水墨人物画毕业论文辅导

这里有几篇你看行不行，如果觉得不怎么样，你可以去美术论文网看看，里面篇数很多－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－“线”在美术作品中的功能与审美特征 线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用，是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能．画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采（在表现物象的同时，还传达出入的情绪），传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美；西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－对于传统色彩学的新认识 绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。从早期文艺复兴至今，绘画中色彩的表现方法丰富多彩，一代代艺术大师们耕耘不止，给后人们留下了无数的艺术财富。十五世纪上半叶，凡·爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品，在坚实的造型基础上，加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色，这些色彩，通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子，创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的大色块来进行创作，其色彩已具有一定的主观因素；达·芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象；西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作，其色调已经超越了物象本身的色彩范畴，达到了一种色彩的抽象概括，其色彩运用，更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求，不受物象色彩的制约，他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调，作品富有现代精神；伦勃朗利用强烈的明暗对照，单纯而强烈的色彩来突出主题，人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光，作品充满了深度。十九世纪，由于科学的发展，一些有关色彩理论的论述在欧洲问世，这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘，使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念，采用鲜明的色彩来描绘天空、田野，画家们致力于风景画中环境与光线的研究，莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。艺术探索是无止境的，康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里，色彩还是依附于形体之上，色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中，已见不到传统绘画中的具象物体，色彩已不再依附于任何具体的物象而存在，他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新，而每一次创新，都需要勇气打破条条框框，用全新的视角去重新认识和感应世界，推动艺术的发展。综上所述，不难看出，色彩艺术在其发展的过程中，没有一成不变的规则，我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识，而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份，全面推进学生的色彩感应力，应成为一个重要课题。当前在色彩教学中采用的理论依据，是在印象派前后时期的色彩理论加之俄罗斯画派的色彩理论综合而成。其核心内容是强调条件色，认为色彩的产生要依靠光源色、环境色及物体自身的颜色综合而成。在色彩的对比上也有一定有规则，亮部冷，暗部就要暖；在色彩的训练上比较强调作画过程的程序性，即通常的画大关系，然后深入，再回到大的关系上来。这样的训练方法及色彩理论固然有其有利的一面，但也存在一定的局限性，即过多地重视科学规则和相应的客观因素，忽略了做画者对于色彩的直接感应。但在做画过程中这种感应又是非常重要的，没有它，艺术作品就会缺乏生气，枯燥无味。所以，在色彩训练中，从一开始就要重视对色彩的直接感应，不要让过多的理论缚住做画者的手脚。传统的色彩理论对于画面的色彩构成更多的是依靠色彩的空间关系去表达（物体离观者近则色彩鲜明突出，退远则变淡变冷）。但在现代的许多绘画大师的作品中，这种理论已被打破，艺术家们根椐自己对世界的认识和感应，重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系，应理解为色彩结构上的位置关系，色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。法国艺术大师巴尔蒂斯对于东方绘画非常崇尚；凡高的作品中也充满着东方情趣；米罗的作品更是如此。为什么东方绘画有如此之大的魅力，使这些艺术家顶膜礼拜呢？关键就是在东方作品中所蕴含的精神因素。东方的作品，如中国画不受客观条件的制约，而强调艺术家的主观精神，使艺术中具有更多的抽象因素。如能较好地将东方绘画中的精华运用到色彩实践中的话，将会创造出更广大的艺术天地。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－美术课在美育中的作用 美育一般通过艺术审美的方式达到教育目的。美术课对学生进行美育的得天独厚的条件，就是直观性，包括对自然美的直观，社会美的直观，艺术美的直观。而美术教学大纲所规定的欣赏、绘画、工艺三大类课业非常直接地体现着这种直观性。 美术欣赏课的教学，主要以完美的形象，卓越的艺术技巧来拨动人的心弦，使人精神奋发，与之共鸣，从而产生强烈的教育效果。例如欣赏董希文的油画《开国大典》，可感受到作者通过构思，构图和色彩，表现了中华民族永远起来了的信心和气魄。欣赏白石老人的国画《却教蜂蝶为花忙》，透过蜜蜂在艳丽的凤仙花旁飞舞采蜜的忙碌情景喻意颂扬了勤奋劳动的精神。作者从普通的生活景致中表达出高雅的审美情趣，学生通过对作品的品味、鉴赏激起了对普通劳动者的敬慕。美术绘画课的教学除了学习线条、形体、空间、明暗、色彩和构图等艺术、语言”之外，还要学习临摹，写生和创作等艺术的表现手法。例如静物写生课，不管是一瓶沐浴着阳光、摆在窗前的鲜花，还是随意堆在桌上的肥硕水果；不管是一组闪耀着光泽的玻璃器皿，还是刚买回来的新鲜蔬菜，那生意盎然的色彩、情趣横生的形态，都能人学生以情的感染和美的享受。 人物头像绘画课，不仅使学生明白头型的“八格”、五官的比例尺“三停五眼”，还要懂得“形神兼备”的意义。人像的美，并不是“浓眉大眼”或“樱桃小嘴”等概念，关键是创造生活中有个性特征的感人形象。例如周思聪先生的肖像画《老矿工》，极为生动地刻画了一位从旧社会生活过来的老矿工的形象。在老矿工布满班痕的脸上，可以看到这位煤矿工人的艰苦劳动的一生，然而他又是那样善良，淳朴和敦厚。美术作品并不是以“像不像”“美不美”“好看不好看”为评价标准。教师应紧密结合教学内容，引导学生通过对形象的感受、想象与思考，认识肖像画的艺术美，在思想上受到熏陶，在美的感受中受到教育。 工艺课是一种带有设计意识的艺术实践活动。在美术课上学过色彩知识和造型规律，学生掌握这些形、色的审美常识，有助于培养他们健康的审美观点，对于学生盲目追求流行时装、奇怪发式的现象，有正确引导的作用，同时也有助于他们思想品德的提高。 另外，美术在开发学生智力发展中起着突出作用。根据科学研究，人脑的左半球分管抽象思维，右半球分管形象思维，许多复杂的精神活动是由大脑两半球协同完成的。学生的文化课学习一般多用左脑思维，而美术课则有利于发展学生的形象思维能力。美术课的任务正是培养学生的观察、记忆、想象、创造等形象思维能力，特别是观察能力。在绘画课上，教师总是强调学生观察、观察、再观察，由表及里的观察，由近及远的观察，由整体到局部再到整体的观察。只有正确的观察，才有正确的感知，也才能形成积极的形象思维，使抽象的东西具体化，概念的东西形象化，进而是逻辑思维的发展。这样也就有利于多方面地发展学生的思维能力，充分发挥人脑的潜力。美育被明确地列入教育大纲，标志着我国社会主义教育思想的重大发展和社会主义教育制度的进一步完善。美术课的目的不是把所有学生培养成艺术创作家，但是对于提高学生的审美文化素质、发展创造性思维，陶治其情操，起着积极的作用。

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水墨画如何应用在中华传统 例如？共2个回答匿名用户匿名用户1．传统水墨画产生的背景、发展概要水墨画在唐代由吴道子起开始发展，经王维等人的发扬与推动，加强了渲染的表现技巧，并提出“画道之中，以水墨为上”进而初步形成了水墨山水画的风格流派，影响日益扩大。宋代是水墨画全面发展的一个重要时期，不论是水墨人物、水墨山水还是水墨花鸟都取得了很大的成绩。 像董源、巨然的山水作品“淡墨轻岚为一体”，极具自然环境之特征，能使观者如临其境。所作“披麻皴”完全是针对江南的地域环境而创造的笔墨技法。还有荆浩、关同、范宽，所作大山、大水、全景式的水墨山水，通过“墨韵黑沉”把“力量”和“真实”融入了画境之中，给人以气势磅礴，雄伟阔大之感，从而反映出北方山水之特点。 另外，郭熙的作品，水墨的运用就更加充分，既有北方山水的特点，又吸收了南方山水之特长，在用墨的同时强调了用水的“饱和度”，使得画面既秀润，又不失雄伟之势。再有，米芾父子创立的“米点山水”，纯以水墨烘染，以特有的“米点皴”（笔锋侧卧横点，笔触有长，有圆）显示笔与墨的浑厚流爽。 虽谓之墨戏，实乃意超物表之作。南宋时期，院体山水的四大家，刘松年、李唐、马远、夏圭，使水墨的技法有了重大的发展并形成完备的皴法与描法,如“斧劈”达到了笔触与体面的统一；“破墨”使画面水黑淋漓，墨气袭人,从而创造出一种新的面貌。关于宋代的水墨人物画，北宋李公麟的白描，以浓淡、刚柔、粗细、虚实、轻重的线型及淡墨和淡赭的烘托，创立了明洁、朴实、精美之风格。 而南宋梁楷的画法又造另一种形式，即“减笔”和“泼墨”画法。元、明、清时期水墨画的发展主要体现在文人画的“墨戏”作风中，技法上则继承了宋末形成的水墨画传统。如元四大家黄公望、吴镇、王蒙、倪瓒的水墨山水,或用干笔皱擦、或用湿润的披麻皱、或笔力坚实、或墨气浑厚、或淡墨勾染、或焦墨皱擦、或笔墨苍秀、或寥寥数笔，都是在表达淡、野、幽、穆、寂、静的画境。 从中亦反映出独具个性的美学意趣。再如明代诸流派的代表，像浙派的戴进、吴伟，吴派的沈周、文征明、唐寅、仇英，华亭派的董其昌等对于水墨画（水山）的发展，尤其是对于墨法的丰富与完善有着积极地促进作用。关于水墨写意花鸟画的发展，明、清时期就更为突出。 像明末陈道复、周之冕、徐青藤等人的作品，“妙得生意又不失真”，可以说完全是意境形象的塑造。特别是笔意奔放，水墨淋漓的写意手法，对于提高和丰富花鸟画的技法及创作有很高的成就，影响深远。而清代扬州八怪的作品，以豪迈泼辣之笔，更是将我国水墨写意派的绘画推向了一个新的高度。 尤其是印、款、跋的巧妙结合，使得画中蕴涵的思想感情，更加强烈而鲜明地表现出来，最终成为一个综合艺术的统一体。另外，清初朱耷（八大山人）的水墨花卉有一种“稚拙清新”的魄力，极富浓郁的艺术感染力，其用笔用墨无不流露出强烈的个性及鲜明的爱憎。还有石涛，更是近古最富有创造性的博大精深之大家，他的画笔墨雄伟，脱落时习，真正是“出新意于法度之中，寄妙理于豪放”。 二十世纪的中国，处在伟大的剧烈的变革时期，面临着危机与分折、毁灭与新生的境地，作为时代社会心声的文化艺术，势必呈现出这方面的特征。在西方文化艺术观念及各种思潮的大量涌入和冲击下，传统文化艺术中的浮华和糟粕受到了涤荡，精微菁华得到了昭示光大。 二十年代至四十年代是中国水墨画艺术繁荣和创新的阶� �，之后，曾一度沦为意识形态的附庸，尤其是中国画由审美怡情的功能向宣传和图解政策的转化，使民族绘画遭受到前所未有的地打击，几乎将艺术的生机彻底扼杀。自七十年代末开始，改革开放为水墨艺术重新焕发生命输进了血液。 八十年代后，众多艺术家的创新狂热和艺术界多元格局的形成，在最大限度的自由保证，创造和变革的旗织下，给当代中国艺术带来了生机和繁荣。2．水墨画表现技法在油画中的运用2。1气韵在油画中的运用齐朝著名的画家和理论家谢赫在其著作《古画品录》中提出评画标准“六法”，被后代画家、鉴赏家奉为金科玉律。 其中第一法即是“气韵生动”，是品画的最高美学准则，谢赫把它视为“六法”之本，其他五法是达到“气韵生动”的必要条件。例如，在表现对象时，重视对“神”（神态）的把握，在“不似”中求“似”，使形象更具概括性，调动欣赏者联想，张彦远《历代名画记》所述：“画之逸品气韵生动”，齐白石也说过：“妙在似与不似之间”。 气韵可以说是一种格调、一种意境、一种精神。气韵之美成为当代许多油画家的普遍追求，并多方面地从中国画中汲取审美智慧,它们的审美趣味直接影响着中国油画的“笔墨情趣”。吴冠中是学贯中西的艺术大师，他在油画、水墨、彩墨、速写及艺术理论和文学创作等方面均造诣卓著。 若将他的作品加以提炼，我们可以感觉到常有某些共通之处--民俗气味。他的油画中带有浓郁的中国情调，如图2。1、图2。2两幅画是中西结合的一个典范，画家以写印象写感觉取代面对客观对象的写生，注重抒发主观情绪，强调“意”的表达。不拘泥于形似或笔到，有时意到笔不到形不似，增强书写因素，色彩更为单纯、整体形象更为凝练，意境的传达也更典雅蕴藉，充满东方的、民族的情调。 在大片“泼彩”上作幼细的线条勾勒，充分运用线条的魅力，出现类似中国画“点擦皴染”的手法，既有逸笔泼彩的意境，又具有表现主义风格形式的痕迹。整个画面具有很浓的写意趣味性，让人看了回味无穷。

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水墨人物是中国传统绘画中的重要形式之一，它通过墨色的表现和线条的描绘来表现人物的神态、气质和特征。水墨人物的笔墨语言运用有以下几点：用墨表情：水墨人物主要通过用墨表情来表现人物的情感和气质，墨色淡重、轻重缓急、干湿起伏等都可以表现不同的情感和气息。线条描绘：水墨人物的线条描绘也是其重要的表现手段之一，线条的粗细、长短、方圆等可以表现人物的外貌特征和姿态。构图和构造：水墨人物的构图和构造也非常重要，这包括了人物的形态、位置、大小、角度等方面，可以表现人物的关系和位置。在国外的艺术领域，水墨人物也受到了广泛的关注和欣赏。不少艺术家在创作中融入了水墨人物的元素，创作出独具特色的作品。此外，国外的博物馆、画廊等文化机构也积极举办了许多水墨人物相关的展览和活动，推广了中国传统水墨文化。然而，由于文化和历史背景的差异，国外艺术领域对水墨人物的理解和欣赏还有待进一步深化。一些艺术家可能更倾向于将水墨人物视为一种“异国风情”的元素，而非深入了解其文化内涵和艺术魅力。因此，推广和传播水墨人物的文化价值仍需不断加强。