作曲系研究生毕业论文题目

毕业论文--论手风琴乐曲《归》的创作风格与艺术处理一、《归》的创作背景及创作意图天边飘过故乡的云它不停的向我召唤当身边的微风轻轻吹起有个声音在对我呼唤归来吧 归来哟 浪迹天涯的游子归来吧 归来哟 别在四处漂泊我已是满怀疲惫 眼里是酸楚的泪那故乡的风 那故乡的云 为我抹去创伤中国著名手风琴作曲家、演奏家李未明以海外游子落叶归根为背景创作的手风琴乐曲《归》与歌曲《故乡的云》有异曲同工之妙，虽然形式不同，但向听众表达了共同的主题：寄身国外的中国人对故土的依恋及思念，急迫想回到祖国故土的情思。乐曲《归》运用了中国传统音乐的调式调性和审美观念，体现游子身在异国淡淡的哀愁与无尽的乡思，旋律含蓄而有韵味，优美而典雅，使人沉浸在乐曲中，深深为主人公情真意切的赤子之心所打动 。《归》是以中国五声调式为基础，结合西方作曲技法而创作的手风琴独奏曲。福建南音曲调的运用，使作品带有中国南方风情，而西方作曲技法的运用使乐曲音响效果新奇，层次结构丰富，气势庞大。福建南音指流行于闽南地区的丝竹乐曲，它是迄今尚存的全世界最古老的、历史最悠久的音乐之一，其主要特征是旋律优美，节奏徐缓，艺术风格古朴典雅，委婉深情。《归》的主题运用了南音中变徴雅乐音阶，表现出浓郁的福建韵味。二、乐曲《归》的作品分析乐曲采用小调。这部作品可分为三部分，是变化再现的复三部曲式。其特点是使用变化再现三部曲式的同时，穿插了变奏技法的运用，使两种作曲技法混合交叉。其结构图如下所示。引子 A 连接 B A’ 结尾1-64 65-68 69-174 175-191 192-199A B A’157-174全曲以自由拍子作为引子，由不谐和的七和弦转位上行，同时震音奏出，形成不和谐的和弦，揭示整曲的情感基调——惆怅的、急迫的。在稍作调整后，右手抒情的下行旋律和连续的由慢到快的颤音，犹如内心思绪的宣泄。其后，在A音上的同音反复，及节奏上的逐渐加密，形成对稳定音G的强烈倾向性，最后依次进入的三个音形成与A部分的自然连接，把所有人的思绪一同带入遥远的回忆之中。引子由开始的渐强，到末尾的渐弱，强烈的风箱震音与孤独寂寞的旋律交替出现，形成强烈对比，将游子内心的矛盾、苦痛、挣扎表现的淋漓尽致，是对海外游子归乡的复杂心情的真实写照。A 部：全部采用小和弦，并以左手主音与下属音的四度交替出现作为开始，既巩固了D角调式的调性，又使旋律像水一样具有了流动感。主题凄凉婉转，极具中国韵味。我们可以这样认为：A部是以淡淡的哀愁情绪，道出游子内心所想。（谱例1）变奏一：用含有三声部的复调手法，高声部节奏相对加密紧凑，中声部利用“加花”的变奏手法把这种情感进一步推进。同时结合对比复调手法的运用构成第二声部，低声部左手伴奏是省略三音的分解琶音形态，使音乐情绪跌宕起伏。35-44小节为变奏一与变奏二的连接部分，35小节开始变换大管音色，以pp开始采用模仿复调，36为前一小节提高八度重复。紧接着全开变音器由慢到快，以极富推动力的三连音把情绪推上去，至41小节，左右手旋律斜向发展，通过抖风箱的手法逐渐加强力度直至ff，带出全曲第一次高潮。变奏二：这是A部的高潮所在，气势高亢，铿锵有力，几乎每个音都有重音记号，一音一变风箱，奏出了号角般激动人心的音调。左手三连音旋律填补拉宽节奏后的音响空白，连续向上的琶音更是把这样的情绪趋向紧张，表现了潮水般汹涌澎湃的内心情感。接下来情绪渐渐缓和、渐弱的同时，三连音向下进行模进，以峰回路转向上六度音程的琶音作为变奏二的结束部分。尽管我们仍能看出一些主题的影子，但变奏二无论从节奏、织体、情绪等诸多方面都与主题有了明显的变化对比。B 部：情绪基调与A部形成强烈对比，完全不见凄凉的感觉。在和弦的运用上，由原来的小和弦转为明快亮丽色彩的大和弦；在拍号上，由抒情的4/4拍转向轻快的3/4拍。新主题把童真童趣以及无忧的欢乐刻画得淋漓尽致。震风箱模仿鼓点，是乐曲极具民族特色的地方： xxx xx xx 音型贯彻B部始终，体现欢天喜地的喜庆场面，犹如回到故乡，亲人迎接，喜乐融融。（谱例2）右手以鼓点和弦跳音形式出现，不断向上模进，推动情绪进一步上升，B段主旋律不断反复出现，不停变调转调，构成B主题。作者将转调移调运用自如，手法娴熟。让人联想到游子回到故乡，大家围坐桌旁，你一言我一语，不同人和游子之间的对话，颇有戏剧性。使音乐情绪不断上升，给人以听觉上的冲击和音响上的新奇感受。 A段主题及变奏从整体上看，是以商调式为主。运用模进手法进行转调，逐步过渡到上方属，形成色彩上的对比，商调式介于大调和小调之间，悲伤间见欢快，欢快中又见悲伤，体现了悲喜交加的情绪。B段出现新旋律，左手与A段也有不同，但仔细看，鼓点节奏音响效果还在。与变奏的连接处，我们仍可看到抖风箱和五度模进，作者似乎很钟情于这样的连接手法，并且运用效果很好。变奏部分转入E徵调式，由弱渐强，由颗粒性的跳音展开。（149-156）小节相同的节奏，一样的鼓点强弱变化如下所示：上行四度模进 四度 四度 二度力 度 PP-----------------→P-----------------→F---------------→FF小节数 149－150 151－152 153－154 155－156整个动机的几次力度变化都是通过模进手法完成的，使力度转换极为自然。随着音区的逐步提高，力度和情绪也随之相应提高，直到再现部A’的出现不着痕迹的起到连接作用。（157-160小节）每两小节重复，第一遍强，第二遍弱。这种对比手法的运用很独特，我们可以在帕格尼尼主题变奏的开始部分见到这种手法的运用。（谱例3）B 部结尾处大二度的运用，增加了紧张感和不太谐和的气氛，仿佛是回乡梦醒，对现实与梦境之间的徘徊与反思，169小节鼓点节奏再次出现渐慢渐消失，流露出对未来的一丝希望。A' 部：作为变化再现部A'，采用全开变音器放宽放慢处理，由弱到强。运用华丽的上行、重复八度的主旋律、连续三连音节奏及同音反复等手法，气势恢宏，宽广而舒展。表达了海外赤子落叶归根，期盼祖国统一的强烈愿望，渲染了激动人心的辉煌效果，共同构成了全曲的高潮。（谱例4）尾声：由自成一句上行级进的华彩，引出对主题部分的再现。延长音记号的使用，逐渐稳定情绪，平静下来，右手三度音程做出三度下行的回声效果，给人以静思与回味的心情，淡淡凄凉感再次袭来。此时音乐再度转折，159小节情绪再次激昂，以fff力度齐奏重复变化的主题动机，出现了意外的音响效果，新颖而明亮。结尾大三和弦的使用，形成明亮色彩，同乐曲主题小三和弦忧郁基调形成鲜明对比，在中音的推动下以sf 结束在角和弦上，在具有号召性的和声变化中结束全曲，让无数思乡人心中燃起希望。三、乐曲《归》的创作特征（一）中国传统标题的运用“标题音乐”是指讲述故事、表现文学概念或描绘画面、场景的器乐作品。它通过语义信息，使人对特定音乐信息产生有约定意义的定向联想。中国传统乐曲大多都有明确的标题，赋予文学性的标题对于听众感受、理解音乐和演奏者准确诠释音乐有很大的帮助，它能引导听众和演奏者在感受音乐形象时，产生丰富而准确的联想，正确领悟作曲家的意图。与中国传统器乐作品一样，音乐的标题性成为乐曲《归》的显著特征之一。该作品有与鲜明生动的音乐形象相对应的贴切的标题“归”，简单的一个字概括了全曲内容，使音乐形象更加生动和具体化，从忧伤的思乡到明丽欢快的梦里返乡，再到辉煌炽热的归国情怀，使“归”蕴含着波澜壮阔的思想感情，感人至深。（二）以民族音乐为创作素材众所周知，我国是一个有着悠久历史的多民族国家，而每个民族都有自己独特的生活习俗，文化和音乐语言，这为作曲家提供了丰富而宝贵的音乐资源。在乐曲《归》中吸收了福建南音曲调，运用五声调式，极富民族特色，旋律悠扬动听，使人置身于乐曲之中，为主人公的悲而悲，为主人公的喜而喜，和他“同呼吸，共命运”，极富感染力。（三）作曲技法的巧妙运用1.多样化旋律的运用旋律是“由音高和节奏组成的乐音的各种各样的连续进行。” “是一个具有一定表现力的独立声部。” 几千年来，中国音乐表现出一种线性思维，线性旋律是我国传统音乐的典型特点。《归》强调旋律线条的方向性运动，例如主题的旋律就是利用旋律线级进、跳进、颤音等手法来表达忧伤情绪，塑造音乐形象。（参见谱例1）2.民族色彩和声的运用和声是音乐创作中重要的艺术手段之一。它与旋律、节奏在一起，成为音乐的基本要素。李未明在作品归中既采用三度结构，又采用了四、五度结构和声，使作品流露出浓郁的民族气息，以下侧重分析他对四、五度结构及二度结构的运用 。（1） 四度反复作为伴奏和声（谱例5）四度反复以独立的和声形态位于旋律的下方，与旋律交织在一起，起衬托作用。（2） 以八度为框架，填充音构成四、五度。（谱例6）（3） 连接部分抖风箱按四、五度进行模进，形成本乐曲的一大特色。（谱例7）四、演奏中的艺术处理（一）突出旋律的主要地位旋律是重要的艺术表现手段之一，因此在演奏中，旋律的清晰流畅是演奏最基本的要求，但不是所有人都能做得好。下面就旋律问题举例说明 ：1.左手避免喧宾夺主。（谱例8）主题的陈述与展开，要注意右手旋律部分占主要位置，左手低音是伴奏，起辅助衬托作用，为主旋律服务，听起来主次分明。2.复调部分避免乱成一团。（谱例9）在多声部旋律同时行进的过程中，如果每一声部分别采用不同触键时值，在同样风箱力度情况下，旋律主次的关系会变得更有层次。其次，风箱力度变换跟着旋律声部走，每个声部触键应一致，当非主体声部的音型较密集时，可适度把这个声部的每个音都断开一些，这样可以淡化这个声部，使主题突出而清晰。3.乐段中避免一气呵成。（参见谱例4）乐段是由乐句组成，就像说话一样，得一句一句说，乐句之间也要有换气的时间，看谱一定要认真仔细，哪里有连线，从哪连到哪，都要看清楚，这样才能保证演奏旋律的层次性，另外，乐段与乐段之间也该有换气的感觉。（二）合理运用风箱对手风琴来说，风箱就像人的气息，风箱运用中的速度、力度、幅度和角度都会引起音色、音质及音量的变化。所以在风箱的设计上，一定要依据乐句、乐汇、乐节以及强音位置、句型特点等具体情况，结合演奏者的个体差异，作不同设计。风箱设计的好坏，对乐曲中的音乐形象塑造起着至关重要的作用。一般情况下，风箱的运用，应该在饱满、平稳的基础上，按乐句进行划分。在这部作品中，A部主题凄凉哀婉，在运用风箱时，要以连风箱为主，左臂的力量必须均匀连贯的送出。这一部分中，无论强弱力度上还是处理手法上都是有层次的，把握好起承转和的关系，控制好每一句的力度，以便突出这一部分高潮所在。B部主题欢快明亮，旋律的跳跃性较强，这就要求风箱必须保持适当的弹性，但一定要有所控制，力度适当。另外，关于风箱运用技术层面的问题-----抖风箱。抖风箱是靠风箱在短距离内的快速往返，产生一种连续不断而又短促有力的声音。乐曲中出现三抖风箱，这是在二抖基础上难度加大了一些，在一次风箱的开合过程中演奏出三个音。值得注意的是：出风箱稍微向左前方拉，打开风箱的上端，风箱下端基本不动，此时风箱给出一个音头即放松，准备回风箱，回风箱是运用手腕先回风箱的上半部分，再回下半部分，动作流畅，发出清晰干净的三个音，要注意的一点，一个连贯的三抖风箱后，风箱并不是全合的，风箱内还会留一点空气。最初练习是要从慢练，分解动作开始，逐渐加大动作量和音量。（谱例11）优秀手风琴演奏家风箱的运用，是良好的音乐感觉和扎实的控制技术的完美结合。演奏出具有较高欣赏价值的音乐，才是风箱运用的目的所在。结语多年来，我国手风琴前辈在为中国手风琴艺术的民族化、学术化、系统化而努力奋斗。在实现这一目标的道路上，创作是关键，是基础。《归》的创作，无论内容上还是形式上，体现了东方细腻的情感变化和丰富多彩的音乐文化，在这部作品中，充分展示了李未明的创作才华。然而从整体上说，我国手风琴创作队伍的弱小导致了中国手风琴音乐事业发展上的迟缓，尤其与手风琴演奏水平的飞速发展，形成巨大差距，深切希望在以后发展中能有更多专业作曲家对手风琴的关心，能有更多的人为繁荣手风琴发展做出积极努力，共同为中国风格的手风琴创作注入新活力。网上搜索pdf版的然后参照着写吧……毕竟是论文~要花点心血的~

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随着个人素质的提升，报告使用的次数愈发增长，我们在写报告的时候要注意涵盖报告的基本要素。我敢肯定，大部分人都对写报告很是头疼的，以下是我收集整理的音乐专业毕业论文开题报告，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。

课题名称：浅谈莫扎特歌剧的艺术特点和演唱技巧

一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：

沃尔夫冈.阿.莫扎特，奥地利著名作曲家，出生于萨尔茨堡，是18世纪欧洲维也纳古典乐派的重要代表人物，也是世界音乐史上少有的“神童”和多产作曲家。莫扎特一生创作了700多部作品，他的著名歌剧作品有《魔笛》、《唐璜》、《费加罗的婚礼》等。

《魔笛》是集歌唱剧之大成的作品，在安绍石编译的《西洋歌剧名作解识》中，其研究的动态是从体载上和各个唱段的一些风格，比如，帕帕盖诺和帕帕盖娜的维也纳风格民谣调和意大利喜歌剧的音调，还有塔米诺和帕米娜的意大利风格的咏叹调和德意志风格等等。《魔笛》是以德奥歌唱剧形式为主干的歌唱剧，同时也保留了意大利正歌剧、喜歌剧的因素。其中，夜后的花腔、萨拉斯特罗的'宣叙调，塔米娜动人的咏叹调，帕帕善诺的排萧和歌声等等，这些的艺术特点、演唱风格、技巧等，成为国内音乐专业人士的研究方向。作为一个声乐专业的学生，选择这个题目有利于自己对歌剧的了解，对某个时期，某个作家的作品的演唱风格和演唱技巧处理的一些了解。

选择这个题目也是为了使大家了解音乐大师莫扎特和其重要的歌剧作品，和怎样去欣赏业部歌剧做一个简单的了解。

二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：

1、莫扎特歌剧《魔笛》的艺术特点、演唱技巧、风格。

2、对夜后的花腔、塔米娜动人的咏叹调、帕帕善诺的排萧和歌声的演唱技巧、风格进行分析。

三、研究的步骤、方法、措施及进度安排：

步骤：1、参考相关资料

2、对谱子的一些特点进行分析

3、总结提出个人看法的思考

进度安排：1、11月查询要关资料

2、11月28日确定研究方向，继续查询相关资料

3、12月写开题报告并作好开题答辩

4、xx年1月开始正文写作

5、xx年3月中旬接受中期检查

6、xx年4月修改完善文稿

7、xx年5月准备参加论文答辩

四、主要参考文献：

[1]《音乐笔记》

[2]《青年必知艺术知识》

[3]《西洋歌剧名作解说》

[4]《西方音乐通史》

五、指导教师意见：

签名：

六、教研室意见：

签名：

1. 试论莫扎特《g 小调弦乐五重奏》第一乐章中对中提琴地位与作用的提升 2. 优雅的男高音——论大提琴在乐队中的作用 3. 大提琴演奏中国民族音乐的几点探索 4. 大提琴演奏发音问题探讨 5. 论二胡演奏的内心感觉与艺术修养的提高 6. 古筝演奏与心理音色 7. 浅谈想像力与心理调控力在小提琴演奏中的作用 8. 长笛演奏的基本技巧分析与实践 9. 关于借鉴西方作品分析法分析传统古琴曲的几点思考 10. 小议视唱练耳在乐器演奏中的重要性 11. 谈儿童学习乐器演奏的意义 12. 探析铜管乐器演奏的音准问题 13. 浅谈中小学铜管乐队的训练 14. 如何组织开展中小学小乐队的活动 15. （某器乐）演奏中的准确读谱与正确理解 16. 论（某器乐）作品的音乐风格与演奏 17. （某器乐）演奏右手技术问题之我见 18. 如何处理好（某器乐）教学中音乐表现与弹奏技术的关系 19. 浅谈（某器乐）考试、比赛前的心理的准备 20. 《二泉映月》的创作分析与演奏实践 21. 中国民族器乐的历史与现状之研究 22. 论杨琴演奏的思维 23. 浅析关于（某器乐）演奏的发音问题 24. 如何演奏好《莫扎特C大调长笛与竖琴协奏曲》K299 25. 小提琴的左手技巧 26. 浅析现代杨琴的演奏技巧及表现力 27. 简述萨克斯的气息 28. 浅谈琵琶演奏与教学心得 29. 论扬琴演奏中手臂运动与力度控制 30. 少年儿童古筝考级教学浅谈 31. 长笛演奏中的呼吸气息运用 32. 浅析二胡曲《洪湖人民的心愿》 33. 女子十二乐坊现象分析 钢琴 1. 怎样提高钢琴伴奏的演奏水平 2. 论钢琴演奏情和理的统一 3. 临场演奏中的心理因素 4. 浅谈钢琴教学中如何培养学生的演奏能力 5. 论钢琴演奏艺术中的想像力 6. 浅谈钢琴演奏的基本技巧 7. 浅谈中国风格钢琴作品的演奏 8. 试论钢琴表演艺术中的共性与个性关系 9. 试论钢琴表演艺术中的二度创作与实践 10. 论钢琴教育的教学原则与方法 11. 论钢琴教师的职业素养 12. 即兴伴奏与音乐表现 13. 论钢琴演奏中音乐表现与弹奏技术的关系 14. 论钢琴踏板的重要性及运用 15. 试论儿童钢琴教学的特殊性 16. 论钢琴教学中弱指的训练 17. 论钢琴演奏中的放松问题 18. 论巴赫钢琴作品的演奏风格 19. 论钢琴的指法艺术 20. 对钢琴演奏心理问题的研究 声乐 1. 当前适应中小学音乐新课程的高师声乐教学改革刍论 2. 民族声乐演唱中字正腔圆探究 3. 舒伯特艺术歌曲的演唱风格 4. 透过声乐套曲《冬之旅》浅谈舒伯特艺术歌曲的演唱 5. 演唱中国作品的发声与吐字 6. 歌唱心理素质在演唱中的影响 7. 花腔技巧在古典歌剧演唱中的运用与表现 8. 论赵元任声乐作品的民族性与演唱表达 9. 浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱表达 10. 试论多媒体在声乐教学中的运用 11. 释析巴罗克（古典/浪漫）时期声乐作品的风格特征 12. 试论声乐教育的评价体系 13. 怎样运用歌声传达情感 14. 如何运用科学的方法演唱通俗歌曲 15. 歌唱艺术中的情感体验与表现 16. 论学校声乐人才培养方案如何适应社会要求 17. 中国古代声乐美学发展初探 18. 童声训练的原则与方法 19. 高师音乐专业声乐课改革之我见 20. 声乐教学中应注意民族问题 21. 歌唱心理调控在人声训练中的作用 22. 民族声乐歌唱方法探析 23. 通俗演唱方法探析 舞蹈 1. 浅谈舞蹈教学中表演意识的培养和训练 2. 论舞蹈的教育功能 3. 浅谈音乐与舞蹈的关系 4. 文化对舞者的重要性——浅谈舞蹈理论对舞蹈实践的指导作用 5. 儿童舞蹈教学中的寓教于乐原则 6. 舞蹈对幼儿成长的作用 7. 论舞蹈教育与素质教育 8. 中小学音乐舞蹈教育的现状及创新发展探讨 9. 论普及性舞蹈教育在中小学教育中的重要性 10. 论节奏在民间舞课堂教学中的重要性 11. 加强高师民间舞教学中“民俗”的渗透 12. 论中小学舞蹈教育 13. 浅谈中小学舞蹈课程设置 14. 浅谈幼儿师范学校的舞蹈教学 15. 谈儿童舞蹈教学的制作 16. 浅谈中国民间舞的表演 17. “鼓”在民间舞中的运用和发展 18. “道具”在中国民间舞教学与创作中的运用和发展 19. 论舞蹈作品与社会生活 20. 浅谈舞蹈表演形式的创新 21. 浅析现代舞动作的发展 22. 浅谈中国古典舞对戏曲舞蹈的借鉴 23. 新时期大学生校园舞蹈教育的思考 24. 浅谈中等师范学校的民间舞教学 25. 浅谈地域文化对中国民间舞蹈文化的影响 音乐教育 1. 基础教育新课程改革形势下的高师音乐教育 2. 从普通高校学生音乐素质教育现状所引发的思考 3. 浅议对高师音乐教育专业基础课程教学改革的思考 4. 音乐素质的培养对幼儿身心发展的作用 5. 二十世纪中国学校音乐教育发展研究 6. 音乐新课程标准下的高师音乐教育专业学生的职业素质培养 7. 合唱在中小学素质教育中的作用 8. 论音乐教师钢琴即兴伴奏能力的培养 9. 论中学音乐课堂教学方法的多样性 10. 美育与音乐教育 11. 试论童声合唱的训练方法 12. 音乐新课标下的课堂教学方法研究 13. 中小学音乐教育与合唱活动 14. 高师音乐教育专业如何体现师范性的要求 作品分析 1. 析理查·施特劳斯交响诗《唐·吉诃德》中的引子的主题内涵 2. 浅析普罗科菲耶夫《第二钢琴奏鸣曲——Scherzo》的写作特征 3. 浅析莫扎特钢琴作品的和声曲式结构特征 4. 现代音乐作品中的情感因素 5. 对某某作曲技法的分析 6. 简述车尔尼练习曲 7. 论肖邦夜曲 8. 肖邦第一叙事曲解析 其他 1. 关于现代大众审美的思考 2. 浅论音乐音调与基本情绪运动状态的关系 3. 胶片上流淌着的音乐篇章——有关电影音乐的综述 4. “文化融合”视野下的探戈音乐 5. 17世纪古式风格与新式风格 6. 试论前古典时期的情感风格对古典主义音乐的影响

音乐学,是研究音乐的所有理论学科的总称。音乐学的总任务就是透过与音乐有关的各种现象来阐明它们的本质及其规律。下文是我为大家搜集整理的关于音乐学研究论文的内容，欢迎大家阅读参考! 音乐学研究论文篇1 浅析类型化音乐节目对主持人的要求 源自美国的类型化音乐广播在塑造频率的整体形象、规定主持人的解说篇幅等方面令人耳目一新，在这种新节目形态下，频率的整体风格被记住，而主持人的个性在凸显频率风格中被越来越淡化。听众对广播的感觉方式从一个个节目的细节式体验变成了对频率整体的把握，他们不再有耐心去等待、搜索某一个特定节目，而希望一个频率的播出内容是恒常的、稳定的，广播节目的伴随功能越来越突出。 以鞍山音乐广播为例，强调类型化特点，重点放在音乐本身的欣赏上。各节目虽然标称为“音乐晨风”、“音乐飞扬”、“音乐阳光”、“音乐漫步”等名字，但并没有严格意义上的不同，只是在不同的时间选择了节奏和韵味不同的歌曲作为区分。频道的宣传广告是：“爱音乐，爱生活”，就是让音乐与听众随时相伴。类型化音乐电台要求主持人的语言更加精练，节目更规范，整体性特点显得与众不同。它以其音质清晰、轻松时尚、浪漫亲和、青春动感的节目风格，音乐资源丰富迅捷、内容及形式善变的节目特点，独具特色的节目优化组合，将精练的语言与音乐融为一体。那么，作为类型化音乐广播的主持人要如何面对自己的工作呢? 一、让音乐来唱主角，压缩主持人空间 音乐是最古老的语言，用它可以进行无国界的情感交流。音乐本身比主持人的话语来得更有意思。那么主持人要做的是在保持频率整体风格的前提下，融入个人主持风格，做好曲目间的自然过渡，简短精彩的歌曲点评。为了确保专业化频率的整体风格，考虑到现代人生活节奏加快，听众不喜欢听主持人太多说话，主持人的语言每小时限定在3分钟内。鞍山音乐广播的收听人群为15～45岁年龄段、喜好音乐、文化素养较高的听众。其中都市人群为主要收听群，所以节目的设置也与都市人的生活结合紧密，遵循人们的生活、心情等规律，歌曲的选择充分配合听众的收听环境，它依靠节奏的变化，就像朋友陪在身边，来完成收听，最终把整体频率风格表现出来。 二、主持人必须加强时间观念 类型化音乐广播的主持人起的是穿针引线的作用。用精练的语言，巧妙地串接起歌曲之间的联系是每位主持人首先要明确的。为达到音乐与话语的平衡，类型化音乐广播对二者比例做出了严格的规定，鞍山音乐广播对每一个小时的节目内容作了精准而细致的定位与安排，规定主持人在每小时的节目中“开口”6次，而每一次的“开口”时间限定在30秒，只能在上一首歌曲的尾奏和下一首歌曲的前奏之间，并严格要求主持人的语言不允许和歌手的声音混播。类型化广播的串词还要求在最短的时间内把最流行、最贴近的内容和听众分享，时间短了，但主持人的责任并没有减轻。这就要求主持人的专业素质更高，概括能力更强，语言表达更准确，对歌曲的悟性更深。如此一来，受众可以最大限度地完整欣赏歌曲，而不会受到主持人过多的语言干扰，从而保证了频率在全天“音乐不间断”的顺畅播出中确立自身独特的风格，并有效地树立起自己的频率品牌。 三、主持人说话要有对象感，重视陪伴性 要了解是哪些人在收听类型化音乐广播，他们的年纪有多大，这个群体有着怎样的特质，他们的价值观是什么，他们对我们的广播节目有怎样的想法，等等。仍以“鞍山音乐广播”为例：音乐播出思路是“经典+流行”，以中文为主，以欧西作为点缀。主持人随时把握这一音乐思路，及时调整自己每一次主持“开口”的内容。广播是一个“不具独占性”的媒体。也因为这个媒介特色，所以无论在国内外，移动收听广播的听众比例和汽车增长量都呈正比关系，树立“伴随性”理念，在保证让受众能完整欣赏歌曲的前提下，绝不能自以为是，喧宾夺主，而应在语言内容上以音乐话题为主，适当加入天气、交通或娱乐方面的服务信息，不仅让听者惬意地欣赏歌曲，还能获知一些有用的生活信息。主持人语言状态的亲切感来自于主持人与听众的感情交流“零距离”和听众对主持人的熟悉程度。所以，主持类型化的音乐节目，无论是在内容、语气还是情感上都要有分寸的拿捏。一个小时虽然只有短短的几段话，但却涉及到人生观念、人生态度、家庭、感情各个方面，想做到“说的比唱的好”很不容易，想让大家通过自己的表达有所收获，更是需要下功夫的。 四、主持人要形成独特的个性魅力 很多受欢迎的节目就是内容贴近性强，更主要的是主持人个性独特。类型化音乐广播的节目内容一般由系统挑选，然后有专门的音乐总监确定，主持人没有选歌的权力，且节目中开口时间被固定，对于类型化主持人来说，要达到这样的境界并不是很容易。都是主持音乐节目，都是在有限的时间里将一首首歌曲串联起来，而听众就独独喜欢你的主持，就觉得那首歌曲由你串联后味道就不一样，这就是主持个性的体现，是类型化主持人必须努力的方向。此外，户外活动是主持人个性集中展示的另一平台。以常州音乐台为例：他们成立自己的乐队;表演音乐剧和话剧;对主持人进行拉丁舞、流行唱法、乐器等方面的培训。这些活动有两个共同点：一是找准了受众的兴趣点之后，依靠团队整体合作，其结果不是“火”某一个人，而是“火”了一个团队，“激活”了整个频率。二是巧妙地隐藏了主持人生活或工作的常态，主持人无需本色面对听众，需要突出的是扮演的角色，附加了人物故事和全新概念的出场，无疑是对广播主持人的职业神秘感的有效保护。在追寻与众不同中展示广播的优雅与生动，在主持人个性培育中制造清新与欢畅，才是声色俱佳的新时代广播应有的格调。 类型化音乐广播听众忠诚的是频率，而不是频率中的某个栏目。一个频率节目的内容和风格高度统一，能让喜欢这一频率的听众随时听到自己想听的节目，主持人与节目融为一体，突出频率类型化特色，就能解决节目的指向性收听和持续收听的问题，这也是类型化广播追求的最高目标。 音乐学研究论文篇2 浅析爵士钢琴作品《含苞茉莉》的音乐 我国作曲界诞生了一批新生力量，平均年龄在25岁以下，以各大音乐院校的在校生为主，这一点从2007年上海“圣卡罗杯”钢琴创作比赛可以看出。比赛的一、二等奖获得者都是中央音乐学院、上海音乐学院的学生，年轻人获奖更能体现出作品的创意和锐气。其中有一首爵士钢琴作品《含苞茉莉》获得了优秀奖，作者张弦当时年仅17岁，还是上海音乐学院附中的一名学生，是获奖者中年龄最小的。该作品创新的爵士风格令在座的老一代作曲家们耳目一新，作者的灵感源自我国的民歌《茉莉花》和欧美爵士乐。 这首作品有一种鲜明浓郁的爵士乐风格，在中国现当代的钢琴作品中是十分新鲜的，让人印象深刻。众所周知，“爵士乐是美国的古典音乐，它代表了美国音乐文化的灵魂和美国民族音乐的精髓，它是民族大融合通过乐队组合形式表现的一种特有的音乐语言。”① 全曲篇幅不长，一共123个小节，在结构上共分为四个部分，第一和第三部分为柔版(Adagio)，第二和第四部分为快板(Allegro)，清晰规整、层次分明。 第一部分(1―25小节)，作者在这个柔板标上了四分音符等于70的速度，尤其在开始的四个小节，4/4+4/5+4/6 的不规则节拍以很慢的速度演奏，同时配合自由的同音轮指和长音的延长标记，情绪上缓慢摇摆，不仅突出了爵士乐的即兴性质，而且具有类似于中国作品引子部分的散板气质。第五小节的旋律声部直接就亮出了民歌《茉莉花》的主要动机“mi-sol-la-dol-la-sol”，显示了该作品的主题核心材料和音乐内容，接下去的20个小节可以分为三个乐段，每个乐段的旋律声部分别重复了三次上行小三度的mi-sol，而爵士乐常用的切分和附点节奏也贯穿在织体部分，整首音乐听起来绵延摇摆，形成了一种自由随性的即兴风格，同时还能隐约“嗅到茉莉花的芬芳”。 第二部分(26―74小节)，这是个快板部分，和前一部分的音乐截然不同，最突出的特点就是规整的节奏律动，气氛热烈活泼，表现了舞蹈性的音乐，呈现出一种层层递进的发展态势，从音乐材料的变化、演奏力度的逐步加强和节奏的逐渐分裂细碎，听起来一气呵成、干净利索，并且形成了作品的第一次高潮。我们必须注意的是它的左手部分，这是由几种固定的低音律动组成的，也正是爵士钢琴演奏的特点之一，即布鲁斯音乐风格中的“布吉――伍吉”奏法。作品从26小节至39小节都采用了八分附点和均等十六分节奏交替的写作手法，并且音高保持不变，重点烘托了右手的旋律乐句。40小节至49小节的低音则以均等的八分节奏为主，右手配以弱起的重音，节奏变得急迫起来。之后的几个小节则左右手节奏同步，用了ff的力度共同将音乐推向高潮。自59小节开始，不规则节拍出现，并且以八分单位拍为主，几乎是一小节一变，间隔由三个八度四分音符重音支撑起低音的骨架，走向了结束。 第三部分(75―87小节)乐曲回到了Adagio，情绪变得柔和，民歌《茉莉花》的旋律再次响起，并且变得清晰，从第79小节开始的中声部中，我们甚至能听到完整的第一句，但作者笔锋一转，紧接着在第82小节写出了bE，转换到了爵士乐的色彩，巧妙动听，没有和声停留的紧密衔接就过渡到了第四部分。 第四部分(88―123小节)同样是一个快板，可以分为三个部分：88-93小节，94-99小节，101-112小节以及余下的11个小节。该段是作品的重点部分，爵士钢琴的风格十分鲜明地凸显出来，好像一段热情奔放的舞蹈。左手的低音部分出现了很多连续的八度大跳，形成了个性鲜明的“大跨度低音”，从而突出右手的旋律。自第113小节开始，和第61、68小节一样的左手八度四分音符的强奏，再次把热烈的气氛拉得宽广，之后的两个手八度上行和交替快速下行似华彩的滑音，使音乐走向完满的和声终止。 无论是从音乐创作构思，还是从音乐所表现的中国传统文化内容来说，《含苞茉莉》无疑都是十分成功和出彩的，可弹性与可听性兼备，虽然创作手法还稍显稚嫩，但是对于中国现代钢琴音乐的创作领域来说，年轻一代作者的锐气势不可挡，有想法、有新意，而这种蓬勃的朝气应该也是组委会把出版的获奖作品集命名为《含苞茉莉》的用意所在。 注释： ①王珉.美国音乐史[M].上海：上海音乐出版社，2005. 猜你喜欢： 1. 音乐学毕业论文 2. 中国音乐教育研究论文 3. 音乐系毕业论文范文 4. 关于音乐教育研究论文 5. 音乐学毕业论文题目 6. 音乐学论文范文

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