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本科的话是修够学分即pass了一定数量的课程 课程包括必修课和选修课（有的专业没有选修课）课程的学分基本上都是一科6分，部分课程可能12个学分课程的分数怎么算都不一样，一般是平时成绩（作业，测验，论文等）加上期末考，有的课程可能没有期末考研究生和博士生不太清楚，博士生应该是论文加答辩
莫纳什银行金融硕士专业毕业需要写论文。纳什大学研究生毕业成绩要求是需要学生完成毕业论文，以及修满相关专业的学分，平均成绩达到以上，就可以顺利毕业了。
我是莫纳什大学的学生，出国前也听到过许多类似的说法，其实很多这样宣传的信息都是留学中介自己杜撰出来的，我问过很多本地的学生，他们都说没有听说莫纳什澳洲第一块牌子的说法，但是莫纳什的商学院的确有些名气。在澳洲，除了莫纳什商学院， 墨尔本和悉尼大学的商学院也不错，在当地都有不错的口碑，但是澳洲人对学校排名不感兴趣，查不到官方的排名，你看到的许多所谓的排名很多都是留学中介自己定的，可不可信，自己衡量
你好 懒马为你解答：莫纳什(Monash University)，创办于1961年，是澳大利亚规模最大的国立大学之一、其综合实力在各大学中名列前茅，也是享誉世界的密集研究型大学，被评为澳大利亚五星级大学。作为澳大利亚的八大名校之 一（Group of 8），莫纳什大学在墨尔本及周围分部有六个校园，此外另有校园位于马来西亚吉隆坡及南非约翰内斯堡，共有八个校园。在澳大利亚莫纳什大学是校园最大，学生最多的综合大学。来自100多个国家的9000名在读留学生，莫纳什大学具有一流的教学质量及世界领先的科研成果，如世界最大的原子能加速器将建在莫纳什大学。澳洲商科较好的学校有墨尔本大学 悉尼大学 新南威尔士大学 麦考瑞大学更多详情请咨询eddy悉尼达人
这里有几篇你看行不行，如果觉得不怎么样，你可以去美术论文网看看，里面篇数很多－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－“线”在美术作品中的功能与审美特征 线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用，是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能．画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采（在表现物象的同时，还传达出入的情绪），传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美；西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－对于传统色彩学的新认识 绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。从早期文艺复兴至今，绘画中色彩的表现方法丰富多彩，一代代艺术大师们耕耘不止，给后人们留下了无数的艺术财富。十五世纪上半叶，凡·爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品，在坚实的造型基础上，加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色，这些色彩，通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子，创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的大色块来进行创作，其色彩已具有一定的主观因素；达·芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象；西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作，其色调已经超越了物象本身的色彩范畴，达到了一种色彩的抽象概括，其色彩运用，更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求，不受物象色彩的制约，他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调，作品富有现代精神；伦勃朗利用强烈的明暗对照，单纯而强烈的色彩来突出主题，人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光，作品充满了深度。十九世纪，由于科学的发展，一些有关色彩理论的论述在欧洲问世，这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘，使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念，采用鲜明的色彩来描绘天空、田野，画家们致力于风景画中环境与光线的研究，莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。艺术探索是无止境的，康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里，色彩还是依附于形体之上，色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中，已见不到传统绘画中的具象物体，色彩已不再依附于任何具体的物象而存在，他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新，而每一次创新，都需要勇气打破条条框框，用全新的视角去重新认识和感应世界，推动艺术的发展。综上所述，不难看出，色彩艺术在其发展的过程中，没有一成不变的规则，我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识，而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份，全面推进学生的色彩感应力，应成为一个重要课题。当前在色彩教学中采用的理论依据，是在印象派前后时期的色彩理论加之俄罗斯画派的色彩理论综合而成。其核心内容是强调条件色，认为色彩的产生要依靠光源色、环境色及物体自身的颜色综合而成。在色彩的对比上也有一定有规则，亮部冷，暗部就要暖；在色彩的训练上比较强调作画过程的程序性，即通常的画大关系，然后深入，再回到大的关系上来。这样的训练方法及色彩理论固然有其有利的一面，但也存在一定的局限性，即过多地重视科学规则和相应的客观因素，忽略了做画者对于色彩的直接感应。但在做画过程中这种感应又是非常重要的，没有它，艺术作品就会缺乏生气，枯燥无味。所以，在色彩训练中，从一开始就要重视对色彩的直接感应，不要让过多的理论缚住做画者的手脚。传统的色彩理论对于画面的色彩构成更多的是依靠色彩的空间关系去表达（物体离观者近则色彩鲜明突出，退远则变淡变冷）。但在现代的许多绘画大师的作品中，这种理论已被打破，艺术家们根椐自己对世界的认识和感应，重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系，应理解为色彩结构上的位置关系，色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。法国艺术大师巴尔蒂斯对于东方绘画非常崇尚；凡高的作品中也充满着东方情趣；米罗的作品更是如此。为什么东方绘画有如此之大的魅力，使这些艺术家顶膜礼拜呢？关键就是在东方作品中所蕴含的精神因素。东方的作品，如中国画不受客观条件的制约，而强调艺术家的主观精神，使艺术中具有更多的抽象因素。如能较好地将东方绘画中的精华运用到色彩实践中的话，将会创造出更广大的艺术天地。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－美术课在美育中的作用 美育一般通过艺术审美的方式达到教育目的。美术课对学生进行美育的得天独厚的条件，就是直观性，包括对自然美的直观，社会美的直观，艺术美的直观。而美术教学大纲所规定的欣赏、绘画、工艺三大类课业非常直接地体现着这种直观性。 美术欣赏课的教学，主要以完美的形象，卓越的艺术技巧来拨动人的心弦，使人精神奋发，与之共鸣，从而产生强烈的教育效果。例如欣赏董希文的油画《开国大典》，可感受到作者通过构思，构图和色彩，表现了中华民族永远起来了的信心和气魄。欣赏白石老人的国画《却教蜂蝶为花忙》，透过蜜蜂在艳丽的凤仙花旁飞舞采蜜的忙碌情景喻意颂扬了勤奋劳动的精神。作者从普通的生活景致中表达出高雅的审美情趣，学生通过对作品的品味、鉴赏激起了对普通劳动者的敬慕。美术绘画课的教学除了学习线条、形体、空间、明暗、色彩和构图等艺术、语言”之外，还要学习临摹，写生和创作等艺术的表现手法。例如静物写生课，不管是一瓶沐浴着阳光、摆在窗前的鲜花，还是随意堆在桌上的肥硕水果；不管是一组闪耀着光泽的玻璃器皿，还是刚买回来的新鲜蔬菜，那生意盎然的色彩、情趣横生的形态，都能人学生以情的感染和美的享受。 人物头像绘画课，不仅使学生明白头型的“八格”、五官的比例尺“三停五眼”，还要懂得“形神兼备”的意义。人像的美，并不是“浓眉大眼”或“樱桃小嘴”等概念，关键是创造生活中有个性特征的感人形象。例如周思聪先生的肖像画《老矿工》，极为生动地刻画了一位从旧社会生活过来的老矿工的形象。在老矿工布满班痕的脸上，可以看到这位煤矿工人的艰苦劳动的一生，然而他又是那样善良，淳朴和敦厚。美术作品并不是以“像不像”“美不美”“好看不好看”为评价标准。教师应紧密结合教学内容，引导学生通过对形象的感受、想象与思考，认识肖像画的艺术美，在思想上受到熏陶，在美的感受中受到教育。 工艺课是一种带有设计意识的艺术实践活动。在美术课上学过色彩知识和造型规律，学生掌握这些形、色的审美常识，有助于培养他们健康的审美观点，对于学生盲目追求流行时装、奇怪发式的现象，有正确引导的作用，同时也有助于他们思想品德的提高。 另外，美术在开发学生智力发展中起着突出作用。根据科学研究，人脑的左半球分管抽象思维，右半球分管形象思维，许多复杂的精神活动是由大脑两半球协同完成的。学生的文化课学习一般多用左脑思维，而美术课则有利于发展学生的形象思维能力。美术课的任务正是培养学生的观察、记忆、想象、创造等形象思维能力，特别是观察能力。在绘画课上，教师总是强调学生观察、观察、再观察，由表及里的观察，由近及远的观察，由整体到局部再到整体的观察。只有正确的观察，才有正确的感知，也才能形成积极的形象思维，使抽象的东西具体化，概念的东西形象化，进而是逻辑思维的发展。这样也就有利于多方面地发展学生的思维能力，充分发挥人脑的潜力。美育被明确地列入教育大纲，标志着我国社会主义教育思想的重大发展和社会主义教育制度的进一步完善。美术课的目的不是把所有学生培养成艺术创作家，但是对于提高学生的审美文化素质、发展创造性思维，陶治其情操，起着积极的作用。
.作品赏析莫奈笔下的鲁昂教堂与草垛并不具有宗教与乡土的特定涵义，它们只不过是光色之下冷暖交替的一团毛茸茸的色彩。或者说，图像所附带的象征被光色表现消解了，我们只见超脱自在的笔墨。莫奈有言：“户外作画时，要尽量忘掉你面前的对象，一棵树、一座房子、一片田地或什么的。要忘掉这些。你只需要想，这里是个小正方形的蓝色块，那里是一个粉红色的长方形，那里是一片黄色。你就这样画，好像对象原本就是这样的色彩和形体，直到画面使你对于面前的景致获得一种自己的纯真印象”。——基本上这段文字可看成印象派画家观察与思考的写照，光色之下，人与物都只是一种色调运用的借口，笔法和形色第一次超越了题材的重要意义，画的形式美感成为表达的唯一目的，这样的态度很是影响了后世的一些绘画，和文学应该也有交互的影响。维克多．雨果的一首诗流光溢彩：“、、、你从这里观看——赭石色，白垩色，／平原上，阡陌纵横，千百条交错，／茅屋露出地面，被灌木淹没，／草坪上矗立着一些乾草垛，／就屋顶使景致蒙上了茶褐色、、、”。这简直是印象绘画的语言化，诗中画了。 在这两幅《鲁昂大教堂》的画面上，可以领略不同的色彩感觉。从中可以看到莫奈对光和色彩的探索匠心，在光照下教堂的轮廓被冲淡了，显得很微弱，随着光的变化引起色彩的改变，教堂形态也发生了变化。画家注意捕捉每一瞬间表面色彩之幻影与长久不变的形体结构的对比关系。这两幅色调不同的同一教堂所呈现的形象和气质也不一样。画家运用浑厚的笔触层层叠加画法，形成大片的碎块厚涂，使教堂具有分量和体积感，深沉而神秘。毕沙罗在看到这些大教堂的连作时写道：“这种不平凡的技巧使我失去了自制力。它是一幅深思熟虑的作品，是经过长期考虑的，追求瞬间细微差别的效果，我没有见到别的艺术家达到这种效果。”日出印象莫奈创作了扬名于世的 “印象·日出”。这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用此画的标题，嘲讽以莫奈为代表的一批要求革新创造的青年画家为“印象主义”，这一画派以此得名。这幅画在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出，这幅作品是莫奈画作中最具典型的一幅。
对我的撒打算打算的都是大大
现实主义水墨人物画是在写实主义基础上又融入了作者对人生对社会的思考或人文主义的思想。现实主义水墨人物画是在当今众多艺术手法、艺术流派中最难的，对艺术家的全面素质要求最高。现实主义水墨人物画在中国当代的意义不仅在于中国美术发展阶段的学术意义及技术高难度，还在于现实主义水墨人物画获得了社会各阶层广泛的认同与共鸣，因而最具有现实的意义。从事高等教育的美术院校，特别要提倡与引导现实主义学术方向。 现实主义水墨人物画特色应该是一种理念，一种艺术观，一种人文精神，包含艺术家的理想、追求，以及关于艺术与生活、精神与现实、心灵与自然这种关系的认知总和。我认为21世纪的现实主义水墨人物画特色是立体的、丰满的，赋予人文关怀和生活热情的。可分为以下五个方面：（1）艺术理想应该是真善美的；（2）审美取向应该是正大开张明朗的；（3）创作取向应该是关注人生、贴近自然，天人合一的；（4）传达手法应该以写实为主；（5）在风格上应该体现出真情实感，体现对艺术与人生的独特感悟和审美发现。这五个要点实际可以分为两个层面，一个精神层面，一个艺术传达层面。我们谈现实主义，只谈精神，或只谈技法，都不全面。也就是说现实主义水墨人物画的精神与现实主义的手法之间有一种内在的有机联系，我们只要把这种关系理清楚，才能更好地传承和发扬现实主义。展望21世纪现实主义水墨人物画特色在中国的发展，会有强大的发展生命力和非常美好的发展空间。 当代现实主义水墨人物画特色在接受了西方绘画思想、方法后，经过整合、处理，构建了全新的表现形式，在形的描绘上，笔墨呈现的效果多层次地反映了智性潜能以及抽象思维美学所蕴含的审美情调与意境。遂使画面具有了时代感和生活气息，成为新的水墨语言形式。事实上，进入21世纪的中国水墨人物画，仍然处在从传统向现代的转换过程中，最主要的标志，是在对形的认识、形的表现、笔墨语言技巧的丰富与自由度扩大方面，展现了前所未有的形势和面貌。 我们今天重谈现实主义水墨人物画，就是试图跳出其狭隘的传统模式而重新构筑水墨的现代意义。我们知道，当水墨成为艺术发展中心主要的表现手段时，其技巧形式亦通过历代的积累和不断完善，逐步形成了一个完美的体系。而这种体系的建立却使它最初的精神本质在此过程中慢慢地消失，古人的创意成了束缚后人的精神枷锁。以致到20世纪初，水墨作品大多表现为对传统题材的简单重复和刻意追求，对水墨的评判标准也都是建构在古人的理论之中。在千余年的水墨发展过程中，其审美理念、物质材料以及评判标准互为依存，形成了一个超稳定的艺术形式。观念性创新便成为了其发展的首要任务。 然而，在中国水墨画历尽千年的发展所形成的高度程式化、概念化、使中国现实主义水墨人物画发展到东西方文化大融合的今天，形成了具有普通意义的现代艺术体系。如何渗入当代气息和当代精神；如何拓展它更广阔的表现领域、丰富的表现手法和样式；如何表现新的审美标准和审美趣味；围绕着中国传统水墨艺术的现代性问题，用当代观念学理性去思考和探索。 中国现实主义水墨人物画已经走向世界，已形成自己的现代特殊性和品评标准。由于环境的变化，水墨画应富于新的内涵，必然呼唤其艺术的创造与革新，但它毕竟不同于西方现代艺术，正视现实对中国艺术的促动和制约，方能获得思想解放和创造自由的主体意识的发挥。“反传统”是浅薄的，“守传统”是可悲的，中国水墨画仍然将在继承中随着时代的变化而变化，不应固化为外国人眼中亘古不变的古董。需要的是正视外来艺术包括现代艺术的影响，在选择性的接受中有助于中国水墨画现代形态的形成，而不是尾随他人的足迹，在这个时代里，既要意识到艺术的自由性，也要意识到艺术的责任感；既要意识到艺术的创造，也要意识到艺术的继承；既要意识到艺术的民族性，也要意识到主动开放的时代特点。我们终会寻找到中国水墨画前行中以创造为主导的继承与变革对立统一的辩证思维。作为新时代的中国水墨画的主潮，怎样实现由它的古典形态向现代形态的转换是问题的关键。人们对此会有多种选择，并在各自不同的实践中接受社会的检验。争论体现不同的审美趋向和价值判断的差异，而实践的深入与拓展却证实了空想与臆断的浮薄。 现实主义水墨人物画精神的意义是要求艺术家有强烈的社会意识、文化意识和精神意识，要求艺术家有强烈的时代使命感和责任感。现实主义水墨人物画是艺术家在创作时努力使自己描绘的形象客观化和接近现实事物，并在深刻认识事物本质的基础上典型地表现生活的真实。我努力挖掘生活本身的美，力争使作品关注现实，但又游离生活原型，努力追求现代艺术品格，但又与流行派拉开距离。现实主义创作的基本原则，决定了它所展示的独特艺术魅力，在任何一个时代，都是其它艺术形式所不能替代的。现实主义水墨人物画的创作需要画家扎实的写实功力。随着当代美术创作的繁荣与发展，避世消极、不重视绘画的视觉性研究的传统文人画及脱离国情的受西方现代艺术影响而造成的大量临摹式的翻版作品，越来越难以与当今正在巨变的社会发展相协调，时代需要高尚的精品，需要展示时代精神的触及心灵的艺术作品。 中国现实主义水墨人物画特色在当代必须进入科学的分析与理性发展的阶段，传统的经验式的理论与师徒相传的技术已经不能适应社会文化的发展需要。当代中国画的发展须从绘画的视觉性研究与实践入手，重视写生，重视从生活中寻找感动，重视生活对当代艺术创作的品质提升、技术探讨以及形式创造等的重要作用，理性地看待封建社会留给我们的宝贵财富同时又鱼龙混杂的传统，传承我们民族文化艺术的精华，以真诚的美术专业精神与不懈的努力，共同推动民族艺术创作在当代的进步与发展。
不是当你变老以后，你就不玩耍了；而是当你不玩耍以后你就变老了。敞开自己的好奇，去学、去看、 去发现，去填补自己。当我听到J校长讲起这句话的时候，联想到了自己，我就是那种喜欢折腾，对这世界永远保持好奇心的人。 所以，喜欢折腾的我来到了自发光。可曾想到，时间过得真快呀，像当初在长投学习理财一样，充实的时光总是一晃而过，又要毕业了。让我来好好回顾一下，自己与“自发光”结下的“不解之缘”吧！一、相遇 “自发光才是我的主战场，长投只是我的副战场！”这是在自发光的往期学员番茄（昵称是“自律的疯子”）对我说的话。 我始终记得番茄对我说的这句话，也能想象她说这句话时那骄傲的神采，现在想起来那应该是一种强大的气场扭曲力吧。 就这样，我知道了“自发光”，马上去微信关注，去了解关于它的很多资料。哇塞，原来这个形象研修课还有我心心念念想要学习的“体态纠正”，还有那个时候正打算放假之后计划学习的“穿搭”等等。二、相识 从那个时候起，就爱上了“自发光”，知道了小七、知道了J校长，知道了蔚蓝姐。说来也是一种缘分呐，在自发光的一个分会群里，我将自己这些年来的成绩和经历和群里的姐妹分享之后，过了几天，成功引来小七的关注，她主动加我为好友，你说惊不惊喜、开不开心；在这之前我也已经关注J校长的微博，并把她的微博逛了个“底朝天”，哈哈哈，最终得出一个结论“确认过眼神，你是对的人”；后来啊，没想到蔚蓝姐竟然是我们的班主任，很开心呐。三、相知 抓住2018年的尾巴，我进了19期的自发光28天形象研修课进行学习，学号也是有我的幸运数字7组成的，而且是两个7哦。 紧密而期待的课程学习就这样开始了。 1、认知层 以前我对自己的长相还是挺满意的，现在对自己的长相更加满意啦。不过，现在来看以前的自己，那时的观点还是比较片面的。我仅仅只从“内容审美”来看自己，完全不知道“精神审美”这回事。 除了内容审美，我们还有精神审美方。容颜易老，精神永存，这就是他人美好经验中的基本存在，利用这些为切口，为别人带来更多地美好向往，美是对他人意识层的冲击，不单单是眼睛看到的五官身材等外在长相，真正的美一定是有精神标签加持，因此在精神审美方面我们可以进一步制定更加细致的优化措施使自己成为更有魅力让人向往的人。 现在的我要从“内容审美”和“精神审美”共同来提升自己，活出最高版本的自己。从外貌开始优化自己，练好形体（这个也是我15岁开始心心念念想要的，不过苦于一直没有找到方法和机会）；调动起别人我的美好经验；为他人制造向往。 2、练习层 形象是我们向别人展示自己，别人用我们的形象识别我们的性格、行为、能力，推导我们发生的场景，形象是先于语言的表达能力。这是我第一次对形象有这么深刻的认识。 通过学习，我对自己的各方面有了更加深刻和详细的认识。 （1.）体态 被自己一开始的“形体报告”惊到了，以前有学习过这个方面的皮毛，但是没有想到自己的形体有这么多的问题。跟着老师的指导，每天坚持打卡练习。八天的训练，我的肩颈问题获得改善，腰腹部明显紧致，臀线上移，头前伸、肩内扣改善明显，假胯、膝超伸也有一定的改善，整个人更加的挺拔了；其他如脊柱、胯部、盆骨、腿部等骨骼性身姿问题，皆需要更长时间的锻炼来改善，以获得效果。这真实让人惊喜呀。 （2.）气质 通过气质九宫格的学习，我知道了自己的主气质为猫，参与气质中略有一点兔子的特质，她能给人一种自由多变的感觉。接下来我就可以利用猫所拥有的积木块来找到适合自己的穿搭、妆容、发型啦！ 3.技术层 （1.）发型 从目前来看，我现在的发型还算适合自己，低层次、黑色的中长发，能给人一种慵懒感，再加上后期把发型变得蓬松一点，那就更好啦！ （2.）妆容 一个合适自己的妆容，应该从对自己的具体情况和需求分析出发，充分考虑气质属性、自己的面部比例如三庭五眼，设定希望妆容表达的目标。 自己以前就学过化妆，但是没有找到适合自己的妆容，通过“自发光”的学习之后，可以找到更加突出自己气质的妆容啦。 （3.）穿搭 学习穿搭之前，我们学习了色彩的色相明度饱和度、冷暖色，第一次知道莫兰迪配色，明白了有些高级时装的配色为什么显得高级，色彩具体到个人，颜色要根据个人气质来，色彩情绪要和气质匹配。我们的妆发都要用到这些色彩理论。 穿衣要学会扬长避短，根据自己的身材特点，突出优势掩盖缺点，都要显高显瘦打造x型，这部分目前还在学习中。四、相守 自发光的学习即将结束，但是练习形体，把自己变得越来越美永远都不会结束，我会一直在路上。价值百万的形象课，仅仅学习一遍或是两遍，还是不能很好的消化，我需要在毕业之后不断的复盘、复习，愿通过学习，通过自我提升，能发挥更多价值和力量～ 最后致谢J校长、班主任蔚蓝姐、小七及整个团队。 送给自己的话：往后余生，愿你能欣赏别人，也能喜欢自己；自己没有站在聚光灯下，发自内心的为别人鼓掌也很美
楼上说的挺对的，其实没有真正的艺术，你喜欢什么样的什么样的就是真正的艺术，但是总有一个永久不永久的问题，真正感人的艺术都是来源于生活的，不做作的，学画画容易但是搞艺术说容易也容易说难其实也很难，要对得起良心，经得起时间的考验，要有自己的艺术，你得有完全的自己的人格，不要受外界的影响，艺术混子太多，受政治影响也很多。一个人的认识也是在各种影响下形成的，我们总是从什么都不懂慢慢觉得自己开始懂了，后来才发现没有自己，然后找自己，都是确定否定再确定再否定的。要静心，不要急于求成，梵高最感人的也就是向日葵，莫兰迪最好的就是静物，佛洛依德的人体，贾科梅蒂的写生，达芬奇的人像，波洛克的随意泼洒，中国的山水花鸟人物画，不要盲目跟风，先想清楚自己有没有自己，有没有逼自己，有没有盲目跟风，有没有假大空之类的东西在作品里，是不是和你自己真的有关系，多看看艺术家的传记就知道那些看似很洋气的画是怎么出来的了，可能很多你很崇拜的就没那么崇拜了，可能对艺术的理解会更近一点，艺术和生活很近的
论文答辩是去提报的，去演讲的，而不是去写的，不需要写
2010届“具象表现绘画实践与理论”博士研究生毕业答辩顺利结束6月4日，我院2010届“具象表现绘画实践与理论”博士研究生毕业答辩在南山校区专家楼举行。同济大学孙周兴教授任答辩委员会主席主持答辩，答辩委员分别为清华大学杭间教授和我院欧阳英教授、杨桦林教授、杨参军教授。博士生导师为司徒立教授、许江教授、焦小健教授。博士生娜仁花的答辩论文题目为《现实·写实·真实——关于绘画真理观的讨论》，论文批驳了传统绘画符合论的真理观，检讨了中国现实主义绘画的缺失面，重新思考了绘画创作中视觉真实的问题对于现实指向的意义。博士生周小松的答辩论文题目为《诗性表现——新历史画创作研究》，论文从当前历史画创作陷入的困境出发，围绕艺术创作的诗性表现，分别从历史激情、历史观与真理观以及艺术表现形式三个部分展开讨论，重新界定了历史画的概念范畴，文章提到德拉克洛瓦的《自由引导人民》、毕加索《格尔尼卡》和安塞姆·基弗的绘画作品，都不是以再现历史的真实场面为创作原则，但依然属于历史画的范畴，这种提法对历史画创作产生了新的启示。博士生蒋梁的答辩论文题目为《直观·时间·显现——莫兰迪绘画方法研究》，论文体现出对当代绘画危机克服的努力，通过对莫兰迪绘画视觉世界的考察，来探索切近事物的方法，事物在画家眼中当场构成所揭示的无穷性是克服二元对立的关键，莫兰迪一生所描绘的时间不是外在的客观时间，而是超越了时间消失的流动性所形成的“时间的晶体”，从而在艺术实践上完成了对形而上美学的超越，从看转入到生命的倾听，绘画活动也由此质变为生命绽开的方式。这篇论文获得答辩委员会的一致好评，并被推荐为中国美术学院优秀博士学位论文。
1、题目：题目应简洁、明确、有概括性，字数不宜超过20个字（不同院校可能要求不同）。本专科毕业论文一般无需单独的题目页，硕博士毕业论文一般需要单独的题目页，展示院校、指导教师、答辩时间等信息。英文部分一般需要使用Times NewRoman字体。2、版权声明：一般而言，硕士与博士研究生毕业论文内均需在正文前附版权声明，独立成页。个别本科毕业论文也有此项。3、摘要：要有高度的概括力，语言精练、明确，中文摘要约100—200字（不同院校可能要求不同）。4、关键词：从论文标题或正文中挑选3～5个（不同院校可能要求不同）最能表达主要内容的词作为关键词。关键词之间需要用分号或逗号分开。5、目录：写出目录，标明页码。正文各一级二级标题（根据实际情况，也可以标注更低级标题）、参考文献、附录、致谢等。6、正文：专科毕业论文正文字数一般应在3000字以上，本科文学学士毕业论文通常要求8000字以上，硕士论文可能要求在3万字以上（不同院校可能要求不同）。毕业论文正文：包括前言、本论、结论三个部分。前言（引言）是论文的开头部分，主要说明论文写作的目的、现实意义、对所研究问题的认识，并提出论文的中心论点等。前言要写得简明扼要，篇幅不要太长。本论是毕业论文的主体，包括研究内容与方法、实验材料、实验结果与分析（讨论）等。在本部分要运用各方面的研究方法和实验结果，分析问题，论证观点，尽量反映出自己的科研能力和学术水平。结论是毕业论文的收尾部分，是围绕本论所作的结束语。其基本的要点就是总结全文，加深题意。7、致谢：简述自己通过做毕业论文的体会，并应对指导教师和协助完成论文的有关人员表示谢意。8、参考文献：在毕业论文末尾要列出在论文中参考过的所有专著、论文及其他资料，所列参考文献可以按文中参考或引证的先后顺序排列，也可以按照音序排列（正文中则采用相应的哈佛式参考文献标注而不出现序号）。9、注释：在论文写作过程中，有些问题需要在正文之外加以阐述和说明。10、附录：对于一些不宜放在正文中，但有参考价值的内容，可编入附录中。有时也常将个人简介附于文后。
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现成的研究综述，找来看看：陈吉德的《穿越高粱地——莫言研究综述》（《山东师大学报（社会科学版）》，1997年第2期，78-81）；黄萍的《莫言小说研究述评》（《新世纪论丛》，2006年第1期，171-173）；马艳艳、裴秀红的《莫言小说研究综述》（《现代语文》，2006年第6期，66-67）；房赋闲《莫言创作研讨会综述》（《文史哲》，1989年第1期，99-102）。此外，莫言主要研究专著及资料汇编：《莫言论》，张志忠著，中国社会科学出版社1990年出版；《怪才莫言》，贺立华、杨守森著，花山文艺出版社1992年出版；《莫言评传》，叶开，河南文艺出版社2008 年 4 月版；《莫言研究资料》，贺立华、杨守森编山东大学出版社1992年出版；《莫言研究资料》，杨扬编，天津人民出版社2005年出版；《莫言研究资料》，施战军、路晓冰编，山东文艺出版社2006年出版。
前日，《收获》杂志编辑部主任、作家叶开透露，《蛙》这本书在商讨书名期间，还有人提议将这本书命名为《水里的青蛙从哪里来》。 对于这本小说的书名，有网友问“莫言是用‘蛙’代替了‘娃’吗？ ”对此，叶开进行了肯定，“可以这么说吧。 ”而关于小说编辑过程中的修改，叶开透露：“我给《蛙》提了十一条建议，他觉得有道理的都认真修改。莫言首先是一个诚恳的人，而且还是一个敬业的文学手工艺家，写作上精益求精。 ”“我们在彼此交流上非常畅通，包括一起和莫言斟酌书名。我们甚至收到一个提议叫《水里的青蛙从哪里来》。呵呵。”叶开微博中回复说。 对于《蛙》这部小说中的人物，叶开表示，小说中的“姑姑”人物是有原型的，但文学作品在创作中有想象、有夸张，绝非小说中所述“一边是接生的天使，一边是恶魔”。 对于有青少年担心读《蛙》有困难，对此叶开表示，《蛙》理解不难，相信青少年的能力。“《蛙》里的‘姑姑’和‘姑父’做了2800个泥人小孩供奉在三面墙的壁龛上，其中的‘赎罪’是最动人的部分。
1987年～1991年，就读于华东师范大学中文系。1994年，开始发表作品。2003年，加入上海市作家协会，市作协经过认真评选决定同意廖增湖加入小说组。 2004年7月1日，经华东师范大学第七届学位评定委员会第七次会议审议，决定授予廖增湖中国现当代文学博士学位。 其博士论文是《沸腾的土地——莫言论》，为国内外第一部完整研究莫言的专著， 导师王铁仙教授。 2006年，加入中国作家协会。 2008年，出版的《莫言评传》为国内外第一部莫言相关的评传专著，并经莫言本人作仔细全文审读。 2009年12月28日至29日，参加在中山市举行的由广东省作家协会、中共中山市委宣传部联合主办的第三届全国“名社名刊名编”笔会。 2010年4月6日，通过全国出版人员职业资格。 2013年3月，出版专著《莫言的文学共和国》。 2009年，在全国中文核心期刊《语文教学与研究》主编晓苏的邀请下，叶开在《语文教学与研究》教师版上，一口气写了12篇专栏文章，对语文教材和语文教育的现状进行批判。晓苏提议专栏取名“语文现状批判”，叶开认为这个名称“太泛”，建议改为“语文之痛”。 2010年10月，他的《上海小学语文恶意篡改安徒生童话》一文引起了广泛关注。叶开说：“我只不过是一块很糟糕的砖头，砸出去想引玉，希望更多有识之士参与到讨论中来。” 2012年，马原复出、发表长篇小说《牛鬼蛇神》，并在《收获》发表，叶开是小说的编辑，他个人非常喜欢这部作品。但2012年底在同济召开的马原研讨会上，马原透露，他创作三十年，从未得过任何文学奖，连县文联这种级别的都没有。“听了这个消息，我和我的小伙伴们都惊呆了！”叶开说，于是2012年11月26日，马原获得了生平第一个文学奖项“老虎文学奖”。奖状之外，还获得了一元的奖金，但足以让马原感动落泪了。 2013年11月8日晚，颁奖典礼在上海市作家协会外的玛赫咖啡馆举行，预计到场的嘉宾包括孙甘露、潘向黎、程永新、曹元勇等多位文学界人士等，但这场典礼将只颁发一个奖项——“老虎文学奖”终身成就奖，评委也只有一个人——叶开。本届获奖者是张辛欣。 2013年03月27日下午6点，在上海外国语大学松江校区图文西厅做主题为“莫言与共和国文学六十年”的演讲。 2014年5月18日上午9点，应邀赴江苏省常州高级中学“常州公开课第33讲”，主讲《给孩子最好的语文》，交流有趣、有得、有效地学习语文的方法，探讨学生文学素养的提升途径。 2014年5月24日下午两点，亲临保利·罗兰春天售楼部举行教育公益讲座活动。 2014年6月1日，由上海市作家协会略知一二杂志社主办的《阅读的视野》六一公益讲座在上海市作家协会老洋房小院举行。 叶开担任本次讲座的主讲人。 2015年4月26日，在西湖边杭州文化地标——晓风书屋对话杭州语文名师郭初阳、倪江。
他的作品表现如下：一是题材独特。莫言的小说有很深的生活根基，他执着地描写中国北方农村底层，如同福克纳对于美国南方小镇的痴迷的刻画。莫言多部以高密乡为背景的小说连成一气，已经成形一个独立奇异的“文学世界”，那个对现代人（特别是外国人）来说遥远而又神秘的中国乡土世界。题材的独特性让莫言获得如此众多的读者，包括西方读者。不能说越是民族的就越是世界的，但可以说越“土”的，越有欣赏距离，也越引发好奇心，产生美感。二是文化体察。莫言迷醉民间文化，那种生生不息缭绕在一代又一代普通子民生活中的文化，并不是字面上或庙堂里张扬的那些文化，他对百年来民间文化的变异与坠落有锥心之痛，他几乎本能地呈现了这种文化之痛楚。这得益于莫言的土生土长，没有接受系统生硬的科班训练，却有丰富的见识（当过兵，入过党），他对文化的感觉几乎是原生态的。在他的文化的体认中又常伴随对人性的挖掘，包括对潜意识、集体无意识的挖掘。读莫言的小说，常常可以照见自己的脸色。中外读者都不喜欢说教，在莫言作品中有文化的体察，却毫不说教。三，想象力。莫言自己说在现实中他软弱无力，但拿起笔便力大无穷。这种“白日梦”的心理素质非常适合当小说家。莫言天性就极富想象力，当他阅读和接纳了南美《百年孤独》式的魔幻现实主义写法，便找到火山喷发口，让自己的想象不顾一切，驰骋无边。他的小说早就在“玩穿越”，现实与历史，当今与传统常常扭结交错，形成色彩斑斓的炫目图景。那种带有现代派意味的图景，和传统的写法迥然不同，更能刺激阅读快感，是中外读者都乐于接受的。四，莫言很会讲故事。讲法奇诡新异，外国人也能懂。和那种偏重语言魅力的作品相比，以故事情节想象力见长的小说更适合译成外文，莫言自然也就占了这个优势。比如贾平凹小说的语言功力不在莫言之下，但翻译成外文，那种特别的语感便不复存在。莫言主要靠讲故事征服读者，他的大部分小说都已经翻译成各种外文，包括瑞典文。莫言小说适合改编电影，早在20年前张艺谋就根据莫言作品改编《红高粱》，曾一度风靡西方世界，谁也没想到这无形中也给这次获奖奠基了。五，为评审圈所熟悉。如马悦然教授等，对莫言早有了解，有好感。作品是否摆到评委的桌子上，能否进入评委的“法眼”，极其主要。诺奖毕竟是瑞典文学院十几个评委说了算，是评委的文学判断。莫言的成功也要靠运气。六，地缘。虽说诺贝尔文学奖主要看文学性，但毫无疑问也会受其他非文学因素的影响。13亿中国人百年来始终与诺奖无关，那么诺奖的世界性也会有疑义。这些年连西方报刊也都抱怨诺奖老是“西方面孔”了。猜想评委的投票在考虑首要条件的前提下，总多少会受这些考虑左右吧。七，修补关系。前年给在中国监狱服刑的一位异见人士授予和平奖，顿然惹恼了中国，瑞典与中国关系至今陷于僵局。西方现在不可能什么都和中国作对，情况变了。这是现实。这次给所谓“体制内”的作家颁发一次诺奖，无论如何也会被人想到有一种修补关系的作用。何况诺贝尔奖往往都想玩点玄的，出乎意料，以显示其独立性。前天发布把和平奖颁给欧盟，世界哗然，甚至以为是愚人节玩笑。可是细想，欧洲经济衰退，困境重重，这时给它奖，正好为之打气，还可以引发全球关注，又何乐而不为？这也是出奇制胜。以上可以解释莫言成了莫言 ，那是自己努力的成果希望你满意……！