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“论界首彩陶的艺术魅力”2006年6月，国务院正式批准了首批国家级非物质文化遗产名录，界首彩陶榜上有名。位于淮河中游的界首，历来民风淳朴，文化底蕴丰厚。人们用灵巧的双手不断创造着物质文明，同时也创造着精美的民间艺术。这里的剪纸、年画、陶器等民间技艺，散发着泥土的芬芳，繁华般点缀着农家小院，尤其是界首彩陶，以其独特的艺术，成为中华民族民间艺术百花园中的一朵奇葩。陶器的发明，应当追溯到五六千年前的新石器时代。勤劳、聪慧的先民以土为材，挖穴为窑，烧制出精美的低温彩陶。陶器的发明，标志着新石器文化的开始。这一时期的陶器造型朴实饱满，比例协调，装饰图案简洁大方，色彩明丽，集实用、美感于一体。制陶技艺代代相传，犹如黄河之水绵延不断。至隋代，界首便有了立窑烧陶的历史。至唐代，因与唐三彩产地洛阳为邻，界首三彩刻花陶器随之问世。经过近千年的发展，界首三彩刻花陶已逐渐演变为今天的三彩刻画陶。但是，其独特的造型艺术和装饰艺术依然保持了古老的风韵。如果说新石器时代的器皿造型是在人类改造和利用自然的过程中产生的，那么，界首彩陶则是摹拟自然形象而又脱胎于自然物象的产物。界首彩陶的造型多以圆形为主，据考证，具有圆形特征的决定因素有两点。其一，源自于这里的民间风俗。“陶”有“掏”之谐音，“圆”有“团团圆圆”之寓意，二者结合，即为掏个团团圆圆。解放前，淮河中游一带盛行嫁娶之时女方必陪嫁一件三彩陶坛的习俗，圆形的陶坛上刻有牡丹、梅花喜鹊、莲花鲤鱼等内容，牡丹象征富贵、梅花喜鹊寓示喜上眉梢、莲花鲤鱼则有连年有余之意，这些大众喜闻乐见的题材，无一不体现当婚新人对美好生活的向往。其二，圆形陶器要比其他形器的容量大，实用性更强，而且，在烧制过程中，圆形陶器不易变形。界首彩陶的造型，在图形的基础上大量而又科学地运用S线，使造型的外廓线富有变化；其正立面双侧的S弧度的大小、宽度、高低的变化，对陶器的容量和整体美感起着极其重要的作用。从实例中可以看出，界首彩陶的形体十分符合黄金分割法。众多界首彩陶中的圆形陶坛、陶罐，其高与直径之比，大多在6∶4左右；三彩陶挂盘的底部与盘底之比也多在6∶4之间，因此，在自然干燥和烧制过程中其变形率最低。界首彩陶更多地运用了变化与统一的造型艺术规律。S形线条的不断变化，突出了形体的个性特征，即弧线为主、直线为辅；侧面看，从坛罐的底部到颈部都是由具有张力的弧线组成，而颈部至口部则运用了少许直线，如此明显的对比，凸显其主次分明、曲直对比的鲜明个性。直线只有长短的变化，而弧线则有力度和形体的多样性，直线与弧线的有机结合，形成了界首彩陶统一、协调、均衡和安定的美感。追溯界首彩陶装饰手法演变的历史，可以分为三个时期。第一时期即界首彩陶的初始时期，严格地说，这时的陶器不能称为彩陶，而只能叫做素烧陶。由于缺乏生产工具，先民们只能用聪慧的大脑和勤劳的双手揉泥作料，盘泥造型，用柴草低温烧制出没有釉彩的素烧陶；用泥条盘筑而成的陶器，自然而成的条纹便成为独具美感的装饰纹样。第二时期，即界首彩陶的刻花期。此时，先民们已经开始使用陶轮，借用双脚的外力使陶轮匀速转动，置泥于轮上，双手巧妙用力，拉出造型千变万化的陶胎；晾干后，施白土于胎面，再晾至半干，以铁签或竹签刻画花鸟鱼虫于胎面，再施铅土诸釉，晾干并置于窑内，柴火烧至三四天，即得晶莹三彩彩陶。其刻画内容，多为自然界之花鸟，又因其坛罐颈部或底部均刻有以花为主题的二方连续图案，故称之为刻花陶；陶胎窑烧后呈赭红色，配饰翠绿和土黄釉色，自然形成三彩釉，二者合一即为三彩刻花陶。第三时期，界首彩陶刻画期，从第二时期始经过数百年的实践，陶器艺人们逐渐丰富了彩陶的刻画题材。除花鸟鱼虫外，诸如《破洪州》、《战秦琼》、《铡美案》等等传统戏剧场景也“搬”上了陶坛。在表现技法上，运用了剔、刻、刮等手法，使画面色彩更加丰富，刻画主题更加鲜明。界首彩陶造型装饰方面的独特艺术是由诸多要素所构成的。诸如黄金率的无意识应用、空间的处理、画面的布局等等，其多元素的最佳组合，创造出了界首彩陶独特的艺术个性。但是，界首彩陶决不是脱离生活、远离自然的产物，而是人类在长期的生产实践中、社会生活中不断观察、不断发现、不断提炼和不断创造的结晶；从单纯的摹拟刻画到综合的艺术创造，从偶尔的发现到熟练的掌握，如此反复实践，受到启发，得到规律，才归纳总结出创造美的原理。因此，界首彩陶的对称美、均衡美、装饰美，是源于生活、根植于本土的美的集合。界首彩陶的主要材料取自于颖河两岸的胶泥层，因此，又具备了本土的、民族的地方特点，从而形成了具有个性的和独特艺术语言的“界首彩陶”。“浅谈工笔画的笔墨和色彩”工笔画是中国传统绘画的重要组成部分，至今已有近两千年的发展历史。其精勾细染的艺术技法在中国画坛独树一帜；其意象造型的表现手法，在艺术处理上精微而不失匠气，工致而富有绘画性，为工笔画的发展留下广阔的拓展空间。远古的帛画，以线赋彩，成为中国工笔画最基本的表现形式。祖先们在生活和劳动实践中不断完善绘画手法，逐渐形成了双勾填彩、双勾细染的画法。魏晋南北朝是中国工笔画发展的重要阶段。以莫高窟为代表的壁画，无论是富丽的色彩或是浓厚的宗教题材，都体现着先贤们娴熟的工笔表现手法。唐代的工笔画达到了一个新的高度，吴道子、张萱、周昉当为这一时期的代表画家，其工笔人物画线与墨、线与彩的完美结合至今令人叹为观止。宋徽宗赵佶喜爱绘制工笔花鸟画，改革了画院体系，提高了宫廷画家的地位，建立了画学制度，从而使院派工笔画，达到了历史上的辉煌期。工笔画 走向民间当在 元、明、清 时期，尤以明清后，由于诸多因素，导致工笔画日渐式微；在文人水墨写意画主流冲击下，虽有仇英、“二袁”等职业工笔画家的努力，但是工笔画一直处于消沉状态。近代的工笔大家陈之佛、于非闇虽成果斐然，却仍未摆脱工笔画的低迷窘境。现代中国工笔画的复苏期是在上世纪80年代的改革开放时期；而近20年经济繁荣、“西风东渐”迎来了工笔画发展的辉煌时代。与其他国家的绘画风格不同，中国工笔画有其独特的艺术绘制程式。中国工笔画讲究用笔用墨，笔墨不仅是视觉形式，更是中国画气韵、精神的载体，笔墨功夫是许多画家一生的追求。和写意水墨画相比，工笔画同样要求以笔入画，求笔法，讲笔趣。唐代陆希声五字执笔法，要求做到“五指齐力”、“指实掌虚”，运笔则灵活自如。张彦远的“生死刚正谓之骨”，正是用笔力度的体现。元代王蒙笔力扛鼎，后人称之为“金刚杵”。清代郑绩《梦幻居画学简明．论笔》中说“用笔以中锋沉著为贵，中锋取其圆也，沉著取其定也。定则不轻浮，圆则无圭角。生怕涩，熟怕局；慢防滞，急防脱；细忌稚弱，粗忌鄙俗；软避奄奄，劲避恶恶；此用笔之鬼关也，临池不可不醒”。由此可见，用笔是工笔绘画中的关键所在。如果说笔是中国画的筋骨，墨则是中国画的血肉。中国工笔画所追求的艺术理念也是笔尽笔法、墨求墨气，以此展示“气韵生动”的艺术魅力。纵观古今，中国文人画一直提倡“水墨为上，墨分五色”。北宋韩拙《山水纯全集》云：笔以立其形质，墨以分其阴阳。清代石涛在其《苦瓜和尚画语录》里说：“笔与墨会，是为絪缊。絪缊不分，是为混沌。辟混沌者，舍一画而谁耶！画于山则灵之，画于水则动之，画于林则生之，画于人则逸之。”草圣林散之在《笔谈书法》中更是强调“古人千言万语，不外‘笔墨’二字，能从笔墨上有心得，则书画思过半矣。有笔方有墨，见墨方见笔，笔是骨，墨是肉，水是血。非笔不能运墨，非墨无以见笔。”笔墨是中国画的安身立命之本，也是中国工笔画着力于追求“意”的神会的基础和前提，而“随类赋彩”则是中国工笔画的要素之一。在历代众多工笔画名家中，善于使用色彩的当数南宋和元代交替时期的浅绛山水大家钱选，他的作品洋溢着文人气息，在水墨浅绛的基础上，罩染石青石绿，皴染加墨点，清丽典雅,郁郁葱葱,处处呈现生机,对后世浅绛小青绿山水的发展产生很大影响。历代名家对色彩的运用极为重视，对色彩与色调的主次、墨气与色气的效果十分讲究。如五代南唐工笔大家顾闳中所绘《韩熙载夜宴图》，主要刻画南唐中书郎韩熙载夜间举办盛宴的隆重场面。此作是五代时期工笔重彩的鼎力之作，其中锋用笔，线条流畅圆劲，设色富贵浓丽；其间对女乐人物的描绘更是生动传神：华丽的衣着，浓艳的装饰，丰富而和谐的色彩，工细极致的晕染与身着白色晚装、袒露赭色胸腹、端坐黑色椅子的韩熙载形成强烈的对比，主宾关系明确，而人物神态和场景融为一体，形成对立统一而又协调有节的盛宴氛围。又如顾恺之的《洛神赋图》，周昉的《仕女图》等工笔巨作，其笔墨色彩的合理运用使所要表达的主体更加突出，物象更加鲜明，格调更加高雅。当代工笔画的繁荣和发展，丰富了工笔画笔墨色彩的内涵，延伸了工笔画的艺术程式。在不久前由中国美术家协会、中国工笔画学会主办的“全国第七届工笔画大展”上，众多优秀作品充分体现了工笔画能实能幻、能繁能简、能宏能巧的表现形式，笔与线、线与墨、墨与彩之间的关系得到了灵活的运用。不少优秀作品使用了制作技法，使作品的艺术表现力更加丰富。当代工笔画名家何家英先生就工笔画的制作技法坦言：工笔画的绘制方法，70%是制作。绘画就是很精细地描绘，这也是一种品质。著名工笔画大家、中国工笔画学会创建人林凡先生说：“现代工笔画家为什么不能制作呢？制作不是要不得，而是要大力提倡，把制作水平提得高高的，让人们心悦诚服地接受。”“外师造化，中得心源”，现代工笔画的创作素材来自于生活，取自于客观世界，而创作理念却是源自于画家本人对客观世界的感悟，取决于个人的修养和情思；创作过程则是画家对于色彩的认知和驾驭能力的考验。实践证明，笔法、墨色、色彩和制作技法的有机结合，互为作用，才能增强作品的艺术感染力。和抒情写意的意笔画一样，中国工笔画也是一种表意的艺术，两者只是艺术表现手法的不同而已。工笔画所要达到的艺术意境不是画家对自然景物的简单复制和摹写，也非生搬硬套的制作效果，而是经过主观取舍、融主观审美情趣和客观精神于一体的心物之间产生共鸣的艺术语境。优秀的工笔作品是画家心灵中的情景或物象的再现，是笔墨和色彩最佳配合所生成的“象外之象”，更是一种主观生命与客观自然完美融合的人格文化。“根植传统 创新发展”——段云峰谈现代工笔花鸟画创作2010年04月07日 11时02分 来源:美术报大千世界，鸟语花香，春来冬去，周而复始。大自然中的花鸟不仅和人类的物质生活有着紧密的联系，而且以其优美生动的形象，给人以精神上的陶冶和美的愉悦。千百年来，亘古如一。远古时代，当人类尝试用艺术表现自身力量的同时，已开始描摹那些充满无限生机与活力的花草虫鱼和飞禽翔鸟。这些充溢着主观色彩和被艺术化了的花鸟图式，不但较之自然中的花鸟更具有典型性，而且点缀了人们的生活空间，丰富了人们的思想感情。我国传统绘画中的花鸟画，涉猎的题材相当广泛，表现形式和手法各有千秋。历代画家在创作实践中不断积累经验，从繁花盛草到禽鸟虫鱼，从客观自然的摹写到主观思想的张扬，众多花鸟画家取得了令后人高山仰止的成绩。因此，花鸟画和山水画、人物画鼎足而立，在传统民族绘画中占有重要的位置，并在世界艺坛上放射着夺目的光彩。 花鸟禽鱼，属自然之美。爱美之心，人皆有之，艺术家们更是如此。印象派画家梵高笔下的向日葵，那焕发着耀眼光芒的作品，你只要看过，就会留下对于生命灿烂辉煌的强烈感受。然而它并非花鸟画。西方美术史上，只有静物画而无花鸟画。花鸟画当属中华民族传统艺术之魂宝。千百年来，勤劳勇敢智慧的中华儿女在改造自然的过程中，逐渐认识到花鸟虫鱼的自然之美，把它们作为美的符号，用不同的工具、不同的材料，赋予不同的艺术语言装扮生活。久而久之出现了一个特殊的画科——花鸟画。花鸟画作为中国传统绘画艺术的重要组成部分，至今已有近两千年的发展历史。从先民们刻绘在器皿上的花鸟图式到唐宋时期独立成科的工笔花鸟画，能工巧匠们的智慧，令后人叹服。工笔花鸟画的表现程式和艺术语境，尤其是精勾细染的艺术技法在中国画坛独树一帜，其意象造型的表现手法，在艺术处理上精微而不失匠气，工致而富有写意性，为工笔画的发展留下了广阔的拓展空间。 自1985年以来，有关中国画前途的论争不绝于耳，从“中国画笔墨还能不能反映当代生活”到“中国画已经穷途末路”，从“笔墨等于零”到“笔墨就是一切”的对辩。可以说，在各种新观念、新理论的后面都云集着一大批敢于探索、勇于牺牲的实践者，其活跃程度几乎如诸子百家争鸣，让人激动又让人忧虑。在艺术潮流演进的过程中，艺术家——这个艺术实践的主体担负着不可推卸的使命和责任：这就是用他们的艺术品在各个推进的段落里，留下足迹，让后人研究时有最基本的材料。而工笔花鸟画在这个大的艺术潮流中，只是一个局部，这个局部所经历和所应承担的都同样是异常沉重的使命。工笔花鸟画这个古老的画种，它在当下的精神是什么？尤其是在这个喧嚣的时代背景下如何进行风格重塑，已日益成为人们关注的焦点。文化是传承的结果，要进行我们这个时代的风格重塑，必须要梳理前人的风格，对他们的艺术格式进行分析。从现有的资料看，五代以前的工笔画中，人物、山水居多，难觅独立成图的花鸟作品。从北齐佚名的《校书图》、隋展子虔的《游春图》、唐李思训的《江帆楼阁图》，到唐代阎立本的《历代帝王图》、韩干的《骏马图》、孙位的《高逸图》等，都充分地展示了工笔画中山水、人物的艺术高度，除了韩干、韩滉的马、牛等动物塑造以及作品中配饰的花草、鸟禽外，几乎未见成熟而独立的工笔花鸟画。直至五代的徐熙、黄筌、滕昌佑的作品，才使花鸟画具备了独立画科的元素。至宋代，随着题材范围的扩大，画家对自然界体物传情的深入，工笔花鸟画才渐入佳境而渐成高峰，出现了大批技艺、形式成熟的工笔花鸟作品。当然，在这个高峰之前，工笔花鸟画作品应有一个从初始到成熟的过程，只是因为不得而知的原因，我们见不到那些承前启后的作品了，尽管如此，正是这一断层期的诸多画家，为宋人工笔花鸟画的辉煌奠定了基础。毋庸置疑，魏晋南北朝是中国工笔花鸟画发展的重要阶段。唐代的工笔画达到了一个新的高度，得益于宋徽宗赵佶喜爱绘制工笔花鸟画。他改革了画院体系，提高了宫廷画家的地位，建立了画学制度，从而使院派工笔画达到历史上的辉煌期。北宋宫廷花鸟画家黄筌当属写实工笔花鸟画的宗师。他以宫廷园囿中的珍禽异鸟、奇花怪石为题材，以工整细腻的表现手法所作花鸟画被世人称为“黄家宝贝”。从其淡色晕染的特点，我们可以感叹画家的扎实功底和对客观事物独到的理解，可惜流传至今的作品仅只一件《写生珍禽图》。工笔画走向民间当在元、明、清时期，尤以明清后，由于诸多因素，导致工笔画日渐式微，在文人水墨写意画主流的冲击下，虽有仇英等职业工笔画家的努力，但是工笔花鸟画一直处于消沉状态。尽管近代的工笔大家陈之佛、于非闇成果斐然，却仍未摆脱工笔画的低迷窘境。现代中国工笔画的复苏期，是在上世纪八十年代的改革开放初期。而近二十年的经济繁荣，“西风东渐”迎来了工笔画发展的崭新时代。时至当代，工笔花鸟画的阵营日重。二十多年来艺术院校的教育无疑极大地推进了工笔花鸟画发展的进程。但当我们站在巍峨的传统艺术之巅上来观照工笔花鸟画的发展现状，展望它的前景时，我们必须把握的契机是在这个信息开放的时代去“重塑风格”，不仅要让工笔花鸟画家的作品具备我们这个时代的审美特质，还要按照在工笔花鸟画艺术实践中的规律去显现当下各个艺术家或者艺术画派的才情面貌。要做到这一点，当代艺术家必须要明了历史，具有前瞻性，以史为鉴，确定自己的目标——那就是要根植传统创新发展。其次，要深刻认识到：工笔花鸟画的表现力不仅取决于自身的天性、悟性和灵性，更是对客观自然的提炼和升华，诚如董逌所言：一百牛形，形不重，非形生有异，所以使形者异也。画者于此，殆劳于知矣。托物言志是艺术家的终极价值取向。只有根植传统，师法自然，开启智慧的天窗，才能锁定属于自己的艺术程式，才能使工笔花鸟画家不囿于陈旧，不限于桎梏，其作品才能永远散发时代的气息。
摘要：由于内蒙当地独特的气候特征和优越的土地资源，对于食用向日葵制种非常有利，而向日葵的虫媒授粉常是导致产量低的重要原因。为了提高向日葵的结实率采用人工授粉技术，通过了解向日葵的开花习性、授粉条件、授粉工具制作、采粉、合理授粉方法及严格培训授粉工，以达到人工授粉增产的目的。 关键词：食用向日葵制种人工授粉向日葵属于大型一年生菊科向日葵属植物。向日葵是喜温，喜光作物，又耐低温，抗旱能力强。向日葵对土壤要求不严格，除了低洼地或积水地块不宜种植外一般土壤均可种植，但最适宜由于壤土或砂壤土。向日葵较耐盐碱，在全盐含量以下的土壤上能生长结实，是改良盐碱土的最好作物之一。食用型向日葵属于向日葵类型的一种，这种类型植株高大，可长到2～3m，不分枝，多为单头，生育期100～130d，叶片，花盘都较大，籽仁不饱满，含油率为25%～30%，种皮厚，皮色多具黑色条纹，较抗叶斑病，抗锈病能力较差。 一、制种地气候特征 阿拉善左旗位于内蒙古自治区西贺兰山西麓，是阿拉善盟盟府所在地。 旗域地理坐标为北纬37°24′-41°52′，东经103°21′-106°51′。 全旗平均气温为4℃。旗境自南向北跨越四个纬度，气温由南向北逐次递减。气温旗域变动一般在℃～℃之问，中心值为℃。 阿拉善左旗地处内陆腹地，远离海洋，当地平均海拔800～1500m，属于温带荒漠干旱区，为典型的大陆型气候，以风沙大、干旱少雨、日光充足、蒸发强烈为主要特征。年蒸发量2900～3300mm，日照时间3316h，年平均气温℃，无霜期120～180d。属中温带干旱区。旗内大面积沙漠、戈壁对大气下界的强迫作用加剧了干旱程度。大部分地区年平均降水量在～之间。日最大降水量(1981年7月2日)，一年降水多集中于5～9月。天气经常晴朗无云。大气透明度好，光照时间长，光能资源丰富。有利于向日葵的生长。二、向日葵花期生理 （一） 花序构造 向日葵花为头状花序，顶生，也叫花盘。花盘直径一般为20～30cm，外缘有2~3层苞叶，边缘1～3层为舌状花，由花冠和冠毛构成，单性，黄色或橙黄色，花瓣大。向内是管状两性花，由苞叶、子房、萼片、蜜腺、花冠、雄蕊、花柱、柱头构成，有1000～1500朵。每朵花有花冠5裂，雄蕊5枚，雌蕊1枚，为黄色。 （二）开花习性 向日葵属于短日照，喜光作物，开花期最适温度20～25℃，温度过低会使花盘缩小，中部比例增多。开花顺序为向心式开放，是由外缘向盘心逐渐开放。整个花盘开花时间多为7～10d。管状花凌晨开放，花冠破裂，花丝生长加快，1～2h后散粉，之后雌蕊伸出花粉管，柱头张开两裂呈羽状，接受花粉。 （三）授粉特点 向日葵是异花授粉作物，虫媒传粉往往容易受到环境条件的限制，得不到传粉的机会，又母本采用雄性不育系，葵盘中带有粘液,常常将授粉蜜蜂连同花粉一起粘在葵盘上，导致授粉不良结实率低，空秕较多影响其产量与品质，从而进行人工授粉。 三、人工授粉的优势 人工授粉时受环境影响不是很大，人工授粉次数的增加，提高了向日葵的结实率，传统的向日葵都是依赖异花授粉，由于蜜蜂授粉时，受环境影响很大，有局限性，有时会错过授粉的良机，导致结实率不高，影响了产量。人工授粉后产量明显高于蜜蜂传粉产量，特做对比试验。以一条地为试验田，两行膜为试验对象，靠父本行的膜为蜜蜂授粉膜进行标注，而靠近蜜蜂授粉膜的旁边一膜标注为人工授粉膜，每膜的总面积都为216㎡，株数控制在1200株，两膜的葵花都未受虫和锈病的侵害，人工授粉的膜已刷过3次粉。最终蜜蜂授粉的膜产量为10kg，而人工授粉过的膜产量为21kg。与去年的产量相比，今年的产量增加了一倍多，按成本算一个授粉工一天100元可以授粉3000株，结实率达到80%，而蜜蜂授粉每箱蜂每天是2000元，结实率35%，由此观之人工授粉优于蜜蜂授粉。 四、人工授粉条件 （一） 环境要求 把握好授粉条件保证人工授粉成功的条件之一。 1. 授粉时间 晴朗天气，上午8:00～11:00时，下午15:00～18:00授粉最佳。 2. 授粉天气 低温及干热风等不良天气直接影响人工授粉的效果。气温在 18～25 ℃的晴天上午授粉最好。气温低于 15 ℃授粉效果不理想，授粉后 2 h内遇雨，需要重新授粉。向日葵喜光照，光饱和点达3～4万Lx，开花授粉期对光照不足非常敏感，光照充足有利于花粉发育提高结实，空气湿度应该在70%左右。 （二） 授粉时注意事项 在授粉时一定要严格要求授粉人员，并且向她们讲清授粉时应注意的事项 1.授粉时应按照事先制定好的授粉程序进行授粉，严禁乱涂乱摸，保证每一个葵盘上都有花粉。 2.在授粉的过程中，如遇到散粉株，应用叶子将葵盘包裹住，然后将头折断，倒扣在土壤里。 3.如果授粉的刷子，已经碰到了散粉株，就立即将刷子埋在土中，用事先准备好的备用刷子。 （三） 父本花粉采集及保存要求 1.花粉采集 （1）采粉工具 准备口径15～20 cm的铁制盆子1个,以盆口略大于父本花盘直径为宜,用一块能包住盆口的纱网,把纱网绑在盆口做成采粉盆。 （2）采粉时间 采粉最好在每天上午进行,若花粉不够用时,可在下午再收集1次花粉,以备第2天
议论文，平凡中的不平凡，向日葵和小屋都是平凡之物，之所以能成为不平凡是人类的追求和努力，赋予了他们不平凡的光彩。向日葵中，梵高的笔触坚实有力，大胆恣肆，把向日葵绚丽的光泽，饱满的轮廓绘画得淋漓尽致。”“向日葵是凡高的崇拜物。。。在他眼里，向日葵不是寻常的花朵，而是太阳之光，是光和热的象征，是他内心翻腾的感情烈火的写照。。。”“对凡高而言，向日葵具有特别的意义。黄色意味着友谊与希望，画本身象征'感谢'。。。”
宗白华《美学散步》
给您个课题试试，如《日本浮世绘与中国工笔画》、《生宣纸工笔技法探析》，算是抛砖引玉吧。
我也会工笔人物 不过我不太清楚 画画 画的是生活
抱歉。虽然工笔是我的专长，但是这方面的论文我也没有写过。不过我觉得可以从国画历史和工笔选用的纸、笔的特点这些方面来写。也可以说一下工笔与其它画种的不同和工笔画的技巧。。
我喜欢的《向日葵》 我喜欢的美术作品有很多：达？芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》让人赏心悦目；徐悲鸿的《八骏图》让人热血沸腾……可是，梵？高的《向日葵》却让我感慨不已。
《向日葵》是荷兰著名画家梵？高的代表作。我家的墙上就挂着一幅这样的画，整个画面是由那深深浅浅交交错错的黄色组成的，在那个大大的花瓶中，十几枝向日葵形态各异：有的怒放；有的含苞；还有的正在走向成熟。
所有的向日葵都生机勃勃，充满了力量。每次站在画前我都久久不想离去，真是使人百看不厌。
英国伦敦大学做了一个有趣的研究：让一群从来没见过真花的蜜蜂“欣赏”花卉的名画复制品，看看蜜蜂反应如何。结果发现，蜜蜂多次停落在梵？高的《向日葵》上，想品尝其中的“花蜜”。
《向日葵》真不愧是举世名画啊！ 梵？高这位生活在法国的荷兰画家，一生坎坷，但他却始终全身心地投入到绘画中，穷困潦倒时，也没有丢掉支撑他生命与精神的画笔。梵？高认为绘画中一定要表现人的感情与精神，对他来说，黄色代表太阳的颜色，他用饱满、炽热的黄色画出了《向日葵》，深深地表现出他的内心中对生活的热情，对生命的赞美！ 梵？高令我感动，梵？高的画《向日葵》更给我美的熏陶、精神的激励。
我喜欢花、草，可我最喜欢的还是向日葵。
我家院子里就种了一盆美丽的向日葵。向日葵的花朵大大的，中间是又大又圆的花盘，里面有一排排淡黄色的小花朵，花盘外还围着一圈金黄色的花瓣，十分美丽。
等成熟以后，花盘中间的小花朵就长成了葵花籽儿，我们全家人最爱吃了。 一天早晨，我去看望它的时候，我发现它朝着太阳，好像在跟太阳问好。
中午，我去给它浇水的时候，它仰望着太阳轻轻地点头，好像在跟太阳说悄悄话。傍晚，太阳要落山了，我又一次去看望它，我发现它面对着太阳微微地摇了摇身子，好像在跟太阳说再见呢。
你看，向日葵和太阳的友谊多么让人感动啊！ 我爱我家的向日葵。
关于欣赏艺术的习作 《向日葵》是梵高在法国南部画的同一题材的系列作品。
我看到这幅画时，便惊呆了，整个身心感觉暖融融的，一种奋发向上的情愫在我心中盘旋，我想，作者梵高在作他那神奇的画时心中充斥的也是这种感受吧！ 这幅画的整个画面很协调，令人浩气长舒。那一朵朵向日葵，奋发向上，那被阳光照得金黄的花瓣面向太阳，透着一股奋发的劲头。
我看到《向日葵》时，那柔弱的花朵，给人以温暖的感受。那厚重的着笔，更是把向日葵那种奋发向上的精神表现得淋漓尽致。
朴素的花盆，使整个画面充满了灵气；一横一竖的花纹，突出了质感。 色调单纯强烈，所表现出来的是梵高积极向上的心态。
整个画面略带抽象，向日葵却异常清晰明亮，像一轮火红的圆日。 看完这幅画，心灵为之惊憾， *** 也喷薄而出，融入到那高远的境界。
参考范文：
印象中的荷兰阿姆斯特丹里最与众不同的是悬在高空中金黄色的太阳。我没有去过那个以风车享誉全世界的地方，而在我极度有限的想象范围内，我仅知的是那是一个用色彩拼凑而成的国家。我的这一认识，归功于一百多年前的文森特？梵高。而阿姆斯特丹那轮金黄色的太阳，正是他用尽他整个生命涂绘而成。
我通过一本薄薄的小书与他见了面。他的本人一如该书封面上的他的画像那样庄严然而憔悴，他的头发被扭曲成愤怒的金黄色，他的眼神中有种令人捉摸不透的神秘。他凝神沉思，身上所散发出来的狂热气息丝毫未被将近两百年的时光削减。他忽地将炯炯目光射向我，那目光中的锐利逼得我无法呼吸。随即，他消失了。我摸索着他留下的色彩的痕迹，走进了他的世界，听他用平淡的语气将他的故事娓娓道来，试图在时光的罅隙中找寻他能用画的片段和色的印记让人窒息的原因。
小时候的梵高是一个乖巧温驯的孩子，与弟弟截然不同的是，他对色彩怀有一份敏感。他总是流连于色彩斑斓的画廊，搜刮肚内一切所致的词汇来形容自己对画面的感受。父亲渴望他继承父业，当一名传教士，然而他却渴望拥有一支画笔，能涂抹出堆积在他内心已久的狂热。
无法说梵高是一个绘画天才，因为从未见过一个著名画家不是从小就开始学画的；无法否认梵高不是一个绘画天才，因为从未见过一个将自己的画笔贡献给单调线条的画家能够如此逼真地将偷来的灵魂，安置在原本空白的画布上，让疲倦已久的视觉得到冲击。梵高始终如一的坚持着自己的风格，尽管他的不流畅甚至扭曲的线条常被循规蹈矩的画家哂笑，尽管他的涂满热情的画常被画商冷漠的眼神见顾。他生活窘迫，常常三餐没有着落，但他从不冷落他的画架。每当饥饿来临时，他会用色彩来安抚空荡荡的胃。他从不舍弃他的画笔，只因他早与绘画立下海誓山盟，此生此世不离不弃。
我以一个旁观者的姿势站在了他的世界里。我看见了他被他爱的人舍弃，我看见了他的郁郁不得志，我看见了他被他人误解，我看见了就连街头的小贩也瞧不起他，甚至将他撞倒在地。他身上绑着的画架被摔成碎片，他内心深处的一团炽热的火焰燃成了灰烬。
然而，他那双炯炯有神的目光从未因此黯然失色。鲜艳、明烈的色彩从他的画笔之下流淌出来，蜿蜒而成一股奔流不息的灵魂之泉。（ 文章阅读网： ）
世事不公。他身前不被人理解，他所做的每一件事落在别人眼里都成了可笑的符号。他用他的色彩绘出的金黄色的向日葵被人唾弃，他甚至被 *** 讥笑。她们说他不如她们，她们尚可用身体为自己换来面包，而他呢？他一无所有。他连一幅画也卖不出去，甚至还要向画商赔偿费用。
最后，他疯了。这很正常，不是么？在他清醒的时候，早已有不少人打他，骂他是“红头发疯子”。他的痴癫不正迎合了别人的眼光？这很不正常，不是么？在那样的时代背景下，还未有画家会因艺术而疯狂。而他是被逼疯的。他对艺术的执着使他孤立，失去左耳的他仍换不回异性的爱，来填补他一生的空虚。
他的死去，是对灵魂的救赎。可幸的是在这个冰冷的世界里，还有他的弟弟提奥陪伴他走完寂寞的人生旅程。
他等不到他被世人承认的那一天。当他人开始正视他，当他人以“伟大的画家、出色的画家与哲学家”来称呼他时，他已死去四十七年；当一幅《鸢尾兰》售价达到五千四百万美元时，生前难以解决饥饱问题的他已离世近一个世纪。
这一切，来得太晚了。
然而，无法否认的是，无论是在他的生前还是死后，原本繁荣却空洞的阿姆斯特丹，因为他的存在，顿显生机勃勃。
我用手指轻轻抚摸着画布上那束怒放的向日葵，那斑斓的色彩正在炽热地燃烧着。多少年过去了，那诱人的金黄从未被时间风化，而是在时间的洗涤之下越发地生机勃勃。我屏住呼吸，回想起梵高的一生，顿悟正是因为凡高用他整个生命来热爱着狂热的色彩，把他那无处安放的热情寄予灵魂之中，才会让他的画喷薄着亘古不息的灵魂之火……
不得不承认，在这个上帝已死的年代，真正能够让人灵魂出窍的，就是艺术家了。而梵高，用他短短十几年的绘画生涯，练就了偷窃灵魂的技术。
荷兰上空金黄色的太阳刺得人们张不开双眼，喷薄的光芒一如梵高那不息的灵魂。
清晨，我来到花园，一进门就看到了很多向日葵。
向日葵已经开了不少了，向日葵挤来挤去，像一个个金黄色的圆盘。圆盘从这些向日葵中冒出来，有的才展开两三片叶子；有的花瓣儿全展开了，露出嫩黄色的花瓣儿；有的还是花骨朵，看起来马上要破裂似的。
这么多的向日葵，一朵有一朵的姿势，看看这一朵很美，看看那一朵也很美。如果把眼前一满地的向日葵看做一幅画，那画家的本领可真了不起。
我忽然觉得自己仿佛是一朵向日葵，穿着金黄色的衣裳，站在阳光里。一阵微风吹过，我就翩翩起舞，金黄色的衣裳随风飘动。
不光是我，满地的向日葵都在舞蹈。风过了，我停止了舞蹈，静静地站在那儿。
蝴蝶飞过来，告诉我清早飞行的快乐；小虫从我脚下爬过，告诉我昨晚做的好梦。 过了一会儿，我才记起我不是向日葵，我是在看向日葵呢。
梵·高
Vincent Van Gogh,1853年3月30日-1890年7月29 1890年7月27日，他有因精神病发作，在法国兹河畔的欧韦自杀，两天后不治身亡，上帝是公平的，天才必须饱受磨难，几经沧桑。正如爱迪生和爱因斯坦。。他们都不是正常人，他们在某些方面甚至不及正常人，是弱智的。奇才凡高同样也不正常。
梵高在精神接近崩溃的时候，曾经用剃须刀片割下了自己的一只耳朵。他是试图用这个举动唤醒自己，制止内心愈演愈烈的疯狂 指向一只无辜的耳朵——也许在那一瞬间，他与世界达成了和解，却加倍地憎厌自己，憎厌镜中的那个丑陋且变形的男人。于是，他的手势就像一列失去控制的火车冲出轨道，伴随着一阵疼痛般的 *** 抑或 *** 般的疼痛，那只鲜血淋漓的耳朵，成为他自己的牺牲品。莫非在凡高心目中，耳朵已是今生的一团赘肉——它只能听见世界的喧嚣，却对内心的狂潮置若罔闻？抑或，他太害怕日夜倾听自己的 *** ——那简直比外界的雷鸣闪电还要刺目，还要刻骨铭心？否则，他的刀锋不会随便选择发泄的对象——哪怕是针对一只微不足道的耳朵，也是有目的的。在冰流的铁器与滚烫的肉体的最初接触中，凡高对自己以及整个世界充满了破坏欲，必须通过打碎点什么才能获得平衡。这就叫做可怕：
对于梵高割掉的耳朵来说，海水的声音也就是血液的声音、鲜红的声音。他仿佛要被世界的血、被大海的黄昏给淹没了。耳朵是他肩头的落日，遭受了沉重一击。女作家陈染的小说中有如下一段话：“我不爱长着这只耳朵的怪人，我只爱这只纯粹的追求死亡和燃烧的怪耳朵，我愿做这一只耳朵的永远的遗孀。”那只坠地有声的耳朵，是这个世界上最温柔的弹片，是一次无声的战争的纪念品——在我们想像中，它一直代替大师那枯萎的心脏跳动着，如同一架永不停摆的挂钟。在世界眼中，凡高疯了。但在这只耳朵的听觉中，世界疯了。
这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。
世界没能挽救这个垂危的病人。梵高放下滴血的剃须刀片——不久，又拾起一把左轮手枪。他似乎越来越把自己当作假想的敌人，不断挑选着攻击的武器。最终的结果自然是毁灭性的：在法国阿尔的一块麦田里，他用那只拿惯了画笔的手，对自己扣动了扳机。每当欣赏着一个多世纪前梵高的遗作（哪怕是印刷品），不知为什么，我总能隐约闻见一股硝烟的气息——或者说，死亡的气息。但是跟他的死亡相比，他的疯狂似乎更为恐怖。一只被 *** 的耳朵，要比一具中弹的尸体更令人触目惊心。梵高死了，却留下了一只著名的耳朵——这最后的遗物似乎并没有失去听觉，收集着后人的议论。这只在故事中存在的失血的耳朵，至今仍像埋设在我们生活中的听诊器，刺探着我们的良心。凡高死了，耳朵还活着，还拥有记忆。为什么不在他 *** 与崩溃的时候，扶持他一把——世界，你听见了吗？你的耳朵长在何处？
己严峻的性格与独创性画风，用色彩来解释你的作品。由于这种'阿尔的女人'式的综合式风格还很少见到，人们会认为这是你和我的作品，这是我们俩好多个月合作的结果。”
我大概会把这幅画与其它记忆中的普罗旺斯的风景刻成版画。我很想送一张给你，一个完整的摘要，更深思熟虑、更有计划性。我弟弟说，Lauzet制作了一些蒙蒂切利（Monticelli）的平版画，很像阿尔人头像。但是你会明白到巴黎后的那点困惑的，我还没看到你的油画。不过我希望这几天就回去。
文森特·梵高死亡之谜其背后所隐藏的事实，100年前曾经发生的那场悲剧一切仍旧是个谜团。但终有一天所有谜团将被彻底揭开。
站在梵高的画前，不论喜欢或是不喜欢他的人都被一种精神所打动，那就是：以生命为代价去换取绘画作品的完美。
梵高最爱画向日葵，他曾经说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的或调和的金黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，闪闪发光。”
梵高的向日葵是他最成功的作品，是他艺术和热情的高度集中。他的向日葵，用的是浓重的金黄色和有力的笔墨，表现出了花朵飞舞的神态，也表现出了秋天成熟的向日葵里，奏花子沉实饱满的感觉。而淡蓝的背景上衬托黄花，加强了作品欢快明亮的调子。'
梵高的向日葵都像是一团团炽热的火球在燃烧。他把自己那种不被人接受的热情转移到了他的画上。
热情无比的梵高一生没有一个朋友，他多愁善感，关心穷苦的人又无力帮助他们。他向往像太阳一样无私地普照苍生，但在当时的社会人们无法理解。他便用一腔热情去画向日葵，烈日炎炎，他不顾酷暑，辛勤作画，画着画着，他已融入了自己的画里。
于是，我们看见梵高似火一样的热情表现向日葵，表现生活。
小作者向我们介绍了梵高的名画《向日葵》，文章既介绍了这幅画本身的艺术特色，也对梵高的创作特点、创作背景进行了一定的描述，让我们对这位名画家有了更进一步的了解。从《向日葵》这幅世界名画中，小作者不仅感受到了梵高那似火的热情，更领略到了他对完美艺术的执著追求。
梵高的作品《向日葵》，它表现的内容是一束在阳光下开得正灿烂的向日葵，通过颜色大力的夸张和渲染，突出了梵高对生活以及对艺术的一种热爱……我盯着这幅开得正火烈的向日葵，开始回忆起来，似乎在我的记忆中，中国的绘画，并不注重颜色，只是注重了神似。大笔一挥，画赫然笔下，中国的画蕴涵了太多的精神，梵高的画释放了太多的热情。向日葵灿烂、不羁地开放，在熙风中摇曳着身姿，这种美——－有点奔放，有点火烈，有点不羁，还有点放纵。再仔细观察，凌乱舞动的花瓣，一片一片交错，如太阳般硕大的笑脸，给予了花瓣狂舞的动力。不管线条是否粗略，金黄的颜色遮掩了一切。也许，这就是梵高的绘画吧，用一支大大的画笔，用一个大大的调色盘，用一种烈烈的颜色，遮掩了画者所有的不悦，用画笔尽情地挥洒，用色调尽情地泼色，谁也看不见画者内心的痛楚。诚然,我只看懂、读懂了这一幅画，或是它的一个小点，但是，我很庆幸，我还能在绘画艺术中发现美，虽然只是一幅画，然而，给予我的启示是无尽的，给予我的改变是巨大的。我喜欢的《向日葵》 我喜欢的美术作品有很多：达?芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》让人赏心悦目；徐悲鸿的《八骏图》让人热血沸腾……可是，梵?高的《向日葵》却让我感慨不已。 《向日葵》是荷兰著名画家梵?高的代表作。我家的墙上就挂着一幅这样的画，整个画面是由那深深浅浅交交错错的黄色组成的，在那个大大的花瓶中，十几枝向日葵形态各异：有的怒放；有的含苞；还有的正在走向成熟。所有的向日葵都生机勃勃，充满了力量。每次站在画前我都久久不想离去，真是使人百看不厌。英国伦敦大学做了一个有趣的研究：让一群从来没见过真花的蜜蜂“欣赏”花卉的名画复制品，看看蜜蜂反应如何。结果发现，蜜蜂多次停落在梵?高的《向日葵》上，想品尝其中的“花蜜”。《向日葵》真不愧是举世名画啊! 梵?高这位生活在法国的荷兰画家，一生坎坷，但他却始终全身心地投入到绘画中，穷困潦倒时，也没有丢掉支撑他生命与精神的画笔。梵?高认为绘画中一定要表现人的感情与精神，对他来说，黄色代表太阳的颜色，他用饱满、炽热的黄色画出了《向日葵》，深深地表现出他的内心中对生活的热情，对生命的赞美！梵?高令我感动，梵?高的画《向日葵》更给我美的熏陶、精神的激励
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梵高是19世纪后期印象画派代表人物,他特别擅长处理阳光下明快的的色彩,他似乎就是为了追求阳光而生的艺术家,在其代表作品<<向日葵>>上这种对于阳光的理解和热烈追求充分表现了出来梵高曾经在纪念其表兄的画作上写道:"只要活人还活着，死去的人总还是活着",面对阳光而茁壮开放的粗大花朵，这种“大地的太阳”，正是他一种含着象征意味的自己对于生命的热爱和追求。画面上的向日葵不单描绘充满了阳光下夺目的鲜艳色彩,连笔触也似乎透着宛如燃烧着一般的生命力和艺术情感,那是一种通透的、灿烂的、蓬勃的生命本质。在此之前的,没有一个画家能仍人在画面中让人感受到生命如此的热烈与有力,在画家的创作意识下向日葵的枝叶也刻意的扭曲变形,充满了力量感,使整体画面非常具有感染力,值得一提的是:从历史的角度上来说,<<向日葵>>这作品的意识是相当超前的在当时的欧洲,由于宗教关系,(出卖耶酥的犹大喜穿黄色衣服),黄色调子被视作低贱的色调,难登大雅之堂,而梵高则在整张画面中大量使用了这种色彩,并运用了少量暗红,绿色来对比衬托出那明黄的主色调,使画面更加夺目灿烂,因而这副作品也成了印象派的经典之作品,被后世的印象派画家所带来巨大的影响.
在世界当中有非常多知名的艺术家，他们给我们带来了一副又一副精妙绝伦的作品，梵高就是其中的一位，知名代表作品《向日葵》更是火遍世界，在艺术界可以说是无人不知无人不晓，就连我们在上学的时候应该也听说过这幅作品，大家对于这一幅作品的评价程度非常之高，那么这部作品到底好在哪里呢？接下来就随小编来了解一下吧。
先给大家介绍一下梵高的作品《向日葵》，《向日葵》是围绕着插在瓶中的向日葵为主要内容的一系列油画作品，每一幅油画作品中向日葵的数量也是不一样的，有3朵，有5朵，有12朵也有15朵。梵高之所以会创造出这样一幅作品，是想表达他自己的内心真实感受，是向世人表达了他对生命的一种独特理解。
《向日葵》作品之所以会火，最大的原因是与当时的主流价值观相符合一致，无论是在色彩搭配还是在笔下勾勒上，这幅作品都属于上等水平。花瓶之中的向日葵，每一朵的状态都不一样，虽然在慢慢的凋零，但是他们的葵花籽非常的饱满，象征着顽强的生命力，给人带来的力量冲击是非常明显的，就像生命之光一样，发挥着自己独特的价值。
而更重要的是，这幅作品背后所表达的意义更是让人潸然泪下，梵高想通过向日葵这样一幅作品，呼吁人们怀着感激之心对待家人，怀着善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，怀着赤诚之心对待工作等等，呼吁人们要像那灿若盛开的向日葵一样，发挥着自己独特的光芒。梵高的一生虽然并没有那么的幸运，但是对于生活他从来没有放弃过希望，希望大家也是如此，不知道大家都是怎样看待这样一幅作品的呢？
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《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合，花瓣富有张力，线条不羁，大胆肆意、坚实有力的笔触，在明亮而灿烂的底色上构成不同的色调与气势，把朵朵向日葵表现的动人心弦。
在这幅作品中，再也看不到自画像里那种短促而笔触，梵高的笔触坚实有力，把向日葵绚丽的光泽、饱满的轮廓描绘得淋漓尽致。他大胆地使用最强烈的色彩，因为他清楚地知道：“岁月将使它们变得暗淡，甚至过于暗淡。
梵高喜欢用纯色点画的绘画技术。它去掉了轮廓线，把每个形状都分解成彩色小点构成的区域，不仅使色彩化整为零，而且传达了他追求光线和色彩的情绪。
从某种程度上讲，《向日葵》是对时代变幻莫测的礼赞，它充满活力的色彩孑然一改17世纪以来荷兰花卉绘画的悠久传统。
梵高一生画过很多向日葵，以收藏在阿姆斯特丹博物馆的这幅最为有名。法国南部的灿烂阳光，如燃烧的火焰一般的花朵，整个画布都被这火焰燃遍，表达着狂热的生命激情。
这就像梵高一生都在渴望生命的热忱以及真挚的爱情，可是他最终仍旧一无所有，他只有在心底呐喊，用色彩来表达和倾诉对生命的渴望。
梵高通过向日葵向后人传递着这么一个信息：怀着感激之心对待家人，怀着善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，怀着赤诚之心对待工作，怀着感恩之心对待生活，怀着一颗欣赏之心享受艺术，宛若眼前那灿若花开的向日葵。
参考资料来源：百度百科--向日葵
《向日葵》仅由绚丽的黄 *** 系组合，花瓣富有张力，线条不羁，大胆肆意、坚实有力的笔触，在明亮而灿烂的底色上构成不同的色调与气势，把朵朵向日葵表现的动人心弦。
在这幅作品中，再也看不到自画像里那种短促而笔触，梵高的笔触坚实有力，把向日葵绚丽的光泽、饱满的轮廓描绘得淋漓尽致。他大胆地使用最强烈的色彩，因为他清楚地知道：“岁月将使它们变得暗淡，甚至过于暗淡。
梵高喜欢用纯色点画的绘画技术。它去掉了轮廓线，把每个形状都分解成彩色小点构成的区域，不仅使色彩化整为零，而且传达了他追求光线和色彩的情绪。
从某种程度上讲，《向日葵》是对时代变幻莫测的礼赞，它充满活力的色彩孑然一改17世纪以来荷兰花卉绘画的悠久传统。
梵高一生画过很多向日葵，以收藏在阿姆斯特丹博物馆的这幅最为有名。法国南部的灿烂阳光，如燃烧的火焰一般的花朵，整个画布都被这火焰燃遍，表达着狂热的生命 *** 。
这就像梵高一生都在渴望生命的热忱以及真挚的爱情，可是他最终仍旧一无所有，他只有在心底呐喊，用色彩来表达和倾诉对生命的渴望。
梵高通过向日葵向后人传递着这么一个信息：怀着感激之心对待家人，怀着善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，怀着赤诚之心对待工作，怀着感恩之心对待生活，怀着一颗欣赏之心享受艺术，宛若眼前那灿若花开的向日葵。
参考资料来源：百度百科--向日葵
一天，一群小伙伴们来到土地里种向日葵。
他们先用铁锹把土挖松，然后把向日葵种子洒在地里埋起来。
在阳光的照耀下，在湿润的泥土里的种子慢慢地发出了嫩绿的芽，不几天就长成了小苗。
看着一天天长大的小苗，小伙伴们提来水桶给它浇水、拔草、施肥。
在小伙伴们的精心照料下，向日葵一天一天地慢慢长高、长大了。
一天，一个小朋友看到向日葵上有许多小虫子。
于是，他就叫小伙伴们一起来捉小虫子，不一会儿虫子就被小伙伴们七手八脚地捉完了。
他们就又提来水桶，给它们浇水、施肥。
过了一段时间，小伙伴们一起来看时，向日葵长得更高、更艳了。
不久它们就开出了小圆盘样的花。
圆盘上有无数的小房子，每间房子里都住着一粒果实。
秋天到了，向日葵成熟了，小伙伴们捧着丰硕的向日葵盘笑开了花。
我喜欢花、草，可我最喜欢的还是向日葵。
我家院子里就种了一盆美丽的向日葵。
向日葵的花朵大大的，中间是又大又圆的花盘，里面有一排排淡黄色的小花朵，花盘外还围着一圈金黄色的花瓣，十分美丽。
等成熟以后，花盘中间的小花朵就长成了葵花籽儿，我们全家人最爱吃了。
一天早晨，我去看望它的时候，我发现它朝着太阳，好像在跟太阳问好。
中午，我去给它浇水的时候，它仰望着太阳轻轻地点头，好像在跟太阳说悄悄话。
傍晚，太阳要落山了，我又一次去看望它，我发现它面对着太阳微微地摇了摇身子，好像在跟太阳说再见呢。
你看，向日葵和太阳的友谊多么让人感动啊！ 我爱我家的向日葵。
我家院子里种了两颗向日葵，一高一矮向我和妹妹。
早上，我来到两棵向日葵前面。
发现，朝霞映红了它们圆圆的脸。
它们也只有一米多高，立正站在那里，面向东方，等待初升的太阳。
它们高高的昂着头，准备沐浴在八九点钟的阳光里。
放学回来的时候，太阳已经快落山了，晚霞映红了大地，两棵向日葵低着头目送着将要告别的太阳，仿佛自己也进入了梦乡。
我看到向日葵从早到晚总是面向着太阳，这可能就是向日葵名字的由来吧。
新的一天又开始了，当我来到那两棵向日葵的跟前时，发现它们和以前一样把头从西方又摇回了东方；所不同的是，它们长高了，圆圆的脸上添加了一圈金色的彩环，漂亮极了！看见向日葵的成长使我自然想起了我和妹妹，我们也很努力，将来也像向日葵一样，在阳光的沐浴下长得绚丽多姿。
我的家乡五原有拔地而起的高楼大厦，又长得郁郁葱葱的树木，有五彩缤纷的大花坛，也有一条条笔直的柏油马路，可我却喜欢象征着我们五原事业的葵花广场。
一走进葵花广场，首先映入眼帘的就是一个很大的葵花雕塑，据说它还能随着太阳转动，在这个雕塑的下面刻着“葵花广场”这几个红红的大字。
前面是健身器，一早上就有许多男女老少在这里锻炼身体。
转身向西看去，有两颗红红的大番茄，出现在你的眼前，你可能问有这么大的番茄吗？其实那是番茄雕塑，是不是像极了，番茄周围是绿油油的草坪，碧绿碧绿的象刚染过似的，远远看上去像一块绿色的大地毯。
中心的位置就是宽阔而又平坦的广场，广场是用一块块大理石铺成的，非常光滑，广场四周有许多地灯，晚上大理石被五颜六色的地灯一照，这里便成了光的世界，灯的海洋。
再向前走去便是庄严肃穆的升旗台和一排排整齐的 *** 大楼。
这就是葵花广场五原的一颗明珠，欢迎你来做客，我喜欢葵花广场，更爱我的家乡---五原。
雨，好像是千万支魔指，好像是千万条琴弦，弹出了千变万化的声音。
春雨柔软，夏雨粗犷，秋雨苍凉，冬雨肃杀；因季节变化，情调各异。
但是，雨色一样美丽，雨声一样动听。
在图画音乐和诗歌里，有许多描写雨的佳作。
线条色彩和音乐旋律，空灵剔透。
轻细的雨花，像飘忽的雾，白茫茫的，轻吻着人的脸，微微觉着痒；又轻轻濡湿着衣裳。
雨伞仿佛是风帆，在雨色蒙溕中载浮载沉；也像一只只大翅膀，东南西北，无边无垠，因风四处飘航。
沉默的雨，无声胜有声；逗人的雨，真叫人喜悦。
可以不必穿雨衣，在户外踯躅漫步，雨似蜜似酒，滋润着心灵。
——这梦幻似的雨，这奇异的雨，梦幻似的教人幻想。
记得杏花春雨的江南，雨点敲打着船蓬，雨中也有梨花的幽香。
记得西湖的夏雨，元气淋漓，满湖荷叶被打的笃笃地响。
记得天目山的秋雨，重雾深锁，万木萧萧，撑天的松柏经雨洗涤，显得格外苍劲。
记得富春江的冬雨，如泣如诉，两岸茅屋炊烟阴阴沉沉，像一幅染湿了的铅笔画。
细雨微风的夜，适宜读诗和散文。
狂风暴雨的夜，则宜恐怖神怪小说。
要不然，便邀几位知己，泡几杯浓茶，买一包花生米，点上一支洋烛，又当另有一番情趣。
风雨更宜怀人，怀人常不寐；一声风一声雨，都似离人低诉。
那年夏天，和友人在春秋阁小坐。
那时候，菱角已经成熟，莲池潭上，乡人驾着小船，忙于采摘；天空的白云，和水面的白鹭相映成趣。
阵雨骤来，如万马奔腾；半屏山忽然不见了，只有密密的雨，密密地替莲池挂上了珠帘。
阵雨里，那些采菱角的船，依然从容地游移摇荡。
船上的人连蓑衣也 *** 。
台湾南部雨量不多。
尤其是高雄，灰土漫天；树枝树叶上厚墩墩地堆积着尘埃，经阵雨一淋，苍翠碧绿，焕然一新。
雨后的寿山，妩媚地俯视默默的爱河；银鳞似的水波也被青青的山染绿了。
河堤上，那一排水泥柱上，那一排路灯的瓷罩，白玉球似的镶嵌在山水之间，依稀是西湖的景色。
“春雨楼头尺八萧，何时归看浙江潮？”
今天，我看了一本叫《青铜葵花》的书，书里的一个男孩“青铜”给我留下了深刻的印象。
这本书主要写的是一个城市女孩“葵花”和乡村男孩“青铜”的故事。
一个特别的机缘使青铜和葵花成了兄妹相称的朋友，他们一起生活，一起长大。
葵花12岁时，被迫回到了城市，从此青铜便常常遥望女孩葵花所在的地方······读了这本书后，我深深地感受到了爱的力量：爱，就像一座灯塔，照耀着人们前进的方向；爱，也像人们生活的真谛，带领人们向生活前进。
文中的最后一部分，更是说明了“有爱就有希望”当青铜无数次地像芦苇荡跑去，终于，奇迹出现了！青铜会说话了！爱是那么的神奇，那么的伟大啊！我们对生活要充满希望，充满爱，只有爱才能唤醒人们，感动人们。
让我们携手把爱洒向人间，让世界的每一个角落都充满爱。
1.太 阳 花 世界上的花有好多种，比如：广玉兰、月季花、玫瑰花、梅花、菊花、君子兰、茶花等等。
但是，开花最多，颜色最丰富的花要属太阳花了。
俗话说的好：“好花不常开”。
太阳花也是好花，有红的、黄的、 白的、紫红的、深红的、橘黄的……太阳花的花瓣是单层的，形状像梅花，花芯上有红色有黑细丝上带黄点。
太阳花的茎长长的，细细的，软软的，弯弯曲曲。
它的枝干很细，叶子很密集，花开的挺多。
太阳花只有在见到太阳时才开花，每天太阳从东方徐徐升起时，太阳花们就争先恐后地张开它们的一张张笑脸。
微风吹去，太阳花“摇头晃脑”似乎在念诗，又似乎向行人点头。
太阳花的花骨朵儿是红色的，形状有黄豆般的大小。
和其它的花骨朵不同，短短的、圆圆的。
太阳花的花籽是由几片小叶子而围成的。
花籽像芝麻般的大，小花籽熟了后，散落在大地爷爷的怀抱中，经过阳光和雨露的滋润，第二年就能生长并开放出更加漂亮的太阳花了。
太阳花的生命力十分旺盛，她尽情地吮吸着蓝天奶奶赐于她的甘露，她贪婪地吸收着大地爷爷的营养。
太阳花在大地爷爷和蓝天奶奶的呵护下茁壮成长，把祖国装扮的更加美丽，让美丽的大自然锦上添花。
太阳花到了晚上就像玩了一天的孩童，疲倦而又欣慰地进入甜美的梦乡。
喇叭花也是好花，它早开晚败，它和太阳花似乎是一对好姐妹，它们约定好了一起开放、一起进入甜美的梦乡，从不早开、早败，一起装点着这美丽的大自然。
它们无私的奉献自己，从不要求祖国的回报和人们的赞赏 太阳花虽然没有玫瑰的高贵，菊花的芬芳，广玉兰的纯洁高雅，梅花的香气，但是太阳花却有无私奉献的精神。
我爱太阳花，我感受到它那顽强而又旺盛的生命力，和它那无私奉献的精神。
2.梅花 我一直都不明白，为什么在百花之中，中国人偏爱梅花、偏钟情于梅花呢？是因为它美的缘故么？是的，它的确很美：朵朵冷艳、缕缕幽芳、孤芳自赏、纯洁无瑕。
像一只骄傲的天鹅屹于冰雪间。
“千白丛中一点红”。
开得刺眼，开得高傲；是因为它美的别具一格的缘故么？是的，它的美的确与众不同。
它的美，比起娇艳的牡丹、绚丽的月季、清秀的荷花来说，别有一番风味。
是的，即使它不如茉莉清香、不如菊花美丽、不如桃花艳丽，但它的确很美，它的美绽放在风雪中，盛开在风雨里。
开在没人看见的地方。
于是当人们饱赏百花之俏丽，走出门外，看到这株傲于风雪之中的红梅，谁能不为它倾倒？谁能不被它征服？谁能不被它别具一格的美丽所吸引呢？是因为它美的精神的缘故么？是的，中国人爱梅花，是爱 梅花傲雪斗霜的精神，爱梅花谦逊的精神。
爱的是“已是悬崖百丈冰，犹有花枝俏。
”爱的是“待到山花烂漫时，她在丛中笑。
”爱它不怕困难，于无声处，傲然挺立。
爱它甘愿在幕后无私奉献的心。
爱的是梅花有灵魂、有骨气、有品格的精神。
梅花之所以能排在“四君子”之首，正是因为这种傲雪斗霜、谦虚乐观的精神！ 中国人偏爱梅花，是因为红梅于中国人有相同的精神。
有着“俏也不争春，只把春来报”的精神。
那血色的梅花，开得那样娇艳。
它敢与风雪争斗，感与风雨撕杀。
她是春姑娘的使者，不怕冬姑娘的胁迫，傲然于天地间，飘撒春的芳香、播种春的种子。
当大地终于迎来了姗姗来迟的春姑娘时，她却静静地消逝，化作脚下泥，只留一抹余香荡漾于天地间。
看百花齐放，听百鸟齐鸣，看春满大地便欣慰地走了。
于是“落红本是无情物，明年冬天再见花。
”它的一生就像一部充满欢乐与悲愁的乐曲，从飘舞的雪花奏到缤纷的百花。
梅花美，却把美留给了洁白无瑕的天地；梅花香，却又有谁知道“梅花香自苦寒来”的艰辛；梅花俏，却“俏也不争春，只把春来报。
”梅花，傲雪斗霜、不怕困难、谦虚乐观。
它鞠躬尽瘁，死而后已。
以一抹余红换来春满天地！ 3.水仙花 我爱花，爱的花也的确不少，但是最使我心爱的是水仙花. 我爱水仙花，因为它素雅清新，芳香醉人，还具有顽强的生命力. 在我家写字台上就摆放着一盆水仙花.在严寒的时候，我每天总要给它换一盆清澈的水，好让它时时保持身体湿润，否则就会枯死.这就是水仙花的好处，它不像那些高贵的牡丹，桃花等各种奇花异草，需要精心照料，一不注意就会枯死.而水仙花呢 只需泡在水里就够了，不需费心，更不需要修剪，这就是我养花的门道. 水仙花向来被称为＂鳞波仙子＂.的确，它那动人的身姿使人一见倾心，难道水仙花不是鳞波仙子的化身吗？ 水仙花那 *** 的茎里抽出好几条嫩绿的枝叶，在一丛一丛的绿叶间，错落有致地开着几朵洁白如玉的小白花，花中还嵌着大雪般的花蕊. 一阵轻风拂过，小花连连点头，似乎在水的衬托下，穿着水晶裙在水面上翩翩起舞，在阳光的照耀下，更加晶莹剔透，让人如痴如醉. 我在寒冷的冬天很少碰水，但对水仙花反而是种磨练，他静静地躺在冷水里，忍受着严寒，但它的身体却越来越矫健. 看着水仙花秀丽的神情，闻着那令人快乐的清香，我也好想当一朵水仙花，为人们带来快乐水仙花，好秀丽的名儿.你在寒冷的冬天依旧生机盎然，你浸在冷水里，像在与寒冷搏斗，你是那样坚忍不拔，真惹人喜爱.水仙花，好秀丽...
向日葵的启示大自然中有形形 *** 的植物，它们种类繁多，形态各异，为人们提供了丰富的资源和优美的环境。
它们虽然不能言语，不会表达，但它们也富有灵性，充满生机，不仅能让人们产生美好的遐想，还能带来许多有用的启迪。
例如向日葵，它有一种奇特的本领，能够随着阳光转动花盘。
我想可以根据向日葵的这种特性，发明一种带褶皱的衣服。
炎热的夏天，就把衣服调整成反射阳光、散发热量，穿在身上会感觉很凉快。
寒冷的冬天，就把衣服调整成吸收阳光、储存热量，人就会非常暖和。
这种衣服还有一种功能，只要一穿上，手和脚就像戴上了吸盘，人们可以在墙上和树上自由的行走。
我还可以给坦克装上具有这种功能的铁皮，在不同的地方战斗时，坦克能够调整光线，隐藏自己，这样就可以打敌人的士兵而躲避攻击了。
大自然中充满了无数的科学知识，只要我们拥有一双善于发现、学习的眼睛，就能发明许多东西。
大自然不仅是人类的摇篮，更是人类的朋友和老师，向大自然学习，会让我们的生活更加美好。
...
春天来了，美丽的春天来到了我们的身边。
天气一天天温暖起来了。
到处可见春天迷人的景色。
春天来了，美丽的春天来到了我们的身边。
天气一天天温暖起来了。
到处可见春天迷人的景色。
小河边，春风吹绿了柳树，柳树随风起舞；春风吹绿了小草，光秃秃的大地变成了绿油油的草坪。
草坪上开着五颜六色的小花，有黄的，有白的，有红的……十分美丽。
牧童们骑着水牛在草坪上放牛，有的吹笛子，有的看书，有的玩耍。
小鸟们在天空中欢乐地歌唱春天的到来。
春天的景色可真美啊！
转载请注明出处 » 对梵高的作品《向日葵》的赏析
《向日葵》是梵高在法国南部画的同一题材的系列作品．他画《向日葵》时, 精神异常激动, 向日葵金黄色的花瓣, 给他一种温暖的感觉, 使他内心充满激情地去画那些面朝太阳而生的花朵。
花蕊画得火红火红, 就像一团炽热的火球；黄色的花瓣就像太阳放射出耀眼的光芒一般．厚重的笔触使画面带有雕塑感, 耀眼的黄颜色充斥整个画面, 引起人们精神上的极大振奋。
作画时梵高像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的、运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种单纯和粗厚中却又充满了灵气和智慧。观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。
扩展资料：
1888年8月梵高开始描绘向日葵。在保罗·高更到达阿尔勒之前，梵高开始构思向日葵系列作品。在给埃米尔·伯纳德的信中他写到"我在用半打向日葵装饰我的工作室时想到，这未经粉饰的铬黄燃烧在蓝色的背景之上，从孔雀绿到品蓝。
梵高最终于计划在他和高更作为工作室的黄房子里开始画12朵向日葵的工作。我想为墙壁搞点装饰，只用向日葵。所有的东西将因此成为蓝与黄的交响乐。
每天从日出开始工作，因为那些花会很快凋零，哪怕中间有一朵打蔫都很麻烦。不巧，梵高竞争不过多变的季节，在1888年的8月，他仅完成了四朵向日葵，包括这幅作品。
在世界当中有非常多知名的艺术家，他们给我们带来了一副又一副精妙绝伦的作品，梵高就是其中的一位，知名代表作品《向日葵》更是火遍世界，在艺术界可以说是无人不知无人不晓，就连我们在上学的时候应该也听说过这幅作品，大家对于这一幅作品的评价程度非常之高，那么这部作品到底好在哪里呢？接下来就随小编来了解一下吧。
先给大家介绍一下梵高的作品《向日葵》，《向日葵》是围绕着插在瓶中的向日葵为主要内容的一系列油画作品，每一幅油画作品中向日葵的数量也是不一样的，有3朵，有5朵，有12朵也有15朵。梵高之所以会创造出这样一幅作品，是想表达他自己的内心真实感受，是向世人表达了他对生命的一种独特理解。
《向日葵》作品之所以会火，最大的原因是与当时的主流价值观相符合一致，无论是在色彩搭配还是在笔下勾勒上，这幅作品都属于上等水平。花瓶之中的向日葵，每一朵的状态都不一样，虽然在慢慢的凋零，但是他们的葵花籽非常的饱满，象征着顽强的生命力，给人带来的力量冲击是非常明显的，就像生命之光一样，发挥着自己独特的价值。
而更重要的是，这幅作品背后所表达的意义更是让人潸然泪下，梵高想通过向日葵这样一幅作品，呼吁人们怀着感激之心对待家人，怀着善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，怀着赤诚之心对待工作等等，呼吁人们要像那灿若盛开的向日葵一样，发挥着自己独特的光芒。梵高的一生虽然并没有那么的幸运，但是对于生活他从来没有放弃过希望，希望大家也是如此，不知道大家都是怎样看待这样一幅作品的呢？
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16朵形态各异的向日葵，或绚烂或枯委，或隐或现，以淡黄色为背景，以深黄色为向日葵的主色调，另有几朵含苞未放以淡黑色点缀花蕊，颜色上给人一种强烈的对比，画面总体上给人一种明亮而又强烈的生命力，让人感到生活充满希望，阳光是那样的明媚，天空是那样的广阔。凡高许多以向日葵作为主题的作品一直在冲击着我的思想，一个如此热爱向日葵的画家为何却为如此轻视生命，自己选择走向生命的尽头。向日葵是太阳之光，是光和热的象征，是内心翻腾的感情烈火的写照，亦是热爱生命选择生活的表现，但为何却成了凡高苦难生命的缩影!他自己则成了向日葵的背叛者，如此看来热爱生命与选择灭亡并不矛盾。凡高身为一个画家，成就了艺术却蔑视了生命。《向日葵》在国际上的拍卖价越来越来高，1987年，在伦敦拍卖会上，凡高的一幅《向日葵》以3990万美元的天价被日本人买走，这个消息震惊了全世界。商业上的巨大价值，无论是有钱人的附庸风雅还是《向日葵》真的找到了会欣赏它的人。但是商业上的巨大利益， 与凡高生前卖画所比，的确是一种巨大的讽刺。凡高的代表作《向日葵》历来是为人称颂的名画之一。如今，这幅《向日葵》又获得一项殊荣引来蜜蜂驻足花蕊。据英国《泰晤士报》15日报道，最近，英国伦敦大学玛丽女王学院做了一个有趣的研究：让一群从来没见过真花的蜜蜂“欣赏”四幅色彩绚烂的名画复制品，看看蜜蜂反应如何。结果发现，凡高的油画《向日葵》特别受蜜蜂青睐。蜜蜂多次停落在“向日葵”上，想品尝其中的“花蜜”。四幅名画复制品中，有两幅“花朵类”油画凡高的《向日葵》、保罗�6�1高更的《一瓶花》；还有两幅虽非花朵却极富色彩的油画帕特里克�6�1考尔菲尔德的《陶器》、费尔南�6�1莱热的《宁静生活与啤酒杯》。研究发现，在同一时间内，蜂群飞向《向日葵》146次，在上面停落15次；飞向《一瓶花》81次，停落11次。但很少在另两幅画上停落。