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论谈水彩风景写生作为色彩教学中的水彩风景写生，是一门帮助学生理解和认识基本的构图、造型、色彩、审美等规律的有效方法。它的主要目的是通过对客观景物的观察，在研究绘画基本规律的同时，理解水彩画这一包含丰富技法的画种，有意识地充分发挥它的技法之长与表现特色，树立起自己的审美意识，探寻自己的艺术表现形式（水彩语言）表达出自己的艺术个性。 通过多年的水彩风景写生和教学实践，以下我想从观察、表现、情感三个方面谈谈水彩风景写生。这三个方面是水彩风景写生的重要环节，并相互紧密联系，构成一个完整的整体。观察是水彩风景写生的第一个环节。在这一环节中，首先要解决怎样观察的问题。水彩风景写生作为一门眼睛的艺术，是要把繁杂、百变的自然景看成一幅画。由此，要有从局部看到一个大画面的能力，尽可能地掌握主动性，树立整体的作画意识，并忠实于自然。其次是要善于发现，要在丰富多变的自然物象世界中去发现画面。在观察中，从所关注的自然物象的结构、形态入手，从中寻找点、线、面的构成规律。如：建筑物的空间构成关系，树木枝叶的线面关系，天、地、物的形状构成及色彩构成，从中寻找我们所要求的绘画空间和画面构成，最终在自己的脑海中形成一幅整体的画面景象。这种画面景象是朦胧的、不确定的，具有诱人的美，使画者产生表现的欲望和激情。风景写生中对自然物象的观察要强调对瞬间美的记忆和把握，特别是光影与色彩的变化。这是写生中变化最快、最大的两个因素，从时间上说变化以早上和傍晚最大。因此，对光影与色彩瞬间的定格，也是观察中最难的。它依赖于大脑对瞬间物象的记忆能力，也依赖于画者对空间结构、光影透视、光色原理的掌握程度，依赖于画者表现技术（技法）的熟练程度。 表现是水彩风景写生的第二个环节。要把头脑中的画面景象表现出来，就必须通过一定的表现技法，水彩风景写生作为一门色彩写生离不开色彩与材料学原理，离不开表现技法。写生者首先要对所描绘的自然物象的色彩构成元素进行分解研究。对比分析每一块色彩的特点和不同的作用，找出所要描绘的自然物象的色彩对比、明暗对比、补色对比、饱和度对比、面积对比和基本色调等，确立丰富多变的各种色彩组合秩序。这其中的色彩组合秩序包括：色相、明度、纯度及特定色调的构成，控制各色彩区域变化和统一的秩序。在这一过程中主要要求写生者发挥主观特性的自由，以使画面色彩关系呈现出更高或更美的境界。物质材料是色彩表现的基础，不同的特性的材料工具会产生不同的技法。水彩风景写生所采用的工具材料具有相对的特殊性能，它不同于水粉、油画的工具材料，对画纸、颜料、画笔、水辅助材料与工具的性能要有一个全面的了解与掌握，并能从中找出特点，优势，克服材料工具的局限和弱点，才能把所见充分表现出来。针对不同的感受，选择适当的表现方法和技法，确定表现的基本次序和步骤，这是风景写生中的关键。水彩画作画的程序和步骤是决定作品成败的关键。因此要把水彩画的程序性与风景写生的程序性完美地结合起来，并针对具体的写生自然物象进行适当的调整，力求稳步、准确、快速地使用设想的方法、步骤表现自然物象。在具体的表现技法中，必须注意笔触与形体边缘线的处理，色层之间的相互叠加、笔触的干湿、色彩干湿之间的相互结合与浸润、笔与纸之间所产生的肌理等与表现物象的色彩变化、肌理特征的神似。多采用简单、便捷的表现方法表现自然物象的主要特征和神韵。同时要在表现中强调主观表现与客观再现的相互结合，客观再现为主，主观表现为辅，只是简单的形色关系再现的写生作品难以达到艺术表现的境界。 水彩风景写生从某种意义上讲，也是情感的表达与交流，是水彩风景写生的第三个环节。这里所说的情感指审美情感，是作为一种艺术形式或表现画者对客观世界的感受，抒发自己的情感，这也是水彩风景写生的最终目的。写生过程中情感源于自然物象，蕴集于画者胸中，流注于笔锋，凝结于水彩纸面。因此，水彩风景写生从开始到最后完成实际是一个运笔的过程，而笔触是传达情感的最重要的语言词汇，它构成写生作品的神韵。一幅风景写生作品的完成是画者感情投入和劳动的产物，它要求画者面对大自然作画时有整体意识的同时还要有真情实感，有感而发，使写生成为画者心灵深处诚挚情感的倾吐。康斯泰勃尔的纯真朴实，透纳的雄浑奇异，凡高的跳动狂热，柯罗的恬静温柔，印象派的热情奔放，无不表现出画家对大自然的情感内涵。画者的审美情感决定写生作品最终的艺术情趣与格调。在水彩风景写生中，情感贯穿于观察表现之中，流淌于整个写生过程。 情感来自于观察，亦影响画者的观察，它决定画者的表现，亦受制于画者的表现。
美术作为艺术的最直接表现形式，其不仅给人带来视觉上的享受，而且还是一门深刻的艺术课题。下文是我为大家搜集整理的关于美术生 毕业 论文的内容，希望能对大家有所帮助，欢迎大家阅读参考!
浅谈美术作品中的地域 文化 特色
摘 要：不同地域文化特色在艺术领域产生了丰富多彩的审美层次，本文从分析地域文化特色对美术创作的启发着手，重点以三峡民间美术图像、藏族主题美术和新疆主题美术为例，解析了美术作品中地域文化特色的体现。
关键词：美术创作;地域;文化;特色
我国疆域辽阔，多民族文化并存，长期以来，形成了不同地域文化下风格迥异的艺术流派，对于美术创作而言，不同地域文化所衍生的民风民俗、特色建筑以及自然风光，都给美术创作提供了不可或缺的创作素材。
一、三峡民间美术图像的文化特色
三峡民间图像是涵盖了以巴楚文化在内的长江流域一带的民间文化所形成的地域性民间美术，其总体内容大致可分为三大部分：第一部分为注重实用功能的民间艺术，包括了劳动者衣、食、住、行所需的实用性装饰艺术品，如民间扎缝编染、民间建筑等;第二部分为注重观赏功能的民间艺术品，有民间雕塑、民间绘画、民间书法、皮影、刻板印画、捏塑等;第三部分为注重祭祀礼仪的民间艺术品，包含节令用品、年寿用品、祭祖用品、祭神用品等。众多分们别类的三峡民间美术却有着共同之处，那就是诞生于勤劳勇敢的三峡人民之手，也造福了子孙后代，并通过美术作品记载了悠久的巴楚文化。
以三峡民间美术图像“梁平 年画 ”为例，梁平年画起源于十七世纪明末清初，有着三百多年的历史，它的艺术特点不同于绵竹年画的浓艳鲜亮，又异于杨柳青年画的细腻典雅，又别于山东潍坊年画的明快活拨，显得朴素凝重，浓艳深沉，表现出独特的古朴粗、浑厚野俗之美，独显巴渝山民特有的纯朴慈厚气质。梁平年画的内容常以传统题材为主，表现手法极浪漫，用色大胆，对比强烈，整个画面简洁明快，梁平年画的图像元素可为现代设计所用，例如在表现手法上，运用精炼的线条概括出生动的造型;运用鲜明的色彩，形成强烈的视觉冲击;运用夸张A对比，形成浓厚的装饰性和趣味性。在现代设计之中，巧妙地运用这些图像特征及元素以使现代设计更加具有艺术价值。
当然，梁平年画只是三峡民间美术长廊中的微微一角，除此之外，梁平门神、三峡民间竹帘、三峡民间皮影、 刺绣 、挑花、 雕刻 等等，都展现了不同历史时期，三峡地区的自然环境、社会环境、宗教信仰和民风民俗，表达了巴楚人民对生活的美好向往。
二、藏族主题美术作品中的乡土文化特征
藏族独特的自然气候和地理环境造就了其独特的乡土文化，相对于汉族而言，藏族的乡土文化更体现在农牧生活中，比如高原、草地、牛羊和青稞麦，而描述这一类乡土文化场景的美术作品有李焕民的《初踏黄金路》，表现了藏族农民喜获丰收的壮观场景，还有周春芽的《剪羊毛》，展现了藏族人民日常劳作的画面。
朴实和本真的藏族儿女也是藏族乡土文化的代表之一，著名画家陈丹青在在《进城》、《牧羊人》、《康巴汉子》等作品中，描绘了一个个藏族男女，但令人印象深刻的是，画中的主人公并没有很具体的身份，不是英雄不是劳模，他们作为画面形象只在于一个简单的理由生命的存在，用作者自己的话来说就是他们站着，就是一幅画。
除此之外，藏族乡土文化还表现出对传统和原始生活的探究，美术作品《扎西德勒图》也充分展示了藏历新年的传统民俗风情，这幅壁画展现了人物71位、动物49个、吉祥图案和节日用品100余种，全图中心为吉祥双斗、白色羊头、青苗及各类吉祥物周围为跳锅庄舞的藏族男女。家家团圆，吉祥如意的新年主题在画面上铺开，充分反映了藏族 传统文化 的丰富魅力。
三、新疆美术作品中的民族风情
在新疆这片热土上，生活着质朴的各个民族，他们的衣食住行独具民族特色，比如绚丽多彩的各式地毯，精巧别致的手工艺品，飞奔的马群，四季飘香的瓜果等等。以这些为创作素材的有很多作品，其中不乏油画创作，如阿不都克里木?纳思尔丁的《摇篮曲》、柴新春的《天伦之乐》、白昆亭的《维吾尔妇女》、张怀的《伊犁姑娘》、卓然木?雅森的《赶集》、玉素甫江?拜尔地的《于田人》、毛玉龙的《伊犁人家》等等。其中阿不都克里木?纳思尔丁的油画创作《摇篮曲》，此幅油画创作体现出艺术家善于挖掘生活中非常入画的题材表现，能捕捉容易被人们所忽略的那种美好。作品描绘出了一种少数民族平凡的生活场景，一位柯尔克孜非常年轻的母亲正在摇篮旁边，为孩子吹着舒缓的摇篮曲。通过以美术创作的形式，艺术家让如此寻常的场景就能深深地打动观者的心弦，更从作品中流露出作者对于生活的挚爱。
另外，节日是新疆少数民族文化意味最为浓郁的一种精神状态，像维吾尔族的“肉孜节”，“古尔邦节”，哈萨克族的“诺吾鲁孜节”，回族的“圣纪节”，塔吉克族有“祈脱齐地尔节”，柯尔克孜族有 “诺鲁孜节”，“巴罗提节”，他们的活动丰富多彩，新疆美术艺术家在感受不同民族节日的同时，必然会时将这种节日的气氛融入自己创作中。诸如赵培智的油画创作《盛装》，刘建新的油画创作《欢乐的日子》，就是以此为内容的绘画作品。由此可见，尽管新疆自然环境相比内地艰苦一些，有着恶劣的气候，贫瘠的土地，但人们在这样的环境中更加激发了对生命、生活的渴望，并通过绘画这种方式，来表达对生命的崇敬、对生活的热情，在精神世界寻求另一种寄托。
四、结语
当然，巴楚地区、藏族地区和新疆地区只是我国特色地域的一部分，更是世界范围内地域文化的沧海一粟，每个地区都有气质独特的历史轨迹和挥之不去的文化记忆，而文化是艺术家创作的底蕴，是作品的精神和灵魂，是根脉。古往今来，深厚博大的地域文化生长出了无数鲜活、生动的文学艺术作品，宛若群星璀璨，闪烁在历史文化的天空。
参考文献：
[1]邹璐. 浅谈地域文化影响下的艺术创作研究――乌江流域 民俗文化 与美术创作随感[J]. 美术界，2011，11：81.
[2]王颖. 新疆美术创作中的民族性与时代性研究[D].新疆师范大学，2014.
[3]王宏伟. 藏族主题美术创作与当代国家形象研究[D].中央民族大学，2011.
[4]刘利霞. 谈地域文化对高校美术创作的影响[J]. 艺术 教育 ，2009，06：124+113.
论文艺复兴时期美术的意义
摘 要：世界美术史上具有划时代意义的时期即是文艺复兴时期，这个时期绘画的表现主题受到了人文主义思想的影响，虽然宗教题材所占的比例较大，但是这种思想推动和成就了一批美术大师，这一时期的美术作品影响了全世界美术的发展。
关键词：文艺复兴;人文主义;美术
14世纪在意大利兴起的文艺复兴运动，推动着时代向前迈进，随之在15世纪影响了整个欧洲的思想，一场空前的思想复兴解放运动蓬勃发展起来。这场运动是欧洲文学和艺术发展的一次飞跃，也成就了欧洲科学技术发展的黄金时期。并推动了欧洲历史文化的大繁荣时代的到来，历史学家把这个时期称之为为古代希腊、罗马文化在经历了近千年的黑暗与衰落之后的再生时代。
一、文艺复兴时期美术是一种社会意识形态的进步
中世纪时期欧洲人们思想愚昧，社会文化落后，社会等级非常森严，会就趁虚而入，基督盖地的深入到了人民中来，宗教开始影响人民的生活和画家的表现题材。当然，这个时期的画家选择绘画自然题材作品不单是表达自己对自然的热爱，更多的是通过自然题材的形象来象征传达自己内心的宗教信仰。以形象的自然刻画来表达内心精神的真实，这种绘画特点在这个时期普遍存在。
“文艺复兴”运动出现的根本原因是资本主义的萌芽的出现，文艺复兴给人们一次思想大解放，推动了历史前进的步伐，同时，也促进了科学技术的飞跃和文化艺术的繁荣。资本主义萌芽时期的生产关系发生变化，资产阶级需要建立新型社会模式，宗教控制模式已经严重阻碍了资本主义生产关系的发展，资本主义社会需要崇尚自然和科学，更加注重体现人自身的价值。随之，美术也要冲破封建宗教意识，开始注重“人性”和对人自身的表达，开始真实地表达真实的自然世界。
终于冲破“神性”和宗教的束缚，表达“人性”的美好。达?芬奇的著名美术作品《蒙娜丽莎》就是那个时代典型女性的作品，画面是以风景为背景，女性形象蒙娜丽莎呈现出无尽的优雅气质，脸庞上稍有微笑，却又有着若有有无的悲伤。达?芬奇刻画了一个内心情绪复杂、面庞带有微笑却又夹杂忧伤的少妇形象。这已经不再是宗教题材的人物形象了，不再是神的传播者了，而是崇尚人自身美感和内心情感表达，所以，这段时期的美术作品都富有鲜活的生命力，饱含着艺术家的灵感，同时也是美术发展史上一个重要的时期，为近代美术的产生和繁荣奠定了坚实的基础。
二、文艺复兴时期美术在思想和形式上的解放
在中世纪时期，人被压榨的无所作为、消极和自卑，人的价值根本就是微不足道。而文艺复兴时期提倡的人文主义思想， 大力提倡人性要得到解放，人需要自由，需要关注人自身的价值和创造力，打破“神性”的束缚，实现“人性”的解放和追求;关注人的现世生活，重视对人的个性的关怀，强调维护人性尊严，主张自由平等和自我价值体现。反对中世纪的宗教神学主义和禁欲主义，强调追求物质幸福及肉欲上的满足。因此，这一时期的人们转而关注自身及个性，对生活的追求也变得世俗化。人文主义思想也给艺术家带来了重大的影响，指引他们在思想上进行了一次深刻的变革。
他们不再受到宗教的管制和束缚，不再有打压，变得大胆起来，敢于在绘画作品中勇敢表达自己的观点，表达“人性”，表达自己对人的自由的追求，对人自身的关注。如威尼斯画派著名画家提香的名作《乌尔宾诺的维纳斯》，它是一幅女性的裸体画，其中的女性形象不再是像之前中世纪时期的作品一样，不再是神圣得高高在上的样子，而是像普通世俗生活中的少妇。提香不仅将画中人物表现成清醒的模样， 而且眼神中充满了企盼的神情。提香的这幅作品是对禁欲主义权威的挑战，体现了人类肉体的生命力，同时还表达了肉体的诱惑，而这些都体现出了作者受到人文主义思想的深刻影响。
三、文艺复兴时期美术在画材和技法上的突破
技术创新，是文艺复兴时期一个重要方面。其中，在美术上最为显著的技术创新之一就是15世纪尼德兰画家扬?凡?艾克对于油画技法的革新。中世纪时期的画家在绘制油画作品时，一般采用蛋彩颜料。由于这种颜料会在几分钟内干掉，画家在作画时就会受到很大的局限。他们必须在画板上一小块一小块地迅速作画，而这不利于画面长时间的精细刻画。直到15世纪初用油作为媒介剂调色的技术才引起艺术家们的普遍重视。当时的调色油多以蓖麻仁油做媒介， 但这种油干燥时间过长，延长了绘画的制作周期。
扬?凡?艾克首先在曝晒浓缩后的蓖麻仁油中掺入一定成份的具有挥发性的植物油，这样配置的调色油干燥时间大大缩短，这样画家在作画时限上不再受很大的局限，有利于长时间的精细作画。颜料的透明性赋予了他的绘画珠宝般的质地，它们似乎能从内部发出光亮。例如他的名作《根特祭坛画》，每一个细节都以自然写实的手法栩栩如生地描绘出来，这种表现手法是以油彩的发展为前提的。尼德兰的油画技术传入了意大利， 并在意大利发扬光大，意大利的威尼斯画派在油画的依托材料上又进行了革新。
综上所述，文艺复兴时期的美术在整个美术发展史上具有划时代意义，它是美术史上一个重要的时期，为近代美术的发展奠定了基础，指明了方向。
参考文献：
[1]朱龙华：《意大利文艺复兴的起源与模式》人民出版社 2004年出版
[2]赵振宇：《欧洲文艺复兴时期美术作品浅谈》 文教资料 2006年出版
[3]杨贤宗：《文艺复兴观念的起源与发展》 南京艺术学院学报 2007年出版
你是学美术的吧，第一你可以在网上查到一些有关水彩画的知识，我以前画过油画，而且要说出怎么样才能画好写生，画写生要求我们必须要有敏锐的观察力，对事物一定要仔细观察其纹理。
这里有几篇你看行不行，如果觉得不怎么样，你可以去美术论文网看看，里面篇数很多－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－“线”在美术作品中的功能与审美特征 线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用，是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能．画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采（在表现物象的同时，还传达出入的情绪），传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美；西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－对于传统色彩学的新认识 绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。从早期文艺复兴至今，绘画中色彩的表现方法丰富多彩，一代代艺术大师们耕耘不止，给后人们留下了无数的艺术财富。十五世纪上半叶，凡·爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品，在坚实的造型基础上，加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色，这些色彩，通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子，创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的大色块来进行创作，其色彩已具有一定的主观因素；达·芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象；西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作，其色调已经超越了物象本身的色彩范畴，达到了一种色彩的抽象概括，其色彩运用，更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求，不受物象色彩的制约，他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调，作品富有现代精神；伦勃朗利用强烈的明暗对照，单纯而强烈的色彩来突出主题，人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光，作品充满了深度。十九世纪，由于科学的发展，一些有关色彩理论的论述在欧洲问世，这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘，使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念，采用鲜明的色彩来描绘天空、田野，画家们致力于风景画中环境与光线的研究，莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。艺术探索是无止境的，康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里，色彩还是依附于形体之上，色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中，已见不到传统绘画中的具象物体，色彩已不再依附于任何具体的物象而存在，他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新，而每一次创新，都需要勇气打破条条框框，用全新的视角去重新认识和感应世界，推动艺术的发展。综上所述，不难看出，色彩艺术在其发展的过程中，没有一成不变的规则，我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识，而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份，全面推进学生的色彩感应力，应成为一个重要课题。当前在色彩教学中采用的理论依据，是在印象派前后时期的色彩理论加之俄罗斯画派的色彩理论综合而成。其核心内容是强调条件色，认为色彩的产生要依靠光源色、环境色及物体自身的颜色综合而成。在色彩的对比上也有一定有规则，亮部冷，暗部就要暖；在色彩的训练上比较强调作画过程的程序性，即通常的画大关系，然后深入，再回到大的关系上来。这样的训练方法及色彩理论固然有其有利的一面，但也存在一定的局限性，即过多地重视科学规则和相应的客观因素，忽略了做画者对于色彩的直接感应。但在做画过程中这种感应又是非常重要的，没有它，艺术作品就会缺乏生气，枯燥无味。所以，在色彩训练中，从一开始就要重视对色彩的直接感应，不要让过多的理论缚住做画者的手脚。传统的色彩理论对于画面的色彩构成更多的是依靠色彩的空间关系去表达（物体离观者近则色彩鲜明突出，退远则变淡变冷）。但在现代的许多绘画大师的作品中，这种理论已被打破，艺术家们根椐自己对世界的认识和感应，重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系，应理解为色彩结构上的位置关系，色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。法国艺术大师巴尔蒂斯对于东方绘画非常崇尚；凡高的作品中也充满着东方情趣；米罗的作品更是如此。为什么东方绘画有如此之大的魅力，使这些艺术家顶膜礼拜呢？关键就是在东方作品中所蕴含的精神因素。东方的作品，如中国画不受客观条件的制约，而强调艺术家的主观精神，使艺术中具有更多的抽象因素。如能较好地将东方绘画中的精华运用到色彩实践中的话，将会创造出更广大的艺术天地。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－美术课在美育中的作用 美育一般通过艺术审美的方式达到教育目的。美术课对学生进行美育的得天独厚的条件，就是直观性，包括对自然美的直观，社会美的直观，艺术美的直观。而美术教学大纲所规定的欣赏、绘画、工艺三大类课业非常直接地体现着这种直观性。 美术欣赏课的教学，主要以完美的形象，卓越的艺术技巧来拨动人的心弦，使人精神奋发，与之共鸣，从而产生强烈的教育效果。例如欣赏董希文的油画《开国大典》，可感受到作者通过构思，构图和色彩，表现了中华民族永远起来了的信心和气魄。欣赏白石老人的国画《却教蜂蝶为花忙》，透过蜜蜂在艳丽的凤仙花旁飞舞采蜜的忙碌情景喻意颂扬了勤奋劳动的精神。作者从普通的生活景致中表达出高雅的审美情趣，学生通过对作品的品味、鉴赏激起了对普通劳动者的敬慕。美术绘画课的教学除了学习线条、形体、空间、明暗、色彩和构图等艺术、语言”之外，还要学习临摹，写生和创作等艺术的表现手法。例如静物写生课，不管是一瓶沐浴着阳光、摆在窗前的鲜花，还是随意堆在桌上的肥硕水果；不管是一组闪耀着光泽的玻璃器皿，还是刚买回来的新鲜蔬菜，那生意盎然的色彩、情趣横生的形态，都能人学生以情的感染和美的享受。 人物头像绘画课，不仅使学生明白头型的“八格”、五官的比例尺“三停五眼”，还要懂得“形神兼备”的意义。人像的美，并不是“浓眉大眼”或“樱桃小嘴”等概念，关键是创造生活中有个性特征的感人形象。例如周思聪先生的肖像画《老矿工》，极为生动地刻画了一位从旧社会生活过来的老矿工的形象。在老矿工布满班痕的脸上，可以看到这位煤矿工人的艰苦劳动的一生，然而他又是那样善良，淳朴和敦厚。美术作品并不是以“像不像”“美不美”“好看不好看”为评价标准。教师应紧密结合教学内容，引导学生通过对形象的感受、想象与思考，认识肖像画的艺术美，在思想上受到熏陶，在美的感受中受到教育。 工艺课是一种带有设计意识的艺术实践活动。在美术课上学过色彩知识和造型规律，学生掌握这些形、色的审美常识，有助于培养他们健康的审美观点，对于学生盲目追求流行时装、奇怪发式的现象，有正确引导的作用，同时也有助于他们思想品德的提高。 另外，美术在开发学生智力发展中起着突出作用。根据科学研究，人脑的左半球分管抽象思维，右半球分管形象思维，许多复杂的精神活动是由大脑两半球协同完成的。学生的文化课学习一般多用左脑思维，而美术课则有利于发展学生的形象思维能力。美术课的任务正是培养学生的观察、记忆、想象、创造等形象思维能力，特别是观察能力。在绘画课上，教师总是强调学生观察、观察、再观察，由表及里的观察，由近及远的观察，由整体到局部再到整体的观察。只有正确的观察，才有正确的感知，也才能形成积极的形象思维，使抽象的东西具体化，概念的东西形象化，进而是逻辑思维的发展。这样也就有利于多方面地发展学生的思维能力，充分发挥人脑的潜力。美育被明确地列入教育大纲，标志着我国社会主义教育思想的重大发展和社会主义教育制度的进一步完善。美术课的目的不是把所有学生培养成艺术创作家，但是对于提高学生的审美文化素质、发展创造性思维，陶治其情操，起着积极的作用。
绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文
浅谈美术教学中的鼓励教学方法与我拍档的老师经常问我：“那些学生怎么那么喜欢上你的美术课呢？”“你一不骂，二不罚学生，而学生上课的纪律是那么的好，学习兴趣是那么的浓，是不是有什么绝招？”其实那里谈得上有什么绝招，要是说有什么方法的话，只不过我在平时的教学中，注意采用鼓励教学的方法，在教学过程中注意激发学生的学习热情，用欣赏的眼光去审视学生的每一幅习作，注重培养同学们的学习兴趣与参与意识，力求达到师生在教学活动中的协调统一，以取得最佳的教学效果。下面谈谈我在实施鼓励教学方法过程中的几点体会。 一、 鼓励审美个性，培养审美意识 鼓励审美个性，即是鼓励学生不仅仅能学会欣赏艺术品，而且能作出自己的审美判断。美学家曾经说过：“有一千个读者，就有一千个哈姆雷特。”对同一审美对象，不同的学生，不同的心境，不同的经历、学识和情感个性，就会有不同的审美意味和不同的理解。因此在教学中，教师不能事先就给某一审美材料规定一个统一的评价标准，而是充分地发挥学生的审美感受，鼓励学生用自己独特的视觉感受看艺术作品，使学生的情感与对象产生共鸣，审美的想象力自然会得到自由的发展。如：在欣赏梵高的《向日葵》时，我仅仅介绍了作品的时代背景和作者的情况，便让学生看画，自己感受一下作品的气氛，并要求学生看画的同时思考下面的问题：画的是什么？怎么画？色彩、用笔有什么特色？哪个地方给你感触最深？然后，鼓励每个同学都说出自己的看法：有的看到的是单纯而明快的色彩；有的感受到的是强烈的色彩和扭曲的笔触形成的视觉冲击力；有的领略到的是一种震撼人心的激情；有的则从作品中体会到生命被压抑而发出的纳喊；有的则感到每朵花就象一团火焰，这是爱的最强光。可见，鼓励学生的审美个性，可以启发同学们对审美意境理解的多元性、复杂性和深远性，从而提高学生的审美意识。 二、 鼓励自我体验，激发参与意识 鼓励自我体验，即是鼓励学生通过亲自动手，对材料的接触感悟和多次的尝试，从而掌握工具材料的性能及有关的美术技能技巧。特别在美术工艺课里，我从来不要求学生依照范画样本制作，用什么形式，先做什么？再做什么？怎样粘贴？不作统一规定，而是让学生自己对材料进行反复触摸、把玩、琢磨、探索，要求学生从不同角度进行试验，让学生自己去发现和理解：原来，工具材料有这样的性能特性；步骤不但可以是这样的，还可以是那样的；不但可以采用这种方法，还可以采用那种方法。在体现水彩画、中国画的工具材料的性能特点时，更要注意鼓励学生亲自动手，从初次作画的失败到反复尝试练习后掌握工具的性能，从润笔、着色、用水、点墨、行笔的体验中去感受到成功的喜悦，从而激发学生的参与意识。另外，我还鼓励学生多写生，多观察，多总结，每节写生课都让学生自己去观察、分析大自然事物的形态特征，在真实的事物面前观察表现比对着范画临画要形象生动得多，学生对形象的掌握也会更快而且准确。在图案创作方面，通过录像、图片、标本、实物等让学生自己观察、分析，鼓励学生自己去总结概括它们的造型特点，结果同学们所创作出来的图案造型比起教师仅出示图案范画让学生欣赏参考制作出来的效果要好得多，图案作业造型要丰富、生动得多。 三、 鼓励艺术表现，激发艺术创造 现代美术教育家伊顿说：“教育是一种勇敢者的探险——尤其是艺术教育，因为它涉及到人类的精神创造。”可见，创造性思维的培养是艺术教育的一个重要目标。因此，我十分注意给学生提供一个展现艺术才华的空间，以提高学生的艺术创造力。在教学中我从来不随意扼杀学生作品里所体现的与众不同的东西，因为美术不同于某道数学题只能有一个答案，美术作品的美具有多样性，需要从不同的视觉角度去欣赏和评判，否则条条框框太多会限制学生的创作思路，使学生的作品显得千篇一律，缺乏个性与活力。所以，不管学生的作品显得夸张还是平淡，细腻还是粗犷，热情还是宁静，奔放还是含蓄，它都是有其内在的含义，是学生思维创造性的结晶，是学生心灵的反映。作业评讲时我注意多讲优点，多肯定学生具创造性的一面，激发学生创造、表现美的欲望，这样做，同学们自然会变得更大胆、更充分、更主动地用自己的绘画语言与外界交流，这样才会给学生的艺术表现提供一个有利的条件。因此，教师不仅是“传道、授业、解惑”，而且还要以一份真诚的心与学生交流思想、交流意见、交朋友、交心。让同学们的艺术表现热情培养起来，并留一个空间，让学生的艺术个性表现出来。例如引导学生以“我爱家乡风光美”为主题创作一幅风景装饰画，课前我先布置同学们回到自己的村子里走一走，看看那一处景象你认为最能代表家乡的美。上课时我先讲了一点风景装饰画的基础知识，然后让学生结合自己的观察谈谈想法，结果由于每一个同学的生活环境、心理个性等都不同，他们对美的感受也大不一样。有的认为热闹的市场能体现家乡的繁荣景象美；有的说宁静的小街美；有的说幽静的村前小园美；有的认为田野的春天大遍庄稼绿油油是生命的美，秋天硕果累累是丰收的美……。课堂活起来了，同学们的脑子动起来了，我对同学们细微的观察、深刻的体会都一一给予充分的肯定，同时鼓励同学们把自己的感受表现出来，并启发学生思考、尝试用怎样的表现形式最能将自己独特的意境构思表现出来。结果，同学们的作业没有雷同，内容与形式都非常丰富，且较充分的体现了家乡多角度、多方位的美。 可见在美术教学中，注意鼓励教学方法的运用，不仅可以激发学生学习兴趣，而且对提高学生的审美意识和创造性思维的能力具有很大的促进作用。
水彩教学中，构图、起稿、刷水同静物画法一样，但风景画作画顺序的特殊性是由上往下、从远至近、从左向右进行。在写生之前也应指导学生先临摹几张范画，这有助于学生领悟概括自然的三个层次（远、中、近），并能熟悉自然界中各种物体的画法。写生时应在以下几个方面加以着重指导：
1．写生开始要先画天空，力争一气呵成，这样整体基调和气氛便已确定，其它景物的色彩应向基调靠近，以促成色彩协调之美。
2．待天空色未干时迅速画出远山或远树，使之与天际相接的部分自然晕合。这样既可使远处朦胧、深沉，又符合近实远虚的规律。
3．从左到右，每画一个物体前再刷一次水，以防户外气候干燥、湿画法难以进行。例如，水中倒影里的房屋、树木都要趁湿把各种颜色接涂，自然晕合渗化，使倒影里面的形朦朦胧胧。等到全部干了的时候，用干画法轻轻画上几道水的波纹，此时倒影就显得真实生动了。至于岸上的房屋、建筑等宜用干画法描绘，使之坚实、挺拔，并和水中倒影形成鲜明对比。
4．主体部分应重点刻画，以使画面具有凝聚力，从构图的位置、色彩明快的程度、形体刻画的入微等方面增强其感染力。在让学生知道自然界分成远、中、近三个层次之外，还应让他们懂得艺术有主次之分。即学生在掌握水彩画技法的同时还要学会艺术处理画面的空间。
5．风景画的整理仍是重要的一环。局部画法有利于水分的发挥，湿画法得以充分的利用，但副作用是易“碎”，使整体画面受到影响，故需要从层次和色彩关系上调整一下，画面就基本完成了。
二、教学中注意指导学生操作的几个重要环节
1．学生欣赏范画，教师要逐张讲解其画法及色彩的运用，使学生了解水彩画的样式、特点，并告诉学生为了保持水彩画的透明、明快，调色时不宜过多，涂色时尽量一次完成，最多也不能超过三次，否则画面就会脏乱。临摹时首先要让学生熟悉工具的使用，以及调色和控制笔中水分的方法。
2．带领学生到室外写生时，教师可以先示范一部分景物，边画边讲：应该怎样画，容易出现哪些问题，该如何解决……这样可以使学生产生直观的感受，同时也明确了写生的步骤，掌握各种景物的表现技法。
3．给学生改画是教学过程中的一个重要环节。当学生某一部分不会画或画得不成功时，教师廖廖几笔，即令学生茅塞顿开，帮助很大。一个班级那么多学生，教师重点应给哪些人改画呢？我认为改两头带中间为宜，画得较好的学生的画只要“点”上几笔便会大增其色，给大家提供了样板，给中间水平的学生增强了自信心。另一方面帮助画得较差的学生改上一两个物体，如一个苹果一个梨，然后鼓励他们按此方法大胆画其他物体，不怕画坏坚持画完，长此下去必能有所进步。
4．将绘水彩画的一般规律编成浅白易懂的口诀，有助于学生尽快掌握和记忆水彩画技法。如画蓝天白云：“水彩水彩一遍水，涂蓝留白免后悔，画上暗部为白云，这样画天才最美。”画近树：“近树先画干，树冠几大片，干湿画远处，深浅画明暗。”画草地：“草地一片绿，冷暖要注意，天地不接实，近处盖几笔。”画小房：“水彩画小房，先涂一遍黄，深色分大面，影子不能忘。
爱因斯坦曾说过：“幻想力比常识更重要，因为常识是有限的，而幻想力归纳着国际上的全部，推进着前进，并且是常识进化的源泉。”相同，在评估一幅儿童绘画著作时，一个重要的规范即是看著作是不是具有丰厚的幻想力和发明力。可见，幻想力和发明力的培育对儿童来说是多么的重要。电教媒体投影仪的运用，能够供给生动的形象，在培育儿童幻想力方面有其特别的效果。榜首，能够充分调动儿童丰厚的幻想堆集；第二，能够激起儿童的联想和发明幻想。
儿童绘画需求的是形象思想。形象思想是详细形象地知道国际、掌握国际的一种思想方法。为了进步儿童这方面的才能，我带孩子们运用复合投影片玩添画游戏。例如：在投影片上画出若干个○△等形状，给孩子以启迪，让儿童幻想这两种根本形状添上啥就能够变成一种新的物体了。这样来训练儿童的思想幻想力时，孩子们会讲出添上双眼、耳朵、嘴等，○就变成了熊猫、小白兔、小花狗等等；△能变成松树、吊灯、红旗等等 .教员奇妙地将投影片复合操作，像变小戏法似的，开展了儿童的幻想力和发明力，激起了儿童丰厚的幻想堆集。
别的，我还把投影仪与影子的联系利用在绘画教育中，让孩子们先用小手无拘无束地变换出各种形象，相互讲故事，玩手影游戏，让孩子们自个说出变的是啥。例如：用手投影出半圆形，让孩子说一说，这是啥？添上啥就会变成一种啥完好的东西？孩子们积极性很高。有的说：“添上耳朵、双眼和尾巴，就变成了小耗子。”有的说：“添上身上的刺和双眼会变成小刺猬。”有的说: “添上头、脖子和腿就能变成一只小乌龟。”我用手投影出手的形状，问儿童：“我投影的这个除了是手、手套以外，还能够是啥？添上啥东西，画面就更完好了？”孩子们摩拳擦掌，有的说：“这是一棵大树，手腕是树干，手指是树枝，再添上树叶。 ”有的说：“这是一只公鸡的头，大拇指是鸡嘴，其他四指是鸡冠，再添上鸡的双眼和身体。”还有的儿童说：“这是小鱼的尾巴，再添上头和双眼就变成一条无拘无束能在河里游水的小鱼了。”
孩子们对此游戏十分感 爱好。最终，我让他们在投影仪前边实习，边绘画，先画好所变物体的根本形象，然后增加完好。因为让儿童 把画画在投影片上，所以他们能够自个查看画面的色彩、构图，做到随时更改、添画。孩子们还能够指着自个的画编成故事讲给小朋友听，激起了儿童的联想和发明幻想，把孩子们引进多视角、多层次的情境中，培育了孩子们思想的灵活性。孩子们在欢笑中领会了常识。绘画活动中，运用投影安排儿童活动，使儿童在无拘无束、生动、兴奋的气氛中开展了幻想力和发明力。
水彩画形成于英国，传入我国已有百年历史。水彩画在中学美术课教学中占有非常重要的地位。通常人们只认为水彩画是提高学生造型、色彩及审美能力的重要因素之一，其实在进入现代社会的今天，水彩画技术及其特点还具有许多实用价值。它可以直接应用在工业设计上。例如，建筑（房屋、桥梁效果图设计）、园林（景点、绿地、长廊等效果图设计）、装修、装璜、家具、服装以及工业产品制造设计的效果图等均采用了水彩画技术。另外，水彩画工具简单、价格便宜，使用及携带方便，加之水彩画效果透明、明快、润泽，因而令人喜爱。
初中美术课水彩画部分的教学目的之一是使学生掌握水彩画的方法步骤和基本技法。因此在教学中，我首先通过范画、讲解，使学生了解、掌握水彩画的基本方法：干画法第一次涂色干了后再涂第二遍色，这样重叠着色下去即为干画法。此法不流、不混，可以从容作画；缺点是表现力差一些。湿画法头次上色未干就接涂第二遍颜色，反复接涂下去即成。此法画时比较急，需要学生有控制水分、时间的能力，一般要求学生在具有一定的绘画技巧之后运用才行。干湿并用有的地方用干画法，有的地方用湿画法。此法有快有慢，表现力强，中学生易于掌握。在整个水彩画教学过程中，应重点传授干湿并用法，以求收效快、效果好。
一、指导学生有效地利用干湿并用法，胸有整体，局部画起。
所谓胸有整体，是指学生除了要有必备的素描色彩基础外，还要有对画面的整体构想：色彩基调，远、中、近、大层次关系等。局部画起，是指把画面分成若干部分逐个完成。这种方法可使学生精力集中，绘画范围缩小，水分和时间容易控制，干湿画法并用得当，从而避免顾此失彼的现象。水彩静物写生是室内水彩画基础训练的最好方法之一。在静物写生之前，可先指导学生做几次静物范画临摹，意在使学生熟悉工具，认识各种画法，体会水彩画的特点。写生要注意指导学生按照以下几个步骤进行：
1．起笔要细，形体准确，高光、反光、明暗交界线、投影等都应尽量交待清楚，暗部和投影要少量涂点铅笔线条以示位置，上色时心中有数才能涂色不乱。
2．画前先在纸上刷一遍水，目的是让纸吃水饱和，必要时可以刷两遍，这样纸不易干燥，干湿画法便于施展。
3．先画背景（一般指衬布），优点是不乱、不花，整体效果好。背景争取一气呵成，整个画面的基调便得以确立。
4．画物体时要一个一个完成，这时采用湿画法比较得心应手。例如画一只梨，从亮部开始，留出高光后涂淡黄色；未干时迅速涂中间调子土黄色，使之与淡黄色相接自然晕合；趁其未干再涂褐色与土黄色相接，晕合后未干时再涂灰绿色于反光处，或者再涂衬布色于反光部分作为环境色的影响。这样，此梨的画面便基本完成了。
5．整理画面尤为重要。局部画法往往容易使画面出现“碎”的现象及层次上产生误差感。所以应要求学生充分重视整理，学会调整画面。前景物体当实，可以用线条来提形（在物体的关键部位狠提轮廓线）；后边物体当虚，尽量在形体和色彩上减弱，以获得层次分明的效果。画面单调的，可适当增加环境色，以增强色彩的丰富感；画面色彩花而乱的，需要在基调的范围内整理，使画面更加和谐。
水彩有着丰富的表现力和创造力，在高校美术教育专业教学中，水彩画教学是对色彩基础教学的进一步提高与深入。随着水彩应用范围的不断拓宽，传统造型写生方法下的水彩画教学已经不能满足时代的需要。从教学过程以及教学观念上进行创新尝试，而不仅囿于传统水彩技法的沿袭，这是高校美术教育专业创意性水彩画教学的新途径与方法。
一、在基础色彩训练中培养创意观念
在入校之前，学生们就有了色彩初级理论基础。科学而严谨的研究光色，进行光的分析，感受空间带来的冷暖对比，寻找形体结构与色彩的关系，追求画面色彩的整体统一等等，这些成为评价学生进行色彩练习质量高低的标准。学生们依靠艺考培训以来的作画惯性画下来，进入到专业美术训练中，也仅仅是把作品尺幅增大，将表现对象复杂化，色调要求更整体而已，却忽略了在学习阶段应亟待建立的色彩创作观念以及表现方法。色彩理论不仅包括色彩基础知识，也应包括色彩的创作规律及好的色彩创意，即专业的色彩理论教学应将学生从写实色彩转到观念色彩上来，并贯穿于学生色彩学习的始终，一直延续到毕业创作的进行。创意观念建立重要在于传统写生模式的转变。在过去的教学中，教师常常强调写生必须准确观察记录色彩、研究形体结构变化、营造立体空间气氛及提高画面意境美等视觉形式，追求画面与实体色彩高度统一，这样标准模式出来的学生因逐渐失去想象的经验而导致想象能力与创意的匮乏。在观念色彩中实体色仅仅是参照和感受的对象，教学应给予学生充分的空间想象，如感觉上强化对比，可以鼓励学生拉大暗部色与固有色的对比关系，以增强不调和感；或者围绕学生所臆想的情境而有意弱化对比，大胆用灰色，减弱甚至抛弃实体的固有色；抑或强调瞬间的感知而跳跃性排列纯色或不调和色，采用点彩法或色彩构成等等。在观念色彩创意性练习中，固有的模式被打破了，但这不意味着丢掉色彩造型的基本理论和能力，而是教师在基本技能训练过程中阶段性地安排观念色彩课程，让学生逐渐锻炼思考和创意的能力，培养他们的'色彩创意观念。
二、水彩基础技法的创意性学习
具备一定的色彩基本技能后，学生选择性进入到水彩画技法的学习，并开始利用西画语言独立表达艺术观念。水彩画的技法表现多种多样，如水彩画干湿画法所形成的喷洒法（撒盐、洒水、撒色）、拓印法、吸色法、刮画法等等。这些本易于激发学生的创造力和想象力的课程，却常常因为枯燥的讲授和单调的训练而失去了其应有的活力。教学中创作作品与技法练习割裂开来，甚至在毕业创作时，学生们常有因大画难以控制而不敢在画面上进行技法表现的畏惧心理。在技法学习阶段就培养创意观念是非常必要的。学生对水彩技法的探索与教师对水彩基本技能的传授是并行的两条主线，只有经历对水彩技法进行反复琢磨、不断研究、倾注精力和感情的学习过程，才能形成好的技法创意，才能够产生创作的设想，并在实践中不断修正设想，提出问题和解决问题，最终产生成熟的创作作品来。对水彩基础技法的创意性学习主要包括材料的创意、水色的创意和光色的创意。
1.对水彩材料的创意性学习
水彩画对于材料的要求非常特殊，比如水彩纸的厚度、承水性能以及着色程度高低，水彩笔的吸水性与弹性、深入笔触的能力，水彩颜料在干湿状态的变化大小、色彩的鲜明度与颜料溶于水后的颗粒沉淀多少等等，这些都是决定水彩画作品好坏的重要因素。在水彩画教学中，应该重视材料的探索与尝试，发挥水彩语言的优势，在追求效果的过程中熟悉一切可能的材料，比如比较水彩纸表面肌理变化带来的画面效果，或者尝试玻璃卡纸、油画布、夹板等多种不同于画纸的材料，体会在不同画面环境下底板的粗与细、光与滑、吸水多与少等情况产生的水分与笔触变化。
2.对水色变化的创意性学习
水彩画中水色的变化是其体现的特殊效果之一，运用水之无形产生色的渲染与层次，在透明的水中追求一气呵成畅快淋漓的效果，这都需要娴熟的水色技艺。掌握水与色的变化，即是深入研究水彩画的基本技法，形成水彩语言独立艺术个性的重要渠道。创意性的水色学习，应该先研究自然物象中色彩的虚实、远近、空间关系，将水中潮湿、变化、透明的效果融入到气氛的感受当中去，比如说研究雨景带来的趣味：小雨的朦胧、中雨的清净与大雨的弥漫……；或是观察水面的浮波、水中的倒影；或是分析柔软的边界、天际的云霞。在有了自然真实的感受之后，将这种感受转化为水彩意境，并反复训练技法语言以追求画面意境的实现，这才能形成具有个性语言的水彩画创作来。
3.对光色变化的创意性学习
水彩作为西画的一种，在教学中注重对光的分析与研究是非常重要的。如在不同光源作用下产生的不同色彩倾向、不同时间中景物色彩的相应变化、婆娑树影下形成的大小光斑、透光大小影响到的画面氛围等等。在水彩画教学中，应鼓励学生在真实记录光色变化的同时，扑捉寻找最能打动内心的光色瞬间，并利用技法语言尝试绘画表现，如光影中对光斑虚实、大小、疏密的安排，对色彩以及色调的把握，对干湿技法的控制等等。在完成技法训练后增加创意练习，如改变实景色调、抽象或夸大色彩关系、添加光色趣味等等。这些创意性学习能够增强学生对水彩中光色的理解力，提高他们的造型能力和对水彩技法语言的驾驭能力。
三、写生的创意性
面对水彩画的多种技法，传统水彩课程的开设相似于色彩基础粉画课程的训练，从静物写生、人物写生到风景写生，教学的大部分时间都在写生中度过了。虽然写生在水彩画学习中的重要性不可替代，无论从光的科学分析还是对于色的研究感受，写生都是认知自然和技法训练的直接途径。然而过于依赖写生或者机械的照搬自然，其结果只能导致水彩作品失去生命力和创造力。在写生中应培养学生的创意思维，每个学生对画面的处理与感受都有差别，重点表现也不尽相同，如画质感、画光线、画体块，或者画抽象、画水色等等，这些对形象的处理变化、构图的裁剪取舍、色调的设计与意境的传达，都是学生们独特的创意所在，写生的过程其实是实现创意并提高水彩表现能力的过程，水彩画写生教学应尊重这种差异和感受，鼓励学生画出创意性的写生作品。而并非像在传统的水彩写生教学中出现的那样，教师摆放静物或者模特，提出课程目标组织课堂讨论，学生在这一过程中仅仅是被动思考者和传达者。学生画教师的兴趣，追求教师的感受，甚至有的连表现形式和方法都雷同，教师教学仅致力独立的艺术研究，而使学生成为教师追求艺术道路上的翻版。在另一方面，美术教育专业的水彩写生课程开设，直接影响着未来美术教育中学生色彩意象思维的培养。美术教育专业的水彩教学应立足于大中专院校以及基础中高级美术教育课程的特点展开，注重色彩教学中色彩以及造型的创意，而不拘泥与描绘对象的外形及真实颜色，这为基础美术教学的创意性培养建立了良好的前提。
四、教学方式和内容的创意性选择
随着现代社会信息量的迅猛增长，水彩画教学方式也发展变化着。除了手绘示范以外，搜索网络图片和名家视频、制作PPT课件，或者查找水彩画印刷品、作品拍照、摄影等等各种先进的手段都可以辅助教学，学生们也可以更加直观的在博物馆展览馆中鉴赏原作，甚至能够轻松查阅到国外水彩名家的作品。高校美术教育专业的水彩课程在方式方法上应突出师范教学的特点，注重水彩在师范教学中的应用性研究，在学时和内容中对水彩课程的安排不与美院水彩专业教学相雷同，这在具体教学中体现为水彩画写生和创作课程开设的同时，也可以为学生们提供一些设计类水彩课程，比如服装设计、室内及环艺设计、工业造型设计等效果图的绘制，或者插图、装帧设计等应用型水彩画法训练等等。这些课程的开设能够丰富学生们的表现语言，拓宽他们的思维和视野，为培养优质的师范教师和适应社会需求的复合型人才奠定基础。
五、中西画法的创意性融合
西画语言体系下的水彩画不追求用笔变化，在水彩表现过程中，即使有精彩的用笔也会随着逐渐深入的画面而被掩盖；除此之外，水彩画中水渍的晕染、色与水冲撞形成的巧妙效果以及画面东方审美下的传神意境等，这些水彩画命题在过去的西画正统教学中曾被忽视。“水彩的用笔和水色变化与中国绘画的笔墨有许多相通之处”1，作为本民族绘画语言的重要传承者，美术教育专业的水彩画教学中应该融入中国画的表现元素，比如借用中国画中的用笔用墨以及用色的变化，在水彩画中结合国画的色墨互撞创造性研究色与水变化；或者在意境以及用笔中追求中国画的神韵，创造疏朗隽逸的画面效果；或者在画面评价中借用中国画的评价标准，注重画面的品格及精神境界的传达等等。在水彩画教学中对中西画法的创意性融合，这并非改变或者削弱了水彩画教学的西画特点，反而，这种东西结合的教学方式会更加彰显水彩画种在西画体系中的表现优势。无论对于艺术传承还是艺术创新来说，只有秉持中国独有的民族绘画语言，才能够破除艺术间的隔阂，增强绘画作品中的民族认同感，并将独有的东方绘画推向世界的艺术之林。
近年来，学前 教育 专业被作为基础教育的基础，它的发展备受重视。下面是我为大家整理的学前教育专业 毕业 论文，供大家参考。
摘要：水彩画教学是五年制学前教育专业美术课教学的重要内容之一，有助于提高学生认识色彩、感受色彩、表现色彩的能力;结合实际，给学生创造“学来容易”之感;选择练习，给学生创造“画来顺手”之感;激发兴趣，给学生创造“学来愉快”之感;增强信心，让学生有“喜获成功”之感;“画无定法”，教学也无固定 方法 ，只要不违反教学原则，教师要结合学生的实际和教学实际情况，灵活运用 教学方法 、教育机智，把美育渗透、能力培养融入每一个教学环节中，让学生在潜移默化中逐渐学到知识、练就技能、提高素质。
关键词：水彩画教学;学前教育;教学方式
水彩画教学是五年制学前教育专业美术课教学的重要内容之一，也是学生学习色彩的主要科目;水彩画工具简便，利于普及，适合作为美术学科的色彩基础课，是一门技法技巧性较强的学科，有助于提高学生认识色彩、感受色彩、表现色彩的能力;然而，近几年受“高中热”的影响，我校生源素质急剧下降，大多数学生对学习重要性认识不足，厌学情绪十分严重。美术在学生心里是可有可无的学科，加之学生在小学和初中阶段没有正规上过水彩画课，导致学生对水彩画缺乏认识，美术基本功很差;还有相当一部分学生认为学习水彩画很难很刻苦，不愿上水彩画课;再加上教师教学方法不妥，不能使学生对学习美术产生兴趣，内容过难，要求过高，不易理解，甚至受到教师过分的指责、批评、挖苦，导致学生对水彩画学习失去信心，逐渐产生逆反心理，使水彩画教学无法进行，甚至搁浅。针对学生这种现状，如何做好水彩画教学呢?经过实践探索，我将自己的教学方法 总结 如下：
一、结合实际，给学生创造“学来容易”之感
从学生实际接受能力出发，科学合理地安排水彩课教学内容。由浅入深，控制难度，调整节奏;先从了解色彩基础知识，掌握水彩颜料的特性入手。通过练习把颜色涂平、加水逐渐变淡、重叠产生混合色，颜料多加水会自然渗化等内容，学生在轻松状态下了解水彩颜料的透明特性和加水渗化的特性，同时初步掌握水彩画的关键是时间和水分的把握;然后练习 素描 淡彩，就是利用铅笔或钢笔在画好素描稿的基础上根据色彩变化规律略施淡彩;最后过渡到水彩画单个物体、多个物体练习，先临摹再写生，先易后难，循序渐进，这样学生不会感到水彩画不好学，那么难，不会画了，学生能在自觉不自觉中独立完成较好的作业，没有想象中那么难，增强了自信心，感觉到学画容易了。
二、选择练习，给学生创造“画来顺手”之感
课堂练习中，设计几套不同难度、不同层次的作业练习，学生根据自身实际接受能力，选择适合自己的习题进行练习，这样画起来就会得心应手，之后再适当增加习题难度，使不同基础、不同层次学生都能感到画起来顺手，都有不同程度的提高。课后练习是课堂教学的延伸，是加强美术基本功训练的重要途径，安排学生利用课余时间，自己选材，参考幼儿读物或 儿童 连环画等材料，进行色彩临摹，经过大量临摹练习，学生收获很大，不但提高了水彩画表现技法，还提高了色彩感受能力和色彩造型能力，为学生将来从事幼儿教学工作和幼儿园环境设计布置打下了扎实的美术基础。
三、激发兴趣，给学生创造“学来愉快”之感
根据教学内容，千方百计地营造和谐的课堂氛围，激发学生对美术的兴趣，培养学生良好的心境，启发学生的 创新思维 ，鼓励学生积极动手实践，把作画当成一种快乐的追求和精神上的享受。如色彩渗化这一节课中，由于不同颜色在纸面上在水的作用下会自然融合在一起，产生绝妙的变化，色彩鲜艳，趣味无穷;教师只演示基本的绘制方法和步骤及绘制要点，通过语言和画面效果，激发学生兴趣，当学生兴趣非常浓厚时并能积极投入到练习中，在练中学生会有成功感，同时遇到一些问题，这时，教师鼓励学生大胆实践，敢于突破，敢于创新，可以尝试用不同方法和手段实验、练习，每个学生都不厌其烦地画了好多张、好多遍，最后选取几张自己满意的并裁好粘贴在画面上，在剪贴中，学生又进行画面形式美术探究，有的剪成圆形、有的剪成花朵形、有的剪成棱形的等，形式多样，千变万化;能体现出学生在作业练习中的愉悦心情。学生的能力在这种愉悦环境下得到锻炼和提高。
四、增强信心，让学生有“喜获成功”之感
学生的学习活动是一个艰苦的过程，即使是基础较好的学生也难免在学习中出现挫折，特别是后进生，总认为自己没有美术方面的天赋，怎么学也不会画，画不好就产生自卑感，所以，教学过程中经常鼓励学生，增强信心，经常以“再画一张试试”、“下一张一定能成功”、“你一定行”、“一定能成功”等鼓励性语言激励学生，使学生产生自信心，从而获得成功的喜悦。在水彩画技法“撒盐法”一课中，崔凯同学美术基础较差，做了两张均没有撒盐的特殊效果，这时他有些灰心，于是我鼓励他“再画一张试试”，结果第三张画果然成功了，并得了95分，他心里非常高兴，获得了成功感;其他同学发现自己的作业不够理想，也纷纷重画，直到满意为止。这样学生有了成功感，对学习美术增加了动力，增强了信心。“画无定法”，教学也无固定方法，只要不违反教学原则，教师要结合学生实际和教学实际情况，灵活运用教学方法、教育机智，把美育渗透、能力培养融入每一个教学环节中，让学生在潜移默化中逐渐学到知识、练就技能、提高素质。为学生将来从事幼儿教育教学工作打下扎实的美术基础，把学生培养成为合格的幼儿教师。
参考文献：
[1]李天祥，赵友萍，著.写生色彩学浅谈[M].天津人民美术出版社.
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摘要：通过“大学语文”课程来提高学前教育专业学生的阅读理解、口语表达、写作等语文的应用能力，能为他们未来从事学前教育奠定良好基础。在培养过程中，需要灵活处理教材、合理开发能凸显学前教育专业特点的教学资源，构建完善的课外延伸教学体系以拓展学生视野，结合教育见习、实习等实践环节加强语文能力训练，改革目前单一的教学评价模式，注重对学生学习过程和语文能力的考核。
关键词：学前教育专业;大学语文;语文应用能力
一、灵活处理教材，合理开发教学资源
教材是大学语文教学活动的重要依据，在很大程度上决定着教师的“教”与学生的“学”，是提高教学质量、培养学生语文应用能力的关键。目前学前教育专业选用的大学 语文教材 主要有两类，一类是根据选文内容的接近来进行归类，“以精美 文章 为实体，力求用选文的典范性来达到提高学生 文化 素质的主要目的”[1];另一类是是按照时代先后顺序或体裁不同来编排，力图通过对文学史的梳理提高学生对文学发生发展及各类文体的认识。这两种编排方式各有优势，但都有过多关注大学语文的审美性、人文性，而忽略其基础性、工具性的缺憾。因此，在实际教学中，我们在充分利用原有教材，提高学生语文素养的同时，需要坚持以人为本的理念，有效利用有限课时，灵活处理教材，淡化学科本位，彰显学前教育专业特色，促进学生掌握与职业相关的语文应用能力。以徐中玉编写的《大学语文》教材为例，在讲解唐诗宋词等韵文体文学时，除了以经典篇目训练学生阅读理解能力外，可以适当介绍诗词的韵律和节奏，适当让学生参照古代诗词用韵规律和节奏来学习创作儿歌等幼儿文学作品;在讲授《垓下之围》这样的历史 散文 时，在让学生在感受司马迁、项羽的人格魅力的同时，可以把重点放在古代叙事文体人物描写重在细节而不在心理等文学规律上，让他们在写作中借鉴;在讲解《谏逐客书》等古代散文的时候，可以告诉学生公文也可以写得如此有美感，让他们在借鉴李斯的表达方式的基础上，用白话文创作一篇公文作品。总之，使用教材的时候，要在不牺牲审美目标的前提下，尽量贴近现实，贴近学生的职业需求。有研究者感慨：“基本上还没有‘适岗’‘适合专业’的学前教育专业专用的大学语文教材。”[2]但教材不是万能的，即使有了学前教育专业大学语文教材，也不可能适应所有学校、教师和学生。因此，在实际教学中，教师还应该最大限度的利用校内外资源，多方面进行课程资源的开发，增添一些有专业特点、贴近学生实际的教学内容。如古代文学可增加古代神话、 传说 ，现代文学部分可增加叶圣陶、郑渊洁等作家的经典作品，外国文学可增加安徒生、拉格洛夫等作家的经典作品。同时，在开发课程资源时，也应充分考虑当地文化资源，以作者所在的四川地区为例，可以将学生们从小就耳濡目染的三国文化以及李白、杜甫、扬雄、苏轼、郭沫若等文学名家留下的遗迹、传说等作为课程资源，引入课堂，既能让学生感受地方深厚的文化底蕴，也能通过布置实地调查 报告 、小论文等作业的方式，训练学生语文应用能力。
二、开展语文大课堂，拓展学生视野
“读书破万卷，下笔如有神”，只有厚积才能薄发，语文应用能力的培养不是一朝一夕能完成的，也不是仅仅依靠几十个学时就能取得明显成效。因此，大学语文的教学不应仅局限于课程本身，而应从既提高学生文化素养也提升学生语文应用能力的角度出发，开展语文大课堂，构建一个融文学、交际口语及实用文写作于一体的较完善的课外延伸教学体系，以便拓展学生视野，让学生能根据自身需要自由选择，使大学语文走向更为广阔的大课堂。可考虑从以下几方面入手：一是在学校网站上开辟“大学语文教研网”，设置“教研新闻”“网络课程”“优秀影视作品”“学生自作”“经典篇目研读论坛”“人文讲坛”“视频资料”等栏目并及时更新相关内容，使之成为介绍学前教育专业大学语文教学研究成果、组织学生进行课外学习的重要阵地。二是从学生实际出发，有针对性的开设公共选修课程，以弥补大学语文课时少、针对性不足等缺陷。如为满足部分学生提高阅读、欣赏水平的需要，开设“名作欣赏”“儿童影视赏”;为提高学生的写作能力和写作水平，开设“实用写作”“儿童文学写作”;为提高学生口头表达能力、应对社会和自我推销的能力，开设“ 演讲与口才 ”“实用口才”等。三是开展“人文讲坛”活动，不定期组织学生观看名家文学讲座视频，邀请校内外专家组织文学专题讲座，用贴近现实、观点新颖的讲座调动学生学习的积极性和主动性，营造良好的学习氛围，推动学校校园文化建设。四是将语文大课堂与学校艺术节、读书月及学生文学社团活动等相结合，为学生拟定阅读篇目，加强对学生写作、演讲、 辩论 、墙报、朗诵、讲 故事 等活动的组织和指导，办好校报文学栏目，指导学生办文学社团刊物，推荐优秀学生在公开出版的刊物上发表习作。总之，通过丰富多彩的语文活动，不断拓展学生视野，训练学生语文应用能力，巩固课堂教学成果，在最大限度发挥学生个性和特长的同时，把大学 语文知识 转化为学生的语文能力。
三、结合实践环节，加强能力训练
实践教学是学前教育专业教学体系中的重要组成部分，是培养学生的实践和创新能力的重要环节。近年来，人们逐渐意识到实践教学不仅是理论教学的补充，而是与之“相互作用、相互促进的双轨课程体系”[3]，学前教育专业实践教育体系包括职业技能实训、幼儿园教育见习、幼儿园专项教育实习、幼儿园顶岗实习等四个由浅入深、由低到高的层次和环节[4]。在这四个环节中，教师口语、歌曲弹唱、讲幼儿故事、教案写作、说课、幼儿园语言教学等内容都与语文应用能力息息相关，这就需要学生围绕“听、说、读、写”四个方面，不断加强语文应用能力的训练。例如：在听的训练中,除了基本的听辨能力之外，还要让学生掌握针对不同群体(如幼儿园同事、家长、幼儿)时的聆听技巧和相关礼仪。在说的训练中，除 自我介绍 、讲幼儿故事等常规训练外，还要把学生放在模拟或真实的幼儿教育活动情境中，通过应聘 面试 、与家长或幼儿沟通、说课等形式，深刻理解不同的说的方式以及声音的轻重缓急等不同的表达效果。在读的训练中，除了要多读儿歌、幼儿诗、童话、科学文艺等幼儿文学作品，加强自身阅读理解能力外，还要学会通过具体作品挖掘幼儿文学独具的稚拙美、纯真美和荒诞美，学会恰当使用朗读、讲解、表演等方式指导幼儿进行文学阅读。在写的训练中，除了要学会说课稿、教学计划、见习 实习总结 、听课笔记、教案的写作之外，还要全面掌握幼儿文学作为“人之初”文学的基本特点，学会各类幼儿文学体裁的创作和改编。当然，在加强学生训练的同时，也要求大学语文教师要学习一些学前教育专业知识，充分掌握幼儿语文教学的特点和规律，有针对性的加强对学生的指导。如对学生在实践中遇到的幼儿文学作品、歌曲，要指导他们正确理解意境，分析音韵、节奏等方面的特点;在教师口语方面，要指导他们通过正确的训练方法，形成富含人文情感、富有幼儿情趣、能彰显师表风范的优雅的职业口语;在学生见习过程中，可指导他们如何听幼儿语言教学课，如何作听课笔记;在教育实习中，要加强对教案写作、说课、上课的指导。可以说，语文应用能力贯穿在整个实践环节中，是学生能否顺利完成实践教学的重要保障，因此，结合实践教学，加强语文应用能力的训练，不仅可以让学生在实践中提高语文运用的能力，也能有效提高学生职业素养，为将来更好从事幼儿教育事业打下良好基础。
四、更新评价模式，注重过程和能力考核
无论什么学科的教学，都需要一套相应的评价机制。目前，学前教育专业语文教学主要采用试题考试的方式，试卷内容主要由需要学生死记硬背的语文基础知识或再加上某一方面的写作题目组成，评价方式单一、可信度低，对学生平时的创造性表现以及语文应用能力难以有效评价。梅健对重庆21所高校的调查表明：“考试分数与学生的实际情况相差较大。一般情况下，为了方便学生就业，只要选修了大学语文课程，教师最终会给学生一个体面的分数，而这个简单的分数并未能真实反映出大学生掌握和运用母语能力的实际状况。”[5]同时，这种评价模式也难以有效的促进师生和大学语文学科的发展。因此，有必要建立一套全新的评价模式，从不同角度评价学生在学习中获得的知识、能力和情感。一是化整为零，采用多次测试的方式代替目前单一的试题考试方式，例如可以采取月考的方式，每月对所学某一方面的语文知识和能力进行考核，降低期末考试成绩的权重，这样既可以反映出学生的综合能力水平，又可以促使学生的学习。二是把考试重点由基础知识变为与学生专业相关的语文应用能力，把学生口头表达能力、教师职业口语能力、幼儿文学解读能力、幼儿文学作品创编能力等纳入评价范围，并分次考查。三是教师评价、 学生 自我评价 与学生间评价相结合，在每一个评价环节科学制定三种评价的比重，关注学生个体差异，关注学习过程中学生内在思维过程和能力的养成，弥补单一教师评价的片面性和主观性。
参考文献：
[1]徐中玉，齐森华.大学语文[M].上海：华东师范大学出版社，2001：1.
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[3]王建华，唐敏.高师学前教育专业实践教学体系的构建与实施[J].幼儿教育(教育科学)，2010(5)：29-32.
[4]蒋荣辉.学前专业“一体两面四层次”教学模式的实践[J].职业教育研究，2013(11)：164-166.
[5]梅健.大学语文课程现状调查与问题分析[J].重庆师范大学学报(哲学社会科学版)，2007(3)：124-128.
摘 要： 儿童早期潜力发展是一个稍纵即逝的时期，需要好好把握，孩子的发展是一维的、不可逆的，因此，学前儿童的家庭教育是一种育人艺术，家长要更新教育观念，在教育孩子的问题上学会思考、学会判断、学会选择。只有这样，家长才能把握好学前教育方向，走出学前教育的误区，陪伴孩子度过快乐的童年，为孩子后继学习和终身发展奠定良好基础。
关键词： 学前教育 家庭教育 早期潜力教育
“教育要从娃娃抓起”。这是改革开放总设计师邓小平同志在谈到教育问题时说过的一句话。幼儿阶段是人生的起始阶段，在这一时期内养成的行为习惯、道德品质和文明行为都将对幼儿日后健康成长和身心发育产生深远而重大的影响，因此良好的幼儿学前教育将直接影响幼儿一生的品格与行为。
家庭教育是幼儿的第一课程，每个儿童从出生到进入社会，约有百分之六十的时间是在家庭度过的，家庭教育在儿童早期发展中影响极大，因为家庭教育对儿童思想品质、文化素质和身体素质等方面的发展具有社会其他群体不具备的优势，如果家庭教育的优势发挥得很好，对幼儿早期成长发展是十分有利的，由于幼儿在家里受到父母良好的第一教育，则他们幼小、纯洁的心灵中就会形成一种良好的习性。那么，如何才能使我们的孩子健康、愉快地成长呢?我认为可以从以下六方面入手。
一、树立“德智并举”的学前儿童教育理念
家庭教育的重要内容是结合日常生活教育幼儿养成良好的生活习惯、卫生习惯及各种行为习惯，在日常养成教育中教给幼儿对待人生的基本准则，培养幼儿对人生的良好心态和积极态度，这些最为重要，家长对儿童的学前教育必须与儿童独特的 学习方法 相适应，让儿童在生活中接受教育，在探索中发现、在发现中学习、在活动中成长。只有把孩子教育成一个懂礼貌、讲文明、尊敬长辈、有爱同辈的好孩子，将来才能成为一个比较完美的人。
二、坚持理智施爱、严而有格的学前儿童教育方法
学前儿童家长教育孩子时除关心和热爱孩子外，需要理智地严格要求孩子。只有把二者结合起来，才能更好地促进孩子健康发展。首先，家长在教育实践中要做到理性施爱。家长通过无私的爱感化孩子，针对孩子的身心发展水平与特点对其进行教育，既不拔苗助长，又不放任自流，既不一味溺爱，又不过分限制、压迫孩子，而是一种受理性支配的爱。其次，家长要做到要求适度。没有要求，就没有教育，但严格要求不等于过度苛刻、不合理的要求，而是从教育目标出发，符合学前儿童年龄特点和身心发展水平。再次，家长要做到严爱结合。严要出于爱，严要合理，爱要适当。
三、培养学前儿童独立生活能力和劳动习惯
劳动教育为大多数家长所忽视，幼儿不仅参加劳动的机会少、劳动技能差、自理能力不足，而且劳动观念淡漠，表现为不爱护公共财物、浪费粮食、怕吃苦、不能勇敢面对困难等。应从小培养幼儿独立生活能力和劳动习惯，在教给孩子 安全知识 的情况下，先让幼儿做自己的事，然后教育孩子帮助父母做些力所能及的事。只有这样，才能培养幼儿的意志力和优良的劳动品德，从小教育幼儿形成自尊、自重、自强的性格。这样幼儿成人后才能正确对待挫折，适应能力强。
四、创设情境提供机会，利用一些困难情境训练学前儿童。
幼儿的活动范围有限，许多挫折是现实生活中不常遇到的。家长利用自然情景进行挫折教育时，还要注意有意识地创设一些情景和机会，让幼儿得到各方面锻炼。为了提高幼儿的挫折承受能力，家长可设置难度不等的情境，让幼儿逐步经受磨炼，有目的地培养幼儿的耐挫力。如远足、劳动、竞赛、批评、延迟满足等活动和手段，可以锻炼幼儿的意志，增强他们对恶劣环境的适应能力及对待失败、打击的能力。
游戏是幼儿最基本的、最喜欢的活动，游戏活动中容易让幼儿接受和掌握战胜挫折的方法。游戏时可设置一些人为障碍，让幼儿自己解决……如让幼儿到暗房子里取东西;和小朋友闹矛盾怎么办;户外游戏时引导幼儿走“独木桥”，爬障碍物;角色游戏中安排幼儿分别扮演人际关系冲突中排斥和被排斥的角色，让他们体会不同的心理感受，引导他们分析产生冲突的原因并寻找解决问题的途径和方法等。
五、为学前儿童创造与同伴交往的机会
与同伴交往可使幼儿发现与自己不同的观点，从而更好地认识他人和自己，克服自我中心。在同伴群体中，幼儿往往会经历一些挫折，如观点不一致，屈从于被领导的地位等，这样他必然要在不断磨炼中学会如何友好相处、如何合作，从而更好地在同伴中保持自己的地位，而这种磨炼有助于提高幼儿的耐挫力。另外，同伴之间的相互交流和指导能帮助幼儿更好地克服困难、解决问题。
六、家长在学前教育中起着重要作用，家长要提高自身素质，做好表率
二十一世纪是知识经济飞速发展的时代，是大量需求高尖端人才的时代，为此我们必须加强教育，尤其加强幼儿教育，因为它是人生中的启蒙教育。那么幼儿教育中最初的教育是在学校还是家庭?最先的教育者是老师还是父母?一些专家认为幼儿最基本的教育是在家庭，显而易见，最先的教育者应该是家长而非老师。家长是家庭教育的实施者，家长参与子女教育是一种权力，也是一种责任。现代幼儿教育不仅包括幼儿园教育，还包括家庭教育，家长在幼儿教育中所起的重要作用越来越为人们共识。父母要做好幼儿的表率，以自己的模范言行影响幼儿，幼儿对大人的一举一动、一言一行都想学，父母的语言、行为、待人接物的方式等都会对幼儿起到很大的作用。
儿童的早期潜力发展是一个稍纵即逝的时期，需要好好把握，孩子的发展是一维的、不可逆的，因此，学前儿童的家庭教育是一种育人艺术。家长要更新教育观念，在教育孩子的问题上学会思考、学会判断、学会选择。只有这样，家长才能把握好学前教育的方向，走出学前教育的误区，陪伴孩子度过快乐的童年，从而为孩子后继学习和终身发展奠定良好基础。
参考文献：
[1]王华.走出幼儿家庭教育的误区.
[2]李红.走出学前儿童家庭教育的误区.
[3]龚小河.浅谈幼儿家庭教育存在问题及对策.
[4]李连英.学前儿童家庭教育的偏差及修正策略.
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论谈水彩风景写生作为色彩教学中的水彩风景写生，是一门帮助学生理解和认识基本的构图、造型、色彩、审美等规律的有效方法。它的主要目的是通过对客观景物的观察，在研究绘画基本规律的同时，理解水彩画这一包含丰富技法的画种，有意识地充分发挥它的技法之长与表现特色，树立起自己的审美意识，探寻自己的艺术表现形式（水彩语言）表达出自己的艺术个性。 通过多年的水彩风景写生和教学实践，以下我想从观察、表现、情感三个方面谈谈水彩风景写生。这三个方面是水彩风景写生的重要环节，并相互紧密联系，构成一个完整的整体。观察是水彩风景写生的第一个环节。在这一环节中，首先要解决怎样观察的问题。水彩风景写生作为一门眼睛的艺术，是要把繁杂、百变的自然景看成一幅画。由此，要有从局部看到一个大画面的能力，尽可能地掌握主动性，树立整体的作画意识，并忠实于自然。其次是要善于发现，要在丰富多变的自然物象世界中去发现画面。在观察中，从所关注的自然物象的结构、形态入手，从中寻找点、线、面的构成规律。如：建筑物的空间构成关系，树木枝叶的线面关系，天、地、物的形状构成及色彩构成，从中寻找我们所要求的绘画空间和画面构成，最终在自己的脑海中形成一幅整体的画面景象。这种画面景象是朦胧的、不确定的，具有诱人的美，使画者产生表现的欲望和激情。风景写生中对自然物象的观察要强调对瞬间美的记忆和把握，特别是光影与色彩的变化。这是写生中变化最快、最大的两个因素，从时间上说变化以早上和傍晚最大。因此，对光影与色彩瞬间的定格，也是观察中最难的。它依赖于大脑对瞬间物象的记忆能力，也依赖于画者对空间结构、光影透视、光色原理的掌握程度，依赖于画者表现技术（技法）的熟练程度。 表现是水彩风景写生的第二个环节。要把头脑中的画面景象表现出来，就必须通过一定的表现技法，水彩风景写生作为一门色彩写生离不开色彩与材料学原理，离不开表现技法。写生者首先要对所描绘的自然物象的色彩构成元素进行分解研究。对比分析每一块色彩的特点和不同的作用，找出所要描绘的自然物象的色彩对比、明暗对比、补色对比、饱和度对比、面积对比和基本色调等，确立丰富多变的各种色彩组合秩序。这其中的色彩组合秩序包括：色相、明度、纯度及特定色调的构成，控制各色彩区域变化和统一的秩序。在这一过程中主要要求写生者发挥主观特性的自由，以使画面色彩关系呈现出更高或更美的境界。物质材料是色彩表现的基础，不同的特性的材料工具会产生不同的技法。水彩风景写生所采用的工具材料具有相对的特殊性能，它不同于水粉、油画的工具材料，对画纸、颜料、画笔、水辅助材料与工具的性能要有一个全面的了解与掌握，并能从中找出特点，优势，克服材料工具的局限和弱点，才能把所见充分表现出来。针对不同的感受，选择适当的表现方法和技法，确定表现的基本次序和步骤，这是风景写生中的关键。水彩画作画的程序和步骤是决定作品成败的关键。因此要把水彩画的程序性与风景写生的程序性完美地结合起来，并针对具体的写生自然物象进行适当的调整，力求稳步、准确、快速地使用设想的方法、步骤表现自然物象。在具体的表现技法中，必须注意笔触与形体边缘线的处理，色层之间的相互叠加、笔触的干湿、色彩干湿之间的相互结合与浸润、笔与纸之间所产生的肌理等与表现物象的色彩变化、肌理特征的神似。多采用简单、便捷的表现方法表现自然物象的主要特征和神韵。同时要在表现中强调主观表现与客观再现的相互结合，客观再现为主，主观表现为辅，只是简单的形色关系再现的写生作品难以达到艺术表现的境界。 水彩风景写生从某种意义上讲，也是情感的表达与交流，是水彩风景写生的第三个环节。这里所说的情感指审美情感，是作为一种艺术形式或表现画者对客观世界的感受，抒发自己的情感，这也是水彩风景写生的最终目的。写生过程中情感源于自然物象，蕴集于画者胸中，流注于笔锋，凝结于水彩纸面。因此，水彩风景写生从开始到最后完成实际是一个运笔的过程，而笔触是传达情感的最重要的语言词汇，它构成写生作品的神韵。一幅风景写生作品的完成是画者感情投入和劳动的产物，它要求画者面对大自然作画时有整体意识的同时还要有真情实感，有感而发，使写生成为画者心灵深处诚挚情感的倾吐。康斯泰勃尔的纯真朴实，透纳的雄浑奇异，凡高的跳动狂热，柯罗的恬静温柔，印象派的热情奔放，无不表现出画家对大自然的情感内涵。画者的审美情感决定写生作品最终的艺术情趣与格调。在水彩风景写生中，情感贯穿于观察表现之中，流淌于整个写生过程。 情感来自于观察，亦影响画者的观察，它决定画者的表现，亦受制于画者的表现。
呃~~~哪呢？水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩，由于色彩透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏，水干燥的快，所以水彩画不适宜制作大幅作品，适合制作风景等清新明快的小幅画作。颜色携带方便，也可作为速写，搜集素材用。中国画从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分工笔和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
一般谈技巧咯
水彩画形成于英国，传入我国已有百年历史。水彩画在中学美术课教学中占有非常重要的地位。通常人们只认为水彩画是提高学生造型、色彩及审美能力的重要因素之一，其实在进入现代社会的今天，水彩画技术及其特点还具有许多实用价值。它可以直接应用在工业设计上。例如，建筑（房屋、桥梁效果图设计）、园林（景点、绿地、长廊等效果图设计）、装修、装璜、家具、服装以及工业产品制造设计的效果图等均采用了水彩画技术。另外，水彩画工具简单、价格便宜，使用及携带方便，加之水彩画效果透明、明快、润泽，因而令人喜爱。初中美术课水彩画部分的教学目的之一是使学生掌握水彩画的方法步骤和基本技法。因此在教学中，我首先通过范画、讲解，使学生了解、掌握水彩画的基本方法：干画法第一次涂色干了后再涂第二遍色，这样重叠着色下去即为干画法。此法不流、不混，可以从容作画；缺点是表现力差一些。湿画法头次上色未干就接涂第二遍颜色，反复接涂下去即成。此法画时比较急，需要学生有控制水分、时间的能力，一般要求学生在具有一定的绘画技巧之后运用才行。干湿并用有的地方用干画法，有的地方用湿画法。此法有快有慢，表现力强，中学生易于掌握。在整个水彩画教学过程中，应重点传授干湿并用法，以求收效快、效果好。一、指导学生有效地利用干湿并用法，胸有整体，局部画起。所谓胸有整体，是指学生除了要有必备的素描色彩基础外，还要有对画面的整体构想：色彩基调，远、中、近、大层次关系等。局部画起，是指把画面分成若干部分逐个完成。这种方法可使学生精力集中，绘画范围缩小，水分和时间容易控制，干湿画法并用得当，从而避免顾此失彼的现象。水彩静物写生是室内水彩画基础训练的最好方法之一。在静物写生之前，可先指导学生做几次静物范画临摹，意在使学生熟悉工具，认识各种画法，体会水彩画的特点。写生要注意指导学生按照以下几个步骤进行：１．起笔要细，形体准确，高光、反光、明暗交界线、投影等都应尽量交待清楚，暗部和投影要少量涂点铅笔线条以示位置，上色时心中有数才能涂色不乱。２．画前先在纸上刷一遍水，目的是让纸吃水饱和，必要时可以刷两遍，这样纸不易干燥，干湿画法便于施展。３．先画背景（一般指衬布），优点是不乱、不花，整体效果好。背景争取一气呵成，整个画面的基调便得以确立。４．画物体时要一个一个完成，这时采用湿画法比较得心应手。例如画一只梨，从亮部开始，留出高光后涂淡黄色；未干时迅速涂中间调子土黄色，使之与淡黄色相接自然晕合；趁其未干再涂褐色与土黄色相接，晕合后未干时再涂灰绿色于反光处，或者再涂衬布色于反光部分作为环境色的影响。这样，此梨的画面便基本完成了。５．整理画面尤为重要。局部画法往往容易使画面出现“碎”的现象及层次上产生误差感。所以应要求学生充分重视整理，学会调整画面。前景物体当实，可以用线条来提形（在物体的关键部位狠提轮廓线）；后边物体当虚，尽量在形体和色彩上减弱，以获得层次分明的效果。画面单调的，可适当增加环境色，以增强色彩的丰富感；画面色彩花而乱的，需要在基调的范围内整理，使画面更加和谐。水彩风景写生是色彩写生的重要课题，可以培养学生热爱祖国、热爱大自然的情操，同时也是进一步掌握水彩画技法的极好机会。这部分教学中，构图、起稿、刷水同静物画法一样，但风景画作画顺序的特殊性是由上往下、从远至近、从左向右进行。在写生之前也应指导学生先临摹几张范画，这有助于学生领悟概括自然的三个层次（远、中、近），并能熟悉自然界中各种物体的画法。写生时应在以下几个方面加以着重指导：１．写生开始要先画天空，力争一气呵成，这样整体基调和气氛便已确定，其它景物的色彩应向基调靠近，以促成色彩协调之美。２．待天空色未干时迅速画出远山或远树，使之与天际相接的部分自然晕合。这样既可使远处朦胧、深沉，又符合近实远虚的规律。３．从左到右，每画一个物体前再刷一次水，以防户外气候干燥、湿画法难以进行。例如，水中倒影里的房屋、树木都要趁湿把各种颜色接涂，自然晕合渗化，使倒影里面的形朦朦胧胧。等到全部干了的时候，用干画法轻轻画上几道水的波纹，此时倒影就显得真实生动了。至于岸上的房屋、建筑等宜用干画法描绘，使之坚实、挺拔，并和水中倒影形成鲜明对比。４．主体部分应重点刻画，以使画面具有凝聚力，从构图的位置、色彩明快的程度、形体刻画的入微等方面增强其感染力。在让学生知道自然界分成远、中、近三个层次之外，还应让他们懂得艺术有主次之分。即学生在掌握水彩画技法的同时还要学会艺术处理画面的空间。５．风景画的整理仍是重要的一环。局部画法有利于水分的发挥，湿画法得以充分的利用，但副作用是易“碎”，使整体画面受到影响，故需要从层次和色彩关系上调整一下，画面就基本完成了。二、教学中注意指导学生操作的几个重要环节１．学生欣赏范画，教师要逐张讲解其画法及色彩的运用，使学生了解水彩画的样式、特点，并告诉学生为了保持水彩画的透明、明快，调色时不宜过多，涂色时尽量一次完成，最多也不能超过三次，否则画面就会脏乱。临摹时首先要让学生熟悉工具的使用，以及调色和控制笔中水分的方法。２．带领学生到室外写生时，教师可以先示范一部分景物，边画边讲：应该怎样画，容易出现哪些问题，该如何解决……这样可以使学生产生直观的感受，同时也明确了写生的步骤，掌握各种景物的表现技法。３．给学生改画是教学过程中的一个重要环节。当学生某一部分不会画或画得不成功时，教师廖廖几笔，即令学生茅塞顿开，帮助很大。一个班级那么多学生，教师重点应给哪些人改画呢？我认为改两头带中间为宜，画得较好的学生的画只要“点”上几笔便会大增其色，给大家提供了样板，给中间水平的学生增强了自信心。另一方面帮助画得较差的学生改上一两个物体，如一个苹果一个梨，然后鼓励他们按此方法大胆画其他物体，不怕画坏坚持画完，长此下去必能有所进步。４．将绘水彩画的一般规律编成浅白易懂的口诀，有助于学生尽快掌握和记忆水彩画技法。如画蓝天白云：“水彩水彩一遍水，涂蓝留白免后悔，画上暗部为白云，这样画天才最美。”画近树：“近树先画干，树冠几大片，干湿画远处，深浅画明暗。”画草地：“草地一片绿，冷暖要注意，天地不接实，近处盖几笔。”画小房：“水彩画小房，先涂一遍黄，深色分大面，影子不能忘。
1、论文题目：要求准确、简练、醒目、新颖。2、目录：目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）3、提要：是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。字数少可几十字，多不超过三百字为宜。4、关键词或主题词：关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。5、论文正文：（1）引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义, 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、 论证过程和结论。主体部分包括以下内容：a.提出-论点；b.分析问题-论据和论证；c.解决问题-论证与步骤；d.结论。6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。中文：标题--作者--出版物信息（版地、版者、版期）：作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是：（1）所列参考文献应是正式出版物，以便读者考证。（2）所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。
我觉得你写版画吧 因为我觉得现在的版画是新兴的专业 在大家的眼中不是很看好 但是我个人或者现在的前景来看 是最有发展的 其他的在发展也是那个高度 版画的范围很大 它包括很多范围 现在我就是学习版画的 我现在学的还不是很多 但是我可以给你我的想法 比如说在木板上用石灰粉半厘米的一层 然后刻出你想要的图案 或者用树叶在宣纸上印出各种别人看出来的你所感觉的艺术感 这些方面我觉得很多 虽然过程很让人烦躁但是当有人看到你的成果那种眼神你的会感觉 有成就感 总的来说就是这版画用途和各种方式的作图方法 说了这么多不知道对你有没有帮助
绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文
"Watercolor painting of heavy flu - On my graduation creation
毕业论文答辩陈述汇报
尊敬的各位老师，上午好! 我叫×××，是××级水彩班的学生，我的论文题目是《浅谈水彩画中水的功能和趣味》，论文是在指导老师党老师的悉心指点下完成的，在这里我向党老师表示深深的谢意，向各位老师不辞辛苦参加我的论文答辩表示衷心的感谢。下面我将本论文的写作目的、现实意义以及主要内容向各位老师作一汇报，恳请各位老师批评指导。
首先，我想谈谈这篇论文的写作目的及现实意义。
我们知道水彩画源于16世纪的英国，18——20世纪才在西欧各国发展起来。我们在研究西方水彩画时不难发现，西方的水彩画强调色彩、光影、质感，在技法上继承了油画技法，采用写实的手法来表现事物。而现当代的水彩画艺术，特别是中国的水彩画艺术，则已经摆脱了西方绘画思想的禁锢，运用大量的水，强调画面的水韵和抒情风格。水分的运用成为水彩画的核心，或者水是灵魂。我们通常说，有水无彩不叫水彩，有彩无水也不叫水彩，在这里，我更强调前者，认为水是水彩画的首要构成要素。当代国内的水彩画家黄铁山、张洪英等前辈就强调水是决定水彩画成败的关键。但是还有许多学者没有意识到这一观点的重要性，没有进行系统的、深入的研究。所以我才对这一课题进行剖析，摆正其水在水彩画中的地位。这将对当代水彩画的发展，尤其是对中国的水彩画发展方向起到了指引作用。
其次，我想谈谈这篇论文的结构和主要内容。
这篇论文是采用总分总和总分的写作思路进行的。论文由两部分构成。第一部分是水在水彩画中的地位和作用，这一部分的论文的核心部分。我们知道水彩画是用水来调和颜色作画的，这就意味着水对颜色具有稀释、调和、媒介作用，不仅如此，水彩画的各种技法、肌理效果，都依赖于水的作用。因此，可以说，水是水彩画的命脉，或灵魂，贯穿于水彩画的各个方面。在文章通过三个论据来对这中心论点进行论证，进一步说明水是水彩画的命脉或核心。一是水彩画中水的`特质;二是肌理效果中的水色渗化;三是水彩画技法的用水之道。
第二部分是中国水彩画中尚水的独特趣味，尚水就是喜欢用水，善于用水。这一部分是对第一部分的肯定与延伸。这一部分剖析了中国水彩画中尚水的根源。其根源有三：一是中国传统文化对水彩水味的影响;二是中国传统绘画艺术对水彩水味的影响;三是中国地域环境对水彩水味的影响。而对论文的最后总结我认为水，是水彩画的命脉，水分的正确使用，直接影响水彩画技法的正常发挥。但是，又不能死守水彩画特性的教条，需要结合本民族各种文化的精髓和民族特色，才能创造出具有中国特殊水色语言的水彩艺术精品。
最后，我想谈谈这篇论文和系统存在的不足。
这篇论文的写作过程，也是我越来越认识到自己知识与经验缺乏的过程。虽然，我尽可能地收集材料，竭尽所能运用自己所学的知识进行论文写作。但由于识识能力的不足，在理解上有诸多偏颇和浅薄的地方，有些观点是幼稚的;也由于理论功底的薄弱，存有不少逻辑不畅和辞不达意的问题;请各位评委老师多批评指正，让我在今后的学习中学到更多。
我的论文陈述完毕，请各位老师提问和指点。
1、论文题目：要求准确、简练、醒目、新颖。2、目录：目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）3、提要：是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。字数少可几十字，多不超过三百字为宜。4、关键词或主题词：关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。5、论文正文：（1）引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义, 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、 论证过程和结论。主体部分包括以下内容：a.提出-论点；b.分析问题-论据和论证；c.解决问题-论证与步骤；d.结论。6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。中文：标题--作者--出版物信息（版地、版者、版期）：作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是：（1）所列参考文献应是正式出版物，以便读者考证。（2）所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。