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美术论文选题一：1、解析美术史中“禅画”概念的由来2、探究民国时期美术字的视觉之美3、佛教美术对我的影响4、工业化题材在中西方美术中的体现5、金焕基绘画的韩式情愫对韩国现代美术影响6、基于IPad上的少儿美术APP界面设计研究7、普通高校公共美术鉴赏课程中油画鉴赏教学研究8、传统民间美术在现代工笔人物画创作中的运用研究9、重大历史题材美术创作述评10、林风眠与徐悲鸿美术教育思想比较研究11、西藏传统绘画形式在当代美术创作中应用与实践12、论表现拿破仑的美术作品的典范意义及其现实影响13、高职特教听障生工艺美术专业课程改革研究14、论30年代漫画在中国现代美术史中的地位与价值15、中职电脑美术设计专业校企合作现状与对策研究16、湘潭市A少儿美术教育机构的现状调查与案例研究17、民间美术的造型观念对当代中国油画的影响18、东北师范大学美术学院油画系现状分析及发展对策19、“驯鹿文化”下的鄂温克族工艺美术研究20、凤翔民间美术在新时期背景下的发展途径研究21、梅尔尼科夫与中国油画教育及创作22、油画的笔触和肌理研究23、承传东西造境油画24、20世纪90年代以来中国古典风肖像油画语言研究25、都市语境下的中国当代油画26、比较视域下中国油画审美形态研究27、中国意象风景油画研究28、“马克西莫夫油画训练班”的教学29、油画笔触研究30、二十世纪八十年代中国写实油画语言研究31、依附·探索苏联美术对中国油画教育的影响（1949-1976）32、主流文化对20世纪以来中国油画影响研究33、新疆油画研究34、从审美角度看油画材质表现之韵35、当代中国油画艺术“卡通化”表现形式的探析36、论中国当代风景油画创作的表现意识37、当代中国女性油画家作品个性情感的解读38、中国油画对中国画元素借鉴的演变39、写实油画在中国的发展现状及分析40、论中国写实油画的表现性41、陈抱一绘画与美术教育研究42、文革前多元、开放式的美术个案探索43、“苏州美术画赛会”的源流44、试析陈师曾的美术教育思想45、中国传统美术元素在克里姆特绘画中的表现46、关中民间工艺美术文化生态研究47、临夏民间工艺美术现状与保护研究48、浅析美术学科内跨专业硕士研究生的培养49、抗战宣传画对民间美术的借鉴50、佛山民间美术与现代设计运用研究51、中国传统绘画在中学美术教育中的现实意义52、民间美术对水墨人物画的影响53、中国传统美术元素在儿童绘本中的艺术性和作用探究54、昆仑堂藏《十六罗汉》八条屏的断代与美术史价值研究
提供一些艺术设计类的毕业论文题目，供参考。1.对现代艺术设计的再思考 2传统绘画艺术与现代艺术设计 3浅析CI设计中的企业文化冲击力4包装设计中人文思想的再思考 5标志设计与图形艺术的结合 6平面图形设计中的符号原理 7浅析品牌包装设计 8现代包装设计的文化观 9中国古代图徽与现代标志设计 10.现代标志设计与原始符号情结 11.造型设计与空间的利用12.浅谈住宅发展的趋向13.现代室内设计的发展趋势14.现代与传统的对话15.浅析家居装饰中的表现艺术16.色彩在景观中的应用17.艺术格调住宅18.国传统图案纹样与现代室内装饰设计19.办公空间设计中人性化的探讨20.传统建筑文化在现代空间设计中的应用21.商标标志设计之我见22.色彩设计与广告宣传效果融合23.艺术特性在广告中的把握24.情感设计广告创意中的再创意25.设计风格在品牌传播中的作用26.现代消费心理对广告设计的影响作用27.中华元素在品牌设计中的运用28.浅议中国品牌国际化与本土化问题29.室内设计新趋势30.室内设计中的绿色生态设计
绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文
王蒙的艺术创作风格特点研究分析论文
〔 摘要 〕本文通过对王蒙作品的剖析，来浅谈他的艺术风格特点和精神追求，回顾王蒙的创作形式，王蒙能作诗文、书法，也能绘制人物、墨竹，尤其擅长山水画，并且形成了自己独特的艺术风格，写景稠密，重峦叠嶂，山势多险峻，树木多茂密，结构多严谨，布局多重山复水，纵横离奇。让人虽然没有直面画家本人，但却仿佛直探他内心世界的艺术境地。
〔 关键词 〕皴法;笔法;绘画创作
一、元代社会文化背景
元代建立初期，社会各方面环境复杂、时局不安。外族的入侵统治，导致汉族底层人民的巨大压力。在这种严酷的社会背景之下，当时的汉族文人群体期望通过对诗书画印的研究，得到一种自我认可，可以暂时逃避社会现实。也正因如此，中国水墨画中的山水画得到了前所未有的系统性发展，诗书画印浑然一体，从而使山水画积累了丰富的题材，为后人提供了宝贵的经验。
二、元代绘画创作背景
回顾元代画家的艺术风格，既不同于唐代的精巧，也不是宋初的壮丽和南宋的诗意，而是追求作品本身的内在蕴意和外在高雅，重在笔墨的情趣，与书法的韵味揉为一体，好似画作和书法都是胸有成竹，自然的书写，让画家们对于尘世的无可奈何，转而在寄情山水之中得到心境的抒发，并在精神上得到慰藉和寄托。在元代，绘画用的材料也从之前的绢本渐渐变成了纸本。绢本就比较容易勾勒、点染，而纸本因为本身比较粗糙，笔墨容易出现生涩的感觉，在当时给文人画家增添了不小的挑战，但是较之绢本，纸本的价格低廉适合广大文人墨客使用，因此就形成了元代绘画善用“枯笔皴擦”的笔墨特点，对后世产生重大影响，而王蒙的作品就多为纸本。在元代的绘画创作中，文人艺术创作相对宽松，他们拥有更多的选择余地和发展空间，这就让当时的山水画在笔墨技巧上有了突破，在自然山水中提炼道家精神，以情写意，寄情山水，同时在运用笔墨的干湿浓淡上有了多样成熟的探索结果，让文人的胸中意象有了合适的载体，外化到世人的眼界中去。使元代的文人在脱离不了的现实环境中，寻找到了可以寄托自身思想感情的一片大海。正是在这样的环境因素下，王蒙也借势有了舒展个人理想的机会，虽然王蒙的人生轨迹起起伏伏，但并不影响他为艺术所做的努力，他不仅仅是单纯的传移摹写，而是对绘画有了更深层次的探究，并且推陈出新，尤其在山水画上，对后世影响深远。
三、王蒙绘画创作背景
王蒙和当时很多自学成才的画家不同，他出身书香门第，家庭条件比较优裕，人际关系也很广，从小耳濡目染，受家庭文化氛围影响颇大，在笔墨绘画上天赋超人，造诣极深。王蒙接受的是中国传统绘画技法的系统教育，基础甚为扎实，素质、修养极高。在他的一生中，画过很多的隐居图，这充分体现了王蒙虽然身在官场，心里却一直向往着田园野居的生活，这也代表了当时大多数文人墨客的人生经历和所处境地。
四、王蒙的艺术风格
(一)王蒙艺术特点概况
王蒙师法董源①，巨然②，在笔法上通过对前人的学习，变通，经过自身的实践探索，创作出了众人皆知的牛毛皴等皴法。在山水画的创作中，王蒙采用了全景的构图模式，用远景、全景的取景方式，去表现山水的纵深，和层层叠加的远山，让观者回味无穷。在墨色的运用上，王蒙也是很讲究的，他让线的皴法加上点、擦和晕、染，相互照应，再运用斑斑点点的干墨笔法，使整幅山水画作干湿搭配，笔法的密度上达到密不透风，但给人的视觉效果错落有致，不会感觉不透气，由此产生独特的艺术效果。王蒙在笔法墨色上的运用是他最为代表性的一方面。他把山的变化和水的变化，都归纳到了精湛的绘画技艺之中，运用缜密繁琐的笔触再现了山的多变，其中牛毛皴、卷云皴、解锁皴、小斧劈皴等的运用让画面的形式感更加突出，层次变化多样，也打破了之前的固有章法。王蒙的艺术表现，在解索皴的笔法运用上达到了极致，让中国山水画的艺术高度得到了很大提升。另一个方面，王蒙还将书法艺术和绘画艺术联系到了一起，将二者融会贯通，把书法上讲究的用笔方法，也同样运用到了绘画创作的过程当中，正所谓能画者必善书，书画同源，以书入画。这一观点也是受到了赵孟頫③的影响和启发。王蒙灵活运用了前人的笔法观点，把书法里的笔法精髓转化到了绘画创作上，让山水作品有了更丰富的表达语言，让作者的心中意境可以表达得更灵动。
（二）通过王蒙的代表作品来分析他的艺术风格
王蒙的山水画深受赵孟頫影响，集诸家之长而自成一家之风格体系。他的《青卞隐居图》被董其昌④誉为“天下第一”。总的来说，该画山峰造形奇特是干湿兼备的经典之作，苔点多焦墨渴笔，顺势而下，前景中耸立的灌木林三两成组，繁密交错，但却不堵、不死，把江南自然风光中的枯木、枯树的独特景色表现得独具特色，由此可见，王蒙对大自然有着细致入微的观察，和深深的向往之情。《青卞隐居图》是王蒙艺术绘画风格的代表之作。此作品描绘的对象是王蒙的家乡浙江省卞山的景色。纵观画作，采用全景多透视点的构图，让群山，秀水，茂林，组合在一起，自然界中的植被在王蒙的`笔触组合下，或疏，或密，或湿，或干，穿插呼应，简单的黑白之间，形成和谐的韵律感。王蒙在画作中把绘画上的繁密画风上升到了更高的一面，画面上，层峦叠嶂，从画面顶部贯穿至画面下部，让整体布局稳重，势如洪，气如虹。而组成这些群山的，就是那些密集的笔墨，这就体现出了用笔的趣味。不仅在坚硬的山石上，期间的树木植被，也是笔笔生动。在皴法的运用上，王蒙让笔触满而不塞，各种皴法变化灵活，和谐统一。当然王蒙深知画面中仅有皴法远远不够，墨色的浓淡结合至关重要，所以王蒙在画《青卞隐居图》时，是先用淡墨造型，表现群山植被的外形，并用淡墨渲染，再逐步提高墨的浓度，有的地方会反复多变进行刻画渲染。王蒙这位八百年前的文人，我们现代人虽然未能谋其面，但是通过他的作品，仿佛可以从窗外略窥到他的背影。《东山草堂图》是王蒙四十岁之后绘制的作品，此时王蒙在文人画坛中已经形成自己的独家风貌了！画面近景中间画了两颗葱郁苍劲的松针，墨色变化极为丰富，突显出松针树的灵动性和厚重感，左侧松针树上有苍劲的藤蔓缠绕，一方面和松针树右侧的杂树相呼应，丰富了画面的层次，使之产生强烈的装饰韵味，另一方面藤蔓虽老，新发的嫩叶却生机勃勃，这不禁让人联想到作者王蒙倍受官场束缚的内心世界。近景右边是大面积的留白，下面是一处立在山泥之上的平涯，上有一个弃用的石桌，和左边的众多险峻断崖形成呼应，使画面联系密切，相互关联。中景左侧是从天而下的瀑布，虽然涓细却有直挂谷底之势，直到流去江河趋于平淡。中景的中间部分是章法卓然的山石，不知是大自然的鬼斧神工造就了这层层断崖，还是王蒙心中悟出来的丘壑，配着他独特的解索皴法，节奏缓急、环环相扣。右侧的中景虽是留白，却与远景、近景的留白贯通始终，意味深远，有浩荡之气。整体山石大中兼小、高不可攀，山石的勾、皴、点、染等用笔都极其繁复稠密，这也体现出了王蒙山水画的一大主要艺术风格。王蒙能作诗文、书法，也能绘制人物、墨竹，尤其擅长山水画，并且形成了自己独特的艺术风貌。写景稠密，重峦叠嶂，山势多险峻，树木多茂密，结构多严谨，布局多重山复水，纵横离奇。使观者虽然没有直面画家本人，但却仿佛直探他内心世界的艺术境地。王蒙创造的“水晕墨章”的画法，丰富了山水绘画的表现技法。在山石皴擦上，解索皴、牛毛皴更是让他运用得淋漓尽致。王蒙的一生中画了很多的隐居图，但内心却又是极其矛盾的，一方面混迹官场，渴望得到重用有所作为；另一方面渴望回归到自然中去，与山水草木为伴，与鸟语花香为邻。但终是一生受官场牵连而死于狱中，所以王蒙和元四家中的其他三人，在画面上就有明显的区别，黄公望⑤等人的作品恬静、平和、单纯，有种身处自然之趣，而王蒙的作品就始终不得平静，线条中往往流露出焦躁不安的情绪。
参考文献
[1]董其昌，周文斌，画禅室随笔[M].济南：山东画报出版社，2007.
[2]徐复观，中国艺术精神[M].桂林：广西师范大学出版社，2007.
[3]程大利，中国历代大师名作丛书王蒙、倪瓒画集[M].南京：江苏出版社，1997.
作者:马玉妹 单位:四川理工学院
美术 教育 是素质教育的重要方面，特别在培养创造性思维方面具有其他学科不能替代的特殊优势，所以关心美术教育，为美术教育中的创新。下面是我给大家推荐的美术教育研究论文 范文 ，希望大家喜欢!美术教育研究论文范文篇一 《美术教育中的创造性研究》 【摘要】随着我国教育改革的不断深入，素质教育全面推广，这种理念为美术教育带来了前所未有的机遇。主要阐述基础美术教学中的创造性教育 方法 。本文主要阐述了有关美术教育中的创造性研究的一些列问题。 【关键词】美术教育;创造性;研究 一、前言 随着社会的进步，教育改革也在不断向前推进，素质教育也越来越受到人们的重视，尤其是美术教育，逐渐成为人们关注的焦点。美术教育是素质教育的重要方面，特别在培养创造性思维方面具有其他学科不能替代的特殊优势，所以关心美术教育，为美术教育中的创新。 二、培养学生美术创造的兴趣 在美术教学界，有一个广为人知的 故事 。故事里让中国学生和美国学生在同一堂美术课上画一束鲜花，中国学生的画法标准，花的种类和颜色与真花无异;而美国学生则抛弃了传统鲜花的画法，花的颜色虽然与实际不同，但极富 想象力 ，而且极富美感。这则故事或许是虚构的，但却真实地反映了我国学生美术学习时的困境――缺乏创造力。因此，在美术教育中培养学生的创造力和创造性十分有必要。培养学生的创造力，首先要培养学生美术创造的兴趣，“兴趣是最好的老师”这句话在教育中永不过时，兴趣能够激发学生在积极愉快和自觉氛围中学习，能够使学生在绘画学习中创造性地表达自己的所见、所闻、所想，这样学生的绘画中能够表现出创新的美感，而不是如同拍照般精确。 三、美术教学中创造性的体现---“美术家(艺术家)-作品”本位的创造性教育 美术家是美术作品的创作主体，如果说“创造性”是美术作品之所以能够成为“美术”作品的核心价值，那么美术家创造作品便是充满“神奇”之魅的灵感喷薄并将之物化的这一过程。苏轼诗云：若言琴上有琴声，放在匣中何不鸣?若言声在指头上，何不于君指上听?美术作品便是美术家伸出“上帝之手”，将人类的审美情感物化为可视、可居、可游的图像世界。 当下有一种观念认为：基础教育阶段的美术教学，不是培养美术家或画家的教学。这一观念的误区在于混淆了美术家或画家作为职业分类与精神气息的之间本应有的区分。如果说美术家或画家仅仅作为一种技能性的职业，那么这种观念自有其合理之处，毕竟每个人的心志取向和职业定位有更为丰富与更为多元的自由选择，但紧接的问题是为什么要在基础教育阶段开设作为普修性质的美术课?还要配备“专业”出身的美术教师来实施开展美术教学? 所以美术家或画家更应该是作为精神气息的载体，而创造性便是这一精神气息的核心内容。即使在基础教育阶段，美术教学特别是美术实践的教学之实质便是使学生像美术家或画家那样进行创造性劳动。而这种创造性劳动是人本身就具有但在成长过程中与社会分工越来越细的社会现实处境中逐渐被淡忘、忽略、屏蔽的能力，美术教学便是撞击这份屏蔽、唤醒这份遗忘，也正是在此种意义上，能够更好地理解约瑟夫・博伊斯(Joseph Beuys，1921-1986)所言：人人都是艺术家! “美术家-作品”本位的创造性教育，更多体现在美术实践教学这一模块中，即通过绘画研习、雕塑创作、工艺品制作等等技能性实践活动，实现审美创造性的物化过程，并在这一过程中不断培养学生的动手能力，创造能力与想象能力。此处仅以绘画为例，绘画的最终目的并不是为了精确地再现眼睛中所见到的“客观”世界，而是通过塑造具象或抽象的物事，感受、体悟点、线、面与色彩通过“神奇”的艺术组合成具有审美意蕴的形体，并通过这一并不同于所谓现实世界的形体，揭示、把握人类审美思维与审美情感的奥秘。如果没有相应的技术训练与动手能力的培养，所谓创造力与想象力最终只能沦为空谈。而不诉诸创造力与想象力的技术训练，也只是无法成为美术创作的机械描摹。 四、在美术教育中培养创造性思维 创新思维 不是一门课程，无法在有限的课时内完成教学工作，所以只能潜移默化地培养，美术课堂为学生个性的塑造、创造能力的培养提供了阵地，为创造性思维的开发创造条件也就义不容辞。 1.创造宽松自由的思维环境，培养学生的想象力 创造性思维的产生，必须具备宽松自由的思维环境。若没有“自由”又何来创意呢?而人的创意必须在没有干预的情况下才能发挥潜能。专家提供的求异思维、聚合思维、 逆向思维 等多种 思维方式 都是以“心里自由”为前提的。所以要提供自由的思维空间和自由探究的机会，要尊重不同寻常的看法，尊重不同寻常的想象，所以教师的美术素质与开放心灵对学生的想象力的开发是有益的。 美术教育中的想象大致可以分为两个方面，一是在美术作品欣赏中产生的想象，教师可以通过对作品的分析，启发学生的想象，深入作品的内涵。审美能力的培养与提高主要在这个方面来体现。二是作品创作前的想象，就是构思，教师可以引导学生的思维，激发他们的表现欲望，肯定学生想法的价值，将学生追求成就的过程视作一种成就给予肯定，并通过技术的传授帮助他们实现想法，使他们在表现的过程中享受创作的乐趣。创新思维能力与造型能力的培养应该贯穿在这个其中。 2.提供便利的可利用的实践场所 创造性思维往往与创造活动是相联系的。人们总是在产生了某种创造性活动的动机和欲望，或者在某种创造性活动进行过程中，才可能产生创造性思维。美术作品的创作过程就是思维创造形象的过程，美术教育中这种思维与创造的关系尤为明显。所以在美术教学中要创造建设实践场所，在实践中培养创新思维的能力。 拿中学美术为例，中学美术包括绘画、工艺、雕塑等，每一门类的创作都离不开技巧与材料，需要适当的场地。因此，我们要尽可能地提供实践的场所，提供物质条件。我们一方面可以在校内创造条件，一方面可以与社会接轨，帮助学生实现探索创造的欲望。同时我们要充分地利用现代教学设施，把科技融入教学中，利用现代教学设施，丰富教学内容，为学生的创造性思维开发提供便利。 3.关注学生的个体因素 这就是所谓的因材施教，首先要了解学生的个体情况，关注个体因素在学习中的积极作用。不是每个学生都热爱美术，美术教育并不是一定要把学生都培养成画家、艺术家。但我们应该使每个学生在学习美术的过程中有所收获，特别是在思维方式上，要善于观察，富于想象力。 个体的因素包括 文化 修养、思维的方式与专业素质。文化修养与学习成绩没有必然联系，主要是指学生知识面的大小，兴趣广泛的程度。美术教育中的创造性思维需要文化的修养，广泛的文化基础可以开启联想与智慧。专业素质是指对美术理论知识与技能的掌握，是创新最终得以实现的基础。每个学生都是不同的个体，都有自身的优势与潜力，有的善于动手，有的善于思考，有的善于观察，有的善于表现，教师要善于发现学生的优势，设计合理的教学方式，使学生最大限度地发挥他们的创造才能，让有美术创造潜力的学生能有更好的提高，让美术方面不具特殊潜力的学生能够具有一定的审美修养与美术素质。 4.建立合理的鼓励机制，促发求知的主动性 鼓励机制可以成为创造力产生的外动力。当学校为学习成绩突出的学生设立奖学金时，奖学金在某种程度上便成为学习的动力。现代诺贝尔奖的设立同样促进了各个领域的创造力的开发。各类的美术作品比赛，也鼓励了一部分人的信心与学习主动性。 五、改善美术创造性教育的方法 1.所谓美术创造性教育，就是通过美术教育学生的过程，使学生发现生活的美和艺术的魅力所在，使学生摆脱模式化的事物，发现自然的神秘。在这个过程中要注意几点：合理的利用美术书籍、教材或者其他美术参考书中有很多有价值的东西，要把这部分知识利用起来给学生展示，拓宽他们的思路;另外，老师要善于引导学生，发现学生不正确的理解要及时修正，确保学生审美观的正确发展。 2.要实现美术创造性教育不能急于求成，美术知识和绘画能力是美术学习的基础，只有基础牢固了，学生们才有能力去学习美术，去欣赏美术中的精华。尤其是新课程改革之后美术教材是将理论与实践隐含的合成一条学习的主线，把许多理论学习与绘画实践整合成为一个体系，这虽然在提高美术课堂中美术理论知识学习的氛围，但是这可能会出现美术教学中出现忽视理论基础的情况。忽视理论学习的美术教学是不符合美术创造性教育思想的，没有扎实的基本功，绘画及欣赏能力也不会提高，依然没有达到教育学生审美才能的目的。因此，提高美术创造性教育水平的前提就是打下扎实的美术知识基础，设计出多样的学习形式，逐步完善教学体系。 3.培养学生的创新能力，是美术创造性教育的核心思想。这也是全国校在美术教育过程中的一贯思想。细心的教师会发现，学生有一颗渴望发现的心，学生渴望成功。因此，摈弃那些束缚学生创造性的东西，发现学生的优点并充分发挥，才能培养学生的创新能力。 六、结束语 新课改的核心要求是对素质教育的实施，素质教育是以提高学生的综合素养为宗旨的。因此，在美术教学中，教师要通过采用多样化的 教学方法 和创新的教学机制激发学生的创造性，培养学生创造性思维的能力和创新意识对于学生综合素质的提高和美术素养的提高极有帮助。 参考文献 [1]田立永.对美术教学的探索和思考.科技博览，2010，(22) [2]王芬.美术教育特点及其教育方法[J].知识经济，2011，(4)：101 [3]杨文虎.艺术思维和创作的发生[M].上海：学林出版社，2011， [4]宋晓亮.新视野下的美术教育探论[J].网络财富，2012，(3)：107 [5]毕伟民.试论美术活动对学生创造能力的培养[J].科技信息(学术研究)，2008，27：268 美术教育研究论文范文篇二 《高中美术教育中开展创造性教育的作用》 【摘要】随着当前社会经济的不断发展，教育事业取得了进一步的深入发展，高中美术教育尤为突出。在现阶段，美术深入社会与生活各个领域，高中美术教学有助于提高学生的审美情趣以及艺术感觉。伴随着素质教育的全面推进，在高中美术教育中引入了创造性教育，对于教学效率的提高起着举足轻重的作用。本文主要结合创造性教育的科学内涵，从而具体阐述高中美术教育中开展创造教育的作用。 【关键词】高中美术创造性教育作用 在现阶段，素质教育旨在提高学生的综合素养，随着素质教育的全面推进，美术教育对于培养学生的审美情趣以及艺术水平具有举足轻重的作用。同时，美术课程有助于培养学生的创造能力以及审美能力与实践能力。在新课改背景下，对于学生的综合素养提出了更高的要求，在高中美术教学加入创造性教育元素，已经成为了当前高中教育发展的必然趋势。 1.高中美术教育现状 美术教学模式陈旧 受传统观念的束缚，诸多高校忽略美术教育，诸多教师关注的教学重点是学生专业技能以及专业理论知识的提高，讲究美术学理论以及教学理论的传授，以教学成绩为最终教学目的，教学模式缺少创新意识，教师与学生缺少必要的交流与沟通，没有从学生的学习角度出发，学生自主学习能力低下，缺少兴趣以及热情。 美术教学理念有待更新 在高中美术教学过程中，学校通常偏向于智力于文化知识教育，忽视美育与道德教育，投入巨大人力、物力等资源，旨在提高学生的文化程度，没有重视美术课程的创新。在这种传统理念的作用下，美术课程可有可无，甚至没有被纳入期末考核项目中，不利于提高中学生学习美术的自主性以及能动性。同时，美术理论基础知识难以引起学生的兴趣，学生无法形成系统的认知框架。除此之外，在高考中，美术生所占比例相对较少，因而学生也忽视了美术的学习，学生缺乏美术创造性思维。 美术教学目的模糊 高考制度强调分数的高低，统考决定着学生的未来，为了配合制度的发展，诸多高校对高考上线率的要求较高，因此在高中美术教学中设置了色彩以及 素描 等专业课程，但是缺乏美术基础理论知识课程。基于文化生渴望获取文化知识方面的前要求下，美术欣赏课程不能促进学生创造性思维的提高，在很大程度上制约了学生潜能的发挥。长此以往，在这种教学目的模糊的背景下，无法全面提高学生的德、智、体、美，重视文化，忽略美育，严重束缚了学生的全面发展。 2.高中美术教育中开展创造性教育的作用 有助于提高学生的自主学习能力 开展创造性教育，有助于提高学生的自主学习能力，提高学生的学习积极性以及自主性。在创造性教育中，教师导入自主性与竞争性，鼓励学生勇于探索，满足新课标要求，在培养学生美术技能的前提下尊重学生的个体差异与个体感悟，给学生预留了充分的自主学习空间，有助于激起学生的探索兴趣。例如在学习中国古代 山水画 赏析时，教师要透视山水画特色，引导让学生自主探索并发掘山水画作品中的人文精神，进而感受艺术之美。 有助于营造良好的美术学习环境 开展创造性教育，有助于营造良好的美术学习环境，激发学生的创新意识。良好的学习环境与氛围作为学生学习的关键条件，对于学生学习效率的提高起着巨大的推动作用。教师应加强与学生的交流与沟通，最大限度地挖掘学生内在的潜在，积极提倡民主意识，充分发挥组织与引导作用，用情感感化学生，使学生敢于发表自己的想法，从而帮助学生更好地去探索知识。例如在学习中国现代 人物画 的过程中，可以利用多媒体导入辛亥革命这一历史时期的变革现状，使学生了解中国现代美术发展阶段的状况，即从传统到现代的转变，形成了中国现代美术的特点，结合中 国画 变革特点，开展优秀作品赏析活动，分析各自的艺术特色，从而提高学生的审美能力与创造性思维。 有助于构建和谐的师生关系 开展创造性教育，有助于构建和谐的师生关系。受传统教育的束缚，讲堂作为教师为学生传播知识的场所，教师习惯以自我为中心，从自身角度去传授知识，学生的学习常常处于被动的状态，不利于学生思维能力的发散与发展。因此，将创造性教育理念融入美术教学体系中，摆脱传统灌输式教学模式的束缚，导入师生互动模式，有助于让学生与教师在交流中探索事物。例如在学习中国古代的漆器、玉器以及织绣工艺时，要以学生为主体，教师要充分发挥引导作用，使学生了解传统工艺美术，加深对织绣、漆器基本知识与工艺特点的认识，引导学生创新学习其创作方法。 有助于提高学生的美术技能 不断开展创造性教育有助于提高学生的美术技能。基于充分掌握理论基础的前提下，有助于为学生的自我创新提供广阔的思维空间。在高中美术教学过程中，教师要遵循循序渐进教学原则，采取合理方式加强教育，积极引导学生观察、思维与分析，从而提高学生的基本技能。例如在介绍 清明 上河图时，课前布置学生搜集与之相关的古画、光盘，教师以张贴挂图或者播放光盘为导入，学生能够展开想象，了解风俗人情、桥梁建筑以及道路交通，学习绘画造型与简单技术操作方式。当学生了解以及掌握基础理论知识后，教师可以开展野外写生活动，参观各类画展活动以及书画比赛，在活动中相互交流技巧，有助于拓宽学生的视野空间。 综上所述，创造性教育对高中美术教学中起着不可忽视的作用。在现阶段，要遵循学生的需求规律，教师要不断创新教学方案，积极鼓励学生，认真观察身边的事物，善于发现问题、提出问题、分析问题以及解决问题，培养创造性思维能力。总之，要想培养学生的创造思维，必须要结合创造性教育模式，让学生养成勤于独立思考的良好习惯，大胆创新，充分发挥自身的潜能以及创造能力，从而健全学生的人格。 参考文献： [1]柳建平.议课改中高中美术创造性教学的策略[J].大众文艺，2010(02) [2]吴燕.勿把“手段”当“目的”―从艺术教育三维课程开发的角度谈高考美术教学[J].美术大观，2013(10) [3]戴少宏.普通高中美术课程内容与美术作业设计[J].美术大观，2013(09) [4]姚磊.中职新疆班学生美术欣赏课教学的创新实践研究[J].职业教育(中旬刊)，2013(09) 美术教育研究论文范文篇三 《美术教育在提升学生审美观上的应用》 在新课程标准的教育背景下，随着我国社会的高速发展，教育改革的不断推进，如何更好地培养学生的综合素质已经成为高校教育的重点研究课题，而学生综合素质的一个重要方面就是学生审美观的培养，在这个过程中，美术教育起到了至关重要的作用，它可以引导学生去认识美、感受美、创造美，提升学生的审美情趣，提高学生的审美观念，更好地培养学生的综合素质。 一、提升当代学生审美观的必要性 中国史学家陈寅格先生在清华大学任教时期曾提出过“独立之思想，自由之思想。”这是民国时期知识分子对于独立、自由的渴望，也是中华民族一直倡导的人文精神。在当代教育背景下，对于大学生的要求不再只是单纯地专业知识的提高，还要求学生整体素质的提升，正确的人生观、价值观、世界观是作为社会一份子应该具备的。让学生学会认识美的真正价值和意义，以积极乐观的态度和审美理念看待世界，培养更加适合现代中国社会的审美观念是当务之急。 二、高校教学中美术教育的现状 在中国现阶段的教育体系中，美术教育虽然一直贯穿始终，但是通过各阶段教学中美术教育课程设置的比重的比较，不难发现，在教育的初级阶段，尤其是幼儿教育和小学教育，美术课程占着很大的比重，但是到了高中、大学，很多学生都忽略了它的真正价值，包括家长、教师、学校、社会等各个方面，都未能给予重视，认为美术教育只是单纯地教给学生绘画技巧，认识不到美学对于培养学生审美观念、人文修养、价值观等方面的作用，导致了同学基本都不能在学习生活中培养和建立自己的审美观念，这也是美术教育在大学阶段的一个困境[1]。 三、大学美术教育在培养学生审美观的应用策略 (一)汲取优秀的 传统文化 ，培养学生的传统文化观念和审美思想 在全球经济一体化的社会背景下，中国融入世界的步伐不断加，中西方的思想文化也开始产生了碰撞、交融，人们的价值观也趋于多元化，中国传统文化受到了相当大的冲击，许多优秀的文化瑰宝、道德品质在这个过程中不断遗失，许多学生的审美观念更加青睐于西方，不够本土化，甚至有一些都不够现实，这种现状下就要求高校教育中的美术教育及时发挥它应有的作用，给学生展示我国传统文化中的优秀艺术作品，让学生体会其中的意境，认识到中华民族优秀传统文化的美感、价值和魅力，培养好学生的审美情趣和审美观念，让学生的审美理念更适合中国社会的需求。 (二)搭建多元化的信息资源平台，拓宽学生的审美 渠道 高校教育中的美术教育与教育初级阶段的中小学教育相比有所不同，中小学教育只要求学生的认知和模仿能力，培养学生的想象力和最基础的对生活中美的感受，而大学教育更注重培养学生多元化的审美理念，多层次的发现美、创造美的能力。在大学美术教育过程中，不应只是单纯地绘画，而应该更多地整合信息资源，让学生能够通过更多的作品了解美学的应用，从美术作品中体会各种文化背景下社会思想、人文理念、作者的表达意图和表达方式，感受中西文化的异同、不同作品的优劣、个人的鲜明特点，为加强学生的领悟能力提供更多的背景、丰富的材料、多种途径。充分利用各种社会资源，让学生感受美术知识与社会环境、历史文化、现实生活的有机结合，让学生能够通过多种渠道感知美的存在，提高学生的审美感知能力和人文艺术修养。 (三)由美术课堂的教学辐射到日常生活的感知 目前大学美术教学的方式仍然以课堂教学为主，主要是通过老师的讲述和对美术作品的赏析来传授基本的美术技法和美术欣赏情趣，虽然这种教育方式是当前相对匮乏的资源背景条件下较为合理、较为实际的教学方式，这种美术课程也给予了学生了解美、认识美的基础，了解了美术在生活中的积极意义，但是对于学生来说，美的知识是不能只用课堂上的时间就能学全的。教师在课堂上也应运用现代化教学方式，以学生为主体，多让学生参与到教学过程中来，甚至可以让学生参与教学结果的评价过程，让学生切实感受到审美理念的不同，对比优秀的艺术作品，取其精华，去其糟粕[2]。除了在课堂上采用更丰富的教学方式和教学资源外，还应该结合学生的日常生活，采用灵活的教学方式，给予学生美的实际体验，如野外写生、户外旅游、实地考察、自主设计等，充分利用展览馆、博物馆、标志性建筑、工艺品市场等，在这个过程中让学生体会美术与现实世界的有效结合方式，美术对于社会、人文、政治、历史等方面起到的重要作用[3]。 现在的中国社会在教育、艺术、文化、经济等方面都有了巨大的改变，美的艺术作为一种精神文化，它的价值和意义也发生了空前的变化，它不仅培养人们的审美观念，改变了人们认识世界的方式，而且提高了人们的自身修养，带动了社会文明的进步发展。而学生审美观念的提升就需要高校教育中的美术教育发挥它应有的作用，在实际教学过程中，教师也要及时转变自己的教学方式和教学思想，不要只注重对学生画技的考评，而忽略了培养学生的创造力和艺术修养，同时老师要注重自身的品德文化修养，因为老师是学生的榜样，教师的一言一行、品德素质、价值观念直接影响了学生。学生也要通过多方面、多层次的感受、交流体会美的意义，提升自己的审美观念，提高自己的综合素质[4]。 四、 总结 立足于当前的时代背景和美术教育现状，家长、教师、社会都应转变对美学知识的偏见，改变思想理念，老师应以中华民族传统文化为基础，从中汲取优秀成分，同时参考西方艺术文化，形成对比，体会美学对社会进步与发展的作用，并且从美术课堂的基本教学模式拓展到多种资源结合的现代化教学方式，使学生更多感受美学在现代社会中的应用，提升审美观念，学会用美的眼睛，美的心态来认识社会、服务社会。
谈谈艺术创作的过程 艺术创作是一个复杂的过程，可以分为艺术体验、艺术构思和艺术表现三个阶段。这三个阶段表现为连续的和不可分割的整体。 艺术体验，是艺术创作的准备阶段。它是创作主体在审美经验的基础上，充分调动情感、想象、联想等心理要素，对特定的审美对象进行审视、体味和理解的过程。通常情况下艺术体验包含三部分：材料的储备和审美经验的积累；审美发现和审美领悟的发生；创作欲望的萌动及动机的生成。艺术创作是我们对客观生活的主观认识和能动创造，是主客体的遇合和主客观的统一。只有积累了大量的生活素材，我们才能从中生发出独特的感受激发出强烈的感情，提炼出深刻的思想，创造出鲜活的形象，从而真实的放映生活的本质。在艺术创作过程中我们不是被动的而是主动的，社会生活是艺术创作的逻辑起点，我们要进行创作，就要深入生活，积累生活素材。如果没有生活的原材料，我们是不可能凭空加工，生产出艺术作品的。如元四家之冠的黄公望在年逾古稀之时，还常“云游在外”，以山川为师，随身带着纸笔，时时对景写生，长达数年之久，才创作出著名的《富春山居图》。石涛说：“搜尽奇峰打草稿也。”这些都是饱含创作艰辛的经验之谈画家达·芬奇认为艺术家应当“自然的儿子”，不要当“自然的孙子”，就是要直面生活在大自然之中，寻求创作的源泉，而不要与自然成“隔代”的间接关系。他为了创作《蒙娜丽莎》，表现那富有魅力的一笑，他运用解剖知识，研究笑的规律，还有大自然的微妙变化。在长期的感受与积累中，他终于从微风吹拂的流涟的湖水中受到了启发，创作了举世谜人的微笑，表现了高贵端庄的娴静之美。。 艺术构思，是指艺术创作者在艺术体验的基础上，以特定的创作动机为引导，通过各种心理活动和特定的艺术思维方式，对原始素材进行加工、提炼、组合，在头脑中形成艺术意象的过程。艺术意象是艺术创作者的审美情感与客观事物相融合的产物。它是艺术创作的中心环节和关键一步。在艺术构思中最重要的确定题材和主题。题材是主题的载体有了优秀的材料才可能更好的表达深刻的主题。主题是题材的灵魂。在创作中，这两者互动互进，辩证统一。确定了主题和题材后，还要提炼情节，更好的展示作品的内容，还要考虑用恰当的结构将他们构造成有机的艺术整体，提升作品的艺术水准。艺术构思的方法是多种多样的，有典型化 简约化 变形化 夸张化 陌生化。法国印象派大师莫奈，曾对一个稻草垛不惜花巨大的精力观察与研究，他根据朝、夕、明、晦、春、夏、秋、冬等不同光照时间进行反复地写生，研究不同的光色变化，终于创作了15幅不同色调的《稻草垛》。这一切都是“外师造化，中得心源”的结果。没有训练有素的眼力和灵敏的心灵，是无法创作出这微妙变化与差别的作品的，也无法去捕捉美丽的光和色。 艺术表现，是指艺术创作者选择并运用特定的艺术语言，将自己艺术构思中已经基本形成的艺术意象最终呈现为物态的存在，使之成为具体可感的艺术形象或艺术情境。它必须遵循形式服从内容和形式美的双重原则。脱离内容的艺术形式是没有价值的。艺术构思是“形之于心”，艺术表现则是“形之于手”。巧妙的构思不等于就有精美的作品。因为艺术构思是一个充满艰辛的心里运作过程。艺术表现则是更为坚辛的实际操作过程。艺术表现不仅是艺术构思的的实现过程也是艺术构思的深化 充实 修正和提高的延续过程。艺术技巧是 实现艺术构思的手段，在艺术表现中起者举足轻重的作用。 我们可从中领略绘画创作的甘苦与追求。正如宗白华先生所说：“人生有限，而艺境之求索与创造无涯。”愿我们以此来勉励自己，使每个人的艺术思维之花常开，纷芳留香。
体验生活，从生活中来，对于生活中某一件事情给与你的突如其来的灵感，加以捕捉，创造，再用艺术的手段表现出来。题目可以：从生活中来，到生活中去，(*^__^*) 嘻嘻……，很平实吧！
美术作为艺术的最直接表现形式，其不仅给人带来视觉上的享受，而且还是一门深刻的艺术课题。下文是我为大家搜集整理的关于美术生 毕业 论文的内容，希望能对大家有所帮助，欢迎大家阅读参考!
浅谈美术作品中的地域 文化 特色
摘 要：不同地域文化特色在艺术领域产生了丰富多彩的审美层次，本文从分析地域文化特色对美术创作的启发着手，重点以三峡民间美术图像、藏族主题美术和新疆主题美术为例，解析了美术作品中地域文化特色的体现。
关键词：美术创作;地域;文化;特色
我国疆域辽阔，多民族文化并存，长期以来，形成了不同地域文化下风格迥异的艺术流派，对于美术创作而言，不同地域文化所衍生的民风民俗、特色建筑以及自然风光，都给美术创作提供了不可或缺的创作素材。
一、三峡民间美术图像的文化特色
三峡民间图像是涵盖了以巴楚文化在内的长江流域一带的民间文化所形成的地域性民间美术，其总体内容大致可分为三大部分：第一部分为注重实用功能的民间艺术，包括了劳动者衣、食、住、行所需的实用性装饰艺术品，如民间扎缝编染、民间建筑等;第二部分为注重观赏功能的民间艺术品，有民间雕塑、民间绘画、民间书法、皮影、刻板印画、捏塑等;第三部分为注重祭祀礼仪的民间艺术品，包含节令用品、年寿用品、祭祖用品、祭神用品等。众多分们别类的三峡民间美术却有着共同之处，那就是诞生于勤劳勇敢的三峡人民之手，也造福了子孙后代，并通过美术作品记载了悠久的巴楚文化。
以三峡民间美术图像“梁平 年画 ”为例，梁平年画起源于十七世纪明末清初，有着三百多年的历史，它的艺术特点不同于绵竹年画的浓艳鲜亮，又异于杨柳青年画的细腻典雅，又别于山东潍坊年画的明快活拨，显得朴素凝重，浓艳深沉，表现出独特的古朴粗、浑厚野俗之美，独显巴渝山民特有的纯朴慈厚气质。梁平年画的内容常以传统题材为主，表现手法极浪漫，用色大胆，对比强烈，整个画面简洁明快，梁平年画的图像元素可为现代设计所用，例如在表现手法上，运用精炼的线条概括出生动的造型;运用鲜明的色彩，形成强烈的视觉冲击;运用夸张A对比，形成浓厚的装饰性和趣味性。在现代设计之中，巧妙地运用这些图像特征及元素以使现代设计更加具有艺术价值。
当然，梁平年画只是三峡民间美术长廊中的微微一角，除此之外，梁平门神、三峡民间竹帘、三峡民间皮影、 刺绣 、挑花、 雕刻 等等，都展现了不同历史时期，三峡地区的自然环境、社会环境、宗教信仰和民风民俗，表达了巴楚人民对生活的美好向往。
二、藏族主题美术作品中的乡土文化特征
藏族独特的自然气候和地理环境造就了其独特的乡土文化，相对于汉族而言，藏族的乡土文化更体现在农牧生活中，比如高原、草地、牛羊和青稞麦，而描述这一类乡土文化场景的美术作品有李焕民的《初踏黄金路》，表现了藏族农民喜获丰收的壮观场景，还有周春芽的《剪羊毛》，展现了藏族人民日常劳作的画面。
朴实和本真的藏族儿女也是藏族乡土文化的代表之一，著名画家陈丹青在在《进城》、《牧羊人》、《康巴汉子》等作品中，描绘了一个个藏族男女，但令人印象深刻的是，画中的主人公并没有很具体的身份，不是英雄不是劳模，他们作为画面形象只在于一个简单的理由生命的存在，用作者自己的话来说就是他们站着，就是一幅画。
除此之外，藏族乡土文化还表现出对传统和原始生活的探究，美术作品《扎西德勒图》也充分展示了藏历新年的传统民俗风情，这幅壁画展现了人物71位、动物49个、吉祥图案和节日用品100余种，全图中心为吉祥双斗、白色羊头、青苗及各类吉祥物周围为跳锅庄舞的藏族男女。家家团圆，吉祥如意的新年主题在画面上铺开，充分反映了藏族 传统文化 的丰富魅力。
三、新疆美术作品中的民族风情
在新疆这片热土上，生活着质朴的各个民族，他们的衣食住行独具民族特色，比如绚丽多彩的各式地毯，精巧别致的手工艺品，飞奔的马群，四季飘香的瓜果等等。以这些为创作素材的有很多作品，其中不乏油画创作，如阿不都克里木?纳思尔丁的《摇篮曲》、柴新春的《天伦之乐》、白昆亭的《维吾尔妇女》、张怀的《伊犁姑娘》、卓然木?雅森的《赶集》、玉素甫江?拜尔地的《于田人》、毛玉龙的《伊犁人家》等等。其中阿不都克里木?纳思尔丁的油画创作《摇篮曲》，此幅油画创作体现出艺术家善于挖掘生活中非常入画的题材表现，能捕捉容易被人们所忽略的那种美好。作品描绘出了一种少数民族平凡的生活场景，一位柯尔克孜非常年轻的母亲正在摇篮旁边，为孩子吹着舒缓的摇篮曲。通过以美术创作的形式，艺术家让如此寻常的场景就能深深地打动观者的心弦，更从作品中流露出作者对于生活的挚爱。
另外，节日是新疆少数民族文化意味最为浓郁的一种精神状态，像维吾尔族的“肉孜节”，“古尔邦节”，哈萨克族的“诺吾鲁孜节”，回族的“圣纪节”，塔吉克族有“祈脱齐地尔节”，柯尔克孜族有 “诺鲁孜节”，“巴罗提节”，他们的活动丰富多彩，新疆美术艺术家在感受不同民族节日的同时，必然会时将这种节日的气氛融入自己创作中。诸如赵培智的油画创作《盛装》，刘建新的油画创作《欢乐的日子》，就是以此为内容的绘画作品。由此可见，尽管新疆自然环境相比内地艰苦一些，有着恶劣的气候，贫瘠的土地，但人们在这样的环境中更加激发了对生命、生活的渴望，并通过绘画这种方式，来表达对生命的崇敬、对生活的热情，在精神世界寻求另一种寄托。
四、结语
当然，巴楚地区、藏族地区和新疆地区只是我国特色地域的一部分，更是世界范围内地域文化的沧海一粟，每个地区都有气质独特的历史轨迹和挥之不去的文化记忆，而文化是艺术家创作的底蕴，是作品的精神和灵魂，是根脉。古往今来，深厚博大的地域文化生长出了无数鲜活、生动的文学艺术作品，宛若群星璀璨，闪烁在历史文化的天空。
参考文献：
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论文艺复兴时期美术的意义
摘 要：世界美术史上具有划时代意义的时期即是文艺复兴时期，这个时期绘画的表现主题受到了人文主义思想的影响，虽然宗教题材所占的比例较大，但是这种思想推动和成就了一批美术大师，这一时期的美术作品影响了全世界美术的发展。
关键词：文艺复兴;人文主义;美术
14世纪在意大利兴起的文艺复兴运动，推动着时代向前迈进，随之在15世纪影响了整个欧洲的思想，一场空前的思想复兴解放运动蓬勃发展起来。这场运动是欧洲文学和艺术发展的一次飞跃，也成就了欧洲科学技术发展的黄金时期。并推动了欧洲历史文化的大繁荣时代的到来，历史学家把这个时期称之为为古代希腊、罗马文化在经历了近千年的黑暗与衰落之后的再生时代。
一、文艺复兴时期美术是一种社会意识形态的进步
中世纪时期欧洲人们思想愚昧，社会文化落后，社会等级非常森严，会就趁虚而入，基督盖地的深入到了人民中来，宗教开始影响人民的生活和画家的表现题材。当然，这个时期的画家选择绘画自然题材作品不单是表达自己对自然的热爱，更多的是通过自然题材的形象来象征传达自己内心的宗教信仰。以形象的自然刻画来表达内心精神的真实，这种绘画特点在这个时期普遍存在。
“文艺复兴”运动出现的根本原因是资本主义的萌芽的出现，文艺复兴给人们一次思想大解放，推动了历史前进的步伐，同时，也促进了科学技术的飞跃和文化艺术的繁荣。资本主义萌芽时期的生产关系发生变化，资产阶级需要建立新型社会模式，宗教控制模式已经严重阻碍了资本主义生产关系的发展，资本主义社会需要崇尚自然和科学，更加注重体现人自身的价值。随之，美术也要冲破封建宗教意识，开始注重“人性”和对人自身的表达，开始真实地表达真实的自然世界。
终于冲破“神性”和宗教的束缚，表达“人性”的美好。达?芬奇的著名美术作品《蒙娜丽莎》就是那个时代典型女性的作品，画面是以风景为背景，女性形象蒙娜丽莎呈现出无尽的优雅气质，脸庞上稍有微笑，却又有着若有有无的悲伤。达?芬奇刻画了一个内心情绪复杂、面庞带有微笑却又夹杂忧伤的少妇形象。这已经不再是宗教题材的人物形象了，不再是神的传播者了，而是崇尚人自身美感和内心情感表达，所以，这段时期的美术作品都富有鲜活的生命力，饱含着艺术家的灵感，同时也是美术发展史上一个重要的时期，为近代美术的产生和繁荣奠定了坚实的基础。
二、文艺复兴时期美术在思想和形式上的解放
在中世纪时期，人被压榨的无所作为、消极和自卑，人的价值根本就是微不足道。而文艺复兴时期提倡的人文主义思想， 大力提倡人性要得到解放，人需要自由，需要关注人自身的价值和创造力，打破“神性”的束缚，实现“人性”的解放和追求;关注人的现世生活，重视对人的个性的关怀，强调维护人性尊严，主张自由平等和自我价值体现。反对中世纪的宗教神学主义和禁欲主义，强调追求物质幸福及肉欲上的满足。因此，这一时期的人们转而关注自身及个性，对生活的追求也变得世俗化。人文主义思想也给艺术家带来了重大的影响，指引他们在思想上进行了一次深刻的变革。
他们不再受到宗教的管制和束缚，不再有打压，变得大胆起来，敢于在绘画作品中勇敢表达自己的观点，表达“人性”，表达自己对人的自由的追求，对人自身的关注。如威尼斯画派著名画家提香的名作《乌尔宾诺的维纳斯》，它是一幅女性的裸体画，其中的女性形象不再是像之前中世纪时期的作品一样，不再是神圣得高高在上的样子，而是像普通世俗生活中的少妇。提香不仅将画中人物表现成清醒的模样， 而且眼神中充满了企盼的神情。提香的这幅作品是对禁欲主义权威的挑战，体现了人类肉体的生命力，同时还表达了肉体的诱惑，而这些都体现出了作者受到人文主义思想的深刻影响。
三、文艺复兴时期美术在画材和技法上的突破
技术创新，是文艺复兴时期一个重要方面。其中，在美术上最为显著的技术创新之一就是15世纪尼德兰画家扬?凡?艾克对于油画技法的革新。中世纪时期的画家在绘制油画作品时，一般采用蛋彩颜料。由于这种颜料会在几分钟内干掉，画家在作画时就会受到很大的局限。他们必须在画板上一小块一小块地迅速作画，而这不利于画面长时间的精细刻画。直到15世纪初用油作为媒介剂调色的技术才引起艺术家们的普遍重视。当时的调色油多以蓖麻仁油做媒介， 但这种油干燥时间过长，延长了绘画的制作周期。
扬?凡?艾克首先在曝晒浓缩后的蓖麻仁油中掺入一定成份的具有挥发性的植物油，这样配置的调色油干燥时间大大缩短，这样画家在作画时限上不再受很大的局限，有利于长时间的精细作画。颜料的透明性赋予了他的绘画珠宝般的质地，它们似乎能从内部发出光亮。例如他的名作《根特祭坛画》，每一个细节都以自然写实的手法栩栩如生地描绘出来，这种表现手法是以油彩的发展为前提的。尼德兰的油画技术传入了意大利， 并在意大利发扬光大，意大利的威尼斯画派在油画的依托材料上又进行了革新。
综上所述，文艺复兴时期的美术在整个美术发展史上具有划时代意义，它是美术史上一个重要的时期，为近代美术的发展奠定了基础，指明了方向。
参考文献：
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紫藤盆景艺术创作研究论文
摘要： 从紫藤选择、前期培育、艺术创作等方面阐述了紫藤盆景的制作方法，用紫藤作盆景提高了紫藤的观赏价值，为紫藤盆景的爱好者提供创作依据。
关键词： 紫藤盆景；选择；艺术创作
紫藤（Wisteria）又名藤萝，蝶形花科，紫藤属。紫藤为攀援植物，茎蔓柔软弯曲，紫色的总状花序，摇曳在稀疏的嫩叶间，十分优美，形如豆荚的果实，悬垂枝上不脱落，随风飘舞，别有情趣。自古以来紫藤成为人们咏诗作画喜爱的题材。紫藤在园林绿化中也被广泛应用，只是由于其长势相对较慢，故而栽培量不多，市场上呈现出供不应求的态势。但近几年来，随着生活节奏的加快，人们更加向往自然，渴望美好事物，不再满足单一的园林绿化植物，紫藤作为少有的紫色花的植物脱颖而出，尤其紫藤盆景通过造型加工，增添了其独特的艺术气息和神秘感，受到广大市民和盆景爱好者的追宠，与传统盆景和盆栽植物相比，有着更广阔的潜在消费市场。本文从紫藤选择、紫藤处理、盆景创作等方面进行了较为系统、全面的探讨，对提高紫藤的观赏价值，更加深入地研究紫藤的造型技艺以及为紫藤爱好者及紫藤盆景造型学习者提供依据。
1紫藤盆景的涵义与特点
紫藤盆景的涵义
盆景是表现大自然优美景观的一种造型艺术品。依其构成的基本素材，可以将其分为植物盆景、山水盆景和树石盆景三大类。紫藤盆景属于植物盆景。紫藤在中国自古即作庭园棚架植物栽培，是优良的观花藤木，一般应用于园林棚架[1]。而近年来紫藤是盆景造型的重要素材，紫藤盆景是选择长势良好、观赏价值高、株形矮小的紫藤，配以优美的盆钵，进行上盆、栽植、养护，通过蟠扎、修剪等艺术手法，塑造优美的紫藤造型，展现紫藤盆景的自然美、人工美与意境美。
紫藤盆景的特点
紫藤作为新兴的盆景素材，深受人们喜爱，主要有其独自的特色。
寿命长、生长快、耐修剪
紫藤寿命长，生命力旺盛，是制作盆景的良好材料。但紫藤为攀援藤本植物，经常抽生很多长枝，而且生长较快，影响紫藤造型，所以生长期要及时剪除徒长缠绕的枝条，保持其造型；花后要及时剪去残花进行整枝修剪；休眠期剪去枯枝、病虫枝及过密枝等。为培养树型，也要及时剪除多余萌薛、分枝，促成树型形成[2]。地栽紫藤生长速度快，应年年加以修剪。对当年生新枝适当引绑，使其在架面上均匀分布。
观赏价值高
在观赏价值方面，花絮较大，紫色花絮下垂，如紫色瀑布，观赏性强，深受大多数人喜欢。并且具有特殊的寓意：沉迷的、执着的、缠绵悠长的爱，最幸福的时刻。对恋人的依依不舍，醉人的恋情，依依的思念。
养护管理方便，适合室内摆放
紫藤抗性强，长势旺。其盆景管理粗放，适合在家庭、办公室、酒店等室内摆放欣赏，紫色的花絮深受人们喜爱。
2紫藤盆景艺术创作
紫藤选择
紫藤全国各地均有栽培，资源丰富，种类繁多。但可以作为盆景栽培和加工的品种通常为观赏价值较高、植株矮小、耐修剪的类型，如南京藤、一岁藤等[3]。另外，在同一种类中要选用根茎粗大古朴、干形弯曲变化自然，婉若游龙，又易开花的紫藤老茎。
前期培育
从荒山野外直接挖取的紫藤往往不是理想的盆景素材，所以通常需要人为加工处理培养适合的盆景材料。前期培育主要任务是选择较好的.紫藤树桩和较好的开好品种。
紫藤树桩的培育
直接选择此法最直接省时，但机会难得。所以只要选择紫藤树桩较为粗大，树干弯曲变化、自然流畅，树形较为古朴优美即可进行精心培养。
扦插繁育此法较常用，因为很难找到好的树桩，所以通常选择弯曲变化自然的紫藤粗干，进行扦插繁殖，要保证插条健壮无病虫害，插穗的长短根据插条的弯曲变化、植株大小等需要来确定。然后按照扦插繁殖的操作程序进行扦插繁殖，细心养护管理，成活率较高[4]。
嫁接繁育有些紫藤树干虬曲多姿，古朴自然，是良好的盆景树桩素材，但不一开花，为了提高其观赏价值，春季可以在紫藤桩头、插段新枝上嫁接叶片小、节间短、色泽美、易开花的多花紫藤品种。
紫藤的人工造型紫藤作为藤本植物长势快，其盆景造型以修剪为主，蟠扎为辅，目的在于充分表现其简朴的自然形态。
造型修剪枝条修剪，主要在落叶后至第二年萌动前进整枝造型，去掉病枝、弱枝、过密枝条，一般留3～5个主枝，花后进行短截，每个枝条留5-6个芽。枝条要上下错落，避免单调，层次宜少不宜多。由于紫藤的花序下垂且较长，因此要适当剪除部位较低的枝条，以便提高开花部位，使开花部位上移，花絮都围绕在主干主枝周围，这样树形紧凑，观赏效果最佳。
抹芽摘心抹芽摘心是紫藤盆景造型的关键,根据盆景造型的需要,每年要进行多次抹芽和摘心。尤其春季萌发后，根颈部会产生很多萌芽，为减少养分消耗要及时抹芽，同时去除徒长枝和直立枝条。紫藤长势较快，为了控制树形，有利于营养积累,同时促进花芽分化，一般在花后新枝上7～8片叶处进行摘心。
去残花开花后，应及时摘除残花，减少养分消耗和病菌的发生。
艺术造型
盆器及盆土选择
紫藤盆景宜用紫砂陶盆，考虑紫藤花色，其盆器色彩以选择浅色和素色为适宜；而盆的大小主要根据紫藤植株的大小而定，盆的形状根据造型特点选用较深的多边形、圆形、正方形盆，或较浅的长方形、椭园形盆。紫藤对盆土要求不严，但作为盆景常选用腐叶土或肥沃且排水良好的田园土等，掺拌适量河沙和腐熟有机肥。另外可结合盆钵配以雅石，制作成附石式紫藤盆景。
艺术构思与技法
平面布局作为树桩盆景，紫藤盆景在布局上，多采用单株造型，少有数株丛植，若丛植配置，要求高低错落、疏密相间、前后有致，忌不分主次和绝对对称。
主干造型主干造型通常有单干式、双干式、三干式或多干式，紫藤以单干式为主，造型形式可采用直干、斜干、曲干、垂枝式、和悬崖等形式，还可配制成附石式。
枝叶造型作为藤本植物，通常采用垂枝式，确定主干高度，适当提高分枝点，形成层次分明结构，避免两侧绝对对称，尽量保存叶片完整。小枝及叶片可用金属丝或棕丝蟠扎、吊拉造型，控制小枝长度。
根式造型对于一些紫藤根具有较高观赏价值的品种，通常可以做成提根式盆景。
配植点缀一盆好的盆景除了造型外，也需要点缀配置进行美化。上好盆的盆景，裸露的土面影响美观，所以经常种植青苔或低矮的地被植物满铺盆面，并配以适合的小型彩色植物形成高低错落的自然景观[6]。由于紫藤为藤本，下部较空，可根据造型选择适合的观赏石或其他的园林小品配件进行点缀，但配件和观赏石都要选择适合的大小、比例，以免造成比例不当，破坏整个作品。另外，配件应以素雅自然、古朴为好，切忌选喧宾夺主，因此要小而精。作品完成后，根据创作立意，进行合理命名，起到画龙点睛的作用。
3结论
盆景树桩的选择
创作紫藤盆景选择树桩非常重要，宜选择主干粗壮、弯曲变化、苍老古朴、枝叶繁茂的树种，以易开花，花絮优美品种为主。
修剪定形
修剪定形是紫藤盆景不可缺少的培育阶段。盆栽前期以培养树型为主，及时剪除多余枝条、过密枝条、萌蘖枝等，促成树型形成。已成型的盆栽紫藤，生长期要及时剪除徒长枝、直立枝、交叉枝、过长枝条及缠绕的枝条等，花后剪去残花；休眠期剪去枯枝、过密枝等。
艺术造型
艺术造型是紫藤盆景制作的核心，在造型原则、造型技法、盆钵的选择、观赏石的配置以及园林小品配件的点缀，甚至护盆花草的搭配等方面要综合全面的考虑，根据不同的紫藤品种具有的特点，采取不同的艺术造型手法。
盆景养护
盆景制作后的养护是关键，不同于普通的盆栽管理，水肥的管理要适当，在盆景上更能体现“薄肥勤施，少量多次”的施肥原则的重要性，而水分的管理要注意浇水的方式，尤其要注意空气湿度。而花前花后，日常要保持紫藤叶片、花絮清洁、明亮、健康。
参考文献：
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艺术创作与创作者的心理活动关系密切,人格特征对艺术家创作的重要性
研究方向首先要与本专业相关，是该专业下的某一领域。2、其次选择自己较为感兴趣的方面，兴趣是最好的老师，当然也不能忘了考虑本身的实力，尽量选择在自身能力范围内，毕竟这个研究方向最后会导致论文结果的好坏，所以超出能力范围太多，就无法实现，无法得到结果。同时这个方向也要结合实际，结合当下的研究热点。最后综合考查。论文的研究方向怎样填?1、了解自己感兴趣的课题能够研究自己感兴趣的内容是一件很幸运的事情。日常学习与翻阅专业文献，可以帮助你更好地找到自己的兴趣点。有了感兴趣的内容，就要付之实践。首先是查找相关资料，通过知网等工具可以轻松地检索到自己感兴趣内容的相关文献，当然还可以通过百度、谷歌等浏览器以及图书馆等社会资源下载所需文献。有了详细的了解之后，再考虑是否要进行更深层次的研究。2、明确导师的研究方向了解导师制定的研究方向和预期目标是确定研究内容的又一行之有效的方法。首先，应当详细地了解导师的研究方向。其次，如果是导师给出的研究方向，那么一般是可行的；这时我们就要积极与导师沟通，了解导师对于该课题的想法；在进行充分、有效地交流之后，我们就要对导师提出的建议进行认真考虑，可行度较高的话，就可以着手开始搜集资料，为论文完成打好基础。3、确定研究思路和计划“书读百遍，其义自见”，通过与导师、学长学姐的沟通，我们可能会对这个课题有一定新的认识，确定了研究方向之后，就要对近几年的文献进行更深的了解。精读和泛读相结合，同时对论文的主要观点、论证方式进行记录，同时要进行思考研究课题目前存在的问题以及需要改进的地方，形成一个完整的研究计划。
狄德罗戏剧表演理论研究 狄德罗（1713-1784）是十八世纪法国启蒙运动重要领袖。他不仅创作出两个戏剧剧本，而且还写了多篇剧评文章。《演员奇谈》是他晚年在戏剧创作以及戏剧评论方面经验积累的基础所写的一篇著作。在这篇著作中狄德罗研究了西方戏剧演员的表演问题。他认为演员在舞台上应该保持清醒和理智的头脑，不动感情地将事先已塑造的“理想的范式”恰如其分、准确逼真地显现出来，使观众产生身临其境的幻觉效果，从而让他们受到启蒙思想的道德教化。这种戏剧表演理论与他的唯物主义哲学、美学思想有其内在一致性，笔者将结合他戏剧表演理论的思想渊源对其表演理论进行评析。 一、狄德罗戏剧表演理论的思想渊源 狄德罗的戏剧艺术思想极大地冲击了长期在欧洲占统治地位的古典主义戏剧，建立了为资产阶级服务的戏剧形式。他的哲学、美学及戏剧艺术思想深刻地影响着他的戏剧表演理论，狄德罗戏剧表演理论产生的思想渊源主要来自三个方面： 1．狄德罗的哲学思想。狄德罗提出许多唯物主义和辨证法的哲学主张，他坚持世界统一于物质，物质是在时空中永恒发展和普遍联系的。自然和社会具有不以人的意志为转移的客观实在性。他的唯物主义哲学思想在反宗教和封建制度、宣传启蒙思想等方面取得了很大的历史功绩。狄德罗与当时其他启蒙思想家一样相信人类可以凭理性进入自由、平等、博爱的王国。 2．狄德罗的美学和艺术思想。狄德罗对美的看法与他的唯物主义思想有其内在联系性。“美总是由关系构成的”[1]P31“我把凡是本身含有某种因素，能够在我的悟性中唤起‘关系’这个概念的，叫做外在于我的美；凡是唤起这个概念的一切，我称之为关系到我的美。”[1P]25也就是说“美在关系”中“存在着两种美，真正的美和见到的美。”[1]P25 外在于我的美即真正的美虽然因关系而显现，对于“身心构造和我们一般可能有的人”而言，外在事物的美也有其客观实在性。如“不论我想到还是没想到卢浮宫的门面，其一切组成部分依然具有原来的这种或那种形状，其各部分之间依然是原来的这种或那种安排；不管有人还是没有人，它并不因此而减其美。”[1]P25他认为自然是文艺的源泉和基础，文艺的本质是对自然逼真地摹仿，他讲的自然就是客观的物质世界，包括自然界和全部社会生活。同时他又认为艺术的真实并不是现实的再现和抄袭，艺术的真实并不排斥想象和虚构，这些想象和虚构要符合自然和现实社会生活的情与理。“为了真实，哲学家说的话应该符合事物的本质，诗人说的话则要求和他所塑造的人物性格一致。”[1]P196“艺术中的美和哲学中的真理有着共同的基础。真理是什么？就是我们的判断符合事物的实际。摹仿的美是什么？就是形象与实体相吻合。”[1]P114揭示自然和现实社会生活的本质及其规律的艺术就是美的。 3．狄德罗的戏剧艺术及戏剧表演思想。狄德罗将道德教化作为戏剧的主要功能，而要产生道德教化的效果，就必须把戏剧的情节和人物性格摹仿得逼真完美，从而打动观众的情感。他认为戏剧能“引起人们对道德的爱和对恶行的恨”。[1]P106“只有在戏院的池座里，好人和坏人的眼泪才融汇在一起。在这里，坏人会对自己可能犯过的恶行感到不安，会对自己曾给他人造成的痛苦产生同情，会对一个正是具有他那种品性的人表示气愤。当我们有所感的时候，不管我们愿意不愿意，这个感触总会铭刻在我们心头的；那个坏人走出包厢，已经比较不那么倾向作恶了，这比被一个严厉而生硬的说教者痛斥一顿有效得多。”[1]P137戏剧有让大家认识事情真相、人物善恶的功能，是教育而不是娱乐，是认识而不是感受，所以他要求演员表演出角色的真实情境而不是真实情感。 狄德罗作为资本主义启蒙运动的思想家，他突破了古典主义戏剧体裁，建立适应资产阶级需求的、介于喜剧和悲剧之间、以现实生活为题材的严肃剧，也就是“市民剧”；同时他也反对古典主义戏剧的等级区分和清规戒律，但仍认为三一律存在的必要性。“三一律是不易遵循的，但却是合理的。”[1]P45也就是说他变革内容的同时却还保留着某些形式。以上可见他在戏剧的功能、戏剧的规范等方面还不能完全摆脱古典主义戏剧的影响。 二、《演员奇谈》的戏剧表演理论 狄德罗的戏剧表演理论体现了他的哲学、美学、戏剧艺术思想中客观性、理性的一面。他认为演员要对扮演的角色进行钻研揣摩和艺术加工，通过塑造达到“理想的范式”，然后演员表演之时不动感情，保持清醒和理智的头脑，将“理想的范式”准确逼真地显现出来，使观众信以为真。他这种不动感情的戏剧表演理论可从三个方面进行解析： 1．逼真地摹仿自然。狄德罗认为戏剧表演应该逼真地摹仿出自然和现实社会生活，而不是古典主义那种洗礼过的矫揉造作。“那时我们在舞台上将看到一些自然的情景，而这正是一向与天才以及巨大效果为敌的礼仪所摒弃的东西。我将不倦地向我们法国人呼吁：真实！自然！学习古人！学习索福克勒斯！学习他的菲罗克忒忒斯！诗人将菲罗克忒忒斯搬上舞台，他倒在洞口，身上穿着破烂的衣衫，在地上打滚。他感到一阵剧痛，他号叫，发出含糊不清的声音。布景是粗野的，剧中不讲排场，只有真实的声音，真实的语言，简单而自然的剧情。如果这样的景象倒不如衣着华丽、油头粉面的人物的景象更使我们感动，那准是我们的鉴赏力退化了。”[1]P77他认为戏剧摹仿自然和现实社会生活并非仅仅是再现、模拟和抄袭。演员表演要达到的效果应该是非常逼真的，所谓逼真就是符合自然和现实生活的情与理。“真、善、美是紧密结合在一起的。在真或善之上加上某种罕见的、令人注目的情景，真就变成美了，善也就变成美了。”[1]P429演员演出的效果真实可信也就能产生强烈的审美效果。 2．塑造“理想范本”。狄德罗认为戏剧能够起到道德教化和启发心智的作用，而这样的功能要求戏剧表演为观众提供人物楷模和行为规范，起到“范本”的作用。狄德罗认为“范本有三种：自然造成的人，诗人塑造的人和演员扮演的人。自然造成的人比诗人塑造的人小一号，诗人塑造的人又比演员扮演的人小一号，后者是三种范本里最夸大的。”[1]P342他认为演员扮演的角色应该高于自然和诗人所塑造的人，也就是最高的范本应是演员所扮演的角色。演员扮演的角色高于诗人塑造的角色是“因为在行文最明白、最确切、最有力的作家的笔下，文字也不过是，而且只能是表达一种思想、一种感情、一个念头的近似的符号，而这些符号的意义需要动作、姿势、语调、脸部表情、眼神和特定的环境来补足。”演员下的工夫比诗人更深，演员的“理想的范本”远远超过诗人写作的“理想的范本”。[1]P279 同时演员扮演的角色高于依靠自然禀赋塑造的人是因为“依靠自然禀赋的演员偶尔演得十分精彩，一般情况下往往演得一塌糊涂。”[1]P279 演员扮演的范本应该高于自然和诗人所塑造的范本，而演员扮演的范本中又有“理想的范本”。“理想的范本” 一般而言：具有理想性，也就是高于自然和现实生活；具有规范性，也就是比较准确和整一。“理性的范本”应该是将角色趋于完善的自然禀赋再进行设想和艺术加工，使角色的舞台形象应该显示出角色最普遍最显著的特征，是个性与共性、特殊性与普遍性的统一的“典型”形象。注意的是他这个高于自然和现实的范本的塑造过程并不是凭情感体验，而是凭不断地刻苦钻研、推理设想，是个理性地再造过程。“把一系列必然相联的形象按照它们在自然中的先后顺序加以追忆，这就叫做根据事实进行推理。如已知某一现象，而把一系列的形象按照它们在自然中必然会先后相联的顺序加以追忆，这就叫做根据假设进行推 采纳哦
论文的研究方法有哪些
论文的研究方法有哪些，研究方法是在一个研究中发现新的现象、新的事物，或者提出新理论、观点，论文研究方法需要大量阅读法，找到不足和创新点，来完善自己的论文，下面一起来学习一下论文的研究方法有哪些。
一、思维方法
思维方法是人们正确进行思维和准确表达思想的重要工具，在科学研究中最常用的科学思维方法包括归纳演绎、类比推理、抽象概括、思辩想象、分析综合等，它对于一切科学研究都具有普遍的指导意义。
二、内容分析法
内容分析法是一种对于传播内容进行客观，系统和定量的描述的研究方法。其实质是对传播内容所含信息量及其变化的分析，即由表征的有意义的词句推断出准确意义的过程。内容分析的过程是层层推理的`过程。
三、文献分析法
文献分析法主要指搜集、鉴别、整理文献，并通过对文献的研究，形成对事实科学认识的方法。文献分析法是一项经济且有效的信息收集方法，它通过对与工作相关的现有文献进行系统性的分析来获取工作信息。一般用于收集工作的原始信息，编制任务清单初稿。
四、数学方法
数学方法就是在撇开研究对象的其他一切特性的情况下，用数学工具对研究对象进行一系列量的处理，从而作出正确的说明和判断，得到以数字形式表述的成果。科学研究的对象是质和量的统一体，它们的质和量是紧密联系,质变和量变是互相制约的。要达到真正的科学认识，不仅要研究质的规定性，还必须重视对它们的量进行考察和分析，以便更准确地认识研究对象的本质特性。数学方法主要有统计处理和模糊数学分析方法。
一、规范研究法
会计理论研究的一般方法，它是根据一定的价值观念或经济理论对经济行为人的行为结果及产生这一结果的制度或政策进行评判，回答经济行为人的行为应该是什么的分析方法。
二、实证研究法
实证研究法是认识客观现象，向人们提供实在、有用、确定、精确的知识研究方法，其重点是研究现象本身“是什么”的问题。实证研究法试图超越或排斥价值判断，只揭示客观现象的内在构成因素及因素的普遍联系，归纳概括现象的本质及其运行规律。
三、案例分析法
案例分析法是指把实际工作中出现的问题作为案例，交给受训学员研究分析，培养学员们的分析能力、判断能力、解决问题及执行业务能力的培训方法，具体说来：
四、比较分析法
是通过实际数与基数的对比来提示实际数与基数之间的差异，借以了解经济活动的成绩和问题的一种分析方法。在科学探究活动中常常用到，他与等效替代法相似。
毕业论文没有固定的形式，常见的有如下： 1． 论文的标题 毕业论文的标题是论文的眉目，应仔细推敲，尽可能从各个角度充分考虑，选择最合适的。原则上，题目要简单明了，能反应毕业论文的主要内容，使读者能一眼看出论文的的中心内容要讲什么，切忌笼统、空泛。语言也要补实，同时能引起读者的注意。 毕业论文的标题不能象小说、散文那样经过艺术加工而引起读者的好奇心。论文的题目要让人一看就能直接了解它的论文。因此，拟题要采取直接、正面的提高论文内容的方法，而不要采取奇特的艺术手法。标题不可过长，尽量在20个字以内。 2． 目录 毕业论文篇幅长的要写出目录，使人一看就可以了解论文的大致内容。目录要标明页数，以便论文审查者阅读方便。 3． 内容摘要 内容摘要要求把论文的主要观点提示出来，便于读者一看就能掌握论文内容的要点。目前比较通用结构式摘要，包括研究目的、方法、结果和结论。摘要应有高度的概括力，且要全面反映论文要点，简明、明确、畅达。 4．正文 正文包括前言、材料与方法、结果、讨论。主要包括序论、本论文、结论三个主要部分。序论要对论题的主旨、写作的动机和理由、研究的方法以及论文的内容加以简要说明，通常几百字即可。本论是全篇论文的核心，在篇幅上占得最多，写时必须慎重对待，这一部分，作者要对所研究的问题进行分析、论证、阐明自己的观点和主张。结论，要把这部分写得简明扼要，既要考虑与序论部分相照应，还要考虑与本论部分相联系。结论应是本论部分阐述的必然结果。讨论部分可以展开写，写前人的研究情况与自己的研究结果比较，提出自己的观点和主张，提出值得进一步研究的方向和倾向性意见。 5．参考文献 毕业论文的卷末要列出参考文献。列出参考文献的好处是：一旦发现引文有差错，便于查找；审查者从所列的参考文献中可以看出论文作者阅读的范围和努力的程度，便于参考。 6．论文的装订 论文的有关部分全部抄清完了，经过检查，再没有什么问题，把它装成册，再加上封面。 毕业论文的封面要朴素大方，要写出论文的题目、学校、科系、指导教师姓名、作者性名、完成年月日。论文的题目的作者姓名一定要写在表皮上，不要写里面的补页上。封面可以这样写(不同学校有不同的要求)： ××××大学计算机××××专业××届毕业设计论文 专业班级: 姓 名: 学 号: 指导教师: 200×年×月× 日封底可用一张白纸，然后装订成册。 装订的顺序：
看看这本书，也许会对您有帮助。这为张老师，是艺术民俗学的研究生导师。中国艺术民俗学作者： 张士闪、耿波著出 版 社： 山东人民出版社出版时间： 2008-4-1 字数： 320000 版次： 1 页数： 332 印刷时间： 2008/04/01 开本： 16开 印次： 1 纸张： 胶版纸 I S B N ： 9787209044677 包装： 平装 内容简介这是一部适用于高校艺术教学的教材。作者善于利用自身丰富的田野作业经验，对一个个艺术民俗个案进行了出色的解析，鞭辟入里，辞采并茂，很具有可读性，非常有利于教学之用，这在今天许多高校艺术教材理胜其情、大而无当的总体状况下不能不说是一个值得发扬的亮点。目录第一章 艺术民俗学的确立第一节 艺术民俗学的界定第二节 传统民俗学研究与艺术研究的关联第三节 世纪中国民间艺术研究中的民俗学倾向一、世纪前年中国民间艺术研究：民族国家的自我想象二、世纪后年中国民间艺术研究：从民族国家本位到乡土语境的开启第二章 艺术民俗学的研究系统第一节 民俗的中介位置及社会功能第二节 艺术民俗学的田野研究方法一、田野作业二、民俗志书写附：汪宁生的社区艺术调查提纲附：段宝林的民俗调查提纲第三节 艺术民俗学的研究视域一、以整体观的理念研究艺术民俗现象二、强化村落民俗志研究三、中国艺术民俗学研究的特殊性第四节 艺术民俗学的研究路径一、从民间艺术个案出发，以小见大二、突破学科界限，实现跨学科研究三、立足民间立场，构架学理阐释第三章 物质民俗与艺术审美第一节 居住民俗与审美一、传统居住形式之演变二、居住的民俗特征三、居住的审美表象第二节 服饰民俗与审美一、服饰民俗的形成二、服饰民俗的审美多样性第三节 饮食民俗与审美一、饮食民俗的形成二、饮食结构与类型三、饮食民俗与审美第四节 生产民俗与交易、运输民俗的审美意蕴一、生产民俗中的艺术要素二、交易、运输民俗中的艺术要素第四章 社会民俗与艺术境域第一节 家族、村落与民间组织一、家族、亲族及民俗传承二、村落及村落整体语境的构建三、民间组织的类型特征第二节 作为艺术整体语境的社会民俗一、社会民俗对于区域性民间艺术活动的制约二、社会民俗对于区域性艺术风格的影响第五章 信仰民俗中的艺术维度第一节 人类早期信仰中的艺术活动一、人类早期信仰活动中民俗与艺术的多层纠合二、信仰仪式中的艺术色彩三、信仰民俗的社会功能及其艺术化趋势第二节 信仰民俗与艺术世界一、信仰民俗是激发人类艺术创造活动的源泉二、信仰民俗中蕴藏着丰富的艺术创作题材三、信仰民俗中的意象原型四、信仰民俗与艺术活动的相互借助第六章 岁时人生与艺术的关联第一节 岁时节 日中的艺术体验一、岁时节 日起源二、春节 仪式序列与岁时节 日中的艺术体验第二节 人生仪礼中的艺术象征意趣一、诞生礼二、成年礼三、婚姻仪礼四、丧葬仪礼第三节 岁时人生的艺术升华第七章 游艺民俗及其艺术意蕴第一节 游艺民俗及其艺术韵味一、民间游戏竞技 二、民间歌舞乐戏三、民间工艺四、民间口承语言第二节 游艺民俗在艺术学研究中的特殊意义一、游艺民俗：民俗与艺术的复合二、游艺民俗对艺术起源问题的启示第八章 艺术民俗学发展的城市化语境与契机第一节 民俗学的乡土本位与语境转换第二节 艺术民俗与城市公共领域第三节 艺术民俗与城市传播第四节 艺术民俗与城市消费第九章 艺术民俗批评的方法与原理第一节 艺术民俗批评的界定第二节 艺术民俗批评的诸种模式一、社会历史批评二、原型批评 三、功能主义批评四、相对主义批评五、结构主义与后结构主义批评第三节 生活—文化整体性的艺术民俗批评模式主要参考文献后记
研究方向首先要与本专业相关，是该专业下的某一领域。2、其次选择自己较为感兴趣的方面，兴趣是最好的老师，当然也不能忘了考虑本身的实力，尽量选择在自身能力范围内，毕竟这个研究方向最后会导致论文结果的好坏，所以超出能力范围太多，就无法实现，无法得到结果。同时这个方向也要结合实际，结合当下的研究热点。最后综合考查。论文的研究方向怎样填?1、了解自己感兴趣的课题能够研究自己感兴趣的内容是一件很幸运的事情。日常学习与翻阅专业文献，可以帮助你更好地找到自己的兴趣点。有了感兴趣的内容，就要付之实践。首先是查找相关资料，通过知网等工具可以轻松地检索到自己感兴趣内容的相关文献，当然还可以通过百度、谷歌等浏览器以及图书馆等社会资源下载所需文献。有了详细的了解之后，再考虑是否要进行更深层次的研究。2、明确导师的研究方向了解导师制定的研究方向和预期目标是确定研究内容的又一行之有效的方法。首先，应当详细地了解导师的研究方向。其次，如果是导师给出的研究方向，那么一般是可行的；这时我们就要积极与导师沟通，了解导师对于该课题的想法；在进行充分、有效地交流之后，我们就要对导师提出的建议进行认真考虑，可行度较高的话，就可以着手开始搜集资料，为论文完成打好基础。3、确定研究思路和计划“书读百遍，其义自见”，通过与导师、学长学姐的沟通，我们可能会对这个课题有一定新的认识，确定了研究方向之后，就要对近几年的文献进行更深的了解。精读和泛读相结合，同时对论文的主要观点、论证方式进行记录，同时要进行思考研究课题目前存在的问题以及需要改进的地方，形成一个完整的研究计划。
最近我也在写论文的开题报告。下面是我复制的，百分之百正确。调查法调查法是科学研究中最常用的方法之一。它是有目的、有计划、有系统地搜集有关研究对象现实状况或历史状况的材料的方法。调查方法是科学研究中常用的基本研究方法，它综合运用历史法、观察法等方法以及谈话、问卷、个案研究、测验等科学方式，对教育现象进行有计划的、周密的和系统的了解，并对调查搜集到的大量资料进行分析、综合、比较、归纳，从而为人们提供规律性的知识。调查法中最常用的是问卷调查法，它是以书面提出问题的方式搜集资料的一种研究方法，即调查者就调查项目编制成表式，分发或邮寄给有关人员，请示填写答案，然后回收整理、统计和研究。观察法观察法是指研究者根据一定的研究目的、研究提纲或观察表，用自己的感官和辅助工具去直接观察被研究对象，从而获得资料的一种方法。科学的观察具有目的性和计划性、系统性和可重复性。在科学实验和调查研究中，观察法具有如下几个方面的作用：①扩大人们的感性认识。②启发人们的思维。③导致新的发现。实验法实验法是通过主支变革、控制研究对象来发现与确认事物间的因果联系的一种科研方法。其主要特点是：第一、主动变革性。观察与调查都是在不干预研究对象的前提下去认识研究对象，发现其中的问题。而实验却要求主动操纵实验条件，人为地改变对象的存在方式、变化过程，使它服从于科学认识的需要。第二、控制性。科学实验要求根据研究的需要，借助各种方法技术，减少或消除各种可能影响科学的无关因素的干扰，在简化、纯化的状态下认识研究对象。第三，因果性。实验以发现、确认事物之间的因果联系的有效工具和必要途径。文献研究法文献研究法是根据一定的研究目的或课题，通过调查文献来获得资料，从而全面地、正确地了解掌握所要研究问题的一种方法。文献研究法被子广泛用于各种学科研究中。其作用有：①能了解有关问题的历史和现状，帮助确定研究课题。②能形成关于研究对象的一般印象，有助于观察和访问。③能得到现实资料的比较资料。④有助于了解事物的全貌。实证研究法实证研究法是科学实践研究的一种特殊形式。其依据现有的科学理论和实践的需要，提出设计，利用科学仪器和设备，在自然条件下，通过有目的有步骤地操纵，根据观察、记录、测定与此相伴随的现象的变化来确定条件与现象之间的因果关系的活动。主要目的在于说明各种自变量与某一个因变量的关系。定量分析法在科学研究中，通过定量分析法可以使人们对研究对象的认识进一步精确化，以便更加科学地揭示规律，把握本质，理清关系，预测事物的发展趋势。定性分析法定性分析法就是对研究对象进行“质”的方面的分析。具体地说是运用归纳和演绎、分析与综合以及抽象与概括等方法，对获得的各种材料进行思维加工，从而能去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里，达到认识事物本质、揭示内在规律。跨学科研究法运用多学科的理论、方法和成果从整体上对某一课题进行综合研究的方法，也称“交叉研究法”。科学发展运动的规律表明，科学在高度分化中又高度综合，形成一个统一的整体。据有关专家统计，现在世界上有2000多种学科，而学科分化的趋势还在加剧，但同时各学科间的联系愈来愈紧密，在语言、方法和某些概念方面，有日益统一化的趋势。个案研究法个案研究法是认定研究对象中的某一特定对象，加以调查分析，弄清其特点及其形成过程的一种研究方法。个案研究有三种基本类型：(1)个人调查，即对组织中的某一个人进行调查研究；(2)团体调查，即对某个组织或团体进行调查研究；(3)问题调查，即对某个现象或问题进行调查研究。功能分析法功能分析法是社会科学用来分析社会现象的一种方法，是社会调查常用的分析方法之一。它通过说明社会现象怎样满足一个社会系统的需要（即具有怎样的功能）来解释社会现象。数量研究法数量研究法也称“统计分析法”和“定量分析法”，指通过对研究对象的规模、速度、范围、程度等数量关系的分析研究，认识和揭示事物间的相互关系、变化规律和发展趋势，借以达到对事物的正确解释和预测的一种研究方法。模拟法（模型方法）模拟法是先依照原型的主要特征，创设一个相似的模型，然后通过模型来间接研究原型的一种形容方法。根据模型和原型之间的相似关系，模拟法可分为物理模拟和数学模拟两种。探索性研究法探索性研究法是高层次的科学研究活动。它是用已知的信息，探索、创造新知识，产生出新颖而独特的成果或产品。信息研究方法信息研究方法是利用信息来研究系统功能的一种科学研究方法。美国数学、通讯工程师、生理学家维纳认为，客观世界有一种普遍的联系，即信息联系。当前，正处在“信息革命”的新时代，有大量的信息资源，可以开发利用。信息方法就是根据信息论、系统论、控制论的原理，通过对信息的收集、传递、加工和整理获得知识，并应用于实践，以实现新的目标。信息方法是一种新的科研方法，它以信息来研究系统功能，揭示事物的更深一层次的规律，帮助人们提高和掌握运用规律的能力。经验总结法经验总结法是通过对实践活动中的具体情况，进行归纳与分析，使之系统化、理论化，上升为经验的一种方法。总结推广先进经验是人类历史上长期运用的较为行之有效的领导方法之一。描述性研究法描述性研究法是一种简单的研究方法，它将已有的现象、规律和理论通过自己的理解和验证，给予叙述并解释出来。它是对各种理论的一般叙述，更多的是解释别人的论证，但在科学研究中是必不可少的。它能定向地提出问题，揭示弊端，描述现象，介绍经验，它有利于普及工作，它的实例很多，有带揭示性的多种情况的调查；有对实际问题的说明；也有对某些现状的看法等。数学方法数学方法就是在撇开研究对象的其他一切特性的情况下，用数学工具对研究对象进行一系列量的处理，从而作出正确的说明和判断，得到以数字形式表述的成果。科学研究的对象是质和量的统一体，它们的质和量是紧密联系,质变和量变是互相制约的。要达到真正的科学认识，不仅要研究质的规定性，还必须重视对它们的量进行考察和分析，以便更准确地认识研究对象的本质特性。数学方法主要有统计处理和模糊数学分析方法。思维方法思维方法是人们正确进行思维和准确表达思想的重要工具，在科学研究中最常用的科学思维方法包括归纳演绎、类比推理、抽象概括、思辩想象、分析综合等，它对于一切科学研究都具有普遍的指导意义。系统科学方法20世纪，系统论、控制论、信息论等横向科学的迅猛发展，为发展综合思维方式提供了有力的手段，使科学研究方法不断地完善。而以系统论方法、控制论方法和信息论方法为代表的系统科学方法，又为人类的科学认识提供了强有力的主观手段。它不仅突破了传统方法的局限性，而且深刻地改变了科学方法论的体系。这些新的方法，既可以作为经验方法，作为获得感性材料的方法来使用，也可以作为理论方法，作为分析感性材料上升到理性认识的方法来使用，而且作为后者的作用比前者更加明显。它们适用于科学认识的各个阶段，因此，我们称其为系统科学方法。
艺术类本科毕业论文写作技巧
写论文的目的是大学生对自己4年的高等艺术专业本科学习进行一番梳理与总结，将艺术感性经验，以理性论证的方式写出来，供人供己以鉴真确，以存参考。然而，自上世纪80年代以来，艺术类学生写论文，常出现不是学生发愁，就是教师头疼的现象。究其原因，是学生能力较差，教师经验不足。故而，形成今日高等艺术教育中艺术论文写作的怪相。
论文写作的方法/步骤
1、首先是选题
很多学生写论文论题很大，论文喜欢冠以“中国”“社会”“西方”等大而不当的标题。以学生20多岁年龄，尚未步入社会的学识和经历而言，如此大的论题是难以驾驭的。由于论题过大，学生在写作时，常常出现跨出和超越专业知识边界的情况，降低其专业性。针对以上问题，探究原因，不外乎三方面：一是教师、二是学生、三是社会。从教师的层面来分析，可能是论文指导教师受知识结构所限，不能深入指导，未达到庄子所谓“尽精微，致广大”的治学境界，反而出现指导粗疏的情况。学生“跨出和超越专业知识边界”写作的现象，实质上是对自己专业内涵和定位认识是否清楚的问题。不同专业有不同的专业知识体系，如果说学生借用其他专业的知识来论证自己的论点尚可，但如果是专门研究一个新的专业领域就是严重的“跑题”。教师至少要起到“把关人”的作用，让学生在正确的'道路上深入下去。也可能是教师在指导过程中没有把知识有效传达给学生，讲述方法不得当，学生未听明白;也有可能是“教不严，师之惰”，教师自身教学、科研、管理等诸事繁多，无暇顾及等。从学生方面来说，这和自身对论文写作的认识态度有关，有些学生写论文只是毕业需要和求职需要，并非兴趣所在，也并非要试着去研究一个问题。当然，也不乏有学生想认真写篇好论文，但苦于不知如何下手，对于这种情况，即使有教师的指导，但时间有限，对学生从头开始的论文写作训练也非短时间内能明显奏效。解决此问题，应从整个课程设置上全盘考虑，要提前安排与未来的毕业论文写作有关的课程，对学生进行提前训练，至少要先掌握写论文的方法。从学校环境小社会来讲，由于受到时下浮夸、 躁 动风气的浸染，与《大学》中所谓“格物、致知、诚意、正心、修身、齐家、治国、平天下”八条目的要求，多少已出现了背离。
2、其次是结构
大多数学生的毕业论文结构宏大，章节繁复。一般格式是绪论概述、案例分析、未来展望、结论教条的新八股论文模式。一篇几千字的论文可以拼装成5—10 章10—20节的庞大结构。造成论文论题还未展开、论点还未摆出就草草结论，因而出现论证不够、字数拼凑的问题，形成章节与文字、章节与章节、章节与题目之间的脱节。
分析其原因，此类书籍章节似的论文写作，与大学之前的应试教育有关。学生习惯往现成的框架里填材料，根据框架结构去找资料，不是从收集材料到发现问题或有兴趣点的有感而发，很多学生是想当然地开始写论文，常有学生还没收集多少资料，题目和大纲已经完成，写到后面的结果只能是削足适履。章节之间的逻辑联系问题，则反映出艺术类学生理性思维能力薄弱的问题，对此问题，就得在教学过程中，教学内容按科学和理性的方法进行讲授，这早在上个世纪的德国包豪斯大学就已经进行了探索。如何激发和培养学生的理性认识能力，在教学上不妨好好研究和利用国外成功的培养模式以合理进行课程设置。此外，艺术类本科生论文写作依然要遵循文科生论文写作的要求，体系规范，逻辑严谨，非艺术感想和散文写作。最后，教师可以鼓励学生多阅读，也可有意去选修一些人文课程，比如哲学和理工科课程，完善知识结构，丰富认知。
3、再次是内容
由于毕业论文题目太大和结构繁杂，论文内容自然不实，论述时凑字数，论证自然也无以构成有说服力的逻辑链，因为所有论据不是来源于生活和实践，甚至有学生从网上拷贝、剪贴、拼凑论文。出现论点与论述不符、行文论述不平衡、论证无力等问题。
论文写作要有感而发，发现问题，又有兴趣之后，就要用科学、理性的方法去研究和分析，不能停留在现象表面，要努力揭示现象背后的本质。无感而发或为论文而论文的写作，只能是凑字数，论证无力。
“读万卷书，行万里路”对于学习艺术的学生来说同样重要。社会生活是艺术创造取之不尽，用之不竭的源泉，“手中之竹”是建立在“眼中之竹”和“胸中之竹”的基础上的。北京高校的艺术类学生有着地方院校无法比拟的资源和信息优势，798艺术区、草场地艺术区、中国美术馆、今日美术馆、首都博物馆、故宫博物院、高校内部艺术馆等艺术类展览集中的地方，都是学生课本学习之外丰富学识、获取灵感的地方。虽不要求学生有一鸣惊人的创新研究，但至少要有感而发，通过论文写作学会和掌握一种理性分析和思考问题的科学认知方法。
4、最后是用词
论文语言表述要求准确无误。这里涉及 语文 的词汇运用问题。论文写作一般从解词入手，特别是关键词理解和使用尤为重要，而学生毕业论文中忽略对基本词义的准确理解，常常望文生义，似是而非，结果失之毫厘谬以千里。这是一个 语文 基础问题。主要是缘于学生 语文 基础知识的薄弱，以至于对遣词造句和语法没有很好地掌握。针对此类问题，主要是大量阅读经典范文，在老师的指导下根据兴趣和专业方向，有针对性地阅读一些治学严谨的大家、学者的专著或论文，在接受知识的同时，书中流畅、规范的用词造句自然会对学生起到潜移默化的影响作用。