的前途：不管父亲如何反对，他也要作画家。父亲给他保留了作为银行经理继承人的职位,并用下面的话来警告他：“孩子，想想未来吧！人会因为天赋而死亡，却要靠金钱吃饭。”虽然对这种资产阶级的生活观念感到愤怒，塞尚还是不得不屈服认可。不过,他仍然偷偷地作画，对法律学习只给以有限的注意。已在巴黎定居的埃米尔·左拉鼓励他前往该处，而银行家则拼命阻挠这一计划。1861年4月，父亲发现儿子实在没有从商的才能，加上妻子和长女玛丽的敦促，他终于带着低声抱怨让步了。保罗·塞尚来到巴黎。他在弗昂蒂纳街租了一间带家具的房间，在瑞士画院习画，与基约曼和毕加索交往，并继续和左拉保持着友谊。他靠着父亲每月寄给他的一百二十五法郎，艰难地维持着生活。他丝毫不能适应首都的嘈杂，初期作品也远不能使自己感到满意，他也始终未能考入巴黎高等美术学校，原因是：“虽具色彩画家的气质，却不幸滥用颜色。”他垂头丧气地回到埃克斯，大为高兴的父亲在自己的银行中给他安排了一个职务，但保罗并未因此从事金融而牺牲画笔，仍然热情地画着。他在四大块壁板上作了滑稽的模仿画《四季》，来装饰热德布芳的厅室，并且在画上无礼地签上“安格尔”之名以作消遣.他画自画像，也为父亲作像。1862年11月，他再次回到巴黎。虽然经常与印象派画家来往，他却不欣赏他们。他接近的是莫奈、雷诺阿,可是他欣赏的却是德拉克洛瓦和库尔贝的作品。他此时的画颇为浪漫，并且厚颜地把它们称为“杂烩”。别人不喜欢他这种绘画，而且连他自己也不喜欢。事实上，他没有任何开心之事。不管到哪儿，都不感觉赏心悦目。他断绝了刚刚结下的友谊，离开曾经吸引了他的著名画家，不断地变换住地。由于厌烦，他离开巴黎，又由于好奇而重返该地。他退隐到埃克斯，但很快又离开那里。他是否遭到1866年官方沙龙的拒绝，不得而知。总之，他忧郁地回到埃克斯，而在1867年底1868年初的冬天，再次前往巴黎当然是换了个新的地方。他在马奈、雷诺阿、斯特汶斯、左拉、克拉代尔、迪朗蒂等人聚会的著名的盖博瓦咖啡馆露了露面,但觉得很不舒服.他的作品《甜烈酒》或《那不勒斯的午后》在1861年沙龙落选。同一年，他遇见一位年轻的女模特玛丽·奥尔唐丝·富盖。《坐在红扶手椅里的塞尚夫人》是为他夫人画的肖像。在这一作品中，塞尚完全不考虑西方传统肖像画所要表现的人物性格、心理状态以及社会地位等等。在表现手法上，也不是用传统的以光影表现质感的方法来描绘的。而是采用色彩造型法达到他一生追求的色彩与形体的结合。色彩与形体的表现便成了塞尚一生所追求的“造型的本质”。他的这种重在艺术形式的追求的创作倾向，对西方现代主义美术的产生和发展具有深远的影响，故被人称为“西方现代绘画之父”。虽然塞尚曾受到当时占绘画主流地位的印象派的影响，对光线照射到不同质地表面上的效果有所光住，但他始终坚持对物体结构和实体感的关注，并于1877年放弃了印象主义。塞尚早期大多以写实的手法，真实且疑难的情景作为绘画的题材。晚年画风有所改变，留下了多幅温和，光明并富含古典注意庄严气息的风景及景物画。塞尚说过要“使印象主义成为象博物馆的艺术一样巩固的东西”，被文艺复兴所激发出的这句议论常被引用又屡遭非难。塞尚在他的作品中，所寻找的就是真实，即绘画的真实。由于他逐渐感到，他的源泉必须是自然、人和他生活在其中的那个世界的事物，而不是昔日的故事和神话。他希望，把这些源泉里出来的东西转换成绘画的新真实。塞尚的成熟见解，是以他的方式经过了长期痛苦思考、研究和实践之后才达到的。在他的后期生活中，用语言怎么也讲不清楚这种理论见解。他的成功，也许更多地是通过在画布上的发现，即通过在画上所画的大自然的片断取得的，而不是靠在博物馆里所做的研究。他的作品有《埃斯泰克的海湾》、《静物苹果篮子》、《圣·维克多山》、《玩牌者》、《穿红背心的男孩》等等。
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丝网印刷工艺与参数研究，我写的这个题目。文中用实验数据分析对比,对油墨的附着公式进行了修正,使墨层厚度的计算结果提高。最后设计实验,验证了粗糙度对印迹的影响。引入正交实验的方法,得出在丝网印刷中,目数对精度的影响起主要作用,其次为粗糙度和网距,对于一定的印品。开始也苦于写不出来，还是学长给的莫’文网，专业的就是靠谱，很快就帮忙搞定了
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