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溯源 曲阳是怎么兴起雕刻的？对此有许多说法，其中最为盛行的是一种带有传奇色彩的传说。相传，春秋战国时期诸子百家流派之一的黄石公，可与鬼谷子齐名，为曲阳县人。他婴儿时被弃于曲阳的黄山，后人谓之为黄石公。他隐居黄山著书立说，留下《太公兵法》和《雕刻天书》。他把前部书传给张良，把《雕刻天书》传给同乡曲阳的宋天昊、杨艺源两位弟子，从此曲阳人学会了雕刻。 有史料记载的是，曲阳雕刻艺术迄今已有2000多年的历史。自西汉始，曲阳石工即用大理石雕刻碑碣等物，曲阳县城南有座"狗塔"，据说是东汉光武帝刘秀，为纪念一只曾保护他逃出大火的义犬而征召当地石匠修建的。北魏时曲阳石雕中的佛像、石狮已独具风格。当时，全国各地崇尚佛教，大兴土木，修建寺庙，从而也促进了曲阳石雕中各种佛像作品的发展。曲阳石雕佛像造型庄重优美，面貌严肃威武， 或慈蔼端庄，线条流畅，至今仍是传统的主要石雕品种。1953年，从古刹修德寺出 土文物中，发掘出佛像、金刚像等石雕作品200多件。在这些雕像的底座上，均刻有北魏正光（公元520-524年），东魏天平等年号和作者姓名。经查明，上述这些作者都是曲阳县人。 唐时曲阳成为我国北方汉白玉雕像的发源地及雕造中心。至元代，曲阳石雕已享有盛名，涌现出杨琼、王道、王浩等一批杰出的民间雕刻艺人。元世祖忽必烈兴建大都(北京)，召集各地能工巧匠。曲阳石雕艺人杨琼因雕技精湛，被任命为总管。据记载，天安门前的金水桥，就是由杨琼设计监造的。 明清时期，曲阳石雕工艺更加精巧，清末曲阳人雕刻的《仙鹤》、《干枝梅》等作品在巴拿马国际艺术博览会上荣获第二名，以致"天下咸称曲阳石雕"。中华人民共和国成立后，党中央派慰问团到革命老区慰问，曲阳石雕艺人把他们精心雕制的各种石雕，赠送给慰问团。后来，人民英雄纪念碑、人民大会堂、历史博物馆的兴建，天安门的修复，毛主席纪念堂的建造，赵州大石桥的重修等重大工程，都有曲阳石雕艺人参加。他们多次受到党和国家领导人的接见。现在，首都人民大会堂河北厅中的历史名人浮雕，也是由他们完成的。1995年曲阳县被国务院正式命名为"中国雕刻之乡"。 在曲阳，说到石雕必提起三个人。元代杨琼的"一狮一鼎"作为贡品得到元世祖高度赞赏，称"此绝艺也"；清末刘普治的"仙鹤"、"干枝梅"在巴拿马国际艺术博览会上荣获第二名，自此"天下咸称曲阳石雕"；现代刘东元，古老的石雕艺术在他手里焕发了新的活力，其弟子卢进桥、甄彦苍、安荣杰继承了传统技法，并用锤子钎子谱写了石雕艺术的新篇章。 卢进桥、甄彦苍、安荣杰三人虽同出一门，却走着不同的艺术道路。 卢进桥将石雕、牙雕、玉雕、木雕技法融为一体，独创出剥荒、定型、雕琢、磨光、打亮相结合的镂雕技法;甄彦苍在继承传统雕刻技艺的基础上，充分借鉴西洋雕刻技法，开创了曲阳石雕的西洋流派;安荣杰发明并运用"安氏放大法"，将"哼哈二将"、广东三水卧佛、山东蒙山老寿星像等巨雕工程载入世界吉尼斯纪录。
雕塑作为人类最古老的艺术形式之一，以其独特的魅力渗透于社会生活的方方面面。雕塑艺术以一种物质形态与意识形态相交融的方式存在着，它以静态的美传达艺术家们的思想情感与审美理想；而两种不同的历史与文化背景，使同一种艺术形态形成了各自独特的艺术风格特征。本文从题材、表现手法、造型手法、材料的运用等不同角度，对这两种艺术风格之间的差异进行分析、归纳和比较，并作以简要评述。如果说历史是人类谱写的一部气势宏伟的交响曲，那么雕塑艺术就是其中一部精致而独立的乐章。雕塑是造型艺术种类中最早出现的重要的艺术表现形式，也是建筑艺术以外的另一种表现实体空间的艺术。雕塑是有三维空间的由人类创造的存在于实际空间的立体形象。像米开朗基罗的《大卫》、罗丹的《思想者》、中国的四大石窟、兵马俑等都是极具代表性的作品。雕塑永远表现动态，甚至完全静止的雕像也被看作具有一种内在的运动，一种不但在空间、也在时间上持续的伸展的状态。人们可以从这一瞬间的造型中想象静态向动态的转变，想象行为的连贯，持续的活动过程，从而体味出它的活力和精神，体味出它的冷冰冰的物质材料后面的体温和感情。雕塑是可视的、可触摸到的并能反映一定意识形态及较高审美意义的实体。雕塑艺术是世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，也是根植于自己民族传统文化土壤上的一颗常青树。 在人类的文明史上，东方文明与西方文明是两大最鲜明的文明。尽管两者都产生于奴隶制和封建制这同一种社会基础上，都受制于人类思维发展和文化艺术发展的一般规律，但由于社会历史条件、文化传统、民族审美心理的差异，故而在雕塑艺术上形成两种各具特色的艺术风格。 一、题材差异 中国社会是一个农业社会，中国田园牧歌式的乡村文明，使人与自然及生态系统始终保持着和谐的关系。因而中国早期雕塑题材以动物为主，《四羊方尊》、《莲鹤方壶》等就是其中的杰作。自佛教传入中国以来，宗教佛像也成为中国传统雕塑的表现对象之一，最有名的当推云岗石窟、龙门石窟、麦积山和敦煌石窟这四大雕塑群，此外还有大量的寺庙造像。同时在中国厚葬习俗的影响下，君主及达官贵族大势修造陵墓及陪葬品，使得陵墓雕塑成为中国雕塑艺术上的又一珍宝，最具代表性的就属秦始皇陵的兵马俑。 对比之下，西方的社会基本上是一个宗教性的商业社会，城市化的生产培养了西方人的外向性和冒险性的性格，再加上海上，陆路交通发达，同东方交流广泛，这一切都有利于科学、文化和艺术的发展。神话传说是两方雕塑题材之一，如希腊人认为每一种自然现象都是神的力量显现的结果，人和神是同源的，神就是人最完美的体现，神同人一样有血有肉，有喜怒哀乐。不同的是他们长生不老、神通广大而已。就在这样一个环境下产牛了关于缪斯、阿波罗为主神及其统率下的缪斯的神话。 对人体美的表现也是两方雕塑家们的又一题材。体育竞技和大型的敬神是古希腊社会生活的一项重要内容，体育竞技大多以裸露身体的方式进行，这也许是为了在竞技比赛的同时显露强悍，优美的体型。这种社会风尚的流行无疑给雕塑家提供了一个很好的观察和创作的环境，给比赛胜利者雕像也成为雕塑家的一项任务。如米隆的《掷铁饼者》。 二、精神追求上的差异 在中国人看来，主体与客体相通、感性与理性共融，视“天人合一”为宇宙观核心，相信天人感应、天人相类。这种思想的必然结果即自然的入化和人的自然化，确信人们心中所要抒发的东西，都能在宇宙世界找到相应的事物，并以其恰当的方式表达出来。汉代霍去病的陵墓，墓前有十多件石雕，如马踏匈奴、跃马、卧马、卧牛、伏虎、野猪等。其中最具代表性的就是《马踏匈奴》。为了表现霍去病的赫赫战功，作者别出心裁的雕造出一匹气势轩昂、庄重雄强的战马，马的神情果断沉着，仿佛在时时刻刻警惕着，防止被踢翻在地的匈奴败将挣脱而逃，体现出霍去病“匈奴未灭，无以为家”的坚定意志。虽然没有直接雕造霍去病的形象，但是通过《马踏匈奴》整个作品不难体现他的品格与精神，使人联想到英勇无敌的青年将军，似乎听到击败匈奴的胜利呼声。其它石雕也分别体现出将士们不顾艰险，浴血奋战的英雄气概。 《昭陵六骏》是唐太宗李世民生前所乘六匹战马的雕刻形象，艺术家概括地塑造了六骏的立、行、奔、驰的健美姿态，并显示六匹骏马那英勇而温顺、刚毅又善良的性格。造型饱满剽悍，神韵充沛飞扬，层次转折有力，在外光映射下富于变化，具有节奏感。雕刻的是马反映的是人，象征唐太宗李世民的品格，歌颂了李世民的伟业丰功。 除了表现人的精神品格和功绩外，也成为体现当时统治阶级权力的载体。例如清代十三陵，墓前的石象背加鞍鞯，上托宝瓶，头施笼佩，四足平衡，完全依照皇帝的仪仗，其寓意为“太平有象”——动物失去了自身的个性特征和活力，成为皇权的象征。 以上以物喻人，“天人合一”的例子在中国雕塑艺术中举不胜举。而西方则在征服自然的过程中突出了人的意志。西方雕塑的表现题材基本上是以人体为主，就算是神话人物也是以人为衣钵，体现人体的美。每个时代的雕塑家几乎都共同关注人体与精神的统一。如古希腊雕像就是通过人物整体，在单纯与静穆中显示出一种理想的美。黑格尔说过，“希腊民族性格的特点在于他们对直接呈现的而又受到精神渗透的人身的个性具有高度发达的敏感，对于自由的美的形式也是如此，这就使得他们必然要把直接呈现的人，即人所特有的受到精神渗透的躯体，作为一种独立的对象来雕塑，并且把人的形象看作高于一切其他。形象的最自由的最美的形象来欣赏。”①(注：参见〔德〕黑格尔著，朱光潜译《美学》第三卷（上册），商务印书馆，1996年版，第158页。) 三、表现手法上的差异 雕塑是三度空间的立体造型艺术。雕塑品的实际体量与绘画的虚拟体量从视觉感受上是不一样的，绘画中的虚拟体量要达到雕塑的实际体量是完全不可能的，这也就是雕塑魅力所在，它以各种不同的表现手法带给人的视觉冲击和震撼是其它艺术形式无可替代的。 作为精神的实际存在，西方人体雕塑在“理念”世界的支配下具有了自身的独立价值，它不是凭借自然景物的烘托，而是凭借光线与阴影的变幻以展现形体的空间实在性，因此西方人体雕塑是严格意义上的空间艺术，在20世纪以前，希腊雕塑的物理性的立体空间概念，成为西方雕塑家共同参照的范式。 中国美学突出强调情景交融，虚实相生，艺术家们共同追求着那种“天地浑溶一气，明暗高低远近，不似之以似之”的境界，营造着“往不复，天地际也”的独特空间。北京天坛的圜丘面对着一片虚空的天穹，以整个宇宙作为自己的庙宇，反映出中国人与生存方式密切相关的时空互渗的空间意识。因而中国的雕塑往往不是以孤立的实体出现的，而是尽可能采用“借景”、“虚实”等种种方式，以求与自然景象合为一体。那些石窟造像多是通过背景热烈激昂的雕绘故事的陪衬和烘托，而显得更加宁静和睿智，从而弥补了独立的圆雕在表现空间容量方面的局限性，构成了一个空间形式包含时间节奏和动感的艺术世界。唐代的帝王陵墓所确立的“以山为陵”的体制，使陵墓、陵前雕刻与自然起伏的山势巧妙结合，令观者“身所盘桓，目所绸缪”，西方那种瞬间直观把握的空间感受在这里变成长久漫游的时间历程。 除了空间表现手法上的差异，中国雕塑以写意为主的表现手法与西方雕塑的写实性表现手法也形成反差。由于中国雕塑很晚才与实用美术真正分离，在漫长的岁月中，雕塑大多只是实用美术的一种装饰手段。装饰不求再现，只追求表现物象，因此形成了中国雕塑不求形似，只求神似的特征。不讲究描摹写实，在塑形上注重写意传神，气韵生动，虚实相生，“神似胜于形似”，这种中国式的美学观念可以说贯穿了整个古代雕塑史，即使有时表现出一定的写实性，也只是比较细微而已，在本质上依然属于意象性造型。正因为中国艺术以表现、抒情、写意见长，追求艺术意境，中国古代雕塑也具有浓郁的东方情调和意境特色。“所以汉代那些女陶俑会有着细柔的腰肢，有着如盛开的喇叭花一样美丽形状的裙裾和翩翩起舞般的拂袖姿态；所以敦煌北朝的彩塑佛像会有着不可言说的微笑，并且在这微妙的笑容中透露着内心的智慧和远离尘世的洒脱风采；所以敦煌唐代的彩塑菩萨会有着如血脉在流淌搏动的肌肤和薄如蝉翼的透体天衣；宋代晋祠的彩塑侍女会有着美人鱼一般的身段。”而我们在欣赏的时候，必须使用我们本民族的艺术标准和审美习惯，才能够真正感觉中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。 而在西方，就雕塑而言，他们建立了人类历史上独一无二的写实性雕塑。这种写实性雕塑风格的产生是由于“模仿说”的明确提出。古希腊的哲学家亚里士多德认为最好的艺术必须“照事物的应当有的样子去模仿”。而模仿是人的“一种自然的本能”。强调对外事物的模仿和反映是发端于古希腊的西方艺术传统。“模仿说”如同一面镜子，反映视觉的真实。如《米洛的阿芙洛狄特》与《大卫》都是对人体的真实再现。并且，围绕着人体塑造，古希腊令创造出一系列的标准法则，如1：7和1：8的人体比例。文艺复兴时期又创立了透视学和解剖学两大成就，有些雕刻家如多纳太罗、米开朗基罗等还亲自动手做人体解剖实验。这些都是为了能更好、更准确的模仿自然，更完美的刻画雕塑形象而服务的。 四、造型手法的差异 中西雕塑艺术家都重视线条的表现力，重视以线条造型为共同的媒介，而西方的用线仅服务于造型。黑格尔认为速写或草稿卓越的表现了画家的天分及其特点，安格尔认为线和形愈简练愈美和有魅力。可见线条对画家的造型所具有的重要作用。对雕塑特别是圆雕来说，线的因素更是不见其痕迹，雕塑家刻意追求的是团块和体积、重视三维空间的立体效果，素描中的线条只是充当表现这种效果所界定的轮廓线。米开朗基罗曾说过，一个好的雕刻作品即使从山上滚下去也不应有一处磨损。中国古代雕塑和绘画都来自于原始实用美术，从彩陶时代起，绘塑便相互补充，紧密结合。中国雕塑不仅吸收了绘画的线条色彩的特点，而且还习惯在雕塑上绘色描线。中国古代长期绘塑不分家，而且对绘画更为重视，因而雕塑具有了明显的绘画性。这种绘画性导致中国雕塑区别于西方雕塑追求团块和体积，因而是线条在雕塑中发挥重要的造型辅助作用。雕塑家“运刀如运笔”，通过富有弹性而又丰富多变的线条，或表现飞奔的情态，如汉代的“四灵”瓦当、龙门莲花洞中的飞天等；或表现不同质感；或表现不同体型；或表现不同个性……。总之这种“净化了的线条”既体现了各自的时代风格，又具有各种不同的功能。行云流水，骨力追风，刚柔相济，状物抒情，充分展示了中国雕塑中线条的灵活性和自由美。 另外，中国古代雕塑还喜好在雕塑上绘色。如新石器时代的彩陶艺术、战国的随葬木俑、汉代的画像砖石，唐宋的“影壁”形式，无不是塑绘与雕绘相结合的产物。晋唐以来的佛教塑像更具有绘画的风貌，莫高窟盛唐时期的彩绘菩萨，设色浓艳华美，体态雍容华贵，生动的表现出盛唐时期的贵族妇女的风度神韵，这种艺术效果充分显示了中国雕塑家的创造才能和民族特色。这与西方雕塑很少设色区别也很大。在这方面，西方雕塑与其它门类艺术之问有着严格的界限以及各自独立的表现方法。从古希腊时代直到20世纪之前，西方雕塑作品很少有设色者，中间仅18世纪法国“洛可可”风格产生时，出现一丛敷彩的建筑装饰雕像，以适应王室贵族的审美趣味和感观享受。但那种净素妍雅。强调光影感的大理石刻雕塑则长期占据主导地位。西方雕塑家大多尽力排除从色彩的优越性中择取绘画的辅助方法。法国雕塑家法尔孔奈说过：“如果雕刻能保留在自己确定的范围之内，它就不会丧失自己任何一项优点；但是，如果它要使用绘画的全部手段，它就会受到失败的威胁。这两种艺术各有各的表现手段，色彩不是雕刻的手段。” 五、材料的差异 雕塑是使用真材实料来实现作者的创作意图的。材料不仅有坚硬的质地，而且也能像色彩一样借物传情，发挥和延伸设计者的思想。如花岗石的坚硬能使人产生出坚如磐石之感；大理石的洁白能使人产生出纯洁无暇之感等等。罗丹的作品大家都熟知，在他的雕塑作品中，可以看到作者彭湃的激情。他那双天才的手用泥土塑造的肌肤下似乎流动着生命的血液，假使没有以能保留住作者手印的青铜来铸造，那么可想而知我们将无法欣赏到这动人的一幕。 在雕塑材料的使用上，中国雕塑较之西方尤为丰富，如土、木、石、玉、铜等等，其中以与自然密不可分的土木居多。从仰韶文化的人像陶塑到长沙汉墓中的彩绘木俑；从秦陵兵马俑到唐代木雕迦叶像，从敦煌莫高窟的彩塑菩萨到明清时代的小品雕刻，皆体现出中国人对土木的依赖性和亲切感。西方由于工商文明的发展而较早地摆脱了人对自然的依附性，在雕刻材料的选择上也较早地扬弃了土和木的利用，在雕刻材料的选择上创造了以石雕为主流的雕塑艺术史。 总之，中西方历史与文化背景的不同特征，决定了西方艺术的注重写实性与而中国艺术崇尚写意性的两种不同审美取向；同时在造型手法和材料等运用上也造就不同层度的差别与异同。中西雕塑艺术虽有风格特征之别，但无优劣高低之分，以上只是对各自风格与观点的评述，有助于更深入地了解雕塑这一艺术领域的奇葩。
在汉代的众多雕塑作品中，霍去病墓石雕以其简洁凝练的造型、天真质朴的神韵独树一帜，成为汉代写意雕塑中的一朵奇葩。 霍去病幕石雕现存14件，表现主题有石人、卧马、卧象、蟾、卧牛、及二件鱼等。这些石雕所用的石材，均取自祁连山区，且都是独立巨大的石块。当时的工匠们，依据石块形状的不同，就势雕琢，赋予原本笨重的石块以恒久的生命力。就写意来说，这14件作品可以分为两类，即写意作品和大写意作品。 写意作品，以卧牛、卧象及马踏匈奴等等作品为代表。这些作品以圆雕手法为主，在整体造型上，呈现团块状风格。对于卧姿形象，工匠们往往是草草几刀，便勾勒出动物蜷曲的四肢；而对于立姿的形象，他们却巧妙地在动物四肢的中间安排一个匈奴兵，其中最典型的便是“马踏匈奴” 大写意作品，以“怪兽食羊”和“野人搏熊”等作品为代表。这些作品的手法，以圆雕与线刻相结合，有些作品，如野猪、蟾等等，甚至仅以线刻为主要表现手法。可以说，霍去病墓石雕代表着汉代雕塑艺术的一个高度，而“野人搏熊”这类大写意的作品，便是这一高度上的一颗耀眼明珠。 “野人搏熊”这一作品，极具浪漫主义色彩。作品长米，宽米。作者用圆雕的手法，将野人的面部和头颅雕刻出来，而野人的四肢，则是以凸雕的手法，用厘米的厚度雕刻出体积感。这厘米厚的手臂，精彩地表现出野人手臂发力斗熊的肌理，而野人面部线刻出来的皱纹、凸雕出来的络腮胡和爆出的牙齿、圆雕出来的腰带，便是三位一体地表现出野人粗野、雄性的力量美与野性美。遵循石体本身的外形，将之融合进作品中，这一手法，在本作品中，更是表现得淋漓尽致。本作品的原石，其形状较扁，朝上一面又自然的高低起伏。工匠们根据石形特点，将熊德臀部及大腿部安排在全石最厚的位置，这一位置，本来就有一处自然的起伏。配合凸雕出来的熊爪，这一起伏恰到好处地展现了熊臀部的机理过度。同样是运用自然石形的，还有野人的腹部及腿部。以“野人搏熊”为例，霍去病墓的这些大写意作品，在创作手法上主要有以下一些特点。(1) 循石造型、因材施艺 这一点，是霍去病墓这批石像在造型方面的精髓所在，也是该批作品最值得称道和发掘的特质所在。创造者按照既定的主题，寻找材质、颜色、石形都与主题相合的石块。而更多的时候，甚至是没有既定主题，创作者发现一块任意石形的石块后，依据石形和颜色，创造性地想象出这块石头的形状和什么造型相像。然后，在大规模保留石材本身机理的前提下，稍加雕琢，使创作者自己脑海中的形象得以实现。(2) “以意传神” 这点，与西方雕塑的审美传统有很大的区别。西方雕塑要求对审美对象进行逼真的描绘，尽量客观地表现物体，强调写实，注重反映现实生活的真实性，而中国的雕塑主要特点是不求形似，注重神似，强调意象、气韵、意境的营造。这两种方向也是东西方审美的本质差异。与中国其他时代的雕塑作品相比，汉代的雕塑作品写意性更强，以至于鲁迅先生曾说：“汉人石刻，气魄深沉雄大”。而霍去病墓石雕，由于先秦写意遗风和草原文明的粗犷风格的共同影响，其写意中彰显出的大器、质朴、道法自然的美学特质，可谓是汉代写意雕塑之冠。（3）用简单的线条和形状表现作品的张力 雕塑是静态的艺术，但创作者却能运用比例关系、对比，衬托等等手法，借组形状和线条让作品看起来表现出“未动欲动”的状态。这便是中国哲学上所说的“静中有动、静动相宜”。在“野人搏熊”作品中，野人手臂上紧绷得肌肉、面部扭曲的表情都让人感到，这场打斗似乎正在眼前发生，野人和熊似乎还在紧张地拉扯着。在“怪兽食羊”作品中，怪兽张开的大口，也似乎正在将羊吞入腹中。3、从相石道相泥一对汉代雕塑大写意风格的发掘 中国古代石雕（包括玉雕）讲究相石。所谓相石，是指根据石质、石纹、石形和石色来选择与之相适应的题材，确定初步的造型。意思和“因材施艺”相同。寿山石雕前辈名艺人郑仁蛟有句口诀：“一相抵九工。”说明细心相石，巧于构思，合理设计，可抵许多天盲目雕刻的功夫，反映了相石在创作设计中的重要性。同属于石雕的霍去病墓，也是因为想象力丰富的相石，在艺术史上彪炳千秋的。 相石，要求创作者抛去一切既有规则的束缚，用自己的真心，品味自然之美，雕琢出自己心中最真挚的情感，这种心境恰如一个正在石滩上找寻漂亮石头的孩童的心境。其实相石背后的审美原理，在古今中外都能找到共鸣，而且与之共鸣的理论、风格和流派都占据着重要的地位。明朝思想家李贽曾提出过“童心说”，主张发自真心地创作文章，不拘泥于任何程式化的条框的束缚，通过作品抒发自己内心最真实的情感。西方现代艺术也曾有过“向原始艺术学习、向民间艺术学习、向儿童学习”的呼吁。 在对相石以及汉代写意石雕研究和总结后，在现代陶艺创作中，可以走出一条将相泥作为整个作品创作基础的路子，将汉代的写意雕塑与现代陶艺，尤其是人物陶艺有机地结合在一起。与相石一样，相泥在创作过程中名主要表现在两方面：（1）遵循随意原则，捏出的大致泥形，不要为追求与主题的形似而多加枝节。 这与霍去病墓石雕中野人搏熊、怪兽食羊等作品运用的手法相同。当年工匠们在雕刻形象之前，或许也不知道自己将要雕琢出什么主题，只是大致地确定了主题应在人物或动物的范围之内。抛开了主题的限制，便意味着想象力和创造力的解放。创作者可以根据自己的想象，把任何一块他们认为外形奇特的石料变成浑然天成的石雕作品。在陶艺创作时，将手中的泥块随意捏塑，当自己感觉外形适宜时，便开始相泥，看看这块形状随意的泥块可以如何加减。在这个步骤中，第一感觉的运用非常重要。捏塑泥块，到底到什么程度适宜，完全凭借个人的第一感觉和经验，如果因后续的念头而深思熟虑，便是走上了过度修饰的“不归路“，完全失去了相泥的本意。例如作品一，整个作品基于一块近圆形的内凹泥块为主体，这块主体构成了人物的躯干。躯干确定后，加上标志形的肚脐作为装饰，再将四肢与头部加在圆形的躯干周边。这样，一个以手拂面的滑稽的人物形象便展现出来。（2）保留泥块上的纹理 泥块上的纹理，包括两类。一类是泥块上的裂纹、沙质颗粒等等，另一类是作者印在泥块上的指纹，雕塑刀留下的木纹等。保留这两类纹理，可以大大地提高作品大巧若拙的审美品质，让作品在豪放、粗犷的风格中，尽情彰显自己的那份原始与童真。例如作品二，泥土的裂纹广泛地分布在躯干上，创作时的指纹也留在了人物的腹部。保留这些清新的纹路和机理，是告别矫揉造作的最好方式。 通过上述的一些技法，现代人物陶艺作品与汉代写意石雕在美学特质上，就逐渐与汉代雕塑趋于一致。 首先，在“循石造型、因材施艺”方面，图例作品以相泥为基础，遵循泥形的随意性，在泥块上稍加装饰。同时作品更是保留了泥土本来的纹路和随意撅泥时形成的断面，使得作品不拘束缚，人性而为。其次，在“以意传神”方面，作品从不追求外形上的相仿，始终用夸张和抽象的手法表现人物的精神面貌。通过，泥块的质感、适当添加的手脚和肚脐、丰富的面部表情等等的塑造，使作品充满了生命气息，如有灵魂。再次，图例作品也通过形体和线条的共同作用，来表现人物欲动未动般的运动张力。例如，作品一(注：图片暂时未找到，给读者照成阅读上的困难，本人在此十分抱歉，找到后立即上传！）中人物头部微微低下，手轻抚面部，使得头部向下运动的趋势十分明显，活像一个小孩在害羞或是做鬼脸石的神态。再如作品二中，人物左肩稍稍高于右肩，右脚前于左脚，行走的运动趋势十分明显和生动。再加上人物面部的复杂表情，整个作品立即生气勃勃。4、结语 作为中国雕塑史上的一个里程碑，汉代的写意性雕塑中那些质朴、凝练、大巧如拙的审美情趣，丝毫没有随着两千多年光阴的流逝而烟消云散。相反，在西方陶艺蓬勃发展的今天，努力发掘祖先留下来的珍贵艺术宝藏，正是我们树立自己原创性，让中华名族现代陶艺在世界上占有一席之地的一条大道。
云冈石窟雕刻在我国三大石窟中以造像气魄雄伟、内容丰富多彩见称。最小的佛像 2公分。最大的高达17米，多为神态各异的宗教人物形象。石窟有形制多样的仿木构建筑物，有主题突出的佛传浮雕，有精雕细刻的装饰纹样，还有栩栩如生的乐舞雕刻，生动活泼，琳琅满目。其雕刻艺术继承并发展了秦汉雕刻艺术传统，吸收和融合了佛教艺术的精华，具有独特的艺术风格。对后来隋唐艺术的发展产生了深远的影响，在我国艺术史上占有重要地位，也是中国与亚洲国家友好往来、文化交流的历史见证。云冈第五、六窟在云冈石窟群中部，为孝文帝迁洛前约465——494年开凿的一组双窟。庙前有清顺治帝八年（1651）建造的五间四层木楼阁，朱红柱栏，琉璃瓦顶，颇为壮观。第五窟开作椭圆形草庐形式，分前后室。后室北壁本尊为释迦牟尼坐像，高17米，为云冈最大的佛像，外部经唐代泥塑重装。窟内满雕佛龛造像。窟西侧刻有两佛对坐在菩提树下，顶部浮雕飞天，线条优美。第 6窟平面近方形，中央是一个连接窟顶的二层方形塔往，高约14米，塔柱上雕有四方佛，上面四角各有一座九层出檐小塔，驮于象背上。窟四壁满雕佛、菩萨、罗汉、飞天等造像。窟顶有三十三诸天及各种骑乘，令人目不暇接。环绕塔柱四面和东南西三壁的中下部，刻有33幅描写释迦牟尼从诞生到成道的佛传故事浮雕，内容连贯，构图精巧。此窟规模宏伟，雕饰富丽，内容丰富，技法精炼，是云冈石窟中有代表性的一窟，也是中期造像艺术汇集的大检阅。云冈第七、八窟位于云冈石窟的中部，为一组双窟，是云冈石窟第二期开凿较早的石窟。七窟前现存的木构建筑，是清顺治帝八年（1651）修建。七、八窟平面均为长方形，窟内布局上下分层，左右分段。七窟后室北壁上层天幕龛的中央，雕一交脚弥勒菩萨像，坐于狮子座上，左右备一倚坐佛像，边为二胁侍菩萨。内容仍为三世佛，且出现了造像组合。下龛为释迦、多宝二佛并坐像。壁与窟顶相接处雕一排伎乐人像，各执乐器演奏。东西两壁对称开凿，壁与顶部相接处雕一排千佛。下分四层雕有八个不同的佛龛。南壁凿有一门一窗，左右两侧各雕四个佛龛。门窗间有六个供养人和伎乐天人像。明窗内雕菩萨和禅定比丘。内拱内雕力上、护法天王和飞天。顶部分格雕平棋，中为团莲，周雕飞天，把整个窟顶装饰得花团锦簇。第七、八窟与前期窟群比，在形制、内容、造像构成、题材等方面出现了诸多变化，从中折射出北魏社会变革的洪流。昙曜五窟现编号第16——20窟，是由昙曜和尚主持开凿的第一期窟洞，也是云冈石窟最引人注目的部分之一。据《魏书·释老志》载：“和平初，……昙曜白帝，于京城西武州塞，凿山石壁，开窟五所，镌建佛各一，高者七十尺，次六十尺，雕饰奇伟，冠于一世。”以道武、明元、太武、景穆、文成五帝为楷模，雕刻五尊大像。这五窟规模宏大，气魄雄伟。形制上共同特点是外壁满雕千佛，大体上都摹拟椭圆形的草庐形式，无后室。造像主要是三世佛（过去、未来、现在），主佛形体高大，占窟内主要位置。第16窟本尊释迦立像高米，而相清秀，英俊潇洒。第17窟正中为菩萨装的交脚弥勒坐像，高米，窟小像大，咄咄逼人。第18窟本尊为身披千佛袈裟的释迦立像，高米，气势磅礴；东壁上层的众弟子造像造型奇特，技法娴熟。第19窟本尊为释迦坐像，高16．8米，为云冈第二大造像。第20窟为露天造像，正中为释迦坐像，高米，为云冈石窟的代表作，面都半圆，深目高鼻，眼大唇薄。大耳垂肩，两肩齐挺，造型雄伟，气势浑厚。云冈五华洞位于云冈石窟中部的第 9——13窟。这五窟因请代施泥彩绘而得名。第 9、10窟为一组前后室结构的双窟，建于北魏孝文帝太和八年（484），太和十三年竣工，辽代曾在此兴建崇福寺。两窟平面近方形。前定南壁凿成八角列柱，东西壁上部雕出三间访木构建筑的佛龛，余壁满雕佛像、飞天。后室窟门上雕有明窗，北壁主佛是释迦佛。第10窟主像是弥勒。后室门拱内外两面有精雕图案花纹，结构严谨，富于变化。第11——13窟是一组，具有前后窟的第12窟为中心窟。11窟中立方塔柱，塔柱四面上下开龛造像，除南面上龛为弥勒外，均为释迦立像。东壁上部有北魏太和七年（ 483）造像题记，是研究云冈开凿史的重要资料。窟东北有太和二十年（ 496）铭龛和七佛立像。第12窟前正室和东西壁上部均雕出三间仿木构建筑屋形佛龛，前列两柱，洞开三门，窟顶雕有伎乐天，手持排箫、琵琶、横笛、束腰鼓等乐器，是研究音乐史的重要资料。第13窟本尊是交脚弥勒菩萨，高约13米，右臂下雕一力士托扛，既产生了力学作用，又兼具装饰效果。南壁上层的七佛立像和东壁下层的供养天人，皆为窟中精品。东壁佛龛形制各异。五华洞雕饰绮丽，丰富多彩，是研究北魏历史、艺术、音乐、舞蹈、书法和建筑的珍贵资料，为云冈石窟群的重要组成部分。云冈东部窟群，指云冈石窟东端1——4，均为塔洞。第1、2窟为同期开的一组，凿于孝文帝迁洛前，窟内中央雕造方形塔柱，四面开龛造像。第一窟主像是弥勒，塔南面下层雕释迦多宝像，上层雕释迦像。浮雕五层小塔，是研究北魏建筑的形象资料。第二窟是释迦像，塔南面下层雕释迦多宝像，上层雕三世佛。两窟南壁窟门两侧都雕有维摩、文殊。第三窟为云冈石窟中规模最大的洞窟，前立壁高约25米，传为昙曜译经楼。窟分前后两室。前室上部左右各雕一塔，中雕方形窟室，主像为弥勒，壁面满雕千佛。后室南面两侧雕刻有面貌圆润、肌肉丰满、农纹流畅的一佛三菩萨。坐像高约10米，二菩萨立像高米。从风格和雕刻手法上看，很可能是初唐时的作品。第四窟风化水蚀严重，南壁窟门上方有北魏正光年间铭记，是云冈石窟现存最晚的铭记。云冈西部窟群包括云冈石窟西部第21至45窟，以及一些未编号的小窟小龛。大多属于北魏太和十八年（ 494）以后的作品。其特点是不成组的窟多，中小窟多，作为补刻的小龛多。造像多为瘦骨清相，衣纹下部褶纹重叠，神态文雅秀丽，藻井中飞天飘逸洒脱，具有浓厚的汉化风格，与“龙门期”雕刻十分接近。其中第38窟北壁“幢倒乐神”浮雕，是研究北魏杂伎的形象资料。第39窟中心五层塔柱，塔身每面作五间，六柱，柱头上斗拱承托出檐，天平座，每层间阔高度皆小于下层，稳重隽秀，是研究早期造塔的重要资料。第40窟整体布局巧妙地运用装饰艺术，使洞窟格式、构图既有规律，又有变化，提高了石窟艺术的格调。
云岗石窟的佛像体现了唯美的艺术感以及仆人为他的创作感，因为这带不带来说制作非常不易。
云冈石窟从北魏文成帝和平初(公元460年)开始开凿，一直延续至孝明帝正光五年(公元524年)，前后历经60多年，距今以有1500多年的历史。现存大小佛像51000余尊，最大的高17米，最小的仅有0。02米，其工艺之精湛，造型之逼真美观，令人叹为观止!以下是我为大家整理的云冈石窟作文900字，希望你们喜欢。
参观云冈石窟
来到目的地，首先被一块巨石吸引。上面雕刻着：2001年12月14日云冈石窟被世界教科文组织定为世界文化遗产，心情为之一跃，自豪之情油然而生!
云冈石窟从北魏文成帝和平初(公元460年)开始开凿，一直延续至孝明帝正光五年(公元524年)，前后历经60多年，距今以有1500多年的历史。现存大小佛像51000余尊，最大的高17米，最小的仅有0。02米，其工艺之精湛，造型之逼真美观，令人叹为观止!
随同导游从最著名的第五窟开始参观。迎面就是中心塔柱，17米高打坐的释迦牟尼佛像矗立面前。举头观望慈眉善目的佛祖一双富富态态的大耳自然优雅地下垂，耳长竟然达3。4米。一双为天下苍生祈祷的大佛手在膝上祈福，手指的长度就有2。7米。盘坐的两腿间距离为14。1米，不愧为最大的佛像。大佛左右两旁各有两尊较大的佛像，是未来佛和过去佛。整座石窟呈对称构图，大小石佛共2300尊之多。
随后来到与5窟连体的第6窟。整座石窟以释迦牟尼为中轴佛像，以释迦牟尼诞生与成佛的经历为主线，以传神的手法雕刻了3200多尊大小佛像。图中详细地雕刻了传说中释迦牟尼的母亲摩耶夫人在娘家从腋下诞生释迦牟尼，摩耶国王骑着大白象恭迎王后回宫，以及释迦牟尼比武招亲一箭射穿7个铜鼓夺得心仪美人归的热烈场面。婚后释迦牟尼离宫出游，出东门遇见一个乞丐;出北门遇见一个病人;出南门遇见一个死人，出西门遇到一位憎人。在憎人的点化下释迦牟尼信奉了只有成佛才能避免生老病死的理念。从此走上了寻佛之路。整座石窟大气恢弘，具有“第一伟窟”之称!
一路观赏，导游小姐栩栩如生的故事讲解使我们更加痴迷。来到12窟，又名音乐窟。12窟前室西壁和东壁雕有三开间仿木结构殿宇和屋型龛，虽为石雕，但典雅的中国檐廊斗供式建筑风格，却使人情趣盎然。尤为世人称道的北壁门楣舞、乐伎雕刻群，同中有异，扭腰耸胯，凌空飞动，宛如天宫歌舞乐团，别有韵味，所雕乐器达14种47件之多。称之音乐窟当之无愧!
不知不觉我们以参观完了整座石窟，但是余兴未消的我还是喜欢缠着导游小姐不断地发问，兼职司机朋友看见我如此痴迷，还豪爽地许愿送我光盘材料!
阿弥陀佛!幸福死我了!
伴随着一路的满足，我们愉快地返回大同!
留给后人的文化财富——云冈石窟游记
你知道中国有哪四大石窟吗?对了，就是敦煌莫高窟、龙门石窟、天水麦积山石窟，还有我今天要来到的云冈石窟。
云冈石窟位于山西省大同市西郊，石窟依山开凿，东西绵延1000米，现存主要洞窟53个，大小窟龛252个，大小造像五万一千多个，是我国规模最大的古代石窟群之一。云岗石窟创建于公元450年，迄今已有约1560年的历史。云冈石窟的开凿比敦煌石窟晚94年，较龙门石窟早35年的时间。它以建筑规模之大、塑像形体之高、保存之完整，而闻名天下。
听说这是一个佛教盛地，有我们不熟悉的双脚交叉佛;也有大家都非常熟悉的弥勒佛。姿态和名字各不相同。佛像数不胜数，云岗石窟大部分是魏孝文帝迁都洛阳以前的作品。佛像的形状一般是厚唇、高鼻、长目、宽肩，有雄健的气概，体貌表现了少数民族的特征。当然，也有例外。有一些是明朝重新刷上彩釉的“改良型”佛像。这么多佛像中最大的有17米，而小的却只有2、3厘米。
下面我们去看看整个云冈石窟最大的一尊佛像——释迦牟尼佛像。他双腿交叉，盘坐在地面上，上身直挺挺的。身上披着一件彩色的大袈裟，端庄的面容，让人们一看就知道他是释迦牟尼。他的眼珠子是琉璃珠做的。由于天长日久，眼眶风化，“眼珠”就掉了出来，只留下了两大窟窿。这尊佛像高17米，据说，两个膝头上可以坐100多个人，一只脚上可以站12个人，一根中手指也有4米多长。个儿真大啊!
云冈石窟里的很多佛像全身上下都布满了洞洞，你知道这是为什么吗?原来这是乾隆皇帝为了保护这些佛像，减少风化，让我们后人也能看到，就叫工匠在佛像全身糊上一层泥。可是没过多久，泥干了后就会脱落，于是便想了个办法，在佛像全身凿满洞洞，在里面填上泥拌草，然后再在佛像表面糊上一层厚厚的泥，这样就可以有效地延长泥的脱落时间，这样就减缓了风化的速度。
听导游说，云冈石窟原来的规模比现在大10倍，我不禁感叹，没想到我们的祖先在1000多年前就有如此精湛的雕刻艺术了，这真是留给我们一件宝贵的“财富”呀!
云冈石窟
各位尊敬的游客：
大家好!欢迎大家来到世界闻名的石雕艺术宝库之一—云冈石窟!我就是你们的导游，大家叫我小宋就ok了!
这里在1961年国务院公布为全国重点文物保护单位，在2001年才被列为世界文化遗产的。2007年5月8日，大同市云冈石窟经国家旅游局正式批准为国家5A级旅游景区。已成为国内各界人士参观游览的重要场所，也是国际友人倾慕和向往的旅游胜地。
现在，我们就走进这个石雕艺术宝库了，请各位在参观过程中不要乱涂乱画，破坏遗产等。在这绵延一公里的石雕群中，雕像大至十几米，小至几公分，巨石横亘，石雕林立，蔚为大观。他们有的正襟危坐，栩栩如生，有的载歌载舞，神采飞扬，或击鼓或敲钟，或手捧短笛，或怀抱琵琶，悠然自得，笑迎游人。这些佛像、飞天、赞助者、供养人的面貌和衣饰上，都留有古代劳动人民的智慧与勤劳。这些佛像与乐伎刻像，还明显地流露着异域色彩。在我国传统雕刻艺术的基础上，吸取、融汇了印度犍陀罗艺术及波斯艺术的精华，这是我国古代人民创造性劳动的智慧结晶，也是他们与其它国家友好往来的历史见证。
整个云冈石窟距今已有1500多年的历史，始建于公元460年，由当时的佛教高僧昙曜奉旨开凿。现存的云岗石窟群，是1961年国务院公布的第一批全国重点文物保护单位之一。大家看!整个石窟分为东、中、西三部分，石窟内的佛龛，象蜂窝密布，大、中、小窟疏密有致地镶嵌在云冈半腰。现在，大家在这个窟集合，我身后的这个算一个东部石窟多以造塔为主，故又称塔洞;现在，这个巨大的窟属于中部石窟，这种窟每个都分前后两室，主佛居中，洞壁及洞顶布满浮雕;现在我们所在的这个窟在西部石窟这一带里，西部石窟以中小窟和补刻的小龛为最多，修建的时代略晚，大多是北魏迁都洛阳后的作品不过，两者雕出来的人物都栩栩如生。总体来讲，整座石窟气魄宏大，外观庄严，雕工细腻，主题十分突出。这石窟中雕塑的各种宗教人物形象神态各异。在雕造技法上，继承和发展了我国秦汉时期艺术的优良传统，又吸收了犍陀罗艺术的有益成分，创建出云冈独特的艺术风格，对研究雕刻、建筑、音乐、宗教都是极为珍贵的资料。
现在，我们就来边走边欣赏着美丽的云冈石窟吧!我的讲解就到此结束了，谢谢大家对我的支持和信任!欢迎再来参观!
我倒是有，但是你用我的就算是抄袭呀，想当初毕业的时候，班上两个男生抄到一块去了，幸亏系里给兜着了，要不都要没学位了。
一件成功的雕刻品是一件美丽的艺术，我们平时总是常见的是泥雕还是我们的天花板上的浮雕，他们总是在我们生活中以各种形式存在着，所以最近随着我们的社会发展，我们生活中已经出现了一个新的雕刻，就是石雕。石雕和我们普通的雕刻艺术来说，它多的更多的是一种质感还有一种硬度的感觉。石材雕刻的不断发展，也随之应用于了很多的方面，所以今天我就要给你们介绍我们的石材雕刻应用在我们生活中的哪些方面。
石材雕刻作为天然装饰工艺材料的石材制品的应用得到迅猛发展。天然石材以其华丽的色彩、稳定的物理化学性能和良好的加工性能在建筑装饰、工艺制品、生活器具等方面得到大量应用。
近年来,随着建筑装饰追求环保健康、崇尚自然新消费理念的发展,纹理绚丽多彩,既健康环保又极富装饰性的砂岩雕塑,在装饰石材中一枝独俏,备受追捧。根据市场需要研发生产的大型浮雕雕刻机是砂岩浮雕铣型的最佳选择。砂岩浮雕是一种在平面上雕刻出凹凸起伏形象的一种雕塑，是一种介于圆雕和绘画之间的艺术表现形式。
它即可以是三维的立体形态，也可以兼备平面形态;既可以依附于某种载体，又可相对独立地存在。一般地说来，为适合特定视点的观赏需要或装饰需要，砂岩浮雕相对圆雕的突出特征是经形体压缩处理后的二维或平面特性。平面上的雕凿与塑造，使砂岩浮雕可以综合雕塑与绘画的技术优势，保持多样性和多样化。二维空间中的透视缩减，陪衬主体形象的背景刻画或虚拟，木工雕刻机使砂岩浮雕的塑造语言比之其它雕塑尤其是圆雕，具有更强的叙事性同时也不失一般雕塑的表现性。
石材雕刻机在进行石材雕刻的时候的工作环境标准
避开强电、强磁等严重影响济南雕刻机信号传输的设备。如：电焊机、发射塔等。
使用三芯电源，保证石材雕刻机良好的接地，减小干扰。
电压要求平稳，避免大的起伏波动，最好使用稳压器。
机器不可在强酸、石材雕刻强碱的环境中长时工作。
看来人们的审美在很大的程度上都有了不同的提高，我们的石材雕刻也随之应用于我们生活中的每个角落，我想这也是一种流行元素的美吧。也为我们平时的生活和家居装修添加了一种说不出道不明的风味儿。我想这就是我们石材雕刻的魅力和吸引人的地方吧。这样也为我们单调枯燥的石材增添了一定的色彩和氛围。我相信在不久的将来，我们的石材雕刻将会受到更多的欢迎和热爱。
雕塑作为人类最古老的艺术形式之一，以其独特的魅力渗透于社会生活的方方面面。雕塑艺术以一种物质形态与意识形态相交融的方式存在着，它以静态的美传达艺术家们的思想情感与审美理想；而两种不同的历史与文化背景，使同一种艺术形态形成了各自独特的艺术风格特征。本文从题材、表现手法、造型手法、材料的运用等不同角度，对这两种艺术风格之间的差异进行分析、归纳和比较，并作以简要评述。如果说历史是人类谱写的一部气势宏伟的交响曲，那么雕塑艺术就是其中一部精致而独立的乐章。雕塑是造型艺术种类中最早出现的重要的艺术表现形式，也是建筑艺术以外的另一种表现实体空间的艺术。雕塑是有三维空间的由人类创造的存在于实际空间的立体形象。像米开朗基罗的《大卫》、罗丹的《思想者》、中国的四大石窟、兵马俑等都是极具代表性的作品。雕塑永远表现动态，甚至完全静止的雕像也被看作具有一种内在的运动，一种不但在空间、也在时间上持续的伸展的状态。人们可以从这一瞬间的造型中想象静态向动态的转变，想象行为的连贯，持续的活动过程，从而体味出它的活力和精神，体味出它的冷冰冰的物质材料后面的体温和感情。雕塑是可视的、可触摸到的并能反映一定意识形态及较高审美意义的实体。雕塑艺术是世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，也是根植于自己民族传统文化土壤上的一颗常青树。 在人类的文明史上，东方文明与西方文明是两大最鲜明的文明。尽管两者都产生于奴隶制和封建制这同一种社会基础上，都受制于人类思维发展和文化艺术发展的一般规律，但由于社会历史条件、文化传统、民族审美心理的差异，故而在雕塑艺术上形成两种各具特色的艺术风格。 一、题材差异 中国社会是一个农业社会，中国田园牧歌式的乡村文明，使人与自然及生态系统始终保持着和谐的关系。因而中国早期雕塑题材以动物为主，《四羊方尊》、《莲鹤方壶》等就是其中的杰作。自佛教传入中国以来，宗教佛像也成为中国传统雕塑的表现对象之一，最有名的当推云岗石窟、龙门石窟、麦积山和敦煌石窟这四大雕塑群，此外还有大量的寺庙造像。同时在中国厚葬习俗的影响下，君主及达官贵族大势修造陵墓及陪葬品，使得陵墓雕塑成为中国雕塑艺术上的又一珍宝，最具代表性的就属秦始皇陵的兵马俑。 对比之下，西方的社会基本上是一个宗教性的商业社会，城市化的生产培养了西方人的外向性和冒险性的性格，再加上海上，陆路交通发达，同东方交流广泛，这一切都有利于科学、文化和艺术的发展。神话传说是两方雕塑题材之一，如希腊人认为每一种自然现象都是神的力量显现的结果，人和神是同源的，神就是人最完美的体现，神同人一样有血有肉，有喜怒哀乐。不同的是他们长生不老、神通广大而已。就在这样一个环境下产牛了关于缪斯、阿波罗为主神及其统率下的缪斯的神话。 对人体美的表现也是两方雕塑家们的又一题材。体育竞技和大型的敬神是古希腊社会生活的一项重要内容，体育竞技大多以裸露身体的方式进行，这也许是为了在竞技比赛的同时显露强悍，优美的体型。这种社会风尚的流行无疑给雕塑家提供了一个很好的观察和创作的环境，给比赛胜利者雕像也成为雕塑家的一项任务。如米隆的《掷铁饼者》。 二、精神追求上的差异 在中国人看来，主体与客体相通、感性与理性共融，视“天人合一”为宇宙观核心，相信天人感应、天人相类。这种思想的必然结果即自然的入化和人的自然化，确信人们心中所要抒发的东西，都能在宇宙世界找到相应的事物，并以其恰当的方式表达出来。汉代霍去病的陵墓，墓前有十多件石雕，如马踏匈奴、跃马、卧马、卧牛、伏虎、野猪等。其中最具代表性的就是《马踏匈奴》。为了表现霍去病的赫赫战功，作者别出心裁的雕造出一匹气势轩昂、庄重雄强的战马，马的神情果断沉着，仿佛在时时刻刻警惕着，防止被踢翻在地的匈奴败将挣脱而逃，体现出霍去病“匈奴未灭，无以为家”的坚定意志。虽然没有直接雕造霍去病的形象，但是通过《马踏匈奴》整个作品不难体现他的品格与精神，使人联想到英勇无敌的青年将军，似乎听到击败匈奴的胜利呼声。其它石雕也分别体现出将士们不顾艰险，浴血奋战的英雄气概。 《昭陵六骏》是唐太宗李世民生前所乘六匹战马的雕刻形象，艺术家概括地塑造了六骏的立、行、奔、驰的健美姿态，并显示六匹骏马那英勇而温顺、刚毅又善良的性格。造型饱满剽悍，神韵充沛飞扬，层次转折有力，在外光映射下富于变化，具有节奏感。雕刻的是马反映的是人，象征唐太宗李世民的品格，歌颂了李世民的伟业丰功。 除了表现人的精神品格和功绩外，也成为体现当时统治阶级权力的载体。例如清代十三陵，墓前的石象背加鞍鞯，上托宝瓶，头施笼佩，四足平衡，完全依照皇帝的仪仗，其寓意为“太平有象”——动物失去了自身的个性特征和活力，成为皇权的象征。 以上以物喻人，“天人合一”的例子在中国雕塑艺术中举不胜举。而西方则在征服自然的过程中突出了人的意志。西方雕塑的表现题材基本上是以人体为主，就算是神话人物也是以人为衣钵，体现人体的美。每个时代的雕塑家几乎都共同关注人体与精神的统一。如古希腊雕像就是通过人物整体，在单纯与静穆中显示出一种理想的美。黑格尔说过，“希腊民族性格的特点在于他们对直接呈现的而又受到精神渗透的人身的个性具有高度发达的敏感，对于自由的美的形式也是如此，这就使得他们必然要把直接呈现的人，即人所特有的受到精神渗透的躯体，作为一种独立的对象来雕塑，并且把人的形象看作高于一切其他。形象的最自由的最美的形象来欣赏。”①(注：参见〔德〕黑格尔著，朱光潜译《美学》第三卷（上册），商务印书馆，1996年版，第158页。) 三、表现手法上的差异 雕塑是三度空间的立体造型艺术。雕塑品的实际体量与绘画的虚拟体量从视觉感受上是不一样的，绘画中的虚拟体量要达到雕塑的实际体量是完全不可能的，这也就是雕塑魅力所在，它以各种不同的表现手法带给人的视觉冲击和震撼是其它艺术形式无可替代的。 作为精神的实际存在，西方人体雕塑在“理念”世界的支配下具有了自身的独立价值，它不是凭借自然景物的烘托，而是凭借光线与阴影的变幻以展现形体的空间实在性，因此西方人体雕塑是严格意义上的空间艺术，在20世纪以前，希腊雕塑的物理性的立体空间概念，成为西方雕塑家共同参照的范式。 中国美学突出强调情景交融，虚实相生，艺术家们共同追求着那种“天地浑溶一气，明暗高低远近，不似之以似之”的境界，营造着“往不复，天地际也”的独特空间。北京天坛的圜丘面对着一片虚空的天穹，以整个宇宙作为自己的庙宇，反映出中国人与生存方式密切相关的时空互渗的空间意识。因而中国的雕塑往往不是以孤立的实体出现的，而是尽可能采用“借景”、“虚实”等种种方式，以求与自然景象合为一体。那些石窟造像多是通过背景热烈激昂的雕绘故事的陪衬和烘托，而显得更加宁静和睿智，从而弥补了独立的圆雕在表现空间容量方面的局限性，构成了一个空间形式包含时间节奏和动感的艺术世界。唐代的帝王陵墓所确立的“以山为陵”的体制，使陵墓、陵前雕刻与自然起伏的山势巧妙结合，令观者“身所盘桓，目所绸缪”，西方那种瞬间直观把握的空间感受在这里变成长久漫游的时间历程。 除了空间表现手法上的差异，中国雕塑以写意为主的表现手法与西方雕塑的写实性表现手法也形成反差。由于中国雕塑很晚才与实用美术真正分离，在漫长的岁月中，雕塑大多只是实用美术的一种装饰手段。装饰不求再现，只追求表现物象，因此形成了中国雕塑不求形似，只求神似的特征。不讲究描摹写实，在塑形上注重写意传神，气韵生动，虚实相生，“神似胜于形似”，这种中国式的美学观念可以说贯穿了整个古代雕塑史，即使有时表现出一定的写实性，也只是比较细微而已，在本质上依然属于意象性造型。正因为中国艺术以表现、抒情、写意见长，追求艺术意境，中国古代雕塑也具有浓郁的东方情调和意境特色。“所以汉代那些女陶俑会有着细柔的腰肢，有着如盛开的喇叭花一样美丽形状的裙裾和翩翩起舞般的拂袖姿态；所以敦煌北朝的彩塑佛像会有着不可言说的微笑，并且在这微妙的笑容中透露着内心的智慧和远离尘世的洒脱风采；所以敦煌唐代的彩塑菩萨会有着如血脉在流淌搏动的肌肤和薄如蝉翼的透体天衣；宋代晋祠的彩塑侍女会有着美人鱼一般的身段。”而我们在欣赏的时候，必须使用我们本民族的艺术标准和审美习惯，才能够真正感觉中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。 而在西方，就雕塑而言，他们建立了人类历史上独一无二的写实性雕塑。这种写实性雕塑风格的产生是由于“模仿说”的明确提出。古希腊的哲学家亚里士多德认为最好的艺术必须“照事物的应当有的样子去模仿”。而模仿是人的“一种自然的本能”。强调对外事物的模仿和反映是发端于古希腊的西方艺术传统。“模仿说”如同一面镜子，反映视觉的真实。如《米洛的阿芙洛狄特》与《大卫》都是对人体的真实再现。并且，围绕着人体塑造，古希腊令创造出一系列的标准法则，如1：7和1：8的人体比例。文艺复兴时期又创立了透视学和解剖学两大成就，有些雕刻家如多纳太罗、米开朗基罗等还亲自动手做人体解剖实验。这些都是为了能更好、更准确的模仿自然，更完美的刻画雕塑形象而服务的。 四、造型手法的差异 中西雕塑艺术家都重视线条的表现力，重视以线条造型为共同的媒介，而西方的用线仅服务于造型。黑格尔认为速写或草稿卓越的表现了画家的天分及其特点，安格尔认为线和形愈简练愈美和有魅力。可见线条对画家的造型所具有的重要作用。对雕塑特别是圆雕来说，线的因素更是不见其痕迹，雕塑家刻意追求的是团块和体积、重视三维空间的立体效果，素描中的线条只是充当表现这种效果所界定的轮廓线。米开朗基罗曾说过，一个好的雕刻作品即使从山上滚下去也不应有一处磨损。中国古代雕塑和绘画都来自于原始实用美术，从彩陶时代起，绘塑便相互补充，紧密结合。中国雕塑不仅吸收了绘画的线条色彩的特点，而且还习惯在雕塑上绘色描线。中国古代长期绘塑不分家，而且对绘画更为重视，因而雕塑具有了明显的绘画性。这种绘画性导致中国雕塑区别于西方雕塑追求团块和体积，因而是线条在雕塑中发挥重要的造型辅助作用。雕塑家“运刀如运笔”，通过富有弹性而又丰富多变的线条，或表现飞奔的情态，如汉代的“四灵”瓦当、龙门莲花洞中的飞天等；或表现不同质感；或表现不同体型；或表现不同个性……。总之这种“净化了的线条”既体现了各自的时代风格，又具有各种不同的功能。行云流水，骨力追风，刚柔相济，状物抒情，充分展示了中国雕塑中线条的灵活性和自由美。 另外，中国古代雕塑还喜好在雕塑上绘色。如新石器时代的彩陶艺术、战国的随葬木俑、汉代的画像砖石，唐宋的“影壁”形式，无不是塑绘与雕绘相结合的产物。晋唐以来的佛教塑像更具有绘画的风貌，莫高窟盛唐时期的彩绘菩萨，设色浓艳华美，体态雍容华贵，生动的表现出盛唐时期的贵族妇女的风度神韵，这种艺术效果充分显示了中国雕塑家的创造才能和民族特色。这与西方雕塑很少设色区别也很大。在这方面，西方雕塑与其它门类艺术之问有着严格的界限以及各自独立的表现方法。从古希腊时代直到20世纪之前，西方雕塑作品很少有设色者，中间仅18世纪法国“洛可可”风格产生时，出现一丛敷彩的建筑装饰雕像，以适应王室贵族的审美趣味和感观享受。但那种净素妍雅。强调光影感的大理石刻雕塑则长期占据主导地位。西方雕塑家大多尽力排除从色彩的优越性中择取绘画的辅助方法。法国雕塑家法尔孔奈说过：“如果雕刻能保留在自己确定的范围之内，它就不会丧失自己任何一项优点；但是，如果它要使用绘画的全部手段，它就会受到失败的威胁。这两种艺术各有各的表现手段，色彩不是雕刻的手段。” 五、材料的差异 雕塑是使用真材实料来实现作者的创作意图的。材料不仅有坚硬的质地，而且也能像色彩一样借物传情，发挥和延伸设计者的思想。如花岗石的坚硬能使人产生出坚如磐石之感；大理石的洁白能使人产生出纯洁无暇之感等等。罗丹的作品大家都熟知，在他的雕塑作品中，可以看到作者彭湃的激情。他那双天才的手用泥土塑造的肌肤下似乎流动着生命的血液，假使没有以能保留住作者手印的青铜来铸造，那么可想而知我们将无法欣赏到这动人的一幕。 在雕塑材料的使用上，中国雕塑较之西方尤为丰富，如土、木、石、玉、铜等等，其中以与自然密不可分的土木居多。从仰韶文化的人像陶塑到长沙汉墓中的彩绘木俑；从秦陵兵马俑到唐代木雕迦叶像，从敦煌莫高窟的彩塑菩萨到明清时代的小品雕刻，皆体现出中国人对土木的依赖性和亲切感。西方由于工商文明的发展而较早地摆脱了人对自然的依附性，在雕刻材料的选择上也较早地扬弃了土和木的利用，在雕刻材料的选择上创造了以石雕为主流的雕塑艺术史。 总之，中西方历史与文化背景的不同特征，决定了西方艺术的注重写实性与而中国艺术崇尚写意性的两种不同审美取向；同时在造型手法和材料等运用上也造就不同层度的差别与异同。中西雕塑艺术虽有风格特征之别，但无优劣高低之分，以上只是对各自风格与观点的评述，有助于更深入地了解雕塑这一艺术领域的奇葩。
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吃过日本料理的朋友，一定知道，不论是高级的怀石料理，还是简单的日本定食，都会配上一小碟腌制过的蔬菜，日本人称之为渍物，也就是我们常说的腌菜。一般用盐或者其他调味料，与各种食材混合腌制而成。从制作方法上看， 韩国的泡菜、中国的酱菜都是渍物的一种。不同的是，酱菜在大中国只是不上流的小菜，而在日本却被发展成了一种文化。就这小小的酱菜，日本成立了全日本渍物协同组合联合会，并设立了渍物制造管理士评级系统，对渍物古法的传承，现代技术的开发，甚至包装、运输等细节的管控，都编制了严格的标准。每年的8月21日，在爱知县海部市的萱津神社还会举办「香物祭」(在日本，料理亭的菜单上，都把渍物称之为「香物」)，可谓是渍物界的一大盛事。
渍物的历史，自古书推断，起源于三世纪中国。到了六世纪中期，渍物技术逐渐成熟。贾思朱的《齐民要术》中已载有30多种渍物方法。而直到八世纪，渍物技术才传入日本。起初，日本人只会用盐来腌渍食物，而食盐在那个资源匮乏的时代又很稀缺，因此渍物也随之被划归为高档品，普通民众很少有机会能够品尝。直到奈良时代，各种腌渍方法才在日本普及开来。延喜5年，醍醐天皇开始编制《延喜式》（《延喜式》是由藤原时平等人编纂的一套律令细则， 是研究古代日本史的重要文献 参考自wikipedia），历时25年，其中记载有盐渍、酱渍、糟渍、榆木、须须保利、捣、荏裹，7种腌渍方式。
而渍物真正商品化，始于江户时期。也是在江户末期，诞生了日本独有的，名为脱盐的古渍技法。二次大战末，梅干、泽庵渍、福神渍、古高菜渍等渍物已经应运而生。二战结束后，受西方文化的影响，日本家庭的结构发生了巨大变化，三代同堂的大家庭形式日趋减少。子女成家后，便不再与父母同住，于是渍物手艺的家庭传承方式宣告终结。值此，渍物食品工业的雏形逐日显现。
现今，随着越来越少的日本人从事高劳动密度的工作，身体对食盐量的需求发生了变化。外加食用过多食盐，引发的高血压症，让日本民众也越来越重视盐的摄取量。由此，渍物的制作工艺发生了相应的变化，低盐渍物的方法受到推崇。就白菜渍物而言，含盐量从20年前的4%，下降到如今的2%。但随着含盐量的减少，降低了渍物制造过程中的防腐性，热爱渍物的日本人并没有就此放弃，而是开发了低温冷藏技术，低盐浅腌的方法。既保持蔬菜原有的新鲜香味和色泽，又抑制了微生物的生长，使渍物不再溢出腐败的臭液，渍物文化也从此翻开了新的篇章。
在日本，销量最大的三大渍物是长野县的野泽菜渍、广岛县广岛菜渍以及山形县、和歌山县、福冈县的高菜渍。野泽菜是芜菁的一种，也称日本芥菜。11月采收，用当地的温泉水烫过后当天用盐或者酱油腌渍，口味有些类似我们的雪里蕻。广岛菜渍是一种个头很大的绿叶蔬菜，用盐和酱油调味后腌制而成，常被用来包在饭团外面，一起食用，有「渍菜王」的美誉。高菜渍使用的也是芥菜类蔬菜，带着些许特殊的辛辣味道，口感鲜脆。民间还流传有一种特殊的高菜渍吃法：用纳豆、切碎的葱、捣碎的蒜混合，拌上渍物，可以很大程度上提升纳豆的美味。
而我们在国内的日式料理亭，最常见到的渍物要数泽庵渍——一种黄色的腌渍萝卜。传说江户时代，德川家光踏访东海寺，品尝过此物后，大喜，便以住持泽庵宗彭的字定其名为泽庵渍，以此表彰他推广渍物的功绩。泽庵渍运用了日本独有的须须保利的古渍方法，米糠混入盐水中发酵成白糊糊粘塌塌的米糠酱，再放入萝卜腌制。为防止米糠腐败变质，必须每天早晚翻动一次，保证菌群的活性。萝卜在米糠多糖的作用下，变得特别甘甜，因此深受日本民众的喜爱。上到日本天皇，下到普通百姓，饭桌上都少不了这道腌菜作为辅菜。
而你去吃咖喱的话，很多店里又会配一种叫福神渍的腌菜。用茄子、萝卜、芜菁、土当归、刀豆、紫苏、香茹，七种蔬菜切成碎片，酱油，砂糖，味啉腌制而成。传说是东京上野渍物老铺「酒悦」第十五代主人于明治十九年发明的，由于选用了7种食材，借喻七福神，故取名为「福神渍」。浓稠辛辣的咖喱，配上清甜可口的福神渍，开胃又解腻，饮食搭配上也很好地做到了平衡。
渍物种类非常繁多，一时间无法一一数尽。如果你想体味一下岛国人民的渍物生活，不妨到访京都。作为一朝古都，至今仍留有古老渍物的痕迹。选一家京都当地的民宿住下，晨曦暖褥，主人便会为你奉上这样一桌渍物盛宴。石釜锅烹制的米饭，各式酱菜，一碗热腾腾的味噌汤。摒弃一切浮奢的口感，让味觉被重新归零。正如当代知名舞台设计家妹尾河童曾在其著作《边走边啃腌萝卜》中开首写道的：”腌萝卜，是日本人饮食生活的原点。”
还没有尝够的话，搭乘地铁，到京都站，步行1分钟，便可找到一家名为「西利」的渍物老铺，堂食提供渍物套餐。3色渍物，配上京都丹后产的竹炭越光米，那简单却上品的滋味，定让你终身难忘。建议单独品尝过渍物后，将剩下的一并摆放在米饭上，倒上茶汤，待茶味慢慢散发，便是一道别有风味的茶泡饭。
继续往北，来到河原町站附近的 村上重本店。这家创立于1832年的渍物老铺，铺面并不是很大。如果走累了，可以入店稍事休整。店铺会根据季节奉上樱花茶、梅子昆布茶，供客人享用。当然，来到这里，一定要品尝一下京都特有的「千枚渍」,只有10月初到3月下旬才有供应。使用直径20cm，超大个儿圣护院萝卜，重达2kg。由匠人手工切成3mm厚的均匀薄片，在四斗樽中放入昆布和盐，每天悉心控制温度和湿度，仔细熟成。萝卜天然的甘甜完全融入昆布的清香中，尤其在立冬前后，甘甜的味道达到顶峰，孕育出令人难忘的千枚渍。老铺还特别准备了千枚渍和茶渍壬生菜的组合套餐。清雅的千枚渍裹上咸咸的壬生菜，真是绝妙的体验，最后再加上一点点酱油，又是另一番滋味。
再往北，去到大原一带，偶尔会觅得农家渍物亭隐匿于山林间。陈旧的木桶内，码上各式蔬果，配上调料后，压上重石，静待美味慢慢发酵。上了岁数的老人家，守着这祖上世世代代传下来的糠床，任凭时光流逝。但只要聊起渍物，便有一丝不经意的，孩童般的兴奋浮现在沟渠满布的脸庞。她佝偻着身躯，微颤着双手不停翻动着，从糠床里刨出腌渍许久的蔬果让我们看，低声嘟囔着，“这就像是我的孩子哟”。或许，这就是日本人对于渍物的感情吧。山爬累了，坐下来品尝一些腌菜，在森林富氧的环抱中，食山蔬，漱石泉，脱于饕餮，粗茶淡饭又是另一番悠然。
中国酱菜美食文化历史悠久，从远古农耕文明始，人们为了在反季节也能食用上蔬菜，利用制作食盐、曲霉，以及烧制瓷器等技术对各类蔬菜瓜果进行腌渍，这就是最初的酱制。在随后的岁月中，代代相传，逐步精进嬗变，才成就了今日各大酱菜品牌遍地开花，百花齐放的局面。 在众多酱菜企业中，龙泽酱园作为百年老字号品牌，自明万历年间孕育而来，不仅面临着传承古老酱制工艺的同时寻求进一步发展，而且在日益多元化的市场竞争中，在产品与服务定位上面临着艰难的转型。然而，龙泽酱园人迎难而上，在传承中积极寻求发展之路，在脚踏实地贴近市场需求的逐步摸索中，逐渐形成了自身独特的产品观，那便是：精品战略，全品思维。何为精品战略，全品思维？ 精品战略：精才能成就高品质 随着人们对于饮食品质需求的不断提升，对酱菜产品的品质也越来越趋于美味、营养、健康。酱菜企业也面临着从最初注重“重”口味的产品战略中跳跃出来，积极寻求思维上的转变，在产品品质上狠下功夫。龙泽酱园在企业最初的转型中，就在“精”字上下功夫，率先采用了“精品战略”。 以龙泽酱园三大业务即“龙泽酱业”、“龙泽菜业”、“龙泽味业”为例，龙泽采用的是逐步发展模式，先从发展“酱业”业务开始，搭建食材种植、筛选，酱品配比研发，工艺精酱，酱品包装设计，加工生产等产品出产模式，从而一步一步脚踏实地，循序渐进实现产品的最终出厂。在“龙泽酱业”中，龙泽集团逐步推出了九大系列酱品，在推进一系列产品出产时，不仅经过了一系列严苛的筛选标准进行层层筛选，而且在传承传统酱制工艺的同时，积极引进灌装机、脱脂机、杀菌灭菌等一系列现代化设备进行安全化生产，从而通过高科技技术使得这些精品产品能够保持稳定的品质与口感。经过一系列的市场反馈，龙泽酱园的“精品战略”，经受住了市场的检验。可以说，唯有精，才能成就产品的高品质。 全品思维：多才能满足市场需求 随着龙泽酱园业务不断扩大到全国，“精品战略”已经不能满足越来越多经销商、零售商、终端用户的需求，必须积极寻求突破点，寻找更多可能性来填补酱菜领域的业务空白，此时龙泽酱园“全品思维”应运而生。“全品思维”即是在产品精而高品质的基础上运用更多食材进行科学营养配比，从而研发出不同食材，不同香辣度，不同食材组合的产品，使得酱菜产品丰富化，多元化，精细化，从而满足各类消费人群的需求。不仅如此，龙泽酱园还为各类产品建立了形象化的用户画像，不仅积极引导和便捷了经销商、零售商以及终端客户在产品上的挑选，也丰富了产品的精神内涵，给产品注入了灵魂与活力。龙泽酱园的“全品思维”，同样经受住了市场的考验，广大客户也正是因为龙泽酱品丰富的种类而与龙泽集团结下了不解之缘。
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中式烹调专业论文国家中式烹调技师：王合民论人类饮食“生食、熟食、烹饪”王合民商洛扶贫技工学校摘要：人类的发展历史过程也是饮食文化传承的过程。 人类各民族在不断发展，推动者文化与文明向前进化，然而饮食文化也在推动者社会文明和社会进步。一个国家或民族的生食出现早，熟食进化块，烹饪文化发展时间长，其饮食文化就发达。就我国而言，饮食文明的历程应当从170万年以前的元谋人时代开始。人们的生活烹饪文化的影响之大，烹饪文化就带动了社会文明向前进化。烹饪以三个阶段为基本发展规律即“生食、熟食。烹饪”，在这三个阶段的发展过程中离不开五个基本条件，那就是比较稳定的原料、人工能控制“火”、基本的调味品“盐”、能耐高温而又不漏水的器恤以及能切割打碎的工具。生食进化为熟食包括高度文明的烹饪才能顺利的实施。在实施的过程中也是由粗放简单到细致而复杂。随着生食、熟食以及烹饪的发展和个民族之间的推广传播过程，人类的语言交流、工具的使用，文化传播也在不断增进。因而饮食文化也在不断更新，推动者社会的文化，文明程度的发展。关键字:饮食 生食 熟食 烹饪一、 生食阶段远古时期人们活动范围很小，接受的食物原料液收到一定限制，生食是人类主要方式。以茹毛饮血、生吞活嚼的野蛮生活，与其他动物没有太大的区别。生活区域也是有着部落限制，道德意识自然狭小而自足。“生食“不仅对人类的健康有影响而且给人类社会的发展带来不利，因为人们性格暴躁、野蛮，交流缺乏；经常出现局部内乱和战争，受害者依然是弱小者好妇女，这是生食生活给人类的影响。生食过程，人们意识到生食对健康受到极大影响，卫生也和人类的发展不相适应，因而对群体生活来讲，原料浪费之大，随着每天换回的生食不能很好的保存，大量的食物将因气候的变化腐烂掉，当在人们需禁食时则需要付出采集，没有工具的时期采的东西很少，没有储存的能力，加上人类没有劳动的意识，每天24小时都在不停的吃东西，好像人类远古时期把大部分时间用在吃上。因此对社会的发展，特别是人类的交流、智慧、接触都受到不一定影响，所以人类就开始对雷电、火山、自然森林火灾、动物残骸很感兴趣；当出现类似现象后，人们便集中到有残骸的地方去寻找比生食更有味的食物，同事他们也在对外界观察分析并通过交流、传播来推广这一行为，这就为后来的进化熟食鉴定了基础。二．熟食阶段人类在日常生活打猎的过程中，遇到雷电火山及长期干旱自然形成森林火灾后，发现被烧死的动物残骸，拿回住地，在使用时的口感和生食口感有着不同变化，通过残骸的食用人来好像在仪式上接触了一种新的东西，这种感觉给原始人类带来了新启发和智慧以及人类在寻求熟食的制作途径。随着人类社会的发展，逐步积累了能控制能保存火种意识和能力的存在，为熟食的发展鉴定了重要的基础。因而人类有了熟食的概念和宿愿，在生活中推广和应用，改变了人类以生食为主的生活方式，这是人类文化的一大进步，也推动着社会文化的跨越式进化。从此人类进入了文明的发展时期。在人类漫长的生食生活岁月里，积累了正反两方面的实践经验，同时人类开发自己的智慧。面对生活，将钻木取火这一种发明广传应用，是人类各个部落的取火、用火得到了由简单到成熟，为熟食生活的进一步完善在不停的奋斗着，他们智慧创造出古老的陶瓷器工具来加工熟食，而且进一步在更新工具，有意识的开展生产活动，从而可以想象古人开发概念由陶器制作上升到瓷器的研究，由石器工具刀后来的铁器工具、铜器。尽管时间很长，但人类的研究创造发现和发明无不为明天奋进，就在这一发展熟食的伟大革命中，政治制度也随即产生，经济形势很原始，但是人类渴求发展思维，依然崛起。以原始社会到奴隶主生活奢侈，不能看出人类政治经济初级的简单和商品交换有了初步的形成，说明随着熟食生存方式改变，对人类的劳动能力的租金和规律生活是一大进步，由于政治制度建立人类住所，因智慧的差别和占有自然资源的多少而出现差别，为人类的追求也有更新宿愿，也推动了劳动技术的变化和发展，因而熟食的进化对人类的政治经济起到了推动作用。不仅如此，人类继续用自己的智慧和劳动，不断的追求者美好的未来，在生活、劳动、交流、发展中探索新的生活之路。二、 烹饪阶段烹饪阶段的出现与发展，是因为氏族公社的形成出现了商品原始交换活动，燧人氏发明了钻木取火，伏羲区渔猎牧和人工养殖，神农氏发明了种植，宿沙氏发明了煮海盐，借宿了生食和熟食的的单依性和粗放行为，人们开始改变饮食和生活的新历程，是人类饮食文化和生活的新历程，是人类饮食文化的又一飞跃。这一飞跃，对人类的烹饪带来灿烂的文化，将原始文化上升到新水平，而且有了著名论段，把“火“说成烹调的起源把”盐“说成是调的开始，这是一个真理，无法改变。后来人们要了解这一真理，必须学习历史，尊重历史，新的烹调意愿”享“是简单的熟食过程，随着”火“的利用在烹的基础上来完善意思是人类吃的好一点，随着”烹“的理念就在人们思想中形成了”烹“的概念！也就是说”烹“代替”亨“也是进化过程，从此人类把”烹“就规定下来了，碰的产生被人类认可，开始了发展时期。烹的文化形成，人们对盐的发展和利用没有停下脚步，烹的过程利用盐，烹的依托加上盐“调”的开始，是人类又进一大步，把烹调的理念广为流传。在烹饪大的概念指导和影响下，原料是烹饪的最基本的条件，原料的品种人类要去为它命名，原料的性质要为它去分类，原料的质地要为它去记载，因而出现了《易经.鼎》立于不败之地。享与烹的词语记载《齐民要术》、《食珍录》、《食.经》都面熟了烹饪的过去。而今天的烹饪又是如何呢？首先是八大菜系的形成，丰富了四大菜系流派的不足，到现在传统菜和流行菜品的结合真可谓推陈出新。比如中式菜肴的特点而论：取料广泛选料讲究而受到世界各民族的喜爱，因为我国地跨寒、温、热三带，疆域辽阔，物产丰富动植物原料非常盛产，应有尽有。历代厨师在烹调实践中，并非墨守成规，还善于开发，运用各种类型的原料在外国人看来很不可思议，时至今天，中式菜肴入菜原料足有两千多种。并且还有不少新兴的原料被越来越多地普遍采用，如鸵鸟、火鸟、仙人掌、芦荟等。烹饪原料选料必须讲究鲜活、产地、季节、品种、部位、质量等。以适应烹调方法和菜肴特点的需求。中式菜肴讲究刀工精湛配料巧妙；中式菜肴在烹调中讲究刀工，中式菜肴的刀工、刀法运用是外国厨师绝无仅有的。无论条丝、丁、片、块、段、沫、茸形状通过混合刀法，也可加工成麦穗、荔枝、裹、衣、梳子、菊花等。刀法以达到菜肴的美化为目的，加上中式菜肴的合理配料，从营养、形状、安全、色泽、口味、质量、食疗等方面得以体现。中式菜肴在烹饪上讲究火候，有大火、小火、微火等；早在《吕氏春秋、本味》篇中就有记载…….火为文纪，时及时徐。灭腥去燥除颤，必须基胜、无失其理、知味奇特，适度用火，不得违背用火原理。大、中、小微火交替进行，确保烹制形成爽、滑、酥、嫩、烂、软、糯、浓、弹、韧、硬等不同地口感。创新菜品，讲究盛器；在中式烹调进入盛世时期，由于中国地域宽广，民族历史悠久，文化、习俗各异，使中式烹调形成了多种不同的风味名菜就有5000多种，花色菜品的种类就有上万之多，是世界上任何其他国家所无法比拟的。人们常说，又美食要有美器，就是说没事和美器同样重要上，上等的菜品搭配上精美典雅的盛器，能使其形状锦上添花。用烹饪原料造型文章，雕琢的天地毕竟是有限的，结合原料的自然形色，巧用各种各样的美器，很能表情达意。多种多样的盛器与众多美食，文间大体构成这样的关系：对于整禽整鱼宜用长盘、煎炒爆熘宜用圆碟，汤羹甜菜宜用海碗，精湛闷罐宜淘砂，粉蒸酵点连笼上，刷煮羊鱼宜锅中，酱菜醋姜宜白盏，参翅燕鲍宜华恤。宜大则大宜小则小，或全席之恤，青成一色，或满桌之恤，杂色多形，皆成天趣，食与器的完美结合，充分体现了我国独特饮食文化特色。中西结合，借鉴求新：中式烹调即可在优秀传统的同时还善于结合本软食特点，借鉴西餐的一些先进的东西，主要表现在原料的选择，调料的使用，加热方法的改变和改进剂工艺革新等方面。如咖喱粉、吉士粉、西红柿酱中病改变技法，有的在中式烹调技法中添加西餐调味品；这方面都是保持我国的民族风格和地方特色，利用西餐的优势和特点丰富中餐，改善中餐中不足地方，结合地方特色，创新中介和使古老的东方文化在现代的精工巧艺中发挥出更加灿烂的辉煌。烹饪的诞生，以用火为标志，当人类明确了烹饪的原理和烹饪的规律之后，社会就有了明确的分工，烹饪的名词随即诞生，人类的生活方式于是发生了质的改变。《礼记.礼运》篇记载的“古者未有火化，食草木之食，鸟兽之肉，饮其血，茹其毛”的说法，人类对火源，火的功能认识！即人工取火的技能掌握。为烹饪打好了基础；恩格斯曾经讲过:”火的利用便是烹饪的起源。“因此火是烹饪的第一条件。大约在一万年前出现了陶器石器工具盒盐湖、海盐的发现。人类普遍用盐来使用熟食时”调“便开始了。因此人们说，发现火是烹饪的起源，发现盐是调的开始。有了烹和调，人类的饮食生活发生了质的变化，随着人类生活、生产交流区域扩大人，类发现了原始烹饪的原料，发明制造了许多石器、陶器，工具烹饪打下了走向饮食文明的基础。人类开始了人类社会特别是饮食文化又一新的文明时代，在长期生活过程中，人类对如陶器、石斧、石刀、鬲、陶鼎、陶瓷、骨赘、铜刀、铜釜、铜鼎的制造利用，说明了饮食文明，然而对烹饪的脆性和韧性，烹饪原料的分类利用，以及原料、调料的四性、五味的发明与认识也有了进一步的明确。因此出现了不同类型的加工方式和烹调方法。以我国最早的流派为例，从夏商三代为奴隶社会，商周味列九鼎的豪华饮食文化。以及魏晋南北朝时期《安平公食学》、《食珍录》、《食经》、《齐民要术》，烹饪实现了由术到学的飞跃。由唐宋瓷器的发明完成中国烹饪，色、香、味、形、器的五大属性。元明清时期中国形成了多民族的大融合，继而带来的中国烹饪技术，第二次交流、大竞争、大蓉和、大发展时期。中式菜肴已有四十几种烹调方法中国筵席个人剧也基本产生，饮食的风格形成以鲁苏奥四大菜系风味流派的飞跃使中国烹饪整体格局日趋向实膳食的新阶段。同时人类学会了种植和驯养，有了五菜、五谷、五畜、五果、和五味之说。南朝的酱、姜、蜜、桂、椒等多种品味。烹调也有了烘、烤、烧、煮、蒸的方法。刀工精湛、配料巧妙原料加工整体划一，条、丝、丁、片、块、段、米、沫、茸、型为主要形成手段。烹调上，调味不离三椒，变化精妙一菜一格，白菜百味，必须看到烹饪的分类运用，植物性，动物性，矿物性人工合成性。调味料做助料。以粮、蔬、果、肉、水产、干货加调味品，我国四大淡水鱼养《青鱼、草鱼、鲢鱼、鳙鱼》。四大海水鱼《大黄鱼、小黄鱼、带鱼》为主要。形成了我国烹饪原料，制作出人们喜爱的色、香、味、形、器一应俱全且使用安全，富有特色和营养的中式菜肴，使人类得到真正意义的美食享受。感到中国烹饪文化伟大和独特，把生食、熟食、烹饪的概念应传承下去，为中华民族的伟大复兴贡献力量。
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红色，象征着光明，象征着温暖，象征着力量，象征着未来。当我们坐在宽阔的教室里，一遍又一遍地读那些关于战争年代的课文，当我们坐在火炉旁，听爷爷奶奶讲战争的故事，于是，在我儿时的记忆中，留下了红色的印记。红色基因是我们的根，是我们的灵魂。传承红色基因，让我们的五星红旗永不褪色。“行程万里，不忘初心，牢记使命”，这种信念要坚持下去，对于新时代的我们来说，就必须在思想和学习上拧紧螺丝，自觉做理想信念的继承者。红色基因是中华民族精神的纽带，是中华民族精神的内核。它孕育了著名的“井冈山”精神，“长征”精神。先烈们为了国家独立，民族独立，人民幸福而英勇奋斗，不畏牺牲。他们用鲜血和生命，用信仰和决心，写下了人类史上的壮美诗篇。
红色基因原成于红领巾，中国国旗，战士们的鲜血
多少时代变迁，几经更遥远，在和平之鸽的庇护下，祖国不断向前。当人们刷屏微聊时，当青少年听摇滚乐学着非主流时，那些红色经典是否离我们越来越远？那些先列事迹是否被人们遗忘？不，当然没有，当五星红旗冉冉升起，天空中出现那一抹红色，是那么鲜艳，那么夺目，心头莫名滋生起自豪感来。列宁说：“忘记历史就意味着背叛”，是的，小时候的我酷爱看战争片，一看便起劲，看见王二小被敌人抓去便急得哇哇大叫，一看见鬼子被炸，共产党打胜仗又破涕为笑，嘴里还振振有词，我长大也要杀鬼子，保家卫国，遥想当年的激动。我心中也泛起点点涟漪，遥想共产党当年抛头颅，洒热血，为了一切为前线的决心，是多么英勇的风采。革命先烈，我敬重你们，你们的鲜血，浇灌明日的朝阳，用身躯，铺垫远方的路。前赴后继，视死如归，总是穿梭于枪林弹雨中，和敌人斗智斗勇。在此，便涌现出一大批保家卫国之英雄，那舍身堵枪眼的黄继光，宁死不降的抗日英雄杨靖宇，英烈浩气，威震敌胆的英雄魏，拯民……。太多太多。正是有这些英雄的舍生忘死，才有今天的繁荣昌盛，俗话说“没有共产党就没有新中国，对呀。”漫漫长征路，一路艰辛坎坷谁知道？过草地，翻雪山，淌泥泞，十万八千里，路途之遥远，九九八十一难，克服重重难关，毛泽东在《七律。长征》中写到，五岭逶迤腾细浪，乌蒙磅礴走泥丸。这是多么凛然的气势，穷山恶水，不怕苦、不怕累，正因为共产党员心中有德念，有希望，脚下才有力量。前事不忘，后事之师。今天，我站在长征大桥之上，望车川流不息，贡江的水流向远方，想起一句诗，滚滚长江东逝水，浪花掏尽英雄。路边的小学生佩戴红领巾，成了最美的风景。再向前，在广场上，革命先烈的雕像，栩栩如生，手握枪柄，武装起来，一种大义凛然的正气瞬间弥漫我。有几个孩童正在上面拍照，稚趣横生。党的十九大指出：让红色精神光耀新时代，让红色基因融入时代，是的，泱泱华夏，炎黄子孙，中国人的红色情结与俱生来，它流动在民族血脉里，遗传于民族基因中，我敬仰红色，它是新时代的生命与鲜血浇灌的赞歌，唱响新时代的乐章。如今，祖国以日新月异的面貌屹立在世界舞台上绽放光彩，革命英魂也能含笑九泉，作为新时代的接班人，我们必须传承红色基因，与时俱进，在大江南北展现红色风采。敬重革命先烈，我们是红色接班人