电影声音方向毕业论文

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去搜搜 有声电影的发展 和 数码革命之于电影 这2个词条，应该有收获吧

声音方面如下： 在讨论声音对影视艺术的影响时，我们更愿意以电影声音为例加以探讨。这不是因为我们对电影声音的偏爱，而是由于电影声音经历了比电视声音更加曲折的历程，同时也由于电视声音与电影不仅在类型上而且在创作上都十分类似。 为了讨论电影声音对电影艺术的影响，我们可以粗略地将电影声音分成以下几个历史时期：（1）在电影史上称之为"无声电影"时期。这一时期大约从1895年法国卢米埃尔兄弟制造出的第一部"电影放映机"起，到1927年美国黑人歌手阿尔。乔生在银幕上向观众大声喊"朋友，你们并不是什么都听不到了吧！''止的32年； （2）以爱森斯坦、普多夫金、亚历山大洛夫在1928年7月20日签署的《有声电影的未来（声明）》为标志的"经典声音理论"时期；（3）大约从20世纪70年代末开始的现代声音理论时期。我们进行这样划分，仅仅是为了便于问题的讨论。事实上，严格的界限是难以确定的，除了受到我们所掌握的材料限制外，一种思潮或创作方法的形成和发展往往是错综复杂的。此外，我们还不能忘记声音制作技术对电影声音的巨大影响。 尽管在电影史上存在一个"无声电影"时期，但从电影声音史的角度看，如前所述，她并不存在真正的"无声"时期。在这一时期内，声音仍然对"电影艺术" 产生巨大影响，只不过她对纯视觉艺术的无声电影带来的麻烦比帮助要大得多。 严格地说，在电影诞生初期的影片，充其量也只能算是游艺场的新奇节目，即使后来发展成为一种文化现象，由于技术条件的限制，噪声始终是干扰受众观影的首要因素。这时人们就自觉不自觉地根据听觉掩蔽效应，采用乐师或乐队临场演奏的方式消除这种干扰；后来，这种现场配乐或配音逐渐与影片内容相关。大约从20世纪初开始，为了改变现场音乐伴奏随意性大的问题，欧美音乐出版商专门为电影院编印"情绪音乐曲选"，为各种情绪主调的场面选定现成的乐曲，供电影院乐师或乐队根据上映影片的内容事先编妥配曲系列。 音响效果一般采用事先录制唱片的方式，但由于技术上的困难，常常出现声画配合不准确的笑话。由演员或歌手在银幕后面配合画面临场念词或唱歌的做法则比较少见。 初期的声画同步影片使用的是美国贝尔电话公司发明的"维他风"系统，即用大型唱片录音并利用机械连结装置造成声画同步，犹如当今的双片放映。这种方法很快就被德国托比斯公司的光学录音还音系统所代替，有声电影的初步技术准备始告基本完成。这时的有声电影在很大程度上也只能算是一种技术发明。只有在爱森斯坦、克莱尔等一些电影艺术家发展了声画关系的不同形式（如音画对位、画外音等）之后，声音才真正成为电影的基本艺术元素。纯视觉艺术的无声电影开始蜕变为视听艺术的有声电影。 有声电影是技术与市场结合的产物。在电影创作和电影理论方面，却遇到种种阻力——事实上，这种阻力至今在某种程度上还严重阻碍着影视艺术的健康发展。 固守电影是视觉艺术的人们认为，声音进入（无声）电影，破坏了电影作为一门独立艺术的完整性。法国电影理论家鲁道夫。爱因汉姆认为，"电影正是因为无声，才得到了取得卓越艺术效果的动力与力量。"因此，他主张重要的是要"去追究声音的存在本身是否合理这样一个更为根本的问题".他尤其反对声音中的对白，认为"……对话一旦占有统治地位，就会导向戏剧"，"…… 缩小了电影的世界".法国导演雷纳。克莱尔在一定程度上也反映了这种观点。他在1929年写道，"由于这种进步，电影是得不偿失的。它占领了声音的世界，但是，它却失去了无声电影所统治的梦幻世界。"他同样极力反对电影中的对白，并指责一些剧作家说："他们的职业偏见使生活在他们眼中被简化成一连串的对话"，"拙劣的对话。……将成为对白片的大祸害。"①尽管如此，电影声音并没有因此从电影中消失，而是以不可阻挡之势，越来越受到市场（受众）的欢迎。 = 据报道，美国好莱坞在有声电影出现后的1929年比1927年的观众几乎猛增了1倍，从6000万增至亿。这种趋势随着录音技术的发展而继续向前发展。特别是以爱森斯坦为代表的（前）苏联电影学派奠基人，对声音进入电影表示了极大的热情。他在与普多夫金、亚历山大洛夫签署的《有声电影的未来（声明）》②（：1928年7月20日）中一开始就欢呼："朝夕思慕的有声电影的理想终于实现了。"他们在肯定了蒙太奇是电影的基本与惟一手段后，明确指出，"……与声音的巨大意义比较起来，色彩电影和立体电影的意义则是微不足道的。"尽管他们在《声明》中不恰当地强调了声画对位的作用，但已经提出了声音蒙太奇、画面蒙太奇（他们称之为"视觉"蒙太奇）和声画蒙太奇的重要概念，并且清醒地看到了它们的巨大作用。《声明》指出："主题和情节的课题日益复杂，试图仅仅用'视觉'蒙太奇的手法来解决这些课题的做法，或者导致完不成任务，或者导致导演使用别出心裁的蒙太奇结构，而这种蒙太奇结构是会使人对莫名其妙的手法和反动的颓废艺术害恐怖症的。 "作为新的蒙太奇成分（作为同视觉形象组合在一起的一个独立部分）来加以处理的声音，必然会带来一些具有巨大力量的新手段，帮助我们表达和解决那些极其复杂的任务，此前我们一直苦于找不到克服这些任务的办法，因为电影的方法不完善，它只能利用视觉形象。"他们的影片《战舰波将号》和《母亲》等，不仅赢得了很高的声誉，并且丰富和完善了蒙太奇理论，尽管这篇t声明'有它一定的历史局限性，但实践证明它不仅在有声电影初期，并且直到目前为止，仍对有声电影的探索具有一定的影响。" 数字技术如下： 电影是一门结合了科学技术与艺术，并以商业形式体现其自身价值的文艺作品，其起源，发展过程无一不受科学技术的影响。电影始于1895年的法国，声音经历了无声电影、有声电影、单声道电影、立体声电影、杜比立体环绕声立体声电影、DTS数字音频电影，图像上经历了黑白电影，宽银幕彩色电影，立体电影等，承载介质及拍摄手段上经历了从传统胶片到数字介质的过程。数字技术在上世纪末以万川归海的气势席卷全球，给整个工业社会带来了前所未有的冲击，影响了工业生产的几乎所有领域。本文对数字技术给电影工业带来的正负面影响进行一些浅显的阐述。 社会的发展过程一直都受科学技术的影响。电影作为一门艺术，源于生活，高于生活,在其记录社会生活的过程中又反映科学技术对社会生活的影响。就其自身来说，其表现手段就是科技。不同时代有不同的科技，不同的科技手段必然对应不同的电影艺术。电影工业曾发生过三次革命，从无声到有声，从黑白到彩色，我们现在正处在第三次革命中，从传统到数字。显然，这三次革命都是技术不断创新的结果。Freeman定义的四种技术创新中有一种是“重大技术创新”。我认为，这种技术创新是一种从无到有并且在时间上非连续的技术创新，就像数字技术从无到有，这个过程是长时间研究开发的结果。重大技术创新所带来的影响是四种技术创新中最为深远的。数字技术在电影中的应用解决了电影从制作到放映过程中的许多难题，之前无法拍摄或很难拍摄的镜头应用数字技术可以轻而易举地完成，而且可以大大节约制作成本。重大技术创新在投入生产后，就出现“渐进性技术创新”，这种技术创新在时间上连续，是短期的技术进步。具体体现在数字技术更加广泛地应用于电影中，如DVD、网络电影、手机电影等。这两种技术创新的结果就是技术—经济范式的变革，这也是技术创新的最终目的。新的技术最终就应体现在其促进经济发展的作用上。技术是手段，经济是目的，技术为经济服务。 应用数字技术，可以给电影带来很多好处，在图象方面，RGB共256×256×256甚至更多的颜色组合使画面色彩丰富逼真，24祯/秒的放映速度使图象流畅连贯。南京国际影城15米宽的数字电影银幕给人带来的视觉冲击是前所未有的。图象清楚得甚至可以看清皮肤上的细节，秋毫毕现。其效果与传统胶片电影不可同日而语。CG技术的充分应用大大提高了电影的制作水平。《泰坦尼克号》、《侏罗纪公园》、《星球大战》…这些耳熟能详的美国大片在数字技术之前只能出现在导演的脑子里。《侏罗纪公园》里一只只逼真的恐龙似乎要把观众带回到侏罗纪时代，《星球大战》中炫目的太空战又把人们送到了未来世界。艺术家们的想象力天马行空，不受逻辑思维的束缚，数字技术让天才导演们能随心所欲地表现他们的艺术情感。在电影的声音方面，技术的不断发展使电影经历了从无声到有声及数字音频的过程。电影艺术是在记录社会生活的，生活是充满语言和音符的。对于语言，《圣经》里有语言统治一切的教义；对于音乐，古希腊毕达哥拉斯学派认为是净化人类灵魂的手段。没有声音的电影是不完美的。电影是不该没有声音的，只是技术水平的限制使刚开始时的电影只能是默片。上世纪20年代开始声音被加入到电影中，到70年代，美国杜比实验室成功地将立体环绕声应用到《星球大战》中。炫目的效果，震撼的声音，《星球大战》让美国观众叹为观止。我曾一次又一次去南京的五星级影院----华纳影城仔细聆听他们的玛田音响，其声音静如处子，动如脱兔，干净有力。高频嘹亮甜美，极富颜色感，中频人声亦幻亦真，定位分毫不差，低频量感似春雷涌动，让人热血沸腾。这些美好的音符只有数字技术才能充分演绎出来。70年代的《星球大战》票房纪录直到90年代才被另一部数字科幻电影《侏罗纪公园》所破，后者又被《泰坦尼克号》所破。历史票房前三甲都是科幻电影，科技含量高，充满未来感，这也许反映了美国人的超现实主义思想。可以看出，这三部电影都是科技与艺术的完美结合。没有数字技术，就不会有这样的超级大片。正是这些超级大片激励一批又一批的电影人更加努力地去追求更高品质的电影。他们的努力同时也促进了电影的进步。这是对技术进步的一种正反馈，双方相互激励，共促发展。 也许有人认为，电影的本质是内容，而非影音效果。对于这一观点，我持坚决反对的态度。电影的本质是内容，这点没错，艺术家诉诸情感，把电影作为情感的载体，以此唤起观众与作者之间的情感共鸣。如果把内容看作事物本质，那么，影音效果可以看作事物的表面现象。从认识论的角度来看，认识事物的过程是透过现象上升到本质。试问，一部电影的影音效果很差劲，图象模糊，声音缺乏质感，现象如此不清楚，无法进行细致的观察，连现象都无法充分认识，又谈何透过现象认识本质呢？技术的革新不断提高画质，改善音质又还有什么意义呢？认识艺术背后的艺术家情感是目的，欣赏电影是过程，目的固然重要，但不该忽视过程。中国人向来讲究实用，求功利，重目的，却往往忽视了过程，究其原因，我想是理性精神的缺失。举一个简单的例子，爱因斯坦的相对论，其英文名是the theory of relativity, relativity是联系的意思，其本质在于揭示物质与运动，与时间，空间的普遍联系，洛仑兹坐标变换导出的结果是时间与空间是相对的。我们就把其翻译成相对论。普遍联系是本质，相对是结果。我们只重结果，却忽视过程本质，这一翻译就体现出理性的缺失。这种理性精神的整体缺失使工业社会中的技术创新往往都出现在西方国家，其结果，技术—经济的变革大大促进其经济的发展，这也许是西方发达国家经济领先于中国的原因之一吧。 在电影文化的传播渠道方面，数字技术使看电影成为一件像吃饭睡觉一样简单的事。在数字技术之前，电影几乎只能在电影院看，虽然有录象带可以在家观看，但其不菲的价格使之难以普及。有了数字技术，可以在网上看，买廉价的影碟看，甚至可以在手机上随身看。还有一点很重要，在上世纪90年代中期，我国开始引进美国大片后，好莱坞电影开始冲击中国市场，让人们的视野更加开阔，可以看到更多更优秀的电影作品。但是，作为社会主义国家，在价值观念，文化传统，政治体制上毕竟与西方国家有很大的差别，电影总局对许多美国电影进行“阉割”，甚至封杀，这种对艺术民主不尊重的行为使我们错过了许多好电影，例如〈〈沉默的羔羊〉〉、〈〈七宗罪〉〉、〈〈电锯惊魂〉〉等这些看似变态实则内容深邃的电影无缘中国银幕。通过网络，通过盗版我们仍可以观看这些优秀的电影。盗版问题在中国已成为一大公害。但我个人看来，应该用发展的眼光，具体的，历史的眼光来看待。就目前而言，盗版在中国市场上有一定的积极意义。首先，如前所述，通过盗版可以观看到一些正版或电影院看不到的好电影。其次，艺术不该仅仅重视其商业属性，尽管商业是目的，但作为一种文化，就该让更多的人共同参与。在美国，2006年电影平均票价是6美圆，但在中国，就南京而言，看一场电影均价在50元左右；在纽约时代广场这样的黄金地段的顶级影院看〈〈碟中谍3〉〉只要10美圆，南京华纳影城票价是50元。这样很显然使电影成为一种高消费的活动了，大部分人在这种情况下就选择盗版，因为艺术欣赏、文化交流不应该是富人的专利。最后，中国的正版片大部分粗制滥造，良莠不齐，远比不上原版复制的盗版，而且价格很高。所以，喜欢电影的人痛恨盗版，但又不得不买盗版。总之，数字技术在电影文化的传播上起了很大的推动作用。 任何事物都具有好和坏的两面性。数字技术在带给我们高品质的电影，给电影公司带来丰厚的票房时也带来了技术的异化问题。在电影制作过程中，数字技术取代了部分真人的表演，人的情感是任何技术都无法替代的，这多少是对艺术欣赏的误导。电影〈〈西蒙妮〉〉就是个很好的例子。不成熟的数字技术运用到电影上更是劳民伤财，亵渎艺术，一片骂声中的〈〈无极〉〉就是这样故作深沉，自食其果！数字技术最大的负面影响就在于其传播方式上，盗版问题严重，尤其在中国，因为数字技术使一张高质量的盗版光碟制作成为一件成本低、操作简单、利润高的事情。这是侵犯知识产权的行为，与偷盗无异。电影公司的巨大投资常因盗版而无法收回，电影公司逐个亏损，逐渐倒闭。这些现象在香港尤为普遍。长此以往，盗版势必拖慢电影工业的发展，甚至使之毁灭。还有，很多年轻人，尤其是大学生，喜欢从网上下载电影，这会使他们进入一个认识误区，因为数字时代的电影应该是画面艳丽，音效震撼的数字电影，而那些网上下载的电影由于网络容量的限制使其图象、声音品质大打折扣。这些都是技术的异化。我们应充分认识其危害性，扬长避短，正确处理数字技术给电影带来的好处和坏处。

默片时代（1895-1929年）的34年中，电影的镜头语言得到了飞速的发展，形成了稳定的镜头语言体系。 但是声音在电影中出现了，在有声片初期，人们将注意力完全放在了有声的语言上，剪辑的节奏被打乱的一塌糊涂，默片时代的镜头语言体系被搁置一边。 声音的出现打破了默片时代的平衡。在有声片初期的几年里，几乎是语言主宰了画面。由于声音在电影中不加节制地乱用，电影“真实性”的美学原则受到了前所未有的打击。纪录片的发展也因此陷入了低谷。 隐藏在电影声音汹涌攻势背后的强大力量是什么？以吉加•维尔托夫为代表的一批纪录片作者开始对电影中的声音做出试验和探讨。让对白、旁白和音乐摆脱传统戏剧模式的束缚，沿着纪录片电影“真实性”的原则进行发展。 如何运用电影中的声音成为了有声片初期纪录电影人探讨的焦点问题。究竟声音的出现为纪录片带来了些什么样的影响？以下是进一步的分析。 关键词：纪录片、吉加•维尔托夫、弗拉哈迪、格里尔逊 “具有文献性质的，以文献资料为基础的影片称为纪录电影。” “1926年一月约翰•格里尔逊在一篇发表于纽约《太阳》的评论罗伯特•弗拉哈迪的影片《摩阿纳》（1926）的文章里使用了‘documentary’一词。” ① 纪录片就这样被定义下来。 纪录片是以真实事件或真实情境为表现对象，在此基础上加以选择和组接以表达作者思想的一种影片类型。 > 实际上，纪录片是随着电影的诞生而诞生的。从1895年12月28日，卢米艾尔兄弟拍摄的世界电影史上第一部影片——《工厂大门》的上映就代表着纪录电影的诞生。卢米艾尔兄弟的两位摄影师所拍摄的影片确立了世界纪录电影未来发展的两大趋势：蒙太奇电影和汇编电影。 由于首次放映取得了极大的成功，卢米艾尔兄弟开始将他们的事业面向全世界。在世界各地拍摄影片素材，再到世界各地巡回放映。电影事业在短短的几年间得到了飞速的发展。但镜头有时并不能让观众理解影片的内容，于是讲解员出现了，他们站在银幕旁对影片的内容进行介绍，这就是日本人所称的“辩士”，而这种讲解也就是旁白的雏形。“辩士”的出现并非偶然，它体现了观众对电影中的有声语言渴望的呼声。五年以后，每本拷贝的长度发展到了五至十分钟，由于放映时间的增长，故事片的产量大幅度增加，“辩士”逐渐被影片中的字幕所取代。 在技术人员不断探索和研发有声电影的同时，无声片时代的纪录电影人们却努力地使纪录片的电影语言趋于完美。这种语言体系并不仅仅作用于镜头与镜头之间，也使解说字幕成为影片整体中的一个重要组成因素。它起着说明画面，抒发导演情感，调节影片节奏甚至确定影片风格的重要作用。此时出现了一批像罗伯特•弗拉哈迪的《北方的纳努克》一样的无声片时代纪录片的巅峰之作。在这些部影片中字幕、镜头和影片内容得到了完美的结合，字幕已不仅仅只是一种解说体的文字，它成为了影片整体中一个必不可少的组成元素。 1927年10月6日，华纳公司拍摄并上映的一部音乐故事片《爵士歌手》标志着有声电影的诞生。美国人将对白和旁白带入了电影。敏感的批评家和一部分电影导演对电影的这位新成员产生了不安的抵触情绪：只有当视觉首当其冲的占据其领衔位置时，电影才成其为电影。声音的出现必然牵引观众将注意力转向电影这位新的成员。他们的这种疑虑并非没有根据，《爵士歌手》不仅挽救了濒临灭亡的华纳公司，并且使全美所有片厂在两年内全部转向拍摄有声片。任何变革都会对产生腹面影响，有声片的出现也不例外，有声片初期美国的电影市场一片混乱：剧作为突出声音的表现而编出冗长的对白、默片明星因为发声障碍而被淘汰、剪辑的节奏被对白和音乐打乱得一塌糊涂……虽然如此，电影依旧步入了它的有声片时代。 有声片帮助美国电影走出困境，但百老汇的戏剧业也因此乘虚而入，利用有声片中的语言和音乐将戏剧的美学观念侵入电影。百分百对白片和百分百音乐片大量涌入影院，这些都造成了电影在美学上的倒退。有些纪录片导演也开始利用“语言”这种噱头谋取利润，于是产生了一批如“黑暗的非洲大陆的最早的有声电影《刚果利拉》”这样的纪录片。电影“真实性”的美学原则受到了前所未有的打击。纪录片的发展也因此陷入了低谷。 大部分的纪录电影人没有逃避声音的出现，而是直面它，探讨电影声音出现为什么会对电影美学产生如此之大的影响。一部分纪录电影人开始认识到，戏剧是隐藏在语言背后的强大力量，是它主宰着电影声音逐渐奴役电影。由于对白和旁白具有接近于文字的叙事能力，戏剧舞台上的情节可以轻易地搬上银幕，于是电影就变成了传播戏剧的一种工具。 一部分人意识到：电影声音具有区别于戏剧台词和小说文字而独有的特性，它是必须与镜头结合的。只有结合了电影的其它元素它才可以名副其实地称为电影中的声音。 电影的照相本性决定了电影是对真实的揭示，由此可见纪录片是最接近电影本体的一种电影类型。纪录电影人开始在纪录片中对声音做出种种尝试，希望让电影声音摆脱戏剧语言的束缚，推动发展和完善电影美学，使之真正成为电影大家族中的一员。 无声片早期的纪录片： 早在卢米艾尔兄弟时代电影就体现了它在声音方面的需求与渴望：“辩士”的出现、影片放映时钢琴的伴奏，虽然都只是当时为了吸引观众注意力的噱头，但它们却从侧面告诉了我们没有声音的电影是不完整的。电影需要声音，电影观众也需要声音。 早期纪录片时代的多数作品都给我们揭示了纪录片在许多方面潜在的作用。正如艾里克•巴尔诺所说的一样：“《工厂大门》即后来称之为产业电影，《与会者的到来》是报道记者，《金边的象队》作者宛如导游员，《扯下西班牙旗》的作者则成了战地宣传员，《鹰舞和手杖舞》可算是民族风情片……”②我们可以看出所有的这些纪录片发展的可能性都是需要声音的，它们需要让观众有身临其境的感觉，需要声音对异国他乡的风土人情做出解释和说明。 无声片末期的纪录片： 纪录片作者并没有因为“无声”而停止探索，导演们利用字幕对影片进行解释说明。 " 20世纪20年代，无声纪录片到达了它的巅峰时期，电影作者对字幕的使用技巧也发展到了炉火纯青的地步，字幕已不在只是仅仅用于解释影片的内容，它成为了电影的一个元素，它不仅可以诠释影片的画面，还可以调节影片的节奏，甚至起到结构影片的作用。 《北方的纳努克》（以下简称《纳努克》）是无声电影史乃至整个纪录电影史上一部重要的影片。从影片导演弗拉哈迪对字幕的使用可以让我们了解字幕在无声纪录片中起着多么重要的作用。 “措辞巧妙，用字简洁”埃里克•巴尔诺是这样评价《纳努克》中的字幕的。《纳努克》中除了几个配合全景镜头而交代全貌的字幕其它字幕极少用于解释影片内容，这部影片中的字幕大多都起着推动影片情节发展的作用。 “且慢，还有一件事”这种以第三人称形式出现的字幕既没有体现影片内容也不是对影片的解释说明，它是作为影片中“造冰屋”一场中内容的一个转折而出现的。这个字幕将此场戏一分为二，让观众不至于因前半场的平铺直叙而感到乏味，用字幕调动起观众的积极性，利用观众的好奇心让他们一同参与到纳努克家族的探险中去。而“要做一名像父亲那样优秀的猎手”这段字幕则是作为造冰屋和小纳努克练习射箭两个场景之间的转场而出现的，它的作用是让两个场景之间有平缓的过度而不至于跟不上影片内容的发展。这种类似作用的字幕在影片中随处可见。 由此可见，字幕已不知不觉在无声片末期的纪录片中超出了字幕出现初期对镜头进行解释说明的作用。字幕可以激发观众的好奇心而调动气氛、可以转场、可以成为两个无法衔接的镜头之间的过渡……它已不仅仅是解说词的代替品。 声音在纪录片中的出现： 在马丁•约翰逊夫妇着手拍摄《刚果利拉》时，正值无声片向有声片过渡时期，他们使用了一小段有声的画面和解说，使这部影片成为了“黑暗的非洲大陆的最早的有声电影”。 “……在森林的空旷地上，他们雇了四十名搬运工。一个人报了自己的名字，奥萨•约翰逊夫人误听成‘咖啡壶’，于是就把他名字写成‘咖啡壶’。约翰逊的解说词讲的是‘有趣的的小野蛮人’，‘世界上最幸福的小野蛮人’。他想出的滑稽场面是让俾格米人吸雪茄，看他咳嗽；或是让他们吹气球，观察爆炸时的反应；让猴子喝啤酒，注视酒后情况等。在鳄鱼张嘴的那个镜头里，约翰逊的解说词说：‘咦，这是扔旧刮脸刀片最合适的地方。’”③ 马丁•约翰逊夫妇不知羞耻的屈尊和取笑标明着他们对待土著人的态度。 影片在商业上取得了成功。 这部影片虽名为纪行片，但它完全违背了纪录片“真实性”的原则，为了增强影片的戏剧性马丁•约翰逊夫妇随意地篡改非洲土著的生活。声音成了约翰逊夫妇商业运作的噱头。探其根本，戏剧意识已伴随声音侵袭着纪录电影人的思想，他们利用对白使纪录片展开故事情节，制造滑稽幽默，为了让对白和旁白具有戏剧效果，拍摄的镜头内容可以不忠实于真实只需配合“情节发展”而变，他们在不知不觉中让纪录片也沦为了戏剧的奴隶。纪录电影家兼探险家的处境每况愈下。 声音的出现造成了纪录片创作的混乱。 对声音的探索： 并非所有的纪录片导演都对声音的这场袭击逆来顺受。如何使电影声音摆脱戏剧的奴役而使它真正为电影所用成为了有声片初期执着的纪录电影人探讨的焦点问题。 q 在当时的纪录电影史上出现了这样一个人，他的名字叫丹尼斯•阿尔卡谢维奇•考夫曼，后来以吉加•维尔托夫的名字为人所知。 “他在1916-1917年间设立了个人的‘音响实验室’，在那里制成了由音响蒙太奇组成的音响诗。这也是他日后进行活动的基础之一。……1920-1921年间，维尔托夫以神秘的‘三人会议’的名字发表至电影艺术家的宣言：‘……习惯这个可怕的毒物，它使电影的躯体麻木不仁。我们要求能对这个濒临死亡的有机体进行试验，并寻找解毒剂。’……他的解毒剂就是利用摄影机记录社会主义现实。”④ - 维尔托夫在从事纪录片工作之前在“音响实验室”里的探索成为了指导他日后工作的基础。 《在世界六分之一的土地上》是维尔托夫1926年的作品，这部影片在国内获得极大成功，在国外也深受欢迎。它有别于早期的纪录片，字幕大多是说明下一个或一组镜头，而在《在世界六分之一的土地上》中，一段段简短的字幕连续使用呼语的手法，“这部影片介绍了在苏联各地拍摄的异常生动、多样的材料，讲给人民的时断时续的解说则把它们融合在一起。……‘乡村的同志’……‘冻土带的同志’……‘海洋上的同志’……‘乌兹别克的同志’……每组只用一个或几个镜头并不使人感到冗长难耐。影片的祝愿言辞与画面中的男女老少紧密结合在一起，…… 这种咒语风格的解说与其它几组镜头融合在一起继续发展下去。例如向发生的各种变化致意，分别让人们看到一两个画面，再用广阔的地区和多样的内容充实起来……”⑤ 影片中的字幕与日后的会话体解说颇为相似。 《在世界六分之一的土地上》这部影片中，维尔托夫对字幕的使用比弗拉哈迪又进了一步，字幕与画面相互结构，形式颇似中国古代“复踏”的修辞手法。字幕虽然重复着画面的内容，但一组组短句结合在一起，显现出了强大的呼吁力量。试想如果将影片中的字幕全部换成有声的语言，声音与画面就不仅仅只是简单的配合关系，它形成了声画的蒙太奇，那么这种“呼语”的作用会显得更加的强而有力，声音与画面的结合将使整部影片产生诗意。由此看出，维尔托夫在默片时代就已经具备了电影声音的思维。 弗拉哈迪的影片《纳努克》和维尔托夫的影片《在世界六分之一的土地上》中对字幕的处理给了我们了不少启发。纪录片中的声音如同字幕一样，并不能仅仅图解画面，它虽然受到镜头内容的制约，但电影声音应该拓展有别于画面的另一维空间。用电影声音解释画面只是电影声音存在于电影中的一个极小的和最基本的用途。 :- 究竟纪录电影的声音该向什么方向发展，维尔托夫向对画面做出实验一样也对纪录片的声音做着各种各样的实验。 诗歌和音乐是与电影最接近的两种艺术形式，它们之间一定有不少的共同点。 也许由于维尔托夫年轻时就被俄国未来派诗歌的魅力所征服的缘故，他的试验大多数都是在解构影片。在诗歌中最忌讳平淡乏味图解式的语言，有时诗歌中的一个词或者一句话单独地去理解是并没有意义的，它必须结合整首诗的形式和内容才能产生意义。如同对诗歌的追求一样，他对有声片初期时那种对声音图解式的运用深恶痛绝。在他的思想中声音和画面同样都是“濒临死亡的有机体”，需要对它们试验并寻找解毒剂。 维尔托夫认为：“电影眼睛是以纪实的手段，为肉眼释解可见的世界和不可见的世界。”转贴于 中国论文下载中心

如果同学想让自己的论文题目变得更加新颖，可以试着将两个主题结合在一起。例如：

1、人的身心不断受到诸多外部因素的影响，声音就是其中之一。如果你想让自己的论文与生物学或心理学有关，可以从以下方面来探索音乐：

2、从人类文明的早期开始，音乐文化就是其发展不可替代的一个方面。如果你对音乐史或其与社会的相互关系感兴趣，可以研究：

3、技术对音乐创作、发展和传播的贡献。如果技术是你感兴趣的领域，可以选择下列主题：

《电视记录片的声画关系》主要研究内容： 在电视记录片中，声音和画面是不可分割的统一体。它们的关系是声画合一，声画分立，声画对位。声画合一就是画面出现什么声源就能听到什么声音，如画面上有人唱歌，声音就是歌声； 声画分立就是声音和画面表现内容类似两条平行线，各有不同，但主旨是一个： 声画对位是声音所表现的东西，画面表现与它正好相反的情景。 （这些关系有没有新发展，新发展是什么。) 开题依据： 声画关系丰富了记录片的内容，使节目从质量上有了提高和发展。声画合一又称声画同步，在声画关系的运用上是最多的，其语言，音乐，音响这些声音与画面的步调是一致的。 使人感到真实可信，就想与观众面对面的交流一样真实。 声画分立采用两条主线进行描绘，将客观画面与主观声音分离，让人清楚两个意思，但两个意思均为同一个目的而服务的。 声画对位是声画关系最难把握的，通过反差的形式促使观众的联想，从而表现深刻的思想意义。综观2005年的记录片，声音和画面均得到了新发展， （有什么新发展，写在这里！） 促进了理论的深入，使得记录片的创作有了新的方向。 预期结果及成果形式： 电视记录片的声画关系取决于题材和要表现的内容。 声画关系新发展丰富了记录片，使记录片上升到新的层次声画同步，就是声音和画面同进同出，即声音是画面中的人或者物发出来的。这是声画关系中最基本的形式。人物同期声的剪辑，就属于这种形式。 声画并列，就是声音和画面各自独立、并行发展但又相互联系、和谐统一。 比如一些介绍人物过去经历的电视，其解说词虽然叙述的是过去的事情，但其画面则常常采用现在的场景。 就是一般的新闻，也会经常出现声画并列的情况。比如，电视解说词说某某运动员得了冠军，但画面，则不一定就是这位运动员的镜头。往往直到同期声的时候，这位运动员才会出场。 还有一些音乐，有时候与画面似乎不是很协调。《老井》，在一个老光棍打井死去的时候，用的则是欢快的西北唢呐声，好象与现场的悲哀气氛很不协调。但这种音乐，却更加衬托出死者的可怜。 还有，一个人在叙述的时候，有时候则贴一些有关的画面，这也是一种声画并列 对立声画对立，就是声音和画面的情节完全相反，它是对比式蒙太奇在声画关系上的体现。 比如，一场比赛结束后，把胜利一方的欢呼与失败方的垂头丧气接在一起，就是一种声画对立。它能够产生出一种戏剧性的效果。 自己的论文自己做，我只是给你个提纲！

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