艺体学科优秀文章

这事自己去写，不好不要别人代言。自己既然喜欢艺术，只要写出是什么原因让人喜欢艺术的就行了。

请参考！我是在上世纪80年代末期读的职业学校，当时职业教育还处于起初阶段。由于家庭不太富裕的原因，初中毕业后我选择了李集职业高中。这是一所农业高中，位于偏僻的乡下，当时仅仅开设农学和畜牧两个专业，在校学生也不多。因为升学的压力相对较小，我很快喜欢上了这个学校。我们除了学习高中课程之外，还有很多参与实践的机会，像大田作物实验、动物解剖等课程极受学生欢迎。宽松的教育环境给予同学们施展才能的机会，学校很重视学生发展特长，在我喜欢上写作之后，教我语文的李留栓老师给了我很大的帮助。在校读书期间，我先后在《商丘日报》、《作文》、《中学生作文指导》、《河南农民报》等报刊发表了几十篇文章。1991年，我的一篇记录职业学校生活的作文《喜怒哀乐交响曲》在《中学生阅读》举的河南省职业学校作文邀请赛中获取一等奖，一时在学校引起轰动。尽管高考中我失利而归，我却觉得在职业学校还是收获了很多。职业学校毕业以后，除个别同学升入对口院校继续深造外，大部分同学都返乡务农。他们有的被聘为乡村农业技术员，有的自谋职业成为兽医，而我因为在写作方面的特长，先是在一所乡村中学担任语文教师，后来又到夏邑县公安局城关派出所担任材料内勤。除了圆满完成所内的文字材料之外，我每年都有一些短文在各级报刊上发表，并获过“文心杯”全国中学师生作文大赛三等奖、《辽宁青年》向你诉说征文二等奖等奖项。我深知自己取得的成绩与在上职业学校时所打下的扎实基础是分不开的。前几天昔日的同窗再次相聚，我很惊讶，他们很多人已成为当地小有名气的种养大户，开了规模较大的养猪场、养鸡场、蔬菜种植基地、蘑菇种植公司，还有的担任了农业技术顾问。是当年接受的职业教育为他们铺就了闪光的致富路，使他们不仅富了自己，还利用自己所掌握的知识引领乡亲们摆脱了贫困。听他们说，现在母校开设了机电、计算机等十几种专业课，学生升学的路子宽了，就业的路子更宽了，而且还享受了国家阳光工程助学补助。党的十七大又一次为职业教育送来了春风，我相信，职业教育的路子会越走越宽广。

传统、全球化，以及影响东西方当代艺术的几个问题

--------感受旅美文化战略学家赵晓明教授学术报告会

（本报华盛顿讯）据华语国际通讯社记者戚音茵2007年5月25日华盛顿报道，美国亚洲文化保存委员会副主席、美国亚洲文化学院校董会主席，著名文化战略学家、收藏家赵晓明教授当天在华盛顿宾夕法尼亚大道上的美国亚洲文化学院大楼会议中心作了一场题为“传统、全球化，以及影响东西方当代艺术的几个问题”的专题学术报告。来自美国、加拿大和部分亚洲国家的大学、图书馆、博物馆、美术馆、音乐团体、画廊等机构的近百余位专家、教授、画家、音乐家、评论家、批评家、收藏家和访问学者出席了报告会。

演讲从大卫.克拉克的观点为前提展开，从历史的角度看待现代美欧艺术与前现代东方艺术相交汇的切入点。介绍许多西方艺术家受到东方哲学思想影响的案例，来说明在当今西方博物馆的收藏中随处可见的东方艺术作品、特别是中国的传统书法艺术对西方许多画家创作抽象形式的作品所提供的思想借鉴，这种借鉴以及由此而来的具有东方色彩的艺术作品为西方世界提供了一个完全不同于西方的以中国为代表的东方文化形象。 同时亚裔艺术家及中国文化诠释者在美国的持续努力也促进了这种交汇。

但是美欧对中国艺术及东方思想的简单化认识主宰了过去的全部艺术史，美欧艺术界基本缺乏对现存中国文化的兴趣与接触。西方的大师们对于现代艺术历史的叙述是他们觉得从当代中国艺术中无所可学，尽管还会有少数艺术家继续会寻找与前现代东方艺术和思想的交汇处。尽管今天世界已是全球化时代，文化间的旅行和信息高速流通十分便捷，但上世纪二、三十年代已存在的东西方文化认知上的非对称性今天依然存在，那就是中国当代艺术家了解他们的美欧同行在做什么，而反之则不然。

从二十一世纪初开始，美国对当代中国艺术的兴趣开始增长，但这种兴趣的动力是源于中国经济和世界经济的日益融合，是源于策展商人，而不是源于美国艺术家，而且这种动力常常需要从美国商业艺术展卖会上去体验，而非美国艺术家们的创作中心和大学。当然也有少数有影响力的学术性活动及展览已在美国开始。比如《国会山上展艺术》、《为未来记录今天》：由美国亚洲文化学院、国会图书馆和美国国家民俗中心共同主办的。这些交流活动和展示可以称为是一种进步，原有的东西方的文化力量在这里发生微妙变化，但是赵晓明教授认为这远远不够。他认同当代中国艺术在不远的未来还可以在以美国为中心的西方视野中放射光芒这种观点。尽管目前，大卫.克拉克的观点仍认定中国当代艺术对西方来讲是一个暂时的新鲜玩意，或是被视为一种欣慰，即这个越来越像西方的东方世界正在学说西方的“艺术”语言。比如王广义的作品，颠覆了文革时代的肖像画法，以调侃共产主义，让步于资本主义的世界观，在某种程度上，这对支持资本主义价值的人而言是易读的。这样的解读使得这些作品与世界范围内社会主义瓦解的意识形态完全一致，这种意识形态曾经指导美国在冷战后时代的外交政策。作品中存在的其它东西仅仅被认为是地域色彩，即使图案中有些清晰的政治痕迹也是安全可控的，对美国价值或者国家体系不构成任何挑战，对西方现状没有影响。这在前苏联解体之前，一些前苏联的前卫艺术家作品在美国备受追捧，这些作品被美欧收藏家视为“在极权高压下，少数人发出的真实声音。” 但当前苏联解体之后，他们惊讶地发现，这些真实反映人们生活的写实主义作品在前苏联蔚为大观，这使美欧藏家对社会主义生活形态的臆想破灭，那些曾经天价的画也跌到了地上。而值得注意的是另一位中国当代画家王易罡，其散播艺术自由的东方价值观，在自由美国并非理所当然。过去的三个月里，当美国亚洲文化学院为他举办的美国画展活动期间，美国的公众和美国的美术馆，曾经为了他的艺术自由和政治原因讨论其在美国展览的某些作品，在大学、在美术馆和在媒体上持续发出两组尖锐的对抗的声音，他是反战还是反美？然而正是这种对抗，为王易罡和中国当代艺术赢得了可贵的话语权和显眼的历史痕迹。

推动交流对于提高中国艺术在美国为代表的西方地位起着根本性的作用，因为交流可以凸显产生艺术的社会文化背景。在中国当代艺术出现在美国国会图书馆、出现在美国国家民俗中心、华盛顿的国家美术馆和史密苏尼亚国家艺术博物馆这类美国文化艺术殿堂时，加快了中国艺术在西方世界声誉的建立，但是今天中国艺术界重度商业化拜金的阴影使得这类学术层面的努力受到威胁。原因之一是，几乎没有中国商业型策展人能全面了解美国，因此鲜有能力去“发现”相对来说不为国人所知的美国艺术交流平台。中国艺术往往在跨越国际的展览中是孤立的，西方在理解中国本土所强调的问题时有其自身的固有框架，而中国当代艺术人在这个框架中却并未感到不自在的。这是一个必须迅速改变的现状。另一方面，尽管中国的策展人将中国当代艺术带给了西方观众，但他们给予世界有关中国当代艺术产生背景的形象却是十分散乱的，所以提供这一背景阅读的重任应该是中国艺术史家。然而迄今为止，艺术历史已经证明在展现中国艺术的成就方面艺术史界远非商业策划界拿手，如果中国艺术历史界要充分面对这个时代挑战尚需很多改变，但赵晓明教授随之介绍说他已经开始注意这个领域的变化，作为中美两国机构的中国艺术研究院王文章院长和马里兰大学美术学院John Ruppert院长是这种力量的推动者和先行者。

除了在中国艺术历史研究的领域之外，在艺术历史与艺术批评之间亦存在一道令人遗憾的鸿沟。艺术批评家和策展人一样在把当代中国艺术介绍给更为广泛的观众方面发挥了积极作用，但是他们并未能完整地提供所需的丰富的背景研究。在很大程度上，西方观众通常都会有这样一种感觉，即中国当代艺术是在历史的真空中发展的。如果要避免以一种浮浅的西方接纳方式来框定当代中国艺术，中国艺术学界就必需全面准确地向西方来展示有力量的方法。完全废黜对艺术现代性的唯西方中心的思维与论述。

在这个演讲中，赵晓明教授显然不是要简单而广泛涵盖在此前世界艺术历史文献中边缘化了的中国现、当代艺术，而是要在整个艺术史中打开新的视角来消解现存的西方霸权。只有当这些全新多样的视角通过对话的方式出现，而不是事先就赋予这些视角优先权，学术界才可以说艺术历史已经成为全球化的一门学科。而全球化需要洞察到地域意义的本性和排除居高临下大一统的观点。

当今在美国大学、文化机构中工作的海外裔成员扮演了重要角色，引起人们注意到少数族裔为美国所做出的文化贡献。同样华裔人数在美国不断激增，生活在美国的华人也有了与日俱增的政治上的自我意识，美国的多元文化社会对此也给予了回应，这也是为什么美国的大博物馆愿意为中国当代艺术作品办展的原因之一。

现在重要的是向世界彰显中国艺术成长的地域背景，在这一背景意义中，中国当代艺术扮演了一个积极而特定的文化角色。当然不是说艺术只能在其原生地才有意义，也不是指背景是理解作品的唯一方式。强调地域，不是争辩地域背景比其它内容更为真实具体，亦非否定全球化的力量在文化方面的存在。地域概念并非是凭空想象出来的一个残余文化空间。这个概念是视地域为一个相对独立的背景，全球化的力量在其中周旋。就这一问题赵晓明教授在演讲中特别列举了二零零七年四月在美国一年一度的庆祝“亚裔月”期间，中国上海音乐学院艺术歌曲演唱家邱曙苇在华盛顿大受欢迎的独唱音乐会来证明跨文化交流中的地域力量。

在谈到美国当代艺术时，赵教授介绍说，美国建国以来的艺术历史一直被认为没有走出欧洲艺术的阴影，而从安迪•沃霍尔这一代起，美国艺术不仅具有自成一体的艺术面貌，也形成了以艺术史批评、艺术馆展示、艺术商业和艺术基金构成的完整的现代艺术体系，从而使二战后世界艺术中心从巴黎转移到了纽约。不仅如此，它在六、七十年代创造的波普艺术、概念艺术、大地艺术、极少主义以及Video艺术等，事实上在艺术思潮和美学上反过来影响欧洲艺术。

美国艺术创造的奇迹，以及由此建立的世界艺术中心的地位，一方面跟美国在战后确立的帝国综合国力有直接的关系。这表现在美国的经济实力使得一大批美国新兴的资产阶级开始大量收藏仅有十年不到时间的当代艺术品，各种州立和私立的的美术馆、基金会以及画廊大量涌现，这在客观上为美国艺术的崛起提供了经济基础；另一方面，美国在战后超国家的帝国结构、以及发达成熟的商业和都市文化体系的形成使美国人的世界观和自我情感世界具有其他国家和地区难以具有的新特质，这在很大程度上，为美国新艺术提供了新的情感资源和思想背景。另外，美国在战后建立起来全球传媒体系和大学精英文化研究体系也在客观上为美国艺术的理论总结和全球传播提供了推动力。

当然如果仅仅认为美国只是依靠发达的经济实力和帝国的综合优势就能使纽约成为取代巴黎的世界艺术中心，这就太简单化了。事实上，日本在八十年代经济起飞阶段也曾拆巨资大量购买西方艺术品，但并没有成为艺术中心，甚至也未能成为亚洲艺术中心。美国艺术的崛起，本质上无疑是由于涌现了像安迪•沃霍尔、勒维特、史密森、瑙曼这些伟大的艺术家，他们的艺术的确改变了或至少怀疑了长期以来有欧洲艺术建构起来的艺术本质，在对艺术概念本身、艺术和商业、艺术和大众文化、艺术和美术馆、艺术和哲学、艺术和电子影像、艺术和抽象视觉等广泛的方面都进行了重大突破，而反过来看二战后的欧洲现代艺术，除了像波依斯，的确没有像美国那样取得现代艺术本质方面的前卫性突破。

现代艺术起源于巴黎和欧洲等地的现代主义时期，在二战前，从意大利的未来主义、苏俄的构成主义、到巴黎的超现实主义和达达主义，美国基本上只有学习的份。但二战后，轮到欧洲老大哥向美国弟弟学习了。

二战后的五十年代，美国的上层阶级像洛克菲勒家族和艺术界人士像批评家格林伯格等开始酝酿推动具有美国艺术风格的当代艺术，由于文化冷战的契机，以纽约现代美术馆为代表的美国右翼资产阶级和中央情报局联手推动以波洛克、德库宁为代表的抽象表现主义艺术作为美国战后标榜非意识形态化的纯粹艺术的文化形象，以对抗社会主义的意识形态艺术。抽象艺术虽然仍然来自欧洲的现代传统，但格林伯格强调了它的自由奔放的现代美国的“牛仔”特色。抽象表现主义实际上是美国艺术具有膨胀的自我意识和主动强调非欧洲化的萌芽时期，但实质上并没有脱离欧洲现代绘画的基本性质。

随即赵晓明教授指出，在艺术教科书中，常常是结论性地认为，抽象绘画是西方艺术家的原创；从蒙德里安(1872～1944年，荷兰画家)，到康定斯基（1866－1944，俄国画家），再到美国的表现主义，抽象艺术的历史，被定格在当代的100多年的时空中。但是，在赵教授的理解中，抽象绘画的内在精神和表现元素，更是根植于中国艺术的传统之中，其历史渊源可以追溯到公元400年晋代绘画，甚至可以回归到中国象形文字的起源和书法艺术的传统之中。赵晓明认为，抽象绘画艺术的源头，在东方而不在西方。东方的绘画艺术，诗歌艺术，以及哲学传统，其中的一个相通之处，就是追求“意境”，强调“只可意会，不可言传”的空灵境界。而当代西方艺术家对于抽象艺术的贡献，主要在于把西方绘画艺术中的油画表现方法，特别是对“色彩”和“光感”的应用，融合到“写意”的抽象绘画的表现元素之中，于是自成一格，形成一个西方现代绘画艺术流派。这是东西方文化相互交融后绽放出新的艺术生命的一个绝佳的例子。但是，如果把抽象绘画理解成西方艺术家的原创，则是本末倒置。赵教授还认为，由于理性主义哲学思想的影响，西方现代抽象绘画所表达的，是从物象世界中抽离出一种形式，因此是一种“形式表现主义”，或“形式抽象主义”。这种“形式主义”缺乏生命的力度和深度，缺乏与物象世界的有机结合，最后，作为一种艺术语言，崛起于一时，却难以后继。这可以解释，为什么西方抽象绘画艺术，“从形式到形式”，只走了100多年就成了无源之水了。抽象绘画艺术只有回到东方的审美传统，把生命的情绪体验作为艺术的诉说对象，才能永葆艺术生命之青春，在这一领域，赵晓明教授特别例举了中国当代抽象派画家吴少清。

美国艺术真正的非欧洲化从六、七十年代开始。安迪•沃霍尔首先开始了对美国商业文化和流行视觉的自我认同，他的大量言论、艺术作品和生活方式都在强调艺术的商业化、流行酷文化、艺术家的明星化和对物质主义的认同没有什么不对的。这种对商业“我喜欢故我在”的自我方式在同时期的欧洲社会是不可想象的。

但事实上，美国的其它艺术家也没有完全像安迪•沃霍尔那样强调与商业一起糜烂和艺术的资本化。七十年代更多的优秀艺术思潮实际上是反商业和反体制的，像大地艺术家史密森在尤它州盐湖上1,500英尺长的的螺旋形岸堤；海因兹在内华达州创作的一个1500英尺长、50英尺深、30英尺宽的巨大裂口，共爆破了24万吨岩石；德•玛丽娅利用自然雷电的在野外树立了几千个金属杆的“闪电场”作品。这些艺术家长期在没有人烟的荒野进行无法收藏的艺术创作，大地艺术也突破了美术馆围墙的艺术概念。

勒维特的概念艺术也打破了美国艺术没有哲学思想的偏见，概念艺术几乎达到自欧洲现代艺术以来自我颠覆的一个极致，也奠定了后来风靡世界的观念艺术思潮的思想基础。勒维特本人思想严密，他的认为艺术首先是观念的思想是观念艺术从杜尚以来最严密的理论阐述。

值得注意的是，美国的综合国力和经济基础在战后虽然如日中天，但实际上从五十年代到七十年代这三十年内，进行先锋探索的艺术家都处于经济极端艰难的时期。大部分美国民众、中产阶级和上层阶级实际上并不认同和理解这些后来为美国赢得世界影响和帝国形象的先锋艺术。五十年代的波洛克几乎穷困潦倒；安迪•沃霍尔的作品一开始在六十年代无人问津，十年后才开始大量销售；而像海因兹等人在荒野几乎过着流浪艺术家的生活，却从未放弃对艺术的无限追求。

演讲中赵教授说他前不久读到一篇刘骐鸣名为“艺术和金钱：中国当代艺术的锦绣‘钱’程”的文章，文章是这样开场的：“在上海最繁华的地段，俯瞰外滩的上海新视角餐厅酒廊的一间贵宾房里，胡椒生牛肉片，煎黑鲈，一道道西式菜点骆绎上桌，席间响起喧闹的劝酒声和清脆的干杯声。坐中的不是腰缠万贯的富商巨贾或者官宦贵人，而是王广义、张晓刚、方力钧、岳敏君、曾梵志等二十多位中国当代很有名气的先锋艺术家，还有他们的宾客。

他们在此聚会，当然不只是为了大块吃肉、大碗喝酒，他们从北京等地专程来此，是为了参加方兴未艾的中国当代艺术界的另一位新秀——曾浩的个人新作展览。来自上海的艺术家周铁海啜了口智利红酒，抿抿嘴说道：这样的宴会之前就有过的了，但是最近特别的多。这次宴会选在一个星期六的晚上，一座建于1916年的历史建筑——外滩3号中。外滩3号的屋檐下，同时容纳了阿玛妮旗舰店和和沪申画廊，似乎也反映了中国当代艺术的锦绣‘钱’程”。对这种报道性文章所描述的中国当代艺术家的现实骄傲，赵教授却未按惯例就其推崇的艺术家普世的社会责任感、使命感、价值观和追求真理的道德力量角度来作任何评论与分析。

演讲的最后部分，赵晓明教授介绍了美国对于文化艺术赞助的体系和方法，他说：根据2003年美国国家艺术基金会(The National Endowment of the Arts)的预算，美国政府为文化艺术事业提供1.5亿美元的拨款。国家艺术基金会是美国政府赞助艺术家和学者的最大公共资金来源。据估计，美国公共资金和民间资金每年为文化艺术提供的赞助总额为120亿美元。这两个数字相差悬殊，但这正说明美国采取分散的、基本以自愿为原则的、具有高度活力的机制扶持文化事业。尽管美国的机制与某些国家集中管理的机制不同，但这个机制深深扎根于美国历史，受到美国人民广泛的支持。

相对而言，美国至今仍然是一个实行分权制度的国家。在美国，许多在其他地区由国家提供的服务由各州和各地方或通过支援组织提供。大多数美国人喜欢称国家为联邦(federal)，不用中央政府这个名称。联邦政府为维护生气勃勃的文化环境发挥重要的作用，美国的个人、公司和其他民间组织则提供大部份资金。这个体制的优越性在于活力充沛：门类繁多和不断变化的文化艺术有数以千计的资金来源为后盾，几乎每一个州都有一些提供赞助的渠道。

在欧洲集中赞助文化艺术的模式发源于皇室和贵族扶持文化艺术的传统，后来被现代国家所继承。相形之下，美国历来没有皇室和世袭贵族。美国高举个人自由的旗帜为文化艺术提供赞助，建立了充份依靠民间慈善事业并由政府提供补充赞助和鼓励民间捐款的体制。

联邦政府大约为文化艺术提供2%的所需资金，各州和各地方机构提供约8%。但是政府赞助往往可以产生"种子"(seed)和"乘数"(multiplier)效应。新建的组织即使只得到较少的联邦赞助，也具有很大的意义。某个艺术家或艺术机构一旦得到联邦政府的认可，往往会在民间赞助方眼中获得一定的地位。据最大的联邦赞助来源国家艺术基金会估计，政府赞助的每一个美元可帮助受益机构吸引7至8美元的民间赞助和收入。

既然很多赞助决策不由华盛顿做主，在美国艺术家们就不必那么积极地向政府官员证明自己工作的价值，没有一个政府机构可以对美国的文化生活产生很大的影响。

美国国家艺术基金会从不利用拥有的资源把自己的意志强加给美国艺术界。与此同时，美国的慈善事业规模庞大，大量各类文化艺术活动都能得到可靠的赞助。美国有1,500个专业剧场、1,200个交响乐团和大约120个歌剧院团。在这样一个幅员横跨美洲大陆的国家，很多人居住在距离大城市文化中心很远的地方，所以分散化的政策有助于文化艺术更贴近人民。

美国的联邦政府对文化艺术的最大贡献可以说是慈善捐款的税收减免，大多数美国人可从应缴的收入税中扣除为合格的非营利组织捐款的部份。即使没有这项税收优惠，美国人仍然愿意赞助文化艺术。美国民间慈善捐助的风气远远早于收入税的诞生。但是由于有了税收减免，民间捐助的数额大大超过联邦的直接赞助。据估算，2003年民间资金为艺术家和艺术团体提供的赞助总额为120亿美元，全美人均捐款42美元，其中约一半来自个人捐款，三分之一来自基金会，其余来自公司企业。

美国对文化艺术的赞助并不限于捐款。与欧洲国家相比，美国文化团体更多地依靠门票收入。例如，美国管弦乐团的收入有40%音乐会门票，德国管弦乐乐团从政府直接获得的赞助可能占80%。美国的体制有助于每一个人以个人的娱乐开支为自己喜爱的音乐、戏剧和文学提供赞助。

美国钢铁大王安德鲁·卡内基(Andrew Carnegie)曾捐赠3.5亿美元，其中部份款项用于建立了3,000个公共图书馆和一所大学。卡内基曾经说道：“我决定停止聚敛，着手明智分配财产这个更严肃和更艰难的任务。”其他建立基金会的工商巨头有亨利·福特、约翰·洛克菲勒等。今天还有很多人继续为文化艺术提供赞助。如果不了解美国公共部门和民间部门交相辉应的关键作用，就无法对美国文化艺术事业进行完整的考察。

世界各国都希望以符合本身特定价值观和历史积淀的方式赞助文化艺术，创造丰富的艺术和文化生活。美国通过一个灵活的机制扶持文化艺术，以公共资金为杠杆，同时鼓励民间捐款，发扬个人的自主性。

在一个半小时的精彩演讲尾声时，赵晓明教授用一句“艺术的力量能触动心灵，开阔思想。” 来结束全场演讲。

我所有的爱好中，学弹电子琴也算是我的一个爱好，它在我的生活中占去了一定的休闲时间。大家猜猜我是怎样爱上和享受这门艺术的呢？ 事情是这样的：一天，在学校，有一次比赛合唱，全校里的人纷纷来参加，我也不例外，报完名便开始了课余时间的培训。我们的培训是由老师弹琴，教我们唱。当我听见美妙的琴声，大家的歌声便脱口而出，使我对琴有了一些了解。四年级上音乐课，老师爱带我们去音乐室上，经过老师的讲解和弹奏，我慢慢的对琴产生了兴趣，琴声优美，能让人的神经进行休息。 在家里，我从学校学来的几首歌总是来家里唱一下，爸爸妈妈看见我天天这样唱，也知道了我对琴有点感兴趣便跟我买了一架电子琴。刚买回家我便迫不及待的弹上了，可是我真是乱弹琴，这时，爸爸叫我静下心来，弹最简单的练习曲：《欢乐颂》，可我总是静不下心来听、看，急急忙忙的往板凳上一坐，便开始乱弹，学习电子琴没有我想象的那样简单。我开始以为只要弹好哆、来、咪、发、唆、啦、西七个音，就万事大吉了。说起来容易，做起来难，光这七个音阶要弹好都很难，而且基本功也很重要，要认识简谱，掌握节奏。经过了几个月的学习我学会了这首曲子，还能自弹自唱。在爸爸的指导下我学会了更多的曲子：《童谣》《义勇军进行曲》等。现在在家，时常陶醉在电子琴美妙的乐曲中，每当我用手指在键盘上流畅地弹奏出校园歌曲《童谣》的时候，我的神思似乎也回到了学校和同学们在一起上课、游戏、玩耍。每当我沉醉在自己的琴声中，也摇头晃脑地哼上几句的时候，我的心情就显得无比舒畅，就好像吃了一个人参果，浑身三万六千个毛孔都开放了。 我爱音乐，我爱电子琴，我爱这能陶冶性情的琴声。我愿美妙的音乐充满我的未来，愉悦人们的心田。我要继续努力学习各科文化知识继续练习提高我的琴艺，让我的家人、朋友享受我优美的琴声. 一直以来都有一个解不开,悟不透的困惑.何为艺术?艺术博大而精深,艺术虚无而飘渺,艺术简约而明了,艺术抽象而疏远.何为艺术?生活中充满了艺术?艺术蒙蔽了眼睛.我的艺术情缘在哪里?我的细胞里是否也蕴藏着艺术的基因只是没有被适合的外因给激活而已?我从小就认为自己没有艺术的天赋,因为艺术被赋予了歌舞戏剧,书画琴棋的高尚意味,因为它无形的被从生活中剥离出另一层更深远的境意了,所以在普通人看来艺术是高不可攀的,艺术是只属于所谓的艺术家的代名词.人们误解了艺术,艺术蒙蔽了人们.我就是在这种错误思想禁锢下顽固的唾弃了艺术十几年的人之一,用异样的眼光看待艺术,用不屑的态度对待艺术和专属它的人,直到现在,直到一部优秀的艺术作品的诞生,直到我从中感受到了它的形象化和给我的启发意义,我终于明白了艺术的真谛,艺术的情操,艺术的伟大,我如同拨开云雾见天日般的重获了新生,困惑了十几年的问题”何为艺术”,如今我用我的理解来诠释这一答案.一个人会因为读一本好书,看一部好电影,听一翻好话而改变.放假后的这段时间里,我把<<恰同学少年>>一口气连贯的看完了,细细体味毛主席当年的风华正茂和豪情壮志,确有指点江山,慷慨激昂之情,也有中流砥柱,浪遏飞舟之景.这部电视剧确实是一部优秀的艺术作品,把一代伟人青春年少时的意气风发细腻深刻的表现了出来,我从中感受到了个性张扬,不拘旧理,敢于创新,敢作敢为,也感受到了心系国家,志存高远,沉稳凝练,冲动奔放.主席年轻时也是那么的激情,豪爽,所以这也决定了他能为中国的未来新生而敢为天下先,最终成就辉煌伟业,成为世代伟人.主席从小酷爱社会学科和军事学科,什么国文,哲学,历史,伦理等都是他很着迷的,所以这就培养了他严密的逻辑思维和对问题,对时事的独到而深刻的理解的文章论证,剖析能力.不仅如此,他在报考长沙第一师范学校之前就有过农,工,商,兵的社会经历,这些也磨炼了他惊人的毅力和胆识,所以一代伟人就是在这样的点点滴滴的岁月痕迹中积淀成长起来的.我想杨昌济老师能慧眼识才子也正是因为从主席的那篇入学作文”论小学教育”中读到了救国救民的理想和抱负,从此,伟人的恩师和他开始了不解的情缘.试问,杨老师何以凭一篇文章便知”不言救国则已;若言之,必重此人”的信心?我觉得这正是艺术的真谛所在,是艺术的内涵所散发的气质让杨老师感受到了他的决心.主席之过人处在于他的文采锋芒外敛,论证充实有理,让人读摆有激情燃烧的动力,因而多少人愿意为这个新中国的理想抛头颅,洒热血,视死如归,这不正是艺术的魅力所在吗?艺术在主席的文笔里不再幻化,艺术体现在主席的文采里,表现在书写的每一个字里.现在终于明白了,艺术的曲高和寡是我们无知的人没有把它实例化到具体的事物上去,所以我们感到陌生而疏远它.其实艺术只不过是一个概括的名词而已,它本身并不特指任何的形式,古往今来的歌舞戏剧,书画琴棋都是文人墨客的一方观点而已,然后它却禁锢了好多人的思想.我想说的是艺术源于生活,生活就是艺术,我们需要把自己的艺术观具体化来.曾经因为我这样的误区,我对文学非常讨厌,甚至可以说有憎恨的意味,我不喜欢阅读,不喜欢写作,不喜欢一切和语文有关的事物.对语文老师也莫名的有了疏远的感觉.也许正因如此我对艺术也有着同样的感觉,视之如不屑.但是,这个学期,直到接触到了艺术鉴赏这门课程,我以一种试试的心态去对待它的时候,我发现了实际上它不是我想像中的是属于另一个阶层的人的事物,我从中了解到了千变万化的艺术形式,被中国古代辉煌的艺术结晶折服.特别是老师,也许我可以亲切的称老师为师姐,因为正是通过和她这样的年龄相仿的老师的接触才耳濡目染了我对艺术重新的认识,所以这学期的艺术鉴赏课都是让我觉得最轻松快乐的,我可以以一种游历山水景色,品艺术风采的心态去学习,其实去旅游不也正是去了解那个地方的历史文化的吗,那换言之也就是历史艺术了. 惭愧的是对艺术的理解还很浅显,确有相识恨晚的遗憾,所以一篇”我和艺术的故事”也令我犯愁.十几年来艺术感的空缺,没有任何的积淀,我去哪里写出包涵真情的文章.正如主席说的”文章的思想是人的灵魂”,没有艺术灵魂注定我写不出这样真情实感的文章.如今一部<<恰同学少年>>,我从中找到了艺术的灵感,那就是文学,我倾佩主席的谈古论今,羡慕萧子升的飘洒灵力,欣赏蔡和森的含蓄内敛.他们这些覃湘名人用自己的文笔展现了艺术在文学方面的高雅.如今我切身体会到了何为艺术的真谛.想到主席当年顶袁老,驱张校,犹有年轻时的冲动和盲目而错误,不过他是敢于为自己的错误承认和改正的,足见他的胸襟和气度,所以以后我们不论做错了什么都要敢于承认自己的错误,勇敢的面对它,改正它才对.希望大家都能在生活中找到自己的那份艺术情缘,生活将因此而不再空虚和乏味.

对设计艺术专业课程设置与学生实践能力培养的思考(1) 内容摘要 ：设计艺术教育日益成为我国艺术教育的一个主要领域，在这种形势下，设计艺术专业教学改革势在必行。文章着重强调了通过设计艺术专业课程设置的改革，优化结构，突出优势，加强对学生实践能力的培养，从而达到设计艺术专业教育的既定目标。 关 键 词 ：设计艺术教学改革课程设置实践能力 设计艺术是一个文化概念，它代表的是人们对所选择生活方式的设计，包括人们的衣、食、住、行、用，以及潜含在其中的精神层面的价值系统。受经济高速发展对设计人才需求因素的影响，我国的设计艺术教育不仅仅在专业院校，而且在普通高校也得到了蓬勃的发展。设计艺术教育也越来越成为我国艺术教育的一个主要领域。一直以来，我们认为，具备良好的科学文化素养、敏锐的审美能力、创造性思维方法和熟练掌握本专业技术能力的综合素质，应该是普通高校设计艺术专业人才的培养目标。传统的美术教育模式培养出来的设计人才存在许多欠缺，对所设计产品的工艺流程、材料、与客户应对的经验、技术统筹管理等知识的欠缺，造成了设计人员更多地停留在艺术感觉的审美层面，设计出的产品实用性不大，或存在功能与工艺上的障碍。 在这种情况下，我们必须清醒地认识到，普通院校的设计艺术教育虽然是从传统美术与工艺美术教学中脱胎转型的，不可避免地存在着发展初期的不足和转型期的种种迷惑与困难，但是基于设计艺术在现代化进程中的作用和学科发展的需要，对设计艺术教学进行改革、规范，调整设计艺术教学体系是迫在眉睫的重要任务。国家教育部在高等教育面向21世纪教学内容和课程改革计划中提出：改革的根本目的是改革更新培养模式，调整课程结构，用现代文化、科技发展新成果充实和更新教育内容，逐步实现教学内容、课程体系、教育方法和手段的现代化。同时，普通高校的设计艺术教育大多不同程度地存在一些问题，如重课堂教学轻社会实践，重虚拟课题轻设计开发，这些都造成了教学与实践严重的脱节现状，高分低能现象屡见不鲜，这与设计学科高速发展的现状极不相称。我们可以尝试通过课程设置的改革，进一步强化学生的实践能力，建立一个全新的教学模式。 一、优化课程结构，更新教学内容，突出专业优势 1.课程结构上的特色 设计艺术学科是艺术与科学交叉的学科，学科特点必然在课程结构上体现，在专业理论课方面，应该开设与专业方向相关的人文和自然科学交叉课程。以平面设计方向为例，应有选择地开设，如市场学、营销学、消费心理学、行业设计法规、公共关系、广告学、传播学、应用数学、材料学、人机工程学等。除了必修、选修课程之外，我们还可以通过专家讲学、讲座和素质课教育多种形式将课堂教学延展，为培养复合型设计人才奠定扎实的基础。同时，要加强交叉学科之间的交流和教研活动，使交叉学科教学与专业教学目的相统一。 2.专业课程的优化组合 在专业课程方面，首先要对一些传统课程进行优化整合。如平面构成和图案课，在内容和形式上有许多共同之处，可以考虑整合为一门课，既可取长补短避免重复，又可缩短教学时数；另外，要吸取国际上先进的设计教育观念和方法，结合我国实际，开设一些既具有时代精神又符合设计发展规律的课程。同时，可开设一些突出民族文化，研究民族艺术的课程，如民间艺术研究、中国传统装饰等。 3.专业方向上的特色 根据教育部专业目录规定，将所有设计学科统一归于设计艺术学科门类之下，因此设计艺术成了一个专业覆盖面极为广泛的大概念。以平面设计为例，又可分为广告、包装、商业美术、印刷品等设计方向。普通高校在设计艺术办学方向上应根据市场对人才的需求情况和学校自身的优势，有所侧重办出自己的特色。