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绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文
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涂鸦(Graffitist)，是一种结合了“嘻哈(HipHop)”文化的涂写艺术，形成于上世纪70年代初的纽约和柏林。涂鸦经常涂写在公共建筑的墙上或交通枢纽地带及其他公众场合；表达方式独特，通常以文字、图形或其他方式来表达艺术家们对生活的认识、追求以及富有个性化的遐想。涂鸦文化是一种国际化的艺术表现形式，是对传统艺术体制形态做出了革命性的改变。 凯斯·哈宁（Keith Haring），于1958年5月4日在美国宾夕法尼亚州的一个小镇出生,是家中的老大。在不到一岁的时候，就喜欢用父亲给他的蜡笔，画一些有趣的图案。因此哈宁对他能引起全世界如此多孩童注意，他自己的看法是因为他有一张滑稽的娃娃脸。哈宁说：“我发现我能逗笑每个小孩，可能我给人先入为主的有趣脸孔，及小孩般的言行，而因为我的素描总是简单的线条，所以儿童们都能指出我的作品内容。”哈宁的艺术教师对这个男孩着迷于绘画的情形感到惊讶。哈宁喜欢线条。任何事物他都把它变成他所爱的线条样式。他那么富创造力地工作！他将充满想象力的图案样式完成并实现在他所有的周遭环境。 他也创造属于他自己的标记——婴儿标记。 1982年，他在一次成功的个展中崭露头角，之后意大利、比利时等国家也相继向他邀展，得到来自欧洲极高的尊荣和肯定。遗憾的是这位伟大的艺术天才于1990年2月18日死于AIDS，当时他才31岁。虽然哈宁去世十六年了，但他的涂鸦作品却是世界艺术宝库的重要组成部分，其创新和美学价值对于中国文化和艺术环境的营造具有一定的现实意义。你如果能看懂英文我就能给你找到好多！
毕业论文的题目是开展论文写作的前提，直接影响论文质量。下面是我带来的关于艺术设计类论文题目的内容，欢迎阅读参考! 艺术设计类论文题目(一) 1. “谈服装设计中的趣味性” 2. “服装设计中独特性的表达” 3. “明清服饰图案的应用分析” 4. “色彩与情感” 5. “印地安文化与礼服的关联性” 6. 服装外空间的发展与演变形式” 7. “刺绣工艺在服装设计中的运用” 8. “面料在服装中的重要性” 9. “解读设计师品牌与高级成衣品牌风格异同” 10. “论服装设计中的‘蝴蝶效应’” 11. “结构设计在高级成衣中的应用” 12. “谈‘东西方’服装的发展与应用” 13. “服装品牌文化效应” 14. “浅析街头服装文化形态及发展” 15. “服装卖场的个性化设计” 16. “服装市场营销对服装设计的重要性” 17. “浅析原生态色彩在服装中的应用” 18. “涂鸦艺术在服饰设计中的运用与研究” 19. “浅谈服装中‘性’的 展示与研究” 艺术设计类论文题目(二) 1.国内外室内设计的发展 2. 论视觉传达设计的创新 3. 浅析CI设计中的企业文化冲击力 4. 图形创意的表现 5. 平面艺术设计的本土语言 6. 传统美学观对现代广告招贴设计的影响 7. 浅析现代标志设计与传统图形艺术的结合 8. 浅谈技术的发展对插图设计的影响 9. 包装设计的定位 10. 平面图形设计中的符号学原理 11. 现代包装设计的文化观 12. 品牌包装设计 13. 中国古代图徽与现代标志设计 14. 医药商标标志设计之我见 15. 浅议汉字标志的存在价值与竞争优势 16. 论计算机图形艺术设计 17. 西方现代美术教育理论中的工具论和本质论 艺术设计类论文题目(三) 1. 谈广告创意的几种方法及其应用 2. 创意与生活经验 3. 广告创意的设计要求 4. (恐惧悬念幽默拟人等)技巧在广告设计中的应用 5. 公益类广告的创意与构思特点 6. 论视觉传达设计的创新 7. 谈平面设计的本土语言 8. 图形创意的表现在广告中的运用 9. 中国传统符号在现代招贴设计中的应用 10. 平面广告中色彩要素与人的情感联系 11. 多媒体广告与平面广告的表现特点 12. 计算机数码技术与手绘原创结合 13. 平面广告的形式美 14. 动漫广告设计的创意思维 15. 构成理论在广告设计中的应用 16. 广告作品中节奏感的控制 17. 网络媒体在当今广告行业的应用 18. 公益类广告的表现手法 19. Flash广告的使用与特点 20. 技术突破与艺术表现的结合猜你喜欢： 1. 艺术设计毕业论文选题 2. 艺术类毕业论文题目 3. 2017年艺术设计毕业论文选题参考 4. 艺术设计类毕业论文 5. 关于艺术设计专业毕业论文
题目： 1.对现代艺术设计的再思考 2.传统绘画艺术与现代艺术设计 3.浅析CI设计中的企业文化冲击力 4.包装设计中人文思想的再思考 5.标志设计与图形艺术的结合 6.平面图形设计中的符号原理 7.浅析品牌包装设计 8.现代包装设计的文化观 9.中国古代图徽与现代标志设计 10.现代标志设计与原始符号情结 11.造型设计与空间的利用 12.浅谈住宅发展趋向
涂鸦(Graffitist)，是一种结合了“嘻哈(HipHop)”文化的涂写艺术，形成于上世纪70年代初的纽约。纽约市立大学的学者爱德华在《世界百科全书》中写道：“‘涂鸦’经常写在公共厕所、公共建筑的墙上，或公园的石头上；有些单字和词组不甚健康；有时只是写人的名字，也有关于性的，还有许多是政治口号。”现代美术理论家王小箭教授在接受电话采访时说：“上世纪七八十年代是涂鸦艺术的辉煌时期。它的兴起，不仅是美国黑人民间艺术的宣泄，也是那个时代被压抑的族群和阶层群众的心理宣泄。所以，从表面上看，它有很强烈的反叛色彩、发泄的倾向和随意的风格，甚至有些反传统、反社会的精神。”旅美敦煌画派重彩画家陈幼白说：“没有涂鸦，就不是纽约了。” 90年代后期，街头文化随着哈韩哈日的潮流进入中国年轻人的视野，掀起嘻哈热潮，到了21世纪，街头文化深入传播到到中国的各大城市，对于新世代的潮人型人来说，街头文化已经成为型酷和时尚的象征，也成为了他们生活中的一部分。 街头文化有五个重要的元素，分别是服饰、街舞、Hip-HopDJ、唱白（MC）和涂鸦。一般人最容易想起的一定是那些尺码超大、宽松随意的嘻哈服饰，还有有型有款的街舞，因为这些比较贴近普通人的生活，也比较容易接受和学习。 涂鸦与商业的结合更紧密，涂鸦包含了更多时尚、娱乐和游戏的精神。许多青年涂鸦者中的才艺出众者登堂入室，成为新时代设计师中的幸运儿。他们的画布转移到了海报、广告、服装、鞋、帽子、玩具、电视台、游戏厅。工具则从喷漆罐变成了苹果电脑和PS、Illustrator，现在争着跟他们合作的是那些拿着大把钞票的广告商们，有耐克、阿迪达斯......由涂鸦而进入主流设计圈的佼佼者当属Marc Ecko，这个12岁开始涂鸦，20岁时就以6件自创涂鸦T恤奠定个人品牌根基的家伙，如今已是数十亿资产的服装品牌的拥有者。他一直认为，“现在年轻人就是爱突显自我特色，太一般的设计无法引起共鸣，我们的设计就是要引人瞩目、要夸张、要炫目夺人、要让人惊叹！” 有许多例子可以证明，如今涂鸦在新锐设计圈是如何集万千宠爱于一身。2001年推出的一款涂鸦提包，纯黑底上随意描画着简洁浑朴的纯白色英文圆体，没有了街头的粗砺，却是雅致与野趣的结合，成为当年时尚人士的春季必备。此外还有华丽涂鸦图案的长裤、短外套和皮包、鞋子，不少品牌还把巴黎花都的风景画面作为皮包上的图案。 另外，结合了实拍影像与涂鸦风格的动画设计也渐成风潮，一些以前卫的年轻人群为受众的频道，如美国的喜剧中心、MTV中都充斥了涂鸦风格的片头、广告、音乐录像带、甚至游戏都开始采用涂鸦式的手绘图形与动画。著名游戏开发商Atari于今年9月发行的一款新PS赛车游戏就专门请了50多名涂鸦艺术家做视觉设计。 新世代的涂鸦，更多的是为了宣告自我的存在，如果你有足够旺盛的激情，那就为青春留下美丽的涂鸦记号吧。
信手涂鸦几时休不管是平时出门逛街、散步，还是偶有兴致到各地旅游胜地游览，到处都可见到乱涂乱画乱张贴的文字或图画。看到干净漂亮的墙壁被画得惨不忍睹，看到历经沧桑的文物宝器被刻得不成样子，不知你是否会对这样的行为扼腕振叹，问一句：信手涂鸦几时休？还记得一中学生去国外旅游时在埃及文明上留下了自己的名字。结果在网上传得沸沸扬扬，影响甚大。我想说的是：这样的无知行为，影响的不仅是个人，丢的更是中国人的脸。如果人人都这样不懂文明，随手乱画，被污染的就不只是那棵树，那堵墙。这一巴掌狠狠地打在了所有中国人的脸上，作为文明古国公民，连爱护公物这最简单的文明都忘了吗？再回到中学生的身份。都说“教育应从娃娃抓起”，可某报社记者发现中学生校服上的涂画现象却尤为严重。原本整洁的校服彰显的是一个学校的特色文化，可如今却成了他们试笔的草稿或歌星签名炫耀的资本。真是可悲可叹。可悲的是，校服作为一个学校的象征，本是该校学生的另一张脸，乱涂乱画之后，这好比天真纯朴的一张婴儿脸被五颜六色的颜料涂抹得犹如妖怪，他们仍未发觉。可叹的是，在他们眼中画上各种喜欢的图画就成了时尚个性，殊不知真正的时尚个性绝不仅仅是一张图一幅画就能证明的，它应该是独特的情怀底蕴，那是富有内涵的显现，而不是表面功夫。除了校服上的涂画现象，我们再看看学校的课桌，还有图书馆里的公共图书等公物，乱涂乱画的现象也是屡见不鲜。学校明文规定要爱护公物，不能乱涂乱画，学生守则也有相同的规定。为什么读了十多年的书，连这些最基本的规则都无法遵守呢？有些同学觉得这是小事，学校哪管得那么多呢？可“千里之堤，溃于蚁穴”，看似无伤大雅的小事，实际反映的是一个人的基本素养。再说“无规矩不成方圆”，既然是明文规定，不遵守就是违反规则，理应受到处罚。因为，要培养一个好的习惯需要漫长的时间，同样，要改掉不好的习惯也需要一个长期斗争的过程。现在在自己的课桌、校服上乱涂乱画，将来破坏的就可能不仅仅是自己，就如那在国外留下姓名的中学生，丢的是所有中国人的脸，影响的是国家的形象了。信手涂鸦，逞的是一时之兴，可毁的是你个人的形象，更是全体国人的形象。就让我们勇敢地举起手，理智地对它说再见！
培养孩子的绘画兴趣主要有四点，一是家长须以欣赏的眼光鼓励和引导孩子绘画；二是准备充足的绘画工具以及手工工具；三是营造出一个良好的绘画场所，不要局限于面前的白纸；四是保留并且整理孩子的画作。
涂鸦期幼儿绘画的发展过程
涂鸦期幼儿绘画的发展过程，孩子是上天的馈赠，出现问题就说明孩子的成长还有进步的空间，孩子的个性发展和父母有很大的关系，下面跟大家分享涂鸦期幼儿绘画的发展过程。
幼儿一般在一岁半到三岁左右以涂鸦的方式进行绘画。
如果成人在幼儿早期便尝试性地为其提供笔和纸，那么幼儿一般会较早地表现出用笔涂鸦的行为。
一、无序涂鸦阶段
在这一阶段，幼儿表现出了一定的涂鸦式动作，并且这种动作，是其知觉与运动能力发展到了一定程度的自然表现。比如用一种物品往另一种物品上乱压乱划，这种探索性的涂鸦式动作，是幼儿探索世界、认识世界的本能需要。而对于幼儿真正意义上的涂鸦作品，一般是成人在幼儿的这一发展阶段上，有意为其提供了笔和纸以后，或是幼儿看到成人拿笔书写时，出于模仿和好奇而画出的。所以成人可以基于以上两方面，引导幼儿逐渐进入到自己的涂鸦世界。
幼儿刚开始涂鸦的时候，多是以肩为运动轴心的杂乱涂鸦。所以画面显得很“杂乱”，多为歪歪扭扭、断断续续的线或点，方向不确定，所以这时称无序涂鸦。
当幼儿处于这一涂鸦阶段时，成人如果要问幼儿“这是什么”、“那是什么”，即让幼儿为自己的涂鸦作出命名、解释，还显得为时过早。因为这样做，实际上是在为难幼儿，是在打击幼儿用自己的手使画纸发生变化，并以此当作乐趣的这一状态。因此，在这个阶段，还没有必要询问他所画的是什么。如果他们涂得很兴奋、很大胆，成人可以为他们提供较大的画纸，以满足他们的涂鸦兴趣。
这一探索性的“乱画”，为幼儿提供了感受肌肉运动快乐的机会。而且还使他们不断感受着由自己的创造活动所带来的惊奇与乐趣。同时，这种“乱画”也证明了他们的力量：自己是能够改变或创造出一些“奇迹”的，这是幼儿非常感兴趣的事。这种兴趣也是幼儿热爱绘画的原动力之源，成人一定要好好保护和培养。
二、有序涂鸦
这时幼儿会过渡到以肘为运动轴心做左右移动，这时画面中的线条或每组线条，表现出了一定的方向性和秩序性，留下的运动轨迹多为半圆弧形的线。并且在此基础上，幼儿能画出连续圆和封闭圆。能够熟练地画出封闭圆，是幼儿进入下一绘画时期——象征期的重要基础。
成人可适当地引导幼儿多画一画封闭圆，但还是要以幼儿的自由涂鸦为主。
当肩和肘相互运动得更协调后，幼儿便能把腕当作轴心来活动。这时幼儿的控制能力有了更一步提高，进而能画出较小的圆和像样的纵线条。
三、命名涂鸦阶段
随着幼儿自我意识与认知能力的发展，其符号思维开始出现，他们开始能把环境中的事物按其特征进行认识、分类。这时幼儿的涂鸦开始进入到命名涂鸦阶段，即用自己的记号（涂鸦线条）来给自己的涂鸦命名，以表达自己的想法。
命名涂鸦与有序涂鸦几乎是同步进行的，即当幼儿表现出了有序涂鸦的特征，便可能开始给自己的涂鸦进行命名，甚至有的幼儿还没有进入到有序涂鸦阶段，便能偶尔给自己的涂鸦线条进行命名。
当幼儿能为自己的涂鸦线条进行命名以后，便能在自己的涂鸦作品中，开始有意识地用涂鸦线条进行局部刻画，以更加深入、全面地表达自己的想法。
在命名涂鸦期，幼儿能够为自己的涂鸦线条进行丰富的命名。这时我们要好好保护和鼓励他们的这种宝贵能力，并通过丰富他们的生活经验等方式，来培养他们的这种能力。
在这个过程中，我们要让幼儿尽情地、大胆地去涂鸦，而不要以成人的审美眼光去限制他们或打击他们的情感表达。这个时期，保护与发展幼儿的自信心是非常重要的。一般来说，自信的幼儿，在涂鸦时的线条与用色比较自由、大胆、奔放、流畅。
由于这一时期，幼儿能够且乐于为自己的涂鸦命名，所以成人可以抓住这样的时机，来引导幼儿把自己对作品的命名说出来，以锻炼他们的语言表达能力、情绪表现能力和情感沟通能力。
绘画是幼儿表达自己美好愿望的语言和符号，它反映着幼儿智力的发展情况。随着年龄的不断增长，幼儿 在绘画上会表现出三个明显的阶段性特征，那就是：涂鸦期、象征期和形象期。
研究幼儿在不同年龄阶段的绘 画特征，探讨其变化发展规律，有利于实施美术教育，培养幼儿的想象力，发展他们的观察力和创造力。
混沌的智慧之光
涂鸦期是一岁半至四岁左右的幼儿在没有明确的绘画目的的'情况下，以游戏的形式，不受或少受视觉控制，随意进行的画线活动。这种画线活动，是幼儿最初的绘画方式，虽然幼稚、单纯、混沌，但却蕴藏着幼儿智慧发展的火花。
这一时期的幼儿虽然语言和动作还不很协调、完善，但是他们对绘画却情有独钟。他们非常喜 欢胡涂乱画，爱拿他们容易接触到的工具，如铅笔、钢笔、彩色笔等，在他们认为能画的纸、书、墙、桌面等材料上任意涂画。
幼儿这时的绘画内容是自己所想象的，而不是照物临摹的。他们的目的不在于画出与物体相 似的形象，而只是借助这种画线活动来抒发自己的情绪和感受。
如果询问他们画出来的是什么内容，他们回答的与所画出的往往相差甚远，如“让我想想”、“你说呢”、“我不知道”。这充分表现出幼儿绘画带有明显的随意性、自由性和无目的性。这种绘画表现特征习惯上称为“涂鸦”。
涂鸦期幼儿的绘画虽然比较杂乱，但是通过分析和研究大体上可分为三种表现特征：
1．杂乱线。线条杂乱无章，不分横线、竖线、弧线、斜线等，线与线相互掺杂在一起，这是幼儿绘画最原始的冲动表现。
2．单一线。幼儿经过一段杂乱线绘画后，会自觉地反复同一动作，在纸上画出形状各不同的线。这些线 或是自上而下、自左而右、长短不齐的重叠；或是大大小小、封口不封口的圆形；或是一组组的弧形、曲形等，显示出幼儿开始能够对手的动作有所控制，力求表现出来并获得满足，它孕育着幼儿的意念和追求。
3．构成线。是幼儿在具体的画面位置上，能够朦胧地表现出与客观事物和自己经验间有联系的线。这种构成是以符号的形式来表现的。可以认为幼儿能画出构成线，具备了接受绘画训练的最基本条件， 任何绘画的表现形式都是因此孕育发展的。
朦胧的思维火焰
象征期是指四、五岁的幼儿已有了最简单的构思，能有意识地画出某一物体，偶尔能画出与物体相似的线 条，线的凌乱程度减小，开始由乱线向规则线过渡。
这一时期幼儿开始对绘画的工具有了一定的认识和定向选 择，能初步根据不同工具进行不同种类的绘画。但绘画的随意性仍然很大，由于手的动作机能较差，还不能画出形象的物体，只能画出某物体的近似形，因此他们常常借助语言和动作以补充自己画面中表现上的不足。
这时，幼儿的绘画兴趣比涂鸦期又有提高，但是绘画时他们只注意情绪的流露，很少有目的地与绘画形式相联系，绘画只是幼儿心灵的“独白”。
幼儿象征期的绘画特征大体有两种表现：
1．意念线。线条开始分化，偶尔能根据不同的对象用不同的几何线来表现形体，画面中可同时并存两种 或两种以上的合乎形体特征的规则线。如画圆圈，可代表蛋或皮球，外边连接短线可以代表苹果或 梨，圆的周围都接上短线，可表示太阳。绘画时幼儿往往随心所欲，边画边用语言加以补充。
2．意愿线。幼儿这时已经能够运用各种的集合来表现较为复杂的内容，线已不再是语言的符号，已成为 独立的绘画表现特征。它代表着一定的内涵，并与客观事物产生联系。
幼儿表现的内容开始迅速拓宽，如人物、动物、风景、建筑等，已成为他们经常表现的对象。但他们仍然不能正确处理构图、透视关系， 不知道应该怎样才能画得更好。
可见，意愿线是幼儿绘画的转折点，这时及早地对他们加以培养和训练，可使 他们的绘画能力得到早期开发，对幼儿绘画才能的开掘具有非常重要的意义。
心智技巧的飞跃
形象期是指五至六、七岁的幼儿已有了简单的构思、构图能力后，能有意识有目的的进行绘画，画出的形象也基本上符合绘画基本原理，构图趋于合理，具有一定透视、明暗、色彩关系：这一时期幼儿已经能自由地选择绘画工具来表现不同的题材和内容，可以根据自己的意愿画出生动有趣的形象来，可系统的学习绘画技能与技巧。
幼儿开始通过绘画来反映自己的喜怒哀乐和生活情趣，表达对具体事物最基本的情绪和感受，对客观 事物之间的联系也能在绘画中得到较好的表现。
幼儿形象期的绘画特征有三种表现：
1．意味线。幼儿能通过点、线、面的不同处理，运用构图、形、色表现一定的情节。这一时 期幼儿对色彩运用的倾向性明显增强，随意涂抹的现象开始减少，表现的形象逐步生动准确，能够画出符合自 己意愿的作品来。
2．意实线，开始能够构思情节，根据内容需要来组织画面，主题画的观念开始明确，对细节的刻画开始 增强，但画的人物表情仍然比较简单和概念化。
3．意形线。可以通过绘画来反映周围具体事物之间的联系，情节趋于完整，动作、表情开始准确，并能 合理地运用色彩来作画。
综上所述，幼儿绘画发展先后经历了涂鸦期、象征期、形象期三个阶段。这三个阶段承上启下，有机结合 ，逐步提高，日趋完善，反映了幼儿美术活动发展的变化历程。研究和探讨幼儿绘画表现特征，对于贯彻《幼 儿园工作规程》中提出的“萌发幼儿初步的感觉美、表现美的情趣与能力”是十分必要的。
人称要一致。无论用第一人称“我”记述，还是用第三人称“他”记述，都要通篇一贯。第四，要有条理。一篇好的论文，最重要的就是条理。乱七八糟的文章，就算是字字珠玑、妙语连珠也不受青睐。
选择适合幼儿年龄特点的绘画内容幼儿在美术领域的年龄特点： （一）3---4岁的幼儿：这年龄段的幼儿美术创造能力基本处于“涂鸦期”，他们属于随意画画、撕纸、玩泥。3岁半左右的幼儿开始进入“象征期”。他们尝试利用涂鸦时掌握的简单形状进行表现，但表现的动机和信心都十分脆弱。 （二）4---5岁的幼儿：4岁左右的幼儿开始进入“形象期”。他们对表现自己的经验、情感和想像明确的目的，能有简单的形状逐渐深入的表现越来越多的事物。 （三）5---6岁的幼儿：5岁以后的幼儿美术 美术 美术泛指创作占有一定平面或空间，且具有可视性的艺术门类之一。用一定的物质材料，塑造可视形象。 58·广告 查看详情 创造能力逐步认识到事物之间的一些简单关系和联系，对于事件、情节的表现成为他们美术活动的突出特点。 幼儿在美术领域的绘画内容目标： 1、能够感受并喜爱生活、环境和艺术中的美。 2、积极参加艺术活动，在活动中获得愉快、丰富的情绪体验。 ——3---4岁的幼儿：创设自由、积极的氛围，提供易于掌握、色彩鲜艳的美术工具和材料，支持、鼓励幼儿参加美术活动的愿望，使幼儿在活动中感到快乐和满足。 ——4---5岁的幼儿：创设宽松的氛围，提供各种美术工具和材料，支持、鼓励幼儿用美术方式表达自己的所见、所知、所想。 ——5---6岁的幼儿：支持、鼓励幼儿主动参与各种美术活动，如绘画、纸工、泥塑、废旧物制作等，不断丰富活动中得体验。 3、能够大胆的用自己喜欢的方式进行艺术表现和创造，富有个性地表达自己的情感和体验。 ——3---4岁的幼儿：通过画线、玩色、撕纸、玩泥等游戏活动，尽可能多的让幼儿接触各种易于使用的工具材料，喜欢操作这些工具和材料，逐步掌握它们的用法，进行自我表现。 ——4---5岁的幼儿：提供更多的美术工具、材料（包括专门材料、自然物或废旧材料），鼓励幼儿自由选择不正确使用它们，进行大胆表现，如制作自己感兴趣的物体。 ——5---6岁的幼儿：提供各种美术材料（包括专门材料、自然物或废旧材料）和工具，引导幼儿感受它们的特性，尝试自主选择，并利用他们的形状与质地等特点大胆修改、添加、组合，设计和制作，如制作自己感兴趣的物体。引导幼儿主动发现和运用多种方法，如剪、贴、折、画等装饰生活用品和美化环境。支持、鼓励幼儿通过探索与尝试，用纸、绳、毛线等进行简单的编织。 4、具有艺术活动的良好习惯。 ——3---4岁的幼儿：引导幼儿学习握笔方法，初步养成有序摆放和安全使用工具、材料的良好习惯。 ——4---5岁的幼儿：培养幼儿正确使用更多的美术工具、材料，能有序的收放。 ——5---6岁的幼儿：培养幼儿正确使用各种美工工具材料，养成分类、整理、存放的良好习惯。创造条件，使幼儿养成展示和收藏自己作品的习惯。