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一个青年艺术家的画像研究论文

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一个青年艺术家的画像研究论文

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法国思想家德里达曾说:“没有乔伊斯,就没有解构。”可见,乔伊斯的文学著作为解构主义理论的提出创造了灵感。拿自传体《一个青年艺术家的画像》为例,每一次阅读都会产生出新的意义,即对斯蒂芬认识的变化,从鄙视、憎恨、同情到慑服,这一系列的变化让文本的意义不可穷竭,成为一“开放的文本”。

【作品提要】

斯蒂芬·迪达洛斯在寄宿制的教会学校读小学,曾受到老师不公正的惩罚,课后他鼓起勇气向校长申诉,得到了同学们的拥戴。后来斯蒂芬一家搬到都柏林,他因为对拜伦的赞美而遭到同学的殴打。他还暗恋上了一个女孩子,在青春期的性躁动下,他与一位 *** 发生了关系。学校静休节时,神父们对人的堕落和地狱惩罚的生动描绘使斯蒂芬深受震撼,直到在城里到教堂忏悔后心情才平静下来。斯蒂芬为了赎罪对自己的严格约束使学校考虑让他成为一名神父,但海边一位少女的身影使他明白了自己从事创作的决心。在大学里,斯蒂芬建立起了自己的美学思想,并认识到自己与周围世界的格格不入。最后,他决心离开都柏林,在心灵中锻造出爱尔兰民族的良心。

【作品选录】

——斯蒂芬诺斯·迪达洛斯!布斯·斯蒂芬鲁曼诺斯!布斯·斯蒂芬鲁曼诺斯!

他们的这种调侃他并非第一次遇到,但是,现在它却正投了他以为人上人的轻淡的优越感之好。和从前一样,现在他这个古怪的名字在他听来似乎成了一个预言。眼前的暗淡,和煦的空气似乎是那样的毫无时间界线,他自己的情绪仿佛是那样行踪不定而且已非个人拥有,因此他感到自己已和所有的时代融在一起了。刚才,丹麦人的古王国的鬼灵曾通过被那烟雾笼罩的城市在他眼前露出头来。现在有人提到这位神话中的发明家的名字,他似乎听到了远处的海涛声,并看到一个什么物体正张开双翅在海浪上缓缓向上空扶摇而去。这一切到底意味着什么?难道是某种奇异的发明,翻开了一本什么充满寓言和象征的中世纪书籍的一页,因而让他看到了一个像鹰的人在海上向太阳飞去,借以向他预言他为何而生,以及在他模糊的孩提时代和少年时代便一直努力追求的终极目标,并借以象征那位艺术家在他自己的工作室里用这个地球上毫无生气的东西正在创造的一个崭新的、向上飞去的、捉摸不定的、永远存在的生命形象吗?

他的心开始震颤了;他的呼吸越来越急促,他觉得他的四肢似乎被一种狂乱的精神占据了,仿佛他自己正朝太阳飞去了。他的心灵由于恐惧的狂欢而震颤,他的灵魂却已出窍了。他的灵魂已超越这个世界在向天空飞翔,而他知道他的肉体已很快得到了清洗,却摆脱不了飘忽不定的状态,和宇宙精神混在一起,放出了光芒。翱翔的喜悦使得他眼放精光,呼吸狂乱,并使得他的被狂风扫过的四肢战栗、狂放、光芒四射了。

——一!二!……快注意!

——啊,他娘的,我要淹死了!

——一!二!三,快跑!

——下一个!下一个!

——一!……啊!

——斯蒂芬内弗罗斯!

他的喉咙因渴望大声呼喊都压抑得发疼了,他要像展翅高飞的雄鹰一样嗥叫,震彻天宇地喊出他随风飘荡的欢欣,这是生命对他的灵魂发出的嗥叫,而不是充满各种责任和绝望的世界发出的野蛮而乏味的喊声,也不是召唤他到祭坛前去成天进行那些无聊活动的非人的声音。短暂狂野的翱翔已使得他获得了彻底的解放,他的嘴唇竭力封住的胜利的呼喊几乎崩裂了他的大脑。

——斯蒂芬内弗罗斯!

那不论是黑夜还是白昼紧随他的恐怖、那一直不离开他的难以捉摸的情况、那从内心到外表都使他觉得难以忍受的羞辱——所有这些现在除了把它们叫作尸衣,死人在坟茔里着的装,还能有其他称呼吗?

他的灵魂已从他孩提时期的坟茔中重新站立起来,扔掉了她身上的尸衣。是的!是的!是的!他将和与他同名的那个伟大的发明家一样,用他的灵魂的自由和力量,自豪地创造出一个崭新的、向上的、美丽的、捉摸不着的、永远存在的生命。

他神经质地从那块岩石上向上爬,因为他已无法扑灭在他血流中烧起的火苗了。他觉得脸颊发烫,歌声填满了他的喉咙。他觉得自己的双脚有一种四处云游的狂热的欲望,像燃烧着的火焰一样迫使他走向天涯海角。向前进!向前进!他的心似乎在呐喊。海上的黄昏很快就会浓厚起来,平原将被夜霭笼罩,在他这云游者的面前将会有新的曙光出现,让他看到许多离奇的田陇、山冈和人的脸庞。可是在哪儿呢?

他面朝北面,向豪思那儿眺望。在拦水堤较浅的那一边海水已退潮了,暴露出遭了海难的船只的残骸,海浪也迅速地退离了前滩。在一片很小的水浪中间,一条椭圆形的沙滩已暖烘烘地露了出来。在浅浅的沙滩上的海浪中,这儿那儿的沙岛发出了闪闪不息的亮光,在那些小岛四面和堤岸的旁边,在海滩边的浅流中到处是半裸的人,有时涉水前进,有时潜入水底。

过了一会儿,他也脱了鞋,把袜子叠起放入口袋,帆面鞋用鞋带拴在一起,搭在肩上,从一些海浪中漂来停留在乱石中的破烂东西中他捡起一根尖头的被盐水浸泡的木棒,然后向拦水堤的坡下走去。

沙滩上有一条很长的小河川,他慢慢地走在河水中,河水里漂动的海草令他颇为惊讶。宝蓝色、黑色、褐色和橄榄色的海草一刻不停地随水荡漾,不停地挽着圈儿。那小河里的水由于海草颜色的折射,颜色显得很深,并把天上流淌的云朵也清晰地摄在了它的表面。云朵静静地在他头顶飘过,那黑角藻也静静地从他的脚边拂过,灰暗而和煦的空气是那样的静谧,一个新的充满野性的生命开始在他的血脉中吟咏了。

他的孩提时期现在哪儿去了?那逃避自己的命运的灵魂现在又到哪儿去了?难道他是独自去承受他的创伤给她带来的羞辱,或者身着她那褪色的尸衣,佩戴着用手一触就会凋零的花环在他自己的粗朴的与世相隔的小天地中独自称王去了?再或者他自己究竟去了何处?

他独自一人呆着。没有任何人关注他,满怀欢欣,更接近充满野性味的生命核心。他孤单、年轻、任性和充满了野性,他孤独地呆在一片荒凉的弥满原野气息的空气和黑色的水潭之中,孤独地呆在数不清的贝壳和海藻之中,在他的周围是薄如蝉翼的灰色的阳光,是若干身穿灰色衣服的半裸男子和姑娘,空气中回荡着男孩和女孩的话语声。

一个小姑娘站在他前面的河水中,孤单而安静地观看着远处的汪洋大海。她似乎受了魔法的驱使,那形象如同一只奇怪而美丽的海鸟。她 *** 的颀长的腿像白鹤的腿一样纤巧而洁净,除了一缕海草在她的腿弯处扮成一个深蓝色的图案之外,再也看不见其他斑点了。她那圆满的、如同象牙色的大腿几乎一直裸到了她的臀部边,那里一圈露出来的 *** 的下口完全像由细柔的绒毛构成的白鹤的羽毛。她的淡蓝色的裙子大胆地撩上来缠在腰肢上,从后面挟住。她的胸脯也像一只海鸟一样温柔和纤巧,纤巧而温柔得像一只长着深色羽衣的鸽子的胸脯。但是她的淡黄色的长发却散发着女人气: 她的脸有小姑娘的神气,但却存在着令人惊讶的人间的美。

她孤单而安静地眺望远处的海面;当她注意到他时,并发现他的眼神无限崇拜她的时候,她对他转过脸来,以十分娴静的神态面对他的凝视,既无羞怯之态,也无淫邪之气。她任凭他长时间地凝望,然后悄然地回过头去,伏首看面前的河流,脚在水里东一下,西一下,轻轻地搅动。被搅动的水发出了很微小的响声,它打破了这儿的沉寂,那响声低微,像耳语一般,微弱得仿佛是在梦幻中听到的银 *** ;东一下,西一下,东一下,西一下;同时一种轻淡的热情点燃的晕红掠过了她的脸庞。

——仁慈的主啊!斯蒂芬的灵魂在一阵无法控制的人世间的欢乐的激动下情不自禁地大叫着。

他突然背着她转身了,开始向海滩那边走去。他脸儿火烫,感到全身都在发烧;他的四肢禁不住震颤起来。向前,向前,向前,他向前迈着大步,足踩海滩向远处行去,狂放地对着大海唱歌,为那一直在召唤他的生活的来临发出了热情的欢呼。

她的形象已永恒地镶入了他的灵魂,没有言语打破他的神圣的狂喜的宁静。她的眼睛已向他发出了召唤,他的灵魂在听到这声召唤时止不住欢喜欲狂。生活下去,错误下去,堕落下去,为胜利而欢呼,在生命中创造生命!在他眼前出现了一位野性的天使,人间的青春和美的使者,她是来自公正的生命的法庭的使者,他要在一阵狂喜中为他打开人世的所有错误和光明的道路。前进,前进,前进,前进!

他忽然停住,仔细凝听来自内心的心声。他已经走了多远?现在是什么时间了?

在他周围已无人烟,也无任何声音自远处的空气中传来。但海潮已将退去,那一天已快近尾声了。他把背朝着大海,转身向沙滩那面奔跑,不管脚下坚硬的石子,一直奔到了倾斜的沙滩上,在那里他看到在一小圈长着草茎的沙堆中有一个平静的沙窝,于是他就在那儿躺下,让黄昏的静谧来慢慢冷冻他沸腾的血液。

在他的上空,他可以感觉到那辽阔的冷漠的苍天和数不清静静运行着的天体;他也感觉到他身体下面的大地,正是大地赐予了他的生命,并将他搂在它的怀中。

他缓缓地闭上眼,慢慢睡去。他的眼皮仿佛因为感觉到大地和她的观望者的偌大的环形运动而颤抖起来,仿佛感觉到一个新世界的离奇的光辉而颤抖起来。他的灵魂在眩晕中进入了另一个新的、离奇的、阴晦的、和下面的大海一样难于猜测的世界,在那儿一些朦胧的形象和生命正往来穿梭。这是一个世界,是一道闪光,还是一朵花?闪烁着又震颤着,震颤并缓缓展开,像一道刚刚撕破黑暗的光明,像一朵正冉冉开放的花朵,它永不停止地自我反复着伸展开去,一片叶子接着一片叶子,一道闪光连着一道闪光,最后呈现出一片红彤彤的颜色,接着又继续伸展,缓慢凋零,变成轻淡的玫瑰色,把它的柔柔的晕红布满整个空间,每一个晕红的颜色都比前一个更艳。

他苏醒时,已是黄昏了。作为床单的细沙和干草已经不发光了。他慢慢从沙上站起来,回味着他刚才在梦境中经历的狂喜,情不自禁地欢乐地叹了一口气。

他登上一个沙堆的顶部,向四处眺望。沉沉暮色已吞咽了大地。一钩新月钩破了暗晦、荒凉的太空,那新月如嵌在灰色沙滩上的一个银环;潮水呢喃低语着迅速推向海滩,使远处浅水边的沙丘形成一个又一个的小岛屿。

(安知译)

注释:

此处指的是伊卡罗斯之父迪达勒斯。希腊神话传说他们父子曾自制蜡翅飞上了天空,后蜡翅被太阳熔化而堕落海中。

【赏析】

《一个青年艺术家的画像》为詹姆斯·乔伊斯小说中的精品。这部作品被普遍地认为是对乔伊斯自身成长经历的写照,具有较强的自传性。在这部作品中,乔伊斯开始采用意识流手法,选取主人公斯蒂芬·迪达洛斯的视角进行内部聚焦,以他的内心感受和心理活动为线索,用自由间接引语的叙述和自由联想的结构方式,勾画了斯蒂芬从出生到大学毕业后离开都柏林的成长经历。而且就像乔伊斯自己一样,斯蒂芬的成长过程中并没有什么传奇性的事件,全书多半是一些琐细的人生片段,仅仅因嫖妓而引起的罪恶感就足以在全书中占据近一章的篇幅。不过,也与乔伊斯的所有作品一样,事实上,斯蒂芬的成长过程中同样存在着冲突、 *** 和转折,只不过这些人生的戏剧性阶段不是呈现为外部的事件,而是发生在人物的内心。乔伊斯自己将这种冲突观称为“顿悟”(epiphany),即因粗俗的语言或动作,或者头脑中某个值得注意的片段而引发的精神上的醒悟。因此,与全书的意识流手法相应,书中一些看似寻常的事件其实对斯蒂芬精神的成熟具有关键作用。

看到海边少女的瞬间就是一个顿悟。在这之前,斯蒂芬就读的中学的忏悔神父让他考虑成为一名神父,并向他描绘了神父所拥有的尘世间最高的荣誉和权力。而且事实上,此时斯蒂芬家已经败落,成为神父因此也意味着他可以过上相对舒适的生活。在此之前,斯蒂芬虽然爱好并擅长写作,但是并没有明确的人生目标,如同他的大多数同学一样走着家庭和社会为他们安排好的道路。而海边少女这个片段则标志着斯蒂芬精神的觉醒,是他人生中最重要的转折之一。他因这一顿悟而拒绝的不仅是神父这个身份,而且也是社会对人的精神的一切束缚和压制,这些束缚和压制来自家庭、学校、同学和社会,也就是斯蒂芬之前的大部分生活。是它们规训着斯蒂芬,让他按照它们的原则做事和生活。海边少女所代表的纯洁的人间之美,让斯蒂芬从过去的纯精神的追求转向对生活本身的关注;而海边少女的飞鸟形象,以及他自己的姓氏所来自的那个希腊工匠,那个造出翅膀飞出迷宫、飞向天空的艺术家形象,都让他最终领悟了社会的束缚,也意识到他的一生应该是对精神自由的追求。因此这个非常普通的瞬间却意味着斯蒂芬自我的觉醒、思想的成熟。

在这个过程中,所有的变化都发生在斯蒂芬的内心,外部世界可以说没有任何事件发生,如果不仔细辨析人物细微的心理变化,就很难理解事件的意义。这是《一个青年艺术家的画像》一书的主要叙述模式,而且由于乔伊斯在此时遵循着艺术家“始终呆在他的作品之内、之后、之外或之上,别人看不到,他超越存在,漠不关心,修着指甲”的客观中立的叙述原则,尽可能地避免对叙述的作品做出解释,因此这本书就对读者的细读能力提出了较高的要求,读者必须能够抓住不起眼的细节来准确把握人物情绪和思想的变化。这使得阅读《一个青年艺术家的画像》与阅读传统情节性较强的小说显出较大的差异。

这一差异既来自该书现代的叙述手法,也来自乔伊斯不同于传统的艺术观。乔伊斯曾明确提出“观念和情节并非像某些人说的那么重要。一切艺术品的目的都是传递情绪;天才正在于有能力传递那一情绪”。 《一个青年艺术家的画像》作为一部自传性小说,与其说记录了斯蒂芬的成长经历,不如说描绘了他的感受和情绪。全书共分五章,第一章一开始,就用印象主义的手法,描写了婴儿对母亲的气味、周围的声音、尿湿的床垫等最初的感官感受。接下来的学校经历,同样充满着礼堂里的气味、走廊里湿漉漉的空气,不过更重要的是在与同学的接触中感受到的对同学的感情,其中不乏戒惧和厌恶。此时的斯蒂芬是刚刚走进世界这座大森林的小孩,迷茫、不知所措。而最后他通过向校长申诉,战胜了不公正的教师,最终获得的是在这座森林中行走的信心。所有这些琐碎的细节,只有从内心感受的成熟的角度来理解,才能找出其中的关联,如果脱离了这一情绪变化的脉络,向校长的申诉就成了一个孤立的插曲。由乔伊斯对情绪的高度重视可以看出,在乔伊斯看来,真正构成人生的是这样一个个弗吉尼亚·伍尔夫所谓的“存在的瞬间”(moments of being)。这或许应该被认为是对人的更深刻的认识。在普通人的生活中,戏剧性的事件微乎其微,但是每个人都在经历着不逊于传统英雄的考验和变化,只不过这些变化发生在情绪、精神的层面。

海边少女这个片段,在写作技巧上也一向被认为代表着乔伊斯精湛的艺术才能。通过撩起来缠在腰肢上的裙子,裙子下面露出的 *** 那如同白鹤绒毛的毛边,以及女孩娴静的回头凝视,以及回过身低下头东一下、西一下地踩水,寥寥几笔,就将女孩的纯洁自然、天真无瑕的美鲜明地传递出来。选取的细节准确、恰到好处,显示出乔伊斯出色的观察和描写才能。斯蒂芬在半梦半醒中对新的世界的向往,也不同于传统的描绘手法,而是直接借助词语的韵律和节奏,通过“-ing”的词尾,通过顶真、押韵、重复、排比等手法,来获得梦境以及新的世界的流动感和神奇感。《一个青年艺术家的画像》的其他片段虽然未必都像节选的片段这样优美,但是都同样既细腻又内敛,既形象鲜明,又富含深意,用词准确优美。

研究者常常把乔伊斯分成两个阶段,一个是创作《一个青年艺术家的画像》时的早期的乔伊斯,一个是创作《尤利西斯》时的后期的乔伊斯。早期的乔伊斯与后期的乔伊斯在艺术上的一大不同,在于他在早期更注重古典的整一、紧凑、和谐,这使《一个青年艺术家的画像》环环紧扣斯蒂芬心理的成长,与《尤利西斯》相比则过于精致,缺少后者宏大的社会视野和丰富性。不过就其主题而言,《一个青年艺术家的画像》对人物自我成长过程中的心理变化把握得非常深刻细腻。

(戴从容)

研究一个画家的论文

我当时是写顾恺之的形神论,虽然不是两宋的,但是范围也不广,材料也很好找的

首先,你的选题就很泛,写学术性论文要避开大众化,而两宋期间的艺术高度繁荣主要体现在院体画,大多数都会写宋人花鸟、院体画的影响以及宋徽宗赵佶等等,这些写的人太多了,没有新鲜感和实用性,网上一搜一大把,雷同的结果——你知道的。 其次,看来你对中国美术史和国画专业没有认真的对待,到现在还没有论文的头绪。像美术类的学术论文一定要参与自身(实践性)的体会才可能有亮点,才可能真实,论文通常是靠平时积累出来的灵感而独创的结晶,现在硬憋,结果可想而知。给你一些比较好写的题目范围吧:花鸟方面:写生赵昌对我的启发(写生这个永远是不过时的) 宋徽宗赵佶的是与非(这个写的人比较多,提出新观点,注意不要雷同) “黄荃富贵,徐熙野逸”的思考(绘画实用性和传播性研究)山水方面:“外师造化,中得心源”范家山(北宋山水的写实性研究) 南宋四大家(李、刘、马、夏选其一或全选)对明代浙派(戴进、吴伟)的影响 王希孟《千里江山图》(青绿山水实用性:小作或长卷巨作的探讨)

塞尚是印象派到立体主义派之间的重要画家。 塞尚由毕沙罗(Camille Pissarro)介绍加入印象派,并参加了第一届印象派画展。有人依他的风格也归于后印象派。 塞尚认为“线是不存在的,明暗也不存在,只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他的作品大都是他自己艺术思想的体现,表现出结实的几何体感,忽略物体的质感及造型的准确性,强调厚重、沉稳的体积感,物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。 塞尚认为:“画画并不意味着盲目地去复制现实,它意味着寻求各种关系的和谐。”从塞尚开始,西方画家从追求真实地描画自然,开始转向表现自我,并开始出现形形色色的形式主义流派,形成现代绘画的潮流。 塞尚这种追求形式美感的艺术方法,为后来出现的现代油画流派提供了引导,所以,其晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇,并尊称他为“现代艺术之父”。毕生追求表现形式,对运用色彩、造型有新的创造,被称为“现代绘画之父”。 在可以被当成二十世纪探索绘画先知的十九世纪画家中,从成就和影响来说,最有意义的乃是塞尚。他是一个很少为人理解的孤独者。他终生奋斗不息,为用颜料来表现他的艺术本质的观念而斗争。这些观念扎根于西方绘画的伟大传统之中,在包容性方面,甚至属于艺术中最革命的观念之列。 在塞尚之前漫长的艺术发展史中,所有的画家都把注意力放在再现客观对象上,而画家本人却做了模仿自然的奴隶。但塞尚则放弃了传统的艺术观念和法则,完全依靠自己独立的观察进行创作,有意识的地将注意力转向表现自己的主观世界,通过概括和取舍,从结构的观点来描绘对象。正是由于塞尚这种绘画的主观性改变了整个西方艺术的进程,对他以后的艺术家产生了观念上的震撼,这种震撼导致了艺术思想的全面解放。可以说,现代艺术起始于塞尚。编辑本段艺术生涯保罗·塞尚(1839~1906年)在埃克斯出生和辞世,是祖籍皮埃蒙特的小工匠、小商人的子孙。他先在小学和圣约瑟夫学校就读,由于父亲交了好运,从帽店老板变成银行经理,他被送入中学学习。1858年,保罗带着坚实的基础知识,完整的宗教信仰以及对同学米尔·左拉的真挚友谊从中学毕业,通过了文科毕业会考,并按照父亲的意愿,进入了大学法学院。不过,他并不因此而放松在埃克斯素描学校的课程。从1856年起,强烈的兴趣爱好就已把他带向了这所学校。他虽然勤奋刻苦。多悉善感,但天赋不高。他身材矮胖,长着宽大额头和鹰钩鼻的面孔也不讨人喜欢,但他目光炯炯,动作敏捷,喜欢游泳、打猎,在原野上远游。他还醉心于音乐,在学生乐队中,他吹铜管,左拉吹长笛。1859年,他父亲在埃克斯附近购下维拉尔侯爵在十七世纪建造的热德布芳花园,带着妻子、儿子,两个女儿在那里避暑。保罗在别墅中安排了自己的第一间画室。他已经决定了自己的前途:不管父亲如何反对,他也要作画家。父亲给他保留了作为银行经理继承人的职位,并用下面的话来警告他:“孩子,想想未来吧!人会因为天赋而死亡,却要靠金钱吃饭。”虽然对这种资产阶级的生活观念感到愤怒,塞尚还是不得不屈服认可。不过,他仍然偷偷地作画,对法律学习只给以有限的注意。已在巴黎定居的埃米尔·左拉鼓励他前往该处,而银行家则拼命阻挠这一计划。1861年4月,父亲发现儿子实在没有从商的才能,加上妻子和长女玛丽的敦促,他终于带着低声抱怨让步了。保罗·塞尚来到巴黎。他在弗昂蒂纳街租了一间带家具的房间,在瑞士画院习画,与基约曼和毕加索交往,并继续和左拉保持着友谊。他靠着父亲每月寄给他的一百二十五法郎,艰难地维持着生活。他丝毫不能适应首都的嘈杂,初期作品也远不能使自己感到满意,他也始终未能考入巴黎高等美术学校,原因是:“虽具色彩画家的气质,却不幸滥用颜色。”他垂头丧气地回到埃克斯,大为高兴的父亲在自己的银行中给他安排了一个职务,但保罗并未因此从事金融而牺牲画笔,仍然热情地画着。他在四大块壁板上作了滑稽的模仿画《四季》,来装饰热德布芳的厅室,并且在画上无礼地签上“安格尔”之名以作消遣.他画自画像,也为父亲作像。1862年11月,他再次回到巴黎。虽然经常与印象派画家来往,他却不欣赏他们。他接近的是莫奈、雷诺阿,可是他欣赏的却是德拉克洛瓦和库尔贝的作品。他此时的画颇为浪漫,并且厚颜地把它们称为“杂烩”。别人不喜欢他这种绘画,而且连他自己也不喜欢。事实上,他没有任何开心之事。不管到哪儿,都不感觉赏心悦目。他断绝了刚刚结下的友谊,离开曾经吸引了他的著名画家,不断地变换住地。由于厌烦,他离开巴黎,又由于好奇而重返该地。他退隐到埃克斯,但很快又离开那里。他是否遭到1866年官方沙龙的拒绝,不得而知。总之,他忧郁地回到埃克斯,而在1867年底1868年初的冬天,再次前往巴黎当然是换了个新的地方。他在马奈、雷诺阿、斯特汶斯、左拉、克拉代尔、迪朗蒂等人聚会的著名的盖博瓦咖啡馆露了露面,但觉得很不舒服.他的作品《甜烈酒》或《那不勒斯的午后》在1861年沙龙落选。同一年,他遇见一位年轻的女模特玛丽·奥尔唐丝·富盖。《坐在红扶手椅里的塞尚夫人》是为他夫人画的肖像。在这一作品中,塞尚完全不考虑西方传统肖像画所要表现的人物性格、心理状态以及社会地位等等。在表现手法上,也不是用传统的以光影表现质感的方法来描绘的。而是采用色彩造型法达到他一生追求的色彩与形体的结合。色彩与形体的表现便成了塞尚一生所追求的“造型的本质”。他的这种重在艺术形式的追求的创作倾向,对西方现代主义美术的产生和发展具有深远的影响,故被人称为“西方现代绘画之父”。虽然塞尚曾受到当时占绘画主流地位的印象派的影响,对光线照射到不同质地表面上的效果有所光住,但他始终坚持对物体结构和实体感的关注,并于1877年放弃了印象主义。塞尚早期大多以写实的手法,真实且疑难的情景作为绘画的题材。晚年画风有所改变,留下了多幅温和,光明并富含古典注意庄严气息的风景及景物画。塞尚说过要“使印象主义成为象博物馆的艺术一样巩固的东西”,被文艺复兴所激发出的这句议论常被引用又屡遭非难。塞尚在他的作品中,所寻找的就是真实,即绘画的真实。由于他逐渐感到,他的源泉必须是自然、人和他生活在其中的那个世界的事物,而不是昔日的故事和神话。他希望,把这些源泉里出来的东西转换成绘画的新真实。塞尚的成熟见解,是以他的方式经过了长期痛苦思考、研究和实践之后才达到的。在他的后期生活中,用语言怎么也讲不清楚这种理论见解。他的成功,也许更多地是通过在画布上的发现,即通过在画上所画的大自然的片断取得的,而不是靠在博物馆里所做的研究。他的作品有《埃斯泰克的海湾》、《静物苹果篮子》、《圣·维克多山》、《玩牌者》、《穿红背心的男孩》等等。

工写妙合画心境,融会贯通求变革 -----著名花鸟画家赵清国的作品赏析 夫从艺者,托其根于心智也,发其花、笔端墨彩于萱桑也。人之神不能无为,思虑易迁,哀乐相变,感生于志,赋形凝萃于画间。庚寅(2010)年春(5月15日),在首都的一场拍卖会中,著名花鸟画家赵清国先生的多幅花鸟和国画人物作品赢得来自全国各地和场外的网络参拍者竞相投购,其中一幅斗方葡萄创下25万元的拍卖纪录。五月的北京春寒料峭,不畏风寒的人们带着极大的热情前来参观竞拍。展厅四壁挂满了国内外中国画大师们的作品,清国先生参拍十幅中国画作。这幅以葡萄为主题的《春华秋实》展拍,气势恢弘、枝藤遒劲而又笔墨浓重!赵清国,河南郑州须水镇人,1954年生于普通农民家庭。兄妹五人排行老末,儿时受大哥和父辈的蒙学影响,喜欢读书、写字、画画。他最大的理想将来当一名画家。中学读书时,他的文化课和美术课成绩都非常优秀。然而“文革”却断送了绘画的梦想。1970年,刚满十六岁的他不得不携笔从戎,来到中国人民解放军武汉军区工程兵某部。白天在坑道里从事繁重的体力施工,晚上回兵营挑灯夜战,读书写字。艰苦的生活环境磨练了清国的意志,坚定了他学画、当画家的决心。从那时起,他养成了画速写的习惯。他说,他至今不抽烟、不打牌,和年轻时画画的理想追求是有直接关系的。庄子《外篇》曰:“夫残朴以为器,工匠之罪也。毁道德以为仁义,圣人之过也”。青年时代的清国,奋发上进,施工工程,文化宣传,样样都抢在前头,干的出色。他说,人活着,不管做什么,都应该有种向上精神追求,越是环境艰苦,越要有独立的精神。“天行健,君子以自强不息。”(《周易?上经》)他常以古人这句话作为自己的座右铭,从普通施工员,到书记员,再到司务长,是一步一个脚印走过来的。清国在部队的时候喜欢读书,兴趣广泛,吹拉弹唱样样都行。但他最钟情的还是画画。他不但喜欢画花鸟鱼虫工笔小品,更热心于描写全景式的大幅巨制。他有时也画油画、搞书法,涉猎极广,没有定式。他最终走上绘画道路正轨,拜潘天寿的入室弟子,浙江美院(现中国美院)的朱颖人教授为师,却来自一次偶然的机会。70年代末,已转业到地方的物资系统清国,在洛阳接待了朱颖人、陈永康等先生一行的艺术家,并观看了他们合作的一幅丈二巨作《洛阳花似锦图》,那绚丽的墨彩、挺立的奇石,虬曲的松柏、华丽的牡丹、萱草以及气势逼人构图,让清国良久驻足,竟然看呆了,原来中国画还可以这样画。他暗下决心,一定要拜朱教授为师,学画国画。说来也巧,刚好朱颖人先生与河南知名花鸟画家李自强先生熟捻。他家中收藏有朱先生十数张从20世纪60年代延至新近的大幅花鸟画作品,清国如视珍宝,借来系统地仔细临摹。他深感自己原有的绘画功底不足,先后在天津大学进修MBA期间到天津美院和贾宝珉、姬俊尧、王之江、李学瑛等先生系统地学习传统绘画理论。1992年4月,经李自强先生推荐,清国带上了数十幅作品驱车千里至杭州西子湖畔朱先生府上求教。朱先生在一一看过作品,夸清国画画有灵气,并在其作品上题字:“精神可嘉,当需努力”。兴致之余,朱先生信手边画边讲,口传身授。那年,朱先生71岁,清国43岁,当为先生的晚年弟子之一。“朱颖人先对生活和艺术的理解表现在他的三个基本观点之中,艺术风格要与个性相和谐、生活的感受是创作的源泉、中国画笔墨是能不断传承发展的艺术。他身上充分表现了一位当代中国画人精审敦厚、充满自信的品质。”朱颖人先生的师承十分丰富,他既受过颜文梁、林风眠、孙文林、关良、倪贻德、黎冰鸿等人学院式的西洋画教育,也受过蔡卓群、吴茀之、潘天寿等人师徒式的训练,他善于吸收中、西绘画两方面的营养,把学院式的教学和传统师徒传承式的训练结合起来学习,并贯彻到他以门生代行老先生的教学中去。朱先生常说:“光学古人的笔墨是远远不够的,要做到师迹又师心,注意学习古人的意境和构思”。朱先生重视课徒与古代名画临摹、写生、创作三个环节的关联互动,主张借“临摹与读画”以学古(即因),承“写生与创作”(即创)以开今。通过学古达于开今的目的。写生是师古人师造化的实践,是通向创作的必由之路。创作是写生的提炼和升华,同时,又是师古人,师造化的试金石,通过实践寻找自身的缺陷和不足。实际上在整个学画的过程中,临摹、写生、创作三者是循环往复不断交替进行的。在老师的引领和启发下,清国逐渐明白了这些道理,并且重新注意临摹、写生、创作三者的关系。大体来说,清国的创作九十年代前以临摹为主,兼及写生创作;后期以写生、创作为主。纵观清国的绘画是临摹、写生和创作交叉进行的。经过近三十年的不懈努力,清国逐渐走出一条自悟的学画之路。清国追随朱颖人教授以及诸多先生学画,虔诚,有颗执著之心。先生们亦都倾其所长,无论从题材画意,还是笔墨题款,都毫无保留的传授。清国学得刻苦,也学得灵活。既从宏观着眼,注意把握大局。又从微观入手,一笔一画,精微描摹。他学习有心,不但揣摩老师们的传授要点,而且重视研究老师各自的画路、画材,并结合自己的特点,有针对地借鉴。2005年以来,清国进入创作盛期,完成了一批以葡萄,牡丹、荷花和各种农作物为主题的大型画作,像《风雨荷塘图》、《南风吹来望丰年》、《山中惟有茶烟》(2006年),《春雨》、《清溪品茗图》、《石榴韵赋》、《秋馨图》、《云岭寄情》(2007年),水彩画《雪域佛光》、《缤纷净界》、《嵩山雪景》(2008年)都是这一时期的代表。通观清国以花鸟为主景的作品,早期的作品比较写实,“物之华,取其华,物之实,取其实”,追求朴实的自然美。近期的作品渐趋夸张,带有一定的象征性,透露出较多的理性精神。从上述作品可以明显看出,画家渐由“客观”描摹进入一个主观“臆造”的全新阶段。在创作构图上,清国着意追求雄浑博大的意境,大视角、特写式镜头强化、夸张花木的奇绝,枝藤的伟岸,从而拉近与观众的距离,造成一种强烈的视觉冲击力,使人随作品迸发出心底的崇高感。我国著名花鸟画家,美术评论家,人民艺术家鲁慕迅先生在其《梅花》作品上题款“漫天飞雪压重峦,独立冰崖展笑颜;根有丹砂花似火,化将光热暖人间”。为更好的表现和适应大幅画创作的需要,清国运用粗放的大笔,以浓墨、焦墨和重彩,泼洒胸中浩然之气,从而追求朴厚凝重的艺术效果。这种壮美的审美取向预示着清国艺术创作孕育着一场突变。为迎接这场孕育已久的艺术创作变革,清国先后接受《世界知识画报》、《科技人》和国家机关的邀请,赴京创作巨幅葡萄题材的《珠玑图》、《紫气东来》、《寻诗觅句涉秋园》等画作。他告诉我,近期要重新有选择的读些理论书籍和诗集,拓展意境,滋养笔墨,六十岁以后再进行风格变化,以期探索花鸟人文画的表现方式,展现由修养与能力交融起来的思维,达到直取水墨写意作品的神意格调和主题思想品质。

青少年艺术教育研究论坛论文

初中艺术教育问题探究论文

本文重点阐述了初中艺术教育问题,对其中的“教实结合不当”、“环境限制”、“教育机制”等问题进行了重点研究,并提出了相应的对策。

一、前言

初中艺术是学生了解艺术的关键教学时刻,但是现在初中艺术教育存在很多问题,这是由于教学环境以及教学理念造成,因此现有初中艺术教育停止不前,甚至一些学校为了给主课让时间,停止了初中艺术教育课的开展,许多绘画、音乐课程只流于表面形式,没有具体的教学宗旨,使学生丧失了获得学习艺术、了解艺术的机会,因此本文结合初中艺术教育现今存在的问题,对初中艺术教育进行深刻探究。

二、初中艺术教育的问题

教实结合不当导致初中艺术教育在教学过程中产生偏差,教实结合的“教”主要指教师、教学目标设计、教学形式,“实”主要指实践教学,分析问题时应当根据每一个点进行理论综述,首先是教师问题,初中教学与高中教学大体一致,中考的分数线有着明确的标定,因此在教学过程中教师注重学生的理论教学,却忽略了属于艺术系统的教学,绘画、音乐等艺术形式被排除在主流教学之外,教师也很少根据实际教学情况进行教学设计导致艺术教学本身就存在一定的缺陷。其次教学目标设计不合理,根据第三次课改当中,针对各个科目的教学目标进行了明确的划分,对艺术类学科的教学目标有原来的“提升学生艺术认知”过度到“让学生充分的融入到艺术当中”这一理念的转变将单纯的初中艺术学习课程改变成为认知体验课程,主旨从原来的了解艺术过度到了与艺术融合,这一教学目标的转变是为了提升学生的艺术天赋,激发学生潜在的审美观念,让艺术变成学生修身养性的基础,从而正面激发学生的人文感官及道德感官。但是课改虽然提出了有效的方向,教师在教学的过程当中却没有按照这一目标执行,传统的针对初中艺术教育的教学目标依然存在,学生知识能够从初中艺术教学课堂上了解到有关艺术的知识,却无法完成融入其中的环节,这从侧面证实了教实结合的教学方式还未成功。最后教学形式过于落后,我国针对绘画、音乐的教学模式已经固定,教师按照课程的流程进行教案编写,阐述知识点,阐述知识理论,但是在教学的过程中照本宣科的阐述知识理论并不是真正的教学手段,只会让有趣的内容淹没在无聊的重复当中,尤其作为艺术来说,一味的过分追求教学理念的传播让艺术丧失了机动灵活的特性,禁锢了学生的思维,导致艺术课程教学失败。而取其相反的过于激动灵活的教学虽然能够释放艺术的.天性,但是理论基础并不扎实,学生在上课的过程当中并不能真正的认识到艺术带来的魅力,因此这种教学形式也是不可取的。

环境限制主要是指初中艺术教学当中的师资力量以及教师水平的限制,现代初中教学中并不将艺术最为主要科目,因此配备的教师素质相对于其他专业科目的教师素质有所偏低,从业门槛以及从业理念也相对较低,一些偏远地区的学校甚至艺术学校中专毕业的学生都能够当初中艺术教师,造成了较为狭隘的教学环境。我国对这一方面并不重视,教学师资力量不够,无论是绘画还是音乐都缺乏有效的教学空间以及教学设备,因此这样的和环境限制了初中教学的发展。同样作为教学机制也是限制初中艺术教学发展的重点,学生、家长、学校、教师在现在的应试教育体系下不能以平等的心态对待艺术教育,认为艺术教育知识属于分科,这一理念的形成正是教育机制不讲艺术考核纳入到主题考核内容当中的原因,长此以往下去艺术教育将再此恶性循环中不断的丧失,最终沦为教学的附庸产品。如何摆脱这样的困境,如何增强艺术教育理念,如何加强教育形式的转变,这些都值得我们去思考。

三、初中艺术教育的具体措施

上文中从当前我国初中艺术教育的现状以及其作用两个方面进行了分析论述,下面本文就对艺术教育的具体措施进行简单说明。

(一)转变教育观念,积极宣传初中艺术教育思想

要想更好地实现初中艺术教育工作的顺利进行,首先要从观念的转变上着手。教育关键是指导老师实际操作的价值标准,由于长期以来受到应试教育的影响,教师过多地注重学生知识的掌握,因此要想更好地推进艺术教育,就要转变观念,形成一种艺术教育的共识。转变观念首先要从校长开始,并逐层深入到老师和学生心中,层层递进,分步实现艺术教育的目标。

(二)建立健全初中艺术教育机制

作为学校,需要紧跟教育改革的发展变化,建立起完善的艺术教育机制,为其今后的发展打下基础。首先需要建立完善的艺术教育管理机制,切实重视教育工作的贯彻和落实;其次要纠正艺术教育机构中智育教育的倾向,正确处理好艺术教育和智育教育之间的关系,并且需要纠正艺术教育单纯的艺术倾向,要将艺术教育和知识领悟相结合。

(三)为初中艺术教育提供恰当的教学资料

艺术教育需要有恰当的教学资料,为此需要在教材编写方面进行创新,学校也可以根据自身的实际情况和学生特点进行辅助教材的编写,并在教学过程中创立具有特色的教学模式,实现艺术教学从学校单一个体向着学校、家庭和社会多元化的复合方向发展。除此之外,可以建立起艺术教育的评价体系,科学地反映教学过程中的各种问题和最新的教育管理和学习观,为今后的教学提供帮助。

四、结语

初中艺术教学想要摆脱现在的困境其实还很难,主要在于应试教育体系的存在,这种体系一天不转变对艺术教育的态度,艺术教学就无法得到真正的发展机会,同样社会和教学环境如果不改变也有碍于初中艺术教学的发展,所以作者再次呼吁,我们叫到学生学习艺术并非是培养伟大的艺术家,而是让学生在学习的过程中体会艺术带来的人文魅力,从而陶冶学生的情操,侧面提升学生的信仰力、道德水准,培养学生接纳他人融合社会的能力,让学生在学习之前先学会做人,这才是关键,因此初中艺术教育不仅仅是教学过程中锦上添花的理念,更是促进教学提升教学的关键。

艺术以其美的形式和独特的魅力,伴随着人类历史的发展,满足人们的精神文化需求,丰富并美化人们的生活,成为人类文明和文化传承的重要载体。下面是我为大家整理的,供大家参考。

一、其他国家博物馆青少年艺术教育先进经验借鉴

重视发展本国博物馆的教育职能是发达国家的普遍做法,如《国际博物馆协会职业道德准则》中所述,博物馆应利用一切机会与资源使其教育作用得以发挥。以美国为例,博物馆的最大特质即十分重视教育功能的发挥,并视之为工作核心任务。如哈佛大学图书馆,学校很早前就要求主修政治、法律、商业等文综专业的学生必须选修艺术、文学等限制性选修课,要求学生在博物馆的氛围内接受艺术薰陶,并掌握自我鉴赏艺术作品的方法,以确保本校毕业学生在日后无论于政治、法律或是商业等行业领域就职,都具有较高的文学、艺术修养。再以英国为例,英国“国家课程”明确规定了博物馆教育应积极与学校课程相对接,学校自小学起就要在博物馆内教授课程,授课人员不仅有学校教师,还包括博物馆工作人员。而且这些课程还会要按照实际各馆发展而进行弹性调整与设定,确保授课形式丰富多彩,教学内容与时俱进,并自始至终都贯彻在青少年的每一学习阶段。

二、完善我国博物馆青少年艺术教育职能的路径思考

***一***鼓励青少年参与体验,锻炼与发挥创造力

博物馆的工作人员应该设计出富有趣味、生动多样的展览形式,吸引青少年参观者的注意力,使之产生参与意识,并注意引导青少年跳出课堂与书本的局限,思考如何发挥主观创造力。鉴于此,博物馆可以利用资讯科技为青少年提供功能先进、技术全面的可近距离接触、体感触碰、实体操作等动态教育装置,借此技术为青少年带来新鲜感,激发其求知欲,从而对“参观”的印象能够有更为明晰的了解,对博物馆教育能够有更进一步的兴趣与体悟。此外,还应该借鉴国内其他友馆的优秀经验,例如“感官学习法”,通过在博物馆内增设青少年主题活动室,为其提供相应的装置和服务设施,打造听讲一体、临摹修复的实验点,来培养与满足青少年的探究爱好,从而树立自信心,培养想象力和创造力。

***二***注重青少年个体差异,全面强化教育效果

博物馆及相关人员应事先关注、分析青少年的兴趣爱好、实际需求及个体差异以“投其所好”。利用博物馆不同藏品具有的不同艺术气息,如奇特各异的器件造型、变形夸张的雕塑造型、对比大胆的画作色彩、饱满和谐的版画构图等,借此丰富且强烈的情感表达,多视角、多形象地将创作者天马行空式的灵感、自由驰骋的心态、丰富奇特的联想与眼光独到的审美来迎合有着不同艺术“嗜好”的青年学生,使得这种外部知识与学生自身原本所具备的艺术修养相结合,并最终得以内化成学生自身的沉淀,来实现创新能力和审美意识的共同提高。

***三***借助科技教育平台,网路互动实现教育

博物馆有着集齐各民族、各地区特有表现艺术与民俗活动及相关器具、手工制品等系列藏品于一体的优势,这些璀璨一时的艺术品虽然或多或少被刻上了岁月痕迹,但并没有湮没于历史长河之中,可见其艺术价值光芒所在。立足于资讯时代下,博物馆应改变传统的教育观念,合理利用网路更好地发挥艺术教育职能,形成博物馆网路教育平台,实现现代艺术教育与历史文化意蕴的融合。围绕青少年偏爱娱乐、注重体验的年龄特征,构建集知识与娱乐为一体的互动内容,使青少年能够在游戏和休闲娱乐中也得到知识的积累。近年来,笔者所在的玉溪市博物馆在青少年素质教育这一方面有一些新的探索与尝试。玉溪市博物馆依托内容丰富的基本陈列,根据青少年的自身特点,完善充实了包含声、光、电和互动形式的古生物展厅、恐龙特展、帽天山寒武纪动物陈列等特色展厅,举办或引进了不少形式多样、趣味性强的临时展览及主题活动。如“走进博物馆探索奇妙世界”、《聂耳与国歌》巡展、玉溪米线节体验网路活动、“创意帽天山•认识寒武纪——文化遗产日”专题、“神奇世界——三维画展”“青少年动漫”活动周等,把地方历史文化与现代科技相结合,受到了青少年的欢迎,产生了良好的社会效益。相信这些有益的探索,将为我国博物馆在“面向21世纪”理念下开展青少年艺术教育,最终使博物馆得到全社会更广泛的关注和认同产生积极作用。

三、总结

综上所述,我国博物馆应充分利用自身优势并采取各种展览措施,来充分发挥博物的教化职能,为青少年健康成长夯实精神基础。

一、在数学教学中渗透语言的艺术美

斯托利亚曾说:“数学教学也就是数学语言的教学。”数学作为一门逻辑性非常强的学科,虽然和其他学科相比具有其特殊性,但其语言和其他学科语言一样,也是一门艺术,因此,数学教学语言的艺术技巧显得非常重要。为此,数学教师要不断锤炼自己的语言,用精准、简明、形象、生动的数学语言激发学生的兴趣、启迪学生思维,并积极鼓励学生不断探索,可以有效地优化数学教学效果。如:在学习高中数学必修一幂函式性质时,我很神秘地说:同学们,你们知道的365次方和的365次方分别约等于多少?当同学们不知所措时,我给出答案:的365次方约等于,的365次方约等于,并解释这道题蕴含的哲理是:的365次方也就是说你每天进步一点,即使只有,一年365天后,你将进步很大,远远超过1;的365次方也就是说你每天退步一点点,即使只有,一年365天后,你将远远小于1,几乎接近于0,远远被人抛在后面。通过这样的语言,学生很快认识了幂函式的值如何随底数变化而变化。同时鼓励同学们珍惜时间,不断努力,坚持下去,一定会有进步。富有艺术之美的语言在数学教学中具有强大的生命力,教师要创造机会,让学生体会艺术的语言给我们带来的数学之美,让学生在语言中逐渐理解、提升。

二、在数学教学中感受、欣赏艺术美

通过讲解共轭复数、对称多项式、对称矩阵等,让学生感受数学代数对称之美;通过讲解轴对称、中心对称、互补、互逆、相似等,让学生感受数学几何对称之美等。在学习选修内容《数系的扩充与复数》时,讲到历史上曾一度被看做是“幻想中的数”的虚数,由于它带有某种奇异色彩,更能使学生产生幻想和揭示其奥妙的欲望,这也正是数学的神秘之美。学生在教师充满艺术美的教学中感美、欣赏美,学生的学习劲头倍增,必定会达到意想不到的效果。

三、在数学教学中建立艺术化教学环境

在学习高中数学必修五数列知识时,我请一位同学用电子琴现场表演节目,同学们一下子就被这个新颖、独特的课前引入吸引,在观看表演后不禁问,老师葫芦里卖什么药。接着我简要介绍电子琴的键盘,让学生了解到琴的键中其中5个黑键恰好就是著名的斐波那契数列中的前几个数。在同学们追问什么是斐波那契数列时,我说:同学想知道什么是斐波那契数列,那么就要先学习好是数列,这样一步一步带领学生探索知识。教育家罗伯特•特拉弗斯说:“教学之所以被称为具有独特的表演艺术,它区别于其他任何表演艺术,就是由教师与那些观看表演的人的关系所决定的。”毫无疑问,掌握一定课堂教学艺术的教师,就能够取得较好的教学效果。

四、总结

综上所述,把艺术教育巧妙地渗透到数学教学中,使数学教学的课堂变得丰富多彩,充满活力,让学生在学习数学知识的同时促进艺术教育的发展。

艺术 教育 是学校实施美育的重要内容和途径。艺术教育的质量如何,直接关系到学校美育实施的效果。下面是我为大家整理的学校艺术教育论文,供大家参考。

论文关键词:课程资源开发;民间艺术;特色艺术教育

论文摘要:对民间艺术与学校艺术教育的关系探索,是新课程改革课程资源开发的重要内容之一。优秀的民间艺术作为一切艺术形式的“母体艺术”,是中国传统人文审美教育的重要组成部分,对培养学生的审美意识和提高学生 传统 文化 修养有不可替代的作用。学校艺术教育应积极挖掘当地民间艺术资源,形成自身特色。本文阐述了重视民间艺术教学是当前艺术教育的必然选择和义不容辞的责任和挖掘整理民间艺术资源形成特色艺术教育的途径。

加强学校艺术教育工作.是全面推进素质教育,促进学生全面发展的一项迫切任务。如何通过艺术课程和开展课外文化艺术活动培养和提高学生的审美能力和文化素养.是大专院校艺术教育。尤其是面向当地.为当地经济社会发展培养实用型人才的职业技术院校艺术教育亟需解除的课题。笔者以为。职业技术院校的艺术教育.要自觉适应经济建设和社会发展对高素质、实用型人才的需要.转变教育思想和教育观念。担负起对优秀民间艺术资源的挖掘整理.并将其列入教学内容之中,形成符合本校、本地实际,具有鲜明特色的艺术课程。

一、重视民间艺术教学是学校特色艺术教育的选择和责任

对民间艺术与学校艺术教育的关系探索,是新课程改革课程资源开发的重要内容之一。《全国学校艺术教育发展规划(2001—2010年)》明确指出,在艺术课程的开设和教学内容的选择上,高等学校既要结合本校的实际,又要努力创造条件.开设各种艺术类选修和限定性选修课程。满足学生的不同需求.形成自己的特色艺术教育。根据近年在教学中的探索.笔者认为.重视民间艺术教学是当前艺术教育的必然选择和义不容辞的责任,融合民间艺术的艺术教育必将具有自己的特色。

(一)重视民间艺术教学是培养社会急需人才的需要

当前.学校艺术教育普遍采用国家统一教材授课.致使学校艺术教育与当地实际严重脱节,学生不懂在当地最流行的戏曲剧种,对代表当地地域特色的民间艺术所知甚少。更有甚者,旅游专业、艺术专业 毕业 生不会唱地方民歌,不会跳民间舞蹈.对当地民风民俗了解不多,与培养实用型人才的办学宗旨背道而驰。近年来,为了加快经济社会发展。各地纷纷发展地方特色文化丰富旅游业的文化内涵,吸引游客。同时,人民大众回归传统文化的呼唤。发展地域特色文化,实施传统文化保护工程,推进地方民歌、民间舞蹈等民间艺术进课堂、进机关、进企业,使得这一矛盾更加突出。鉴于这一实际,笔者认为,重视民间艺术教学是当前艺术教育的必然选择.是学校实施素质教育、培养学生创新精神和实践能力,促进学生全面发展的现实需要.艺术教育工作者应积极探索,重视民间艺术教学,挖掘当地民间艺术精华.补充到艺术教育课堂教学和课外活动之中.既与当地发展的现实需要接轨,又形成自己的特色艺术教育体系。

(二)重视民间艺术教学是加强民族文化教育的需要

优秀的民间艺术作为一切艺术形式的“母体艺术”,记录和再现了人类文化和思想的发生、发展过程.是中国传统人文审美教育的重要组成部分,具有广泛的群众基础、深厚的文化根基以及无可替代的民族文化特色.它和当地人民审美心理的形成密不可分.蕴藏着艺术教育的重要资源优秀的民间艺术进课堂或组织学习观摩.对学生审美意识的培养和提高学生传统文化修养有着无可替代的作用如作为综合艺术形式的地方戏曲剧种,以其既有歌、舞、说、唱,又兼容了诗歌、小说、音乐、杂技等多方面的艺术或技术因素。起到了文化审美教育的功效。在笔者所在的地区,有一种民间歌舞小场子,其表现形式独特.表演诙谐生动.舞蹈和丑角耍草帽圈的绝活尤具特色经过四百余年的传承发展,已成为这一地区人民群众普遍喜爱、外地游客赞不绝口的民间艺术形式.代表着这一地区民间艺术发展的最高成就组织学生在课外活动中向民间艺人学习.或是组织欣赏观摩.使学生普遍感受到了民间艺术的博大精深。兴趣浓厚的学生。通过对这一文化现象学习研究.对这一地区的民风民俗和文化传统有了更加深刻的认识。从这里,我们可以看出.在课堂上引进地方民间文艺资源.能有效贴近学生的生活体验和感受.增进学生对本地区文化和地域文明的了解。

(三)关注优秀民间艺术发展是学校艺术教育的责任

民间艺术是民族传统文化的重要组成部分.从优秀的民间艺术中.可以看到人类文明历史发展的踪迹挖掘整理、继承弘扬优秀的民间艺术,是弘扬民族文化.振奋民族精神.建设先进文化和地域特色文化.推动社会和谐的一个重要环节近些年来.人们在对建国以来的文化建设进行深刻 反思 后.普遍认为在改革开放推进现代化的进程中.我们丢失了许多中华民族的优秀传统文化,许多民间艺术被冷落,由于后继无人,已面临失传消失的危险。为此.国家加大了对文化遗产的保护力度,国务院专门下发了《关于加强文化遗产保护工作的通知》,并于2005年启动了首批非物质文化遗产代表作保护工作。

保护民间艺术,弘扬民族文化.是文化宣传等职能部门和广大文化艺术工作者的责任.更是每一个艺术教育工作者义不容辞的职责。当前.开展文化遗产保护的主要工作.是挖掘整理原始资料.培养一批 爱好 者和接班人.以其文化自觉和对民间艺术的热爱来继承弘扬优秀民间艺术艺术教育作为优秀文化传承的重要途径之一.更有责任通过艺术教育与地域文化建设的链接.担负起这一重任。 二、挖掘整理优秀民间艺术形成学校特色艺术教育的途径

艺术教育强调在可生成的环境中培养学生的艺术能力和人文素养.最终目的是实现人的全面发展在大的文化背景下多种艺术的自然融合是艺术学习的最佳环境之一.通过多种形式的综合能使艺术学习变得更自然、更容易、更活泼多样。因而.挖掘整理优秀民间艺术形成学校特色艺术教育.可通过以下途径实现。

(一)汲取当地民问文艺精华.编写特色校本课程。民问文艺种类繁多,形式多样,任一地区都有几十甚至上百种民间文艺形式.全部涉猎.对学校艺术教育而言,既不现实.又无必要。在上世纪八十年代.全国曾开展了民间艺术挖掘整理工作.各地相继编辑出版了涉及民间艺术各个门类的《民间艺术集成》,基本涵盖了当地民间艺术的精华.收录了原生态民间艺术的重要资料。近年来.一些地区又编辑出版了一些民间文艺专辑。如笔者所在的地区.相继编印了《紫阳民歌专辑》、《岚皋民歌50首》等。艺术教师可以此为依据,结合自身的研究成果,根据培养重点,有侧重的选择本地域的民间艺术精华,编写校本课程。如美术教育类.可侧重挖掘戏曲社火 脸谱 、 彩绘 泥塑 、石雕剪纸、龙狮灯饰制作等,旅游专业,可挖掘地方民歌、民间舞蹈、民间 传说 的精华,编写出特色教案.最大限度的体现地域特性.展示独特的艺术教学范例。

(二)利用艺术课程的开放性.邀请民间艺人进课堂。长期以来,由于地域性、民俗性、民间化等因素的影响.民间艺术普遍不被各个时期的主流文化所接纳.基本靠口传和师傅带徒弟的形式传承繁衍发展到今天.大量的民间艺术珍稀资源,依然为少数民间艺人所掌握,许多技巧绝活,往往难以以文字的形式记录因而.要充分利用艺术课程的开放性特点.邀请民间艺人进课堂.面对面地向学生进行传授讲解.使学生真正掌握某一艺术形式的精髓。

这一方面.全国各地的艺术院校大都进行过成功的尝试如陕西安康的民间歌舞小场子.在1954年代表陕西省参加全国民间文艺汇演获得一等奖后.中央民族学院就邀请两位演员为学生教唱陕南花鼓小调和传授挽草帽圈技巧.为时半年之久.使安康这一“小舞台上的大技巧”走向了全国。以技巧见长的剪纸、泥塑艺术.更需要由民间艺人在课堂上与学生面对面的交流.手把手的示范传授,激发学生的学习热情.使其在最短的时间内掌握基本技巧。

(三)组织学生走出课堂.开展民间艺术调查活动。学生个人成长环境,包括日常生活、情感 经验 、文化背景等方面都与当地文化有着密切的关系。要抓住这一有利因素.把艺术教育与学生个人成长环境联系起来.从其兴趣、需要、情感表达、人际交流出发,积极引导学生关注身边的民间艺术环境.开展民间艺术调查.挖掘感兴趣的民间艺术资源。

引导学生通过调查.寻找某些具有明显符号性表现的艺术(如地方戏曲、社火脸谱服装等).与民问艺人或民俗专家讨论它们的符号含义.学习创作具有符号含义的作品。也可组织分组调查.每一组调查一个当地民族民问的艺术,并将这种艺术与该地区的建筑、地理位置、服饰、方言等联系起来做进一步的研究.模仿该民族的舞蹈和歌唱方式进行表演.加深对当地民族传统文化特点的深入了解。

(四)参加节日民间文艺活动.全面了解学习民间文艺。 春节 、 元宵节 、 端午节 、庙会等民族传统节日和地方性节日.是民间艺术集中展现的最大平台.一般都由群众自发组织、演出的节目,开展的活动.基本为当地有代表性且为原生态的民间艺术形式,基本包含了民间音乐、民间舞蹈、地方戏曲、当地民俗等多方面的内容,是学习研究这一地区民间艺术的最佳时机和最大平台。

艺术教育工作者应充分利用这一平台.引导学生利用课余时间.参与到传统文化活动之中.丰富知识,开拓视野.对民问传统文化进全方位的了解。如围绕过春节这一人文主题.引导学生体验春节期间丰富多彩的文化娱乐.学习了解民间灯饰、玩龙舞狮、玩采莲船、唱花鼓歌等民间艺术形式,加深对民间艺术的了解.并鼓励学生根据自己对民间艺术的见解.形成对某一艺术形式的改进和创作见解.促进民间艺术与现代生活的有机融合。

总之.学校艺术教育要重视民间艺术的挖掘整理,将其精华列入教学内容之中.积极组织学生在民族民间文化中活动.形成可生成的学习环境.结合地域艺术文化特点形成艺术教学特色,既促进学生的全面发展.培养社会急需人才,又形成学校不同的艺术课程特色与风格。

【论文关键词】艺术教育有效模式构建

【论文摘要】本文分析了我国艺术教育的沿革与现状,阐述了实施艺术教育的重要性,提出了构建艺术教学有效模式的方案,主要是抓实堂教学,打造审美基础;立足艺术讲座,感知艺术魅力;注重艺术实践,丰富艺术活动。

艺术教育如同一把开启人类心智与情感大门的钥匙,在塑造人类超越自我、超越功利、超越自然的崇高精神境界的同时,也孕育着人们真、善、美的追求,所以有人把艺术教育形象地称为培养“全人的教育。但由于对艺术教育的重要性认识不足、致使现阶段艺术教育远远落后于时代的要求和进步,成为高等教育工作中最薄弱的一个环节。

一、我国艺术教育的沿革与现状

所谓艺术教育,就是通过艺术作品,运用艺术欣赏与艺术创造的规律,去影0向学生的感官和心理,培养学生敏锐的感知能力、丰富的 想象力 、直觉的洞察力和创造力的教育活动。我国古代伟大的思想家、教育家孔子最早提出了诗教~乐教”等概念,可算是最早的艺术教育思想。辛亥革命后,蔡元培曾倡导美育主义”,疾呼“文化运动不要忘了美育。至现代,美国政府于1994年甚至将“艺术规定为中学生的必修科目,认为在21世纪,一个不懂艺术的人算不上是一个完人”,显示出艺术教育正成为现代教育的新追求。

近年来,得益于国家全面发展的教育方针的确立,艺术教育在我国高校人文素质教育的平台上已经取得了长足的发展,但由于缺乏对其教育模式的研究,导致艺术教育仍停滞在素质教育以欣赏为主的教学上,忽视了艺术教育对科学知识教育的促进和互动作用。为掌握高校艺术教育的实际情况,我们对西安几所高校艺术教育情况作了问卷调查,结果显示,只有表示会 五线谱 ,62%的学生对自己的审美能力无信心,只有48%的学生表示会主动,积极地参与美术、音乐、戏剧等方面的艺术教育,由此可以看出,现阶段我国高校艺术教育的现状不容乐观。

二、实施艺术教育的重要性

1、艺术教育是促进智能发育,激发学生创造能力的需要

德国文化教育家斯普朗格曾经说过:教育的最终目的不是传授已有的知识,而是要把人的创造力量诱导出来,将人的生命感、价值感唤醒。而唤醒创造性思维的最佳模式,就是科学思维与艺术思维的叠加。

思维科学的研究表明,人的思维分为科学思维( 逻辑思维 )和艺术思维(形象思维)两大类。只有把科学思维与艺术思维有机结合起来,才能形成高质量、高水平的思维品质。事实也证明了这一点,曹雪芹的《红楼梦》、贝多芬的交响曲、别具匠心的东方园林、独出心裁的西方工业美术等,无一不是科学思维与艺术思维结合结出的硕果,古今中外许多大师更是科艺双修炉火纯青者。如意大利的达·芬奇,不仅是大画家,还是大数学家、力学家、工程师;现代地质学家李四光,还谱写了我国第一首小提琴曲;两弹元勋钱学森更是有句 名言 :科学家不是工匠,科学家的知识结构中应该有艺术,因为科学里面有美学。

2、艺术教育是陶冶人的情感。培养完美个性的需要

艺术教育具有以美感人,以情动人”的特点,它可以通过影响学生的情感,进而影响到学生心理活动的其他方面,产生潜移默化的效果。近年来,大学生的情感缺失、心理不健全问题,日益引起大家的高度重视。笔者曾就此对几所大学的学生进行厂泛的调查,结果发现,有相当一部分学生存在着或重或轻的心理障碍,其症状主要表现为过度消极、过度压抑、过度自闭等,甚至在特定时候会因情绪不稳而造成严重的后果。艺术教育恰恰具有调节情感的功能。通过对学生开展艺术教育和文化艺术活动,寓教于乐,在美感中动之以情,在愉悦中晓之以理,让学生在接受和欣赏艺术作品的同日寸陶冶情感,塑造个性,将会对他们排除心理障碍、保持稳定而腱康的情绪,形成健康的心理素质十分有益。

3、艺术教育是加强德育,以美辅德的需要

素质教育强调以德育人。但思想教育不能只简单地说教,应像春雨那样“随风潜入夜,在这方面,艺术教育可以说有着得天独厚的条件。人们在欣赏艺术作品时,会为其中的人物、行动、情景、事件、寓意所吸引,并产生强烈的感情反映。所以说艺术教育可以培养学生明是非、知善恶、识美丑的能力,塑造健全的人格和健康的个性发展,促使其全面和谐发展。 三、艺术教学模式的构想

普通高校的艺术教育不能等同于艺术院校的技能训练,应该把重点放在学生的艺术鉴赏水平和艺术修养上来,所以一个行之有效的艺术教育模式,应该以课堂教学为基础,艺术讲座为手段,艺术实践为检验教学效果和学生能力的平台及尺度,使学生在艺术作品寓教于乐、潜移默化的作用中促进德、智、体全面发展。

1、抓实课堂教学——打造审美基础

由于非艺术类大学生在进入大学前普遍都未接受过较为系统的艺术教育,所以大学艺术教育应该从零起步,循序渐进。对高校非艺术专业学生在一年级重点进行普及教育,开设公共艺术必修课,讲授相关基础知识,引导学生对艺术入门。第二阶段是在二年级以上开设专业性较强的公共艺术选修课,如声乐、器乐、书法创作、中 国画 、油画、电脑美术设计等,有一定专业基础知识的学生可任意选课,以适应不同基础、不同爱好学生的学习要求。

2、立足艺术讲座——感知艺术魅力

艺术讲座应建立在课堂教学的基础上,聘请有一定经验、在某一领域有一定研究的教师或学者,开设专题性的艺术讲座,引导在学生进一步加深对艺术基础知识理解的基础上更进一步步入艺术神秘的殿堂。实践证明,这一有效的形式比课堂教学更能激发学生感知艺术魅力的兴趣。国家大剧院在2007年曾以普及艺术为宗旨,开办了“国家大剧院打开艺术教育之门”的系列讲座,还特别邀请原中共中央政治局、国务院副李岚清同志为现场200o多名观众讲述“音乐·艺术·人生。这种形式活波,艺术氛围浓厚的讲座形式,在高校中也引起了强烈反响,许多看过电视节目的学生至今仍记忆犹新,并表示欢迎这样的讲座更多地走进大学校园。

3、注重艺术实践——丰富艺术活动

艺术实践是学校艺术教育的重要组成部分,在此环节重点注重三个方面:一要制度化,保证活动经常持久。如学校要举办好一年一度的艺术节,结合重大节日坚持举办庆祝演出活动等。二是多样性,重在吸引学生广泛参与,如举办美术、摄影、书法比赛,开展演讲活动等,为不同特长、不同兴趣的学生提供适合自己的平台,也为新入校的学生提供榜样的力量,开启一扇通向艺术大门。三要专业化,确保在普及的基础上提高,重点组织和发挥好艺术社团的积极作用。如把积极分子和骨干分子组织成音乐协会、绘画协会、摄影协会、合唱团、舞蹈团等文化艺术社团。

以上艺术教育的三个环节环环相扣,关联互动,只要将这几个环节有机结合起来,形成互动的链条,就可以使艺术教育由浅而深,由知识和技能传授到精神的熏陶和濡染,由表及里地发挥艺术的教育功能,从而促进艺术教育在高校开花结果。

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青花瓷的艺术研究论文

学校图书馆或者书店都有关于这类方面的书籍吧。不过建议你还是自己参考文献资料写点。

有两篇,都是我们选修课的论文,我留着的。你看哪篇合适就用吧。【一】清代龚轼在他的《陶歌》中这样称赞青花瓷:“白釉青花一火成,花从釉里透分明。可参造化先天妙,无极由来太极生”。青花瓷的生产工艺:青花瓷是一种以天然钴土矿为呈色剂,在白釉坯胎上用毛笔描绘图案花纹,罩透明釉后,入窑一次高温烧成的釉下彩瓷。以江西景德镇为代表。它创烧于唐代河南巩县窑,宋代亦有烧制,到元代臻于成熟。从元代开始,历经明、清,无论官窑与民窑,一直盛烧不衰,成为最具民族文化风格的重要彩瓷品种。青花瓷的特点:青花是我国最具民族特色的瓷器装饰,也是我国陶瓷装饰中较早发明的方法之一。其特点一是着色力强,发色鲜艳,呈色稳定;二是纹饰永不退色;三是丰富多彩,明净素雅,有中国水墨画的艺术魅力;四是不含铅、砷等有毒元素,对人体无毒副作用;五是不但适合装饰餐、茶具等日用瓷,而且也适合装饰花瓶、大缸等陈设瓷;六是其制作原料含钴天然矿物蕴藏丰富。青花瓷的历史:青花瓷器起始于唐宋,但了元代,景德镇青花瓷器的制作已经成熟,这是我国制瓷史上的时代的进步。元代以前,影青刻花的运用较为普遍,自庄重浑厚的青花出现以后,影青刻花的装饰变便渐渐退居次要地位。明代永乐、宣德年间,成化年间,嘉靖、雍正、乾隆三朝的青花,以康熙朝的青花最为突出,有莹澈青翠、明亮静丽的艺术效果,因此在明清两代,青花瓷成为中国瓷器生产的主流,备受人们喜爱,成为帝王嫔妃、达官贵人的必备之物。就连欧洲人也常以珍藏青花瓷来炫耀自己的富有。新中国成立后,景德镇的青花瓷器继承历代优秀传统,开发了清新、明丽、具有时代气息的新品种,在礼品瓷、展品瓷盒内外销商品瓷等方面,都获得了显著的成效。现代景德镇青花瓷器从总体上看,釉质白里泛青,青料发色青翠,造型美观大方,装饰有古朴典雅的艺术效果。对中华传统文化的继承与创新发展一直是炎黄子孙的华夏情结,如何继承创新是个争论的话题。一般意义上来说,艺术的创新是指艺术在原有的基础上有了新的发展、新的突破,它在艺术生命中起着变化、促进、增长、更新的作用。艺术的创新和发展从性质上来说,可以分为量变式的创新与质变式的创新两个方面。量变式的创新主要是指在一种艺术范围里其发展只是一些量的变化,而没有质的变化。质变式的创新则是指突破了原有艺术的性质和范围,创作出了完全新的艺术作品。笔者认为这两者关系可以理解为形似和神似的关系。保护、收藏、修缮、翻新、展览只是一种保存标本的方式,就像把熊猫放到保护区精心喂养以供参观是一样的,物种的苟延残喘而已,不是继承,更不是创新发展。目前的演绎的“青花热”潮流,在青花瓷的传承创新中,只有量变式的模仿只能在一定的程度上保存古人的文明,实属拿来主义的做法,但是我们并不能为此全盘否定之,其存在是传统文化继承的最原始最基础的方式。质变式的创新升华,是传统文化的实质性的传承,是根植于文化土壤的民族文化史的进步,在该项实践中,可以挖掘现代人的文化潜质,从而为民族文化的可持续性发展留下至深的脚印。所以,青花瓷艺术的真正生命力不可能在于天价的收藏更不在于时尚的简单模仿,这些浮浅而泛滥模仿的“青花热”只能是给古雅的青花瓷艺术本身蒙上污点。青花瓷的文化的传承发展要依靠质变式的创新,用现代科学的设计思维去传达凝练的文化神韵。【二】青花瓷,作为中国瓷中魁冠,其瓷胎骨细腻晶莹柔润,花色清新明丽幽静雅致,釉色光亮洁净白中泛青,气质典雅清新,极具中国传统墨画之神韵。其对于中国文化的阐述,在国际上颇具影响力。清代龚轼在他的《陶歌》中这样称赞青花瓷:“白釉青花一火成,花从釉里透分明。可参造化先天妙,无极由来太极生”。青花瓷是艺术殿堂的瑰宝,是文人艺术家手中的爱物,是收藏家的猎物,是博物馆的珍品,是东方中国的传统文化标签。从荧屏热播赵雅芝主演的《青花》到风靡大江南北的周杰伦演唱的《青花瓷》,从奥运会水上项目的“青花瓷”系列颁奖礼服到北京地铁10号线北土城站的“青花瓷”立柱,“青花瓷”已更多地成为彰显中国文化的载体,担负着传播中国文化的责任。青花瓷如飓风卷入寻常人的听觉视觉甚至触觉,掀起一股“青花热”潮流。随着大量“中国元素”在北京奥运会上的亮相,以“青花瓷”这一闻名世界、充满中国文化元素的设计正越来越多地走进人们的视野。对中华传统文化的继承与创新发展一直是炎黄子孙的华夏情结,一般意义上来说,艺术的创新是指艺术在原有的基础上有了新的发展、新的突破,它在艺术生命中起着变化、促进、增长、更新的作用。艺术的创新和发展从性质上来说,可以分为量变式的创新与质变式的创新两个方面。量变式的创新主要是指在一种艺术范围里其发展只是一些量的变化,而没有质的变化。质变式的创新则是指突破了原有艺术的性质和范围,创作出了完全新的艺术作品。保护、收藏、修缮、翻新、展览只是一种保存标本的方式,不是继承,更不是创新发展。目前的演绎的“青花热”潮流,足以窥见我们的方式深值疑问。历史:青花瓷器起始于唐宋,但了元代,景德镇青花瓷器的制作已经成熟,这是我国制瓷史上的时代的进步。元代以前,影青刻花的运用较为普遍,自庄重浑厚的青花出现以后,影青刻花的装饰变便渐渐退居次要地位。明代永乐、宣德年间,成化年间,嘉靖、雍正、乾隆三朝的青花,以康熙朝的青花最为突出,有莹澈青翠、明亮静丽的艺术效果,因此在明清两代,青花瓷成为中国瓷器生产的主流,备受人们喜爱,成为帝王嫔妃、达官贵人的必备之物。就连欧洲人也常以珍藏青花瓷来炫耀自己的富有。新中国成立后,景德镇的青花瓷器继承历代优秀传统,开发了清新、明丽、具有时代气息的新品种,在礼品瓷、展品瓷盒内外销商品瓷等方面,都获得了显著的成效。生产工艺:青花瓷是一种以天然钴土矿为呈色剂,在白釉坯胎上用毛笔描绘图案花纹,罩透明釉后,入窑一次高温烧成的釉下彩瓷。以江西景德镇为代表。它创烧于唐代河南巩县窑,宋代亦有烧制,到元代臻于成熟。从元代开始,历经明、清,无论官窑与民窑,一直盛烧不衰,成为最具民族文化风格的重要彩瓷品种。特点:青花是我国最具民族特色的瓷器装饰,也是我国陶瓷装饰中较早发明的方法之一。其特点一是着色力强,发色鲜艳,呈色稳定;二是纹饰永不退色;三是丰富多彩,明净素雅,有中国水墨画的艺术魅力;四是不含铅、砷等有毒元素,对人体无毒副作用;五是不但适合装饰餐、茶具等日用瓷,而且也适合装饰花瓶、大缸等陈设瓷;六是其制作原料含钴天然矿物蕴藏丰富。如今在全国掀起的“青花热”,也反映了我们希望青花瓷作为民族骄傲的意愿,以青花瓷独特的艺术手法影响世界对中华民族文化的敬仰,并能在现代工艺、现代文明的环境下传播并创造一定的经济文化效益。

元、明、清青花瓷器的区别比较 元 造型:器物造型的线条古朴、自然、构图圆弧中带柔,大件器物为主。 胎质:胎较粗松,带生烧味,含沙粒直至明代早期,胎体厚重,在圈足上能见枇杷红(即窑红) 底釉:影青(透明度较好)卵白或曰枢府(较浑浊)。 纹饰:运笔粗矿,自然潇洒。以大笔写意的花卉、人物为主,生活气息较浓。 青料:国产土青,进口青料 烧制工艺:砂底几乎都有窑红、铁锈斑块、粘砂。琢器多有接口,二节或多节。 款识:至今未见 明 造型:浑朴、敦厚。线条圆浑柔和,构图以弧线为主,大件器物早期不多,晚期增多。 胎质:胎骨较细腻(较之元代),胎色白度好些,密度也较紧,但瓷化程度并不高,较之元代器体要薄而灵巧,部分好的官窑器上能见枇杷红。 底釉:早期:白中泛青(或为枢府釉),釉质肥厚滋润,给人以含蓄的感觉,甚至是玉的感觉,有古典美感。后期:白度相对增强,釉质较肥厚,光泽不太强,釉色给人以深沉含蓄的感觉。 纹饰:用笔豪放,生动。题材广泛,取于自然,多写意,少写生。有人为意识,但仍以自然为主。 青料:国产青料:浙江土青、平等青(陂塘青)、回青(佛头青)、石子青、进口苏麻离青。 烧制工艺:常见窑红。釉底有缩釉、窑缝。罐类多见接口,器足根尖如鲫鱼背。多为釉底,少见砂底。底少有粘砂、跳刀痕。初有圈,砂底细腻光滑。 款识:始于永乐。宣德款式最多,有青花书款,阴、阳刻款等,楷、篆均有。 清 造型:轻巧、灵秀。线条挺直生硬,构图以直线为主,大件较多。 胎质:胎质较坚硬、致密,瓷化程度好(所谓中国真正的瓷器),胎质细腻,胎色较白,器体较薄,很少见有枇杷红的。 底釉:底釉发白略泛青,给人以光亮的感觉(康熙、乾隆最白,所谓浆糊白)。釉质细而薄,玻璃化程度好,色泽耀眼,有点刺眼,不够含蓄。 纹饰:用笔纤细,严谨。构图较图案化,甚至是拘谨刻板,较多人为意识。题材多仿古,以吉祥类图案为主。 青料:国产青料:石子青、明珠料、洋蓝。 烧制工艺:少见窑红,缩釉。琢器基本不见接口,器足根圆浑如灯草根。不见涩圈,多为釉底。少见跳刀,粘砂痕。 款识:历朝均有,款式多样,有青花书款,阴、阳刻款,楷、篆均有。

青花瓷鉴赏瓷器是我们祖先的伟大发明,到底产生于何时,学术界有争论。有人认为在商代就有。我所在的单位70年代就展出过一个尊,当时我还不太懂什么叫瓷器,有个专家说这就叫瓷器。我说这瓷器与现在的瓷器不一样,他说是不一样,那时候的很粗糙,就是表面上有一些玻璃质的东西,所以有的专家说这种瓷器应该叫原始瓷,但也有的专家认为这是陶器中偶尔出现的。至于到底是怎么出现的,这是专家的事,与我们无关。总之原始瓷是在两晋之前产生的,叫原始青瓷。到了两晋以后,开始出现了白釉、酱釉,以及唐代的秘色瓷和湖南长沙的釉下彩,还有宋代的五大名窑,都是人工将颜色做到瓷器上,是人可以控制的。这些在收藏界叫老窑瓷。到元代时就出现了青花、釉里红及红绿彩。今天我主要说青花瓷。有的专家认为青花瓷产生在唐代,也有人认为产生在宋代。到元代,青花瓷就已经成熟了。 咱们现代的收藏者大多数收的是元、明、清的瓷器。近百年的瓷器叫新瓷。从瓷器上来讲,有单色釉、彩绘釉。彩绘中青花瓷是数量最多的,从元代到清代直到现在近700年中,青花瓷是瓷器中的主流。 讲青花瓷必须先提青花料,青花料中蓝色的是氧化钴,属于釉下彩。什么是釉下彩?其制作工艺简单讲就是把坯拉出来后,等干了用氧化钴往上画,画完后罩上一层釉,再入窑,1260度一次烧成。在上一讲当中我提到过“九方五法”。 1、九个方面中,其中第四方面就是彩。已故的著名瓷器鉴定家孙瀛洲老先生,对元、明、清的瓷器鉴 定有很深研究,他提出了很多行之有效的方法。其中孙老通过对青花的观察,把青花的颜色分出了二十几种。如果我们把青花的颜色弄清楚,对我们的鉴定及辨伪会有很大好处。青花为什么会有这么多种颜色呢?因为在数百年中,青花瓷生产是主流,所以在很长时间里,不同历史阶段的青料来源和质地不同,再加上生产技术等方面的原因,对于青花瓷的发色的质量、呈色的色调都产生了不同的影响。正因这样,青花所呈现的质量、色调、风格必定有明显的差别,艺术效果也必然出现强烈的时代特征。这些特征差异为鉴定青花瓷的断代提供了重要依据,所以鉴定者对青料来源、品位、发色、呈色的来龙去脉有所了解是鉴定青花的基础。当我们拿起一件青花瓷时,第一眼看到的是它的造型,接着见到的就是青花的艺术效果,这是直观感受。结果常用明丽、鲜艳、灰暗、晕散、清丽、规整、刻板、呆滞等词进行概括,这些概括的词语的形成,是青花的发色质量、呈色色调与绘画艺术的综合体。什么是发色?什么是呈色?这两种色是怎样的关系,受什么条件的制约?这是要向大家介绍的。发色是青料在焙烧过程的化学变化,呈色是青料烧成后所呈现的直观感受。呈色的色调有以下几个制约因素:第一是发色,第二是胎骨,第三是釉子。胎骨就是釉里面的胎子,胎子发黄,发白,松软与坚硬都对青花有一定影响。釉子质量的好坏、颜色和厚薄都对呈色有影响。发色的制约因素:第一是青料,第二是施用技术,第三是焙烧温度。施用技术就是在画的时候,画功怎么样。如果蘸的颜料都一样,画线用力均匀,青花烧出来后就是一个颜色,否则青花就会出现深浅不一的颜色。再一个是焙烧温度,应该是1260度。同样的青料,如果温度过高,颜色发黑;温度过低,有点发绿。还有一点特殊的情况,就是单纯的青花瓷,它的发色、呈色都一样时,如果经过二次焙烧,即再进一次炉后,颜色要比没进二次炉的深,像后来的青花红绿彩、豆彩等。再说青料,青料受三方面影响,第一是成分,第二是提纯,第三是配制。我主要说成分问题。成分主要是氧化钴,它发出的颜色是蓝色的,其中含有一定的氧化锰,还有一种三氧化二铁,简称氧化铁。钴的含量越高,蓝色就越正,含量少就发灰。锰含量高时,青花就蓝中泛紫或蓝中泛红。氧化铁含量高时青花的发色就发黑。孙老先生把青花的颜色分出二十多种,他有时一看颜色就知道大概是什么年代的。 在没有断代之前,你必须把明清时期的皇帝都记住。如果年代断到哪里你都不知道的话,那怎么行呢?明前期的皇帝,“洪建永洪宣”即洪武、建文、永乐、洪熙、宣德。建文与洪熙时没有瓷器。“三代正景天”即正统、景泰、天顺,这三朝有人叫“空白期”,又叫“黑暗期”,说这个时期没有瓷器。我不同意这两种叫法,我就叫“明三代”。因为这个时期确实有瓷器。“成弘正德续”是明中期,即成化、弘治、正德。成化瓷在明代是最突出的。“中晚嘉隆万”是嘉靖、隆庆、万历,我们称之为中晚期。“泰昌天启崇”,即泰昌、天启、崇祯,我们叫明后期,其中泰昌时期没有瓷器,因为他一共当了29天皇帝。明朝是277年,也有人算的是276年,我编的顺口流说是“270年”仅是个概数。清代有10位皇帝,即顺治、康熙、雍正、乾隆、嘉庆、道光、咸丰、同治、光绪、宣统。清朝是以清三代的瓷器为主。下面我就按时代的顺序给大家介绍一下具体情况。 因为明代开国的皇帝朱元璋定年号为洪武,所以洪武时的青花瓷叫洪武瓷。由于元末的战乱,明开国初在瓷器生产上没有太大成就。我收藏一件高足酒盅,它的发色较稳定,基本上没有晕散,呈色是靛蓝色。我一开始就把它定到了洪武前期,后来请我师傅耿老看过后,他说这个花卉画法叫一笔点画,就是一笔画下,属于大写意。胎土是淡土黄色,质地较松软,造型很粗糙,所以可以看成是元末明初的瓷器。元末明初多事,开国之初,百废待兴,恐于瓷业无暇顾及,所以瓷器生产多于继承少于发展。此时的青料都是国产的,呈色的基调是淡蓝色,但由于质量与提纯不是很好,所以淡蓝之中泛灰暗的色调。总之洪武前期青花瓷的质量不高,与元末瓷器很难区别,在学术界内认为这是一个过渡,所以在鉴定当中,就有了“元末明初”一说。这个酒盅口径是4.8厘米,高也是4.8厘米,属于民间的小器。我得来的时候碎成九块,还有短缺,后来经过修复。这件东西说实在的很不值钱,但是对于我来讲,我就这一件,基本上还算完整,重要的问题是它是元末明初的标本。在鉴定当中,我们就可以此为参考,上可推想到至正,下可联想到永乐、宣德,所以我认为我这个酒盅是精彩的东西。洪武时期青花瓷产量少,也没有见到过书写官窖款的官窑器。据说那时有官窑器,但是没见过有款字的,所以您要是见到了“大明洪武年制”款的瓷器,您就把它说成假的是没问题的。 我除了鉴定还搞修复,我把陶瓷修复分成六步,叫六步修复法。 2、其中第四步叫补配,就是把碎片粘接起来后再把它的短缺与裂缝补平。“六步法”主要用于修陶器。至于修瓷器,一般仅用到第四步,后面的仿色和做旧两步,因材料等原因,就不去做了。今天我带来的复原瓷片,就是这样做的。 洪武之后的永乐、宣德时期,青花器有了长足的发展,它们的主要特点是使用了苏泥勃青(或叫苏勃泥青、苏麻离青)。苏泥勃青是一种进口青料,含钴和铁的比例较高,而锰的含量较低。发色浓重,易晕散,但散得自然。呈色的基调是青蓝色,浅处为天蓝色,深处是靛蓝色,浓重处出现铁钴斑。出现铁钴斑是苏泥勃青的特点。喜收藏的人将苏泥勃青简称为苏料。苏料有什么特点呢?一般来讲苏料要深入胎骨,是凹下去的。我们这样看的话是黑颜色的,但是你迎光侧视的时候就不是这个颜色了。侧着看,一是你可以看出它比较往下凹,二是它反的光不是黑光,而是锡光。如果不是苏料的话,你迎光侧视还是黑光。所以大家再见到这种情况的时候我希望你们侧着看。这个呈靛蓝色和出现铁钴斑的地方,一般咱们用手摸是凸凹不平的。它的凸凹不平没有规律,原因是什么呢?一是工料,二是修胎,没有规律。到了清末同治年间的时候,比较大的那种器型,你摸着它也不平。但是那个不平跟这个不平不一样,这个不平没有规律。同治年间的你摸起来不平是有规律的,就好像波浪似的,行话里面叫作波浪釉儿。那个是釉子的问题,这两个咱们要给分开了。平心而论呢,铁钴斑的出现应该属于原料和工艺上的问题,就是不足。然而这种不足,在鉴赏者的眼睛里既不认为是美中不足,也不认为它是瓷不掩瑕,而认定它是一种特殊的艺术效果,就像哥窑一样。大家都知道俗话说的蹦磁儿,就是上面开了好多片儿的烧坏了的瓷器。但是当时宋代的那位工匠很了不得,他就把这个缺点变成了优点,而且成为宋代五大名窑之一。所以,我们认为在鉴定是不是永宣瓷的时候,这个铁钴斑是鉴定时候的依据,而且是重要的依据之一。 这个碗叫作缠枝莲花蝴蝶碗,也是我修的。碗上的青花是青蓝色的,就是蓝中有点儿泛青灰。颜色有深有浅,浓重处有钴斑。碗的胎子薄,一会儿我还要说为什么薄的问题。胎子薄,修胎很规整,釉色是青白色的,而且很滋润。这个器足的外墙是外撇式的,向外撇。另外就是这个地方叫作内折角,在内折角这个地方有积釉,颜色是虾青色的。足内的这个底釉儿是镶白色的,两处的釉子不一样,它泛白而且薄。所以这个碗我们可以认为是永乐中晚期的瓷器。苏料易晕散,所以用它来画细线或者人物的眉毛眼睛这些细微的地方都不太适应。但用它来绘画大小的花朵或是枝叶呀,具有一定的特色。这一件叫作喜鹊登枝,它更能够体现苏料的特点。这个颜色显得更重一些,而且刚才我也说了它这上面的苏料的钴斑比那个明显。像这个画的喜鹊,很明显的就叫作晕散。它本来画的很清楚,但是因为这个料往旁边散,所以看起来有些模模糊糊。这就是苏料的特点。原来有人讲永宣不分,即永乐和宣德的瓷器不分。实际上能不能分呢?有些地方还是能够分的。就拿这两个碗比较,这两个碗个头儿差不多。我们在鉴定当中有一种方法叫作手头儿。什么叫作手头儿呢?就是把这两个碗拿起来用手一掂,这个碗比较重一点儿,这个碗的手头儿就显得比它轻。为什么它重它轻,这就是胎子的问题了。永乐时候的碗腹部比较薄,宣德时候的碗腹部比较厚。这个怎么去判断它呢?有时候咱们拿笔写不出来,用嘴说也说不清楚。你要这么摸,你这么一摸,就摸出这个厚,那个薄。所以说永宣这两个时期的瓷器还是能区分的。刚才我说的这个苏料,可能是郑和七下西洋给带回来的。到今天为止也找不到那个产地。后来因为郑和不下西洋了,这个苏料的来源就断了。在明前期的时候,具有这样特征的青花瓷也就逐渐地没了。 到了成化年间,又出现了一种新的青料,叫平等青。平等青出现以后,青花艺术就出现了另外一种崭新的面貌。咱们先对前面所讲的苏泥勃青料有一个小结。因为苏料它这个特殊的艺术效果,到了明正德的时候,就开始有人仿制。以后,明代的后期、清代、民国,一直到了今天,都有人仿制。所以,有些人说他买到了宣德的东西,咱们说它是假的,他上当了。那么,对于这个苏料到底怎么样来断定它,就三点。刚才实际上我讲过了,咱们再重复一遍。第一,就是看这个黑斑的斑痕是不是自然。这怎么讲呢?因为没有这个苏料了,那么钴斑就出不来,怎么办?就用笔往上面点,用一些黑颜色的料往上面点。点出来的话你看着就不自然。第二,就是这个黑斑是不是深入胎骨,也就是说这个黑斑是在它的表面呢,还是深入到了胎里面了。第三,就是我介绍的那个迎光侧视有没有锡一样的颜色。这三点请大家能注意。因为后来没有这个料,即使你再点染,说实在的你也达不到当初那个效果。大概在六七年前吧,有人请我去看东西,拿了这么大的一个碗。我就说你这个是假的,而且我说碗底下写了六个字--“大明宣德年制”。他说:“您怎么知道的?”我说:“你这个是宣德碗。”“是呀,我这个就是宣德碗。”我说:“但是你这个碗是假的。”而且我更清楚,这种碗是在80年代的时候景德镇复制的东西。结果传来传去,就传成了真的了,按真的去卖去了。据说他花了大概是5万块钱。 成化初年,据说这种苏料还有一点儿。但是这类的瓷器我还真没有见到过。成化时期的瓷器,大多数青花的艺术效果是淡雅柔和、缥缈脱俗的这么一种风格。这种淡雅沉静的风格是后人喜爱成化瓷的最主要的一个原因。这个时期所使用的青料的名称叫作平等青,也叫坡塘青。这种青料产于江西瑞州。产生这种平等青青花艺术效果的因素是多方面的:这种青料的含铁量少,而锰的含量相对来讲比较多;发色稳定,或者趋于稳定,没有飘浮感;呈色是蓝泛青灰;这个时期瓷器的胎子是洁白的,釉儿是又肥又透,用平等青就可以画出比较细的纹饰来了。所以色泽显得淡雅、柔和,给人一种云遮雾障、若隐若现的缥缈的感觉,使人感到这个成化瓷有一种神秘感。这就是成化青花瓷的魅力所在。 这件东西我管它叫作全株花卉图文碗。有人说这个碗上画的叫作秋葵,因为我不懂植物,这个是不是秋葵我就不敢说了。我就把它叫做花卉吧,全株花卉。它的花色基本上是稳定的。呈色是蓝中泛点儿灰,蓝泛青灰,浓重处有黑蓝色。但是它决不往下凹,它是平的。釉质滋润,胎子是白的。你要是学鉴定的话,要先看瓷片儿,你从瓷片儿上一看就看清楚了。釉色是白的当中泛着青,白中泛青。用手摸它的表面,有的地方往上鼓,但是没有往下凹的感觉。这些都属于平等青的特色。在这里给大家介绍一下全株花卉。花卉应该是由哪些部分组成的呢?有根、杆、枝、叶、花,在其他任何的一个朝代之中,他们画的花卉都没有根,唯独成化的时候画的花卉有根。这是成化时期画花卉的特点。所以说有了这个特点,我们对于鉴定成化瓷又找到了一个证据。成化时期的瓷器还有一个特点,就是官窑器和民窑精品没有什么太大区别。根据这件标本的图样,还有釉色、釉质、青花等方面来看都是成化民窑器。说实在的,成化民窑器精品比官窑器还难得。当时我得到这个瓷片儿的时候,对这块瓷片怎样断代我是比较犹豫的。它是不是真的成化瓷?尤其是后面这个款子,写的是“大明成化年造”。它的字体比较潦草,也不规整。后来按照孙瀛洲老先生所讲的方法,用15倍的放大镜看它的款字这个地方。它的釉面儿里面气泡儿密集,像蒙蒙云雾。这种现象是成化瓷所特有的。出于慎重,我又请耿老过了目,耿老说这是成化瓷。所以这块儿残片咱们就把它定为成化民窑的精品。孙瀛洲先生对成化瓷有一个精辟的评价,他认为成化瓷器胎质细腻纯洁,白釉莹润如脂,色彩柔和,笔画流利,造型轻灵秀美,表里精致如一。 成化瓷在瓷器发展史上占据着一席之地,很重要。在瓷器鉴赏当中有一句话叫“明看成化,清看雍正”,也就是对于瓷器来说明朝最好的就是成化瓷,清朝最好的是雍正瓷,这就足以证明陶瓷界对成化瓷器的重视和珍爱。正是由于成化瓷器受到了后代人的青睐,所以从嘉靖的时候就有人仿制,以后历代均有仿制,一直到现在。其中以清雍正时仿的最精细,他们在葩、形、釉、彩、绘、款儿等各个方面都很注意,都追求成化的风格,效果相当不错,几乎可以乱真。 雍正时的瓷器有写“大明成化年制”款的,那是仿品不能叫赝品。因为它外边是粉彩,粉彩是康熙时才有的。它的款子写得相当漂亮,但是与真的成化瓷一比,它的破绽就出来了。到了晚清,很多瓷器上都写着“大明成化年制”或是“成化年制”。我在鉴定过程中,经常有人说他的瓷器是成化的,我说不是,因为它上面的字非常潦草,不能单纯看款子还要看其他方面。另外,成化年间的瓷器没有“成化年制”这样的四字款,倒有“大明年造”或“大明年制”。 在鉴定中还有一句话叫成弘不分,即成化、弘治这两个时期的瓷器不分,因为这两个时期的瓷器在质量上没什么太大的区别。为什么会出现这种现象呢�成化朝的皇帝叫朱见深,他在当太子时娶了一个妃子姓万,万妃比他大18岁。后来朱见深当了皇帝,没有把她立为皇后,但是万妃在后宫的势力大于皇后。万妃曾经生了一个儿子,但是3岁就死了,以后她再也没有生育。可能是处于一种嫉妒心理,后宫的妃子凡是怀了孕的她都要让人坠胎。后来朱见深在后宫的御书房见到了一个宫女,这个宫女是当初广东的一个小方国的公主,国被灭后就被弄到宫中当了宫女,结果这个宫女就怀孕了。万妃对一个宫女不是太注意,当显形以后万妃知道了,就命人用钩子把胎儿从母体中钩出来。钩出来以后就要弄死,当时被太监保护起来,宫女也被保护起来了。到这个孩子5岁的时候,朱见深就感叹自己无后,此时太监就借机告诉他说,你有儿子。这不是我杜撰的,我查过明史,明史后妃传中有一段记载,上面说弘治皇帝头顶上有一块地方没有头发,是用钩子钩的。朱见深的儿子叫朱樘。 为什么我要说这么一段历史呢�原因是:首先,万妃在后宫的势力很大,朱见深又很敬重万妃。万妃喜好小巧清秀的物件,其中就包括瓷器。明看成化,一看它的青花;二看它的斗彩,就是在胎的上面,比如想画一个鸟,可能只画腿和头,但身子不画,然后罩上一层釉去烧,烧完后由其他的颜色把身子补齐了再烧。现在最有名的是斗鸡碗、斗鸡杯、斗鸡缸,像这样的东西在拍卖行大概一对就一百多万。所以说当时成化的瓷器恐怕与万妃有一定的关系。 第二,朱樘可以说是九死一生才当上皇上,他对民间的疾苦有所了解。他当了皇帝以后或多或少地减轻了一些民间的负担,对烧瓷也不再强令如何。这就形成了弘治时期所接受的东西大都是成化的,因为他自己没有什么创新,这就是成弘不分的一个原因。 �拿出一个碗片这个是弘治时期的碗,我给它起的名叫“踏青舞蹈”,这也是民窑器。它的青花花色不太稳定,有晕散,尤其是口内的内沿更明显。呈色是灰蓝色,色调比较浅淡,釉面白灰色中间闪着青,足内折角是虾青色。足的外墙有两道弦文,两道弦文之间有距离。上边一道弦文比较轻淡,下边一道弦文比较粗重。碗的画面可能是8个年轻的男子,在这个碗片上可以见到4个,因为这是半个碗,所以可能是8个。他们身上穿的都是长衫,翩翩起舞,舞姿舒展优美,动作协调一致。背景是一片比较平坦的土埠,还画着很多的柳枝,整个画面呈现出一片融融春日踏青的祥和气氛。这是一幅写实的民俗画,从整个画面看,文饰线条豪放秀逸,较之成化器显得深沉一些。画人物像从元代就有,那时大多数以画成人为主,到宣德时期也有画小孩的,但是不多。但到了成化年间画男孩和年轻男子的题材就多了。刚才我指的这两条线叫弦文。在明前期,主要是洪武、永乐年间没有双线,或者是一道,或者是画的花,双弦文是从宣德时开始有的。再有鉴定时要注意上限,就是什么时候这东西开始出现的,这很重要。在它出现之前的东西如果有了它还没出现时候的特征,那么肯定是假的。这个就是在宣德时期出现的双弦文。还有一个特点是这 两条线一轻一重,上边的轻下边的重。这种特点从宣德就有,到了成化时很明显,而到了弘治时就不太明显了,再往后就没有这种特征了。所以我又编了一个顺口溜,叫:“宣德时有双边线,成化规矩靠底边,上线轻细下浓重,直到弘治还可见”。“成弘不分”,确实很难分,但是有些细微的地方还是可以看出区别的。例如,成化时期的花色是“蓝泛青灰”,而弘治时期的花色相对成化来说就要浅淡一些;成化时期的色调是灰蓝色,而弘治时期的色调显得比较深沉,弘治时期出现的铁钴斑比成化要多。刚才我们讲了明中期的平等青。下面我再说三点:第一,关于刚才讲的气泡问题。观察气泡,是起源于孙老先生,但是孙老所指的是成化时期的瓷器,其他时期的瓷器孙老没有讲,而且这件事我问过耿先生,耿先生说孙老没有讲过别的。我对气泡也仔细观察过,只有成化时期的瓷器特征特别明显,其他时期的瓷器上的气泡找不出规律。所以有人问我看气泡行不行,我只能说您自己总结,如果您总结出来,我想学反正我没总结出来。第二,胎色。由于烧制的工艺不同,胎色也不同。一般讲,明代的胎色是肉红色,清代的是青白色。你对着阳光看,胎子厚的看不见,薄的完全可以看见。凡是明代的里边泛的都是肉红色,清代的是青白色,这就是明代瓷器和清代瓷器胎色的不同。如果有人拿来一件成化瓷,比较薄的,你实在看不出来就看里边,只要是青白色的就是假的。第三,关于内折角。内折角就是底面与足墙的夹角。这个夹角里边有积釉,就是上釉的时候积得比较多,多了以后就呈现出一种虾青色。这是明代中期以前经常出现的,现在的仿品也注意到了这个问题。但是仿品的积釉与真品的积釉有两点不同。第一,它不是虾青色而是淡绿色,即使能接近虾青色也是泛绿的。第二,明代虾青色的线有些窄,而后仿的比较宽。 皇帝都有“三宫六院七十二嫔妃”,只有弘治--朱樘只有一个皇后,而且他只有一个儿子叫朱厚照。这个孩子娇生惯养,弘治死了以后,他当了正德皇帝。17岁登基34岁就死了,一共当了16年皇帝。这个正德皇帝无所作为,主要是吃父辈的家底。所以他在瓷业上没有什么建树。但是正德一朝的瓷器生产还是继承了成化的遗风。从青花瓷来讲,正德前期的瓷器与弘治瓷器基本相似,只不过正德时期的黑斑显得更多一些,平等青也没有了。此时又出现了两种新的青料,一种叫回青,另一种叫石子青。据说回青产于西域,具体是哪儿不知道。 正德时期也有一些新东西,出现了新造型,例如锦墩、笔架、佛前五供,都是从正德时开始有的。在款子方面,出现了藏文和回文,回文主要是阿拉伯文。此外,仿制前朝的东西从正德开始。在这里我想讲一下仿品与赝品的区别,仿品从学术界来讲叫“寄托”。正德皇帝要崇敬他的前辈,所以要仿宣德瓷器。现在的仿品与赝品的区别是价格,这个碗仿的是成化的,卖的是市价,那就是真的。如果你按成化价买下来,就冤了。这样区分是因为瓷器没有假的,只要价格合理就不叫赝品。这是我对赝品的看法,仅供大家参考。 明朝嘉靖、隆庆、万历三朝皇帝一共占了99年,将近一个世纪。在明瓷器史上又是一个突出阶段,出现了许多新的器形,文饰也增加了。民窑的精品和官窑器基本相似,最为突出的就是使用了回青。回青是正德时期出现的,据记载,回青是进口青料。回青中的氧化锰含量很高,而氧化铁的含量很低。回青的特点是“散而不收”,就是花色散,所以它必须与石子青配合使用。石子青的特点是花色“沉而不亮”,不散。把散与不散的混在一起使用,呈色就 有一点青中泛紫。但是据历史记载,配料比率是不同的,分为上青、中青、下青三个等级。上青主要用于混水,颜色清亮;中青用于设色,则笔路分明。这是一种新的瓷器绘画技法,叫“双沟填色”,是成化时期出现的。就是先画两条线,颜色较重,再在两条线间添上较浅的颜色。到了景德镇就叫“混水”。成化时期由于“双沟填色”的绘画技法刚出现,所以还不成熟,那时的双沟填色填的几乎与勾勒的颜色一致,有时分不清。到了隆庆时期,技法与配料都已经成熟,画的最好的是隆庆朝时期的。指着瓷片这块就是隆庆时期的,是真正的官窑。隆庆时的选料、精炼的技术都很纯熟了,所以青料的花色是纯正稳定,呈色是蓝中泛紫,色调浓重鲜艳,达到了炉火纯青的境界。它就是用的双沟填色。它的线条非常流利自如,轮廓线与填色的色调非常协调,修胎也很规整。釉色是白泛微青,釉层微厚,釉面细润,光洁平整。器足内是六字双行的“大明隆庆年造”楷书款,中锋运笔,顿挫有力,结构庄重严谨。我再说一个问题,指着瓷器这个是永乐时期的,底足里边的釉子发白,质量远不如器身。到了明中期,它的底釉与器身的釉完全一样,到了中晚期它的底釉的光洁度和亮度都要比器物本身的好,不止官窑,民窑的精品也是这样。 我今天介绍的都是比较细微的地方,搞鉴定要从点到面进行突破,很小的地方就能反映出对与错。现在仿品仿得再好,在某些点上肯定与那时候的不一样。从底釉上来看,不管有字没字,与器身一样时,我决不会把它放到明中晚期。如果底釉比器身的釉还好,就不可能把它放到明中期去,只能考虑它是明中晚期的。到了万历时,回青虽然还在使用,色调与以前也差不多,但是在其他方面都不行了。所谓明代走下坡路就是从万历时开始的,整个社会衰落瓷器生产也跟着衰落,而且此时回青的来源也渐渐的没了。所以到了明万历中期,瓷器的质量越来越差,到了晚期,大多数瓷器已经平淡无奇了。 在明万历时期又出现了两种青料。一种叫珠明料,另一种叫浙料,这两种料都是国产的。珠明料产于云南,浙料产于浙江。珠明料在元代时已经出现了,直到现代珠明料还在使用。这两种料也分上、中、下三个等级,含钴、锰量较高,含铁量较低,发色都很稳定。 浙料的呈色是青中泛红,回青料是青中泛紫,这就是两种料的不同之处。在明天启时期用的主要是浙料和珠明料。此时把青花的料分出几个色阶,就是把青花料分出浓淡。在“双沟填色”刚出现的时候,只能分出浓淡两种颜色,到天启时就可以分五种颜色叫五彩青花。由于色阶多了,画面表现力也更丰富。指着一个瓷片这个叫“龙凤呈祥碗”。青花的呈色是灰蓝,以黑蓝色为主,其中有的地方模糊不清。它的灰蓝色里泛着一点红,釉面呈青白色,外边画的是一条龙和一只凤,里边画的是一只羊,羊在商代时就是现在的“祥”,所以我把这碗叫“龙凤呈祥碗”。釉面泛青一直延续到康熙二十年,在这之前所有瓷器的白色地方都泛青。到康熙十年后,釉面都是白的。如果给你拿来一件明代的瓷器整个是白的,您就不要信。又拿出一件瓷器,这是垂钓图文碗,它的画风非常好,它的青花就是五彩青花,画面把远近都表现出来了。而康熙之前的画面,基本都是平面没有深度。

青衣的表演艺术研究论文

张火丁的魅力在哪?因为工作的关系,跟张火丁接触过几次。在中国戏曲学院当了教授、并且有了女儿之后,张火丁明显健谈了很多。往常国家京剧院或者戏曲学院开发布会,研讨会,她就按安静的坐在那儿,不客套、不张扬。跟她聊天的时候,你就会觉得这是一个单纯、善良的人,她脑子里估计只有京剧和女儿。你会被她的气场所吸引,这种气场与时代的浮躁格格不入。这也是她受知识分子、大学生欢迎的原因,在她身上感受到一种传统之美。张火丁演出的火爆,很多人都有所耳闻。近几年的几场复出演《锁麟囊》《春秋梦》《白蛇传》,基本上票一开售就售罄,在长安大戏院门口被炒到3000元一张票。演出时,张火丁一个身段、一句念白都会有观众大声叫好,特别是“春秋亭外风雨暴”这样的经典唱段,基本一句一个好,很多被朋友带来第一次看京剧的观众很快就会被这种氛围所感染,稀里糊涂的成了“灯谜”。谢幕前五分钟,保安就要冲到台口前维护秩序,以防止激动的戏谜。那么张火丁唱的好吗?我觉得好。很多人说张火丁先天条件不好、扮相也是苦瓜脸,但对于程派来说,这反而是一种特点。她对每一个动作、每一句唱词,都有自己的要求,绝对不撒狗血,不为了博得观众的喝彩而唱。她塑造的人物“薛湘灵”“白素贞'等形象,前后是完整统一的,现在很多“艺术家”的演出成了经典唱段音乐会,每一段都很出彩,却不见完整的叙事和人物。为了一场演出,张火丁通常要准备很长时间,期间经过大量的排练、走台、彩排,这些都在幕后。这还要感谢她的哥哥张火千,这位哥哥是武戏演员,一定程度上充当了张火丁的经纪人、助理等多重角色,为了妹妹的艺术保驾护航,排除了外界的纷扰。 最后,说下张火丁的演出为何被当成一种现象研究?京剧市场的冷淡,与张火丁演出的火爆;印象中演员的张扬,与张火丁的低调;现在整体氛围的泛 娱乐 化、浮躁,与张火丁的淡然、纯粹,都形成了鲜明对比。这些,当然值得当作一种现象研究。她在一个浮躁的、京剧不被重视的年代,依然保持了对于自身爱好的一份淡然的、执着的坚守。而这正是,我们现在的很多人,特别是知识粉丝所缺失的。看戏,何尝不是在看自己的人生。 张火丁,程派名角 票房号召力一直非常强。但凡演出,她的票几乎都是一票难求,这在如今落寞的京剧界简直是不可思议。因为票房的火爆,张火丁被推上了神坛,甚至获得了灯神的美誉。 灯神不灯神的有待商榷。张火丁的水平虽然说很高,但是也不是最高,那么为什么它的票房就那么好呢? 为什么?因为会营销啊。 第一,冰山女王的人设。 张火丁是出了名的冷不爱说话。她的性格确实就是这样,这个不做什么评价。因为不爱参加那些乱七八糟的演唱会,不向资本妥协,再加上扮相冷艳,和她本身的性格十分相符。所以在京剧界得了个不食人间烟火的仙子形象。这个形象,对中年男人的吸引力,可是十分大的。 第二,几乎不登台,十分“爱惜”羽毛。 早期张火丁的水平真的很高,吸引一大波粉丝不是没有道理。但是后来说是压力比较大,转去教课了。说实话,作为一个演员,哪一个不是想在台上多演戏,多演出。有一句话说得好:“在台下排十遍不如台上演一遍。”但张火丁偏偏选择了另外一条路,有人说她是高冷,是资本太邪恶,也有人说她是受了冷遇,被人排挤。但是真正懂的人知道她转行做老师,是因为她的嗓子出了问题。她一直都是学习男旦的发声!忽略了坤旦嗓音的特点。连她自己都说,向男旦的方向演,观众更喜欢。所以越来越剑走偏锋,好听是好听,但是舞台生命太短,她唱一天行,唱两天行。连着唱一个礼拜嗓子就不行了。 所以张火丁的演出少是没办法。因为嗓子有问题,所以只好偶尔演出一次,声称是高质量的演出。但是由于长时间不登台,许多戏都十分生疏,连《红鬃烈马》这种可以现挂的戏都要排好几遍。 有一点,她会去观察观众的喜好,知道迎合观众,说明她也不是十分高冷了 演的少,懂得饥饿营销。 这个饥饿营销,八成不是她想出来的,很有可能是她哥哥想出来的。张火丁在京剧界“一年不演戏,一次赚一年。”有些类似于王菲的天价演唱会。这次的《霸王别姬》的票价也是炒出了天价。 在没有开始前就发出消息说,凭身份证每人只能买一张票。大麦网只卖80张票。所以有好多人提前就去排队,搬着板凳,背着被子,乍一看真的是京剧繁荣了。 开票时长安两个小时售出300张票,线上售出80张票,而且没有茶座,全部都是普通座位。 长安总共有792个座位,但是售出的总共只有380个座位。 那剩余的座位呢?票呢?卖给谁了? 随后网上的黄牛开始售票,票价卖到了几万,好多从外地来的戏迷买不上票,只能登个记,说是下次优先给她们票。 但是长安明明有剩余的票,为什么不拿出来卖,就算是领导赠票也赠不了400多个座位吧,况且北京哪来的那么多爱看戏的领导。 那么最后这剩余的400张票到底到了哪里?不得而知,那么作为主办方,是不是应该为那些没有买上票的观众负责,向他们解释一下300张票到底卖给了谁? 说实话,营销可以,但是这种饥饿营销真的不是个事儿,大大方方开全票,就算把票价上升到几千也没人说呀,几次被坑的都是忠实的粉丝,我真是心疼张火丁的这波戏迷。它的确是一种现象,但是很多人并没有弄明白为什么会这样。 当今的京剧十分的不景气。我再重复一遍,不是一般的不景气,而是特别的不景气。但是却出了一个张火丁,一枝独秀。为什么在京剧市场这么寥落的情况下张火丁却大红大紫呢呢,这真的值得人们研究玩味。有一次京剧演员张建峰在直播中就说过这样的话:“全国的京剧院团都在赔钱。不演不赔一演就赔,只有一个例外,那就是张火丁的演出,只要张火丁演出就赚钱”。 那为什么会是这样呢,她难道有什么特殊吗?京剧红火的高峰是在二三十年代,京剧的四大名旦四大须生时期,那时候全民爱京剧,京剧也成为国剧,那时候很多的名角都受到全民大众的欢迎。自从49年以后,京剧受到人为的打压和限制,京剧的剧目人才等各方面都青黄不接出现了断层,继而逐渐衰落。如今京剧非常不景气,但张火丁现象说明一个什么问题呢?实际不是京剧不好,而是没有名角儿。艺人的玩意儿;艺术不能吸引人,不能让人流连忘返有还想再看的欲望。那么张火丁在各方面让年轻人喜欢也让很多初接触京剧的人很惊讶,哎呀,原来京剧还可以这么美,从而被张火丁的艺术而征服,成为她的粉丝追星族。 张火丁完全凭的就是自己的实力征服了观众,吸引了众多的年轻人喜欢京剧。当然她是不是比过去的四大名旦等一些老艺人的艺术好呢,这个不做评价,因为我们无法比较。 还有一个原因,就是现在其他的艺人的艺术只能说实在是很一般,吸引不了观众,这也是张火丁一枝独秀的另一个原因。另外三个原因。第一,她每年演不了几场,第二她用一种饥饿营销法来售票。第三,她积攒了很多的粉丝为她呐喊助威。这些都是她受欢迎的另一些原因吧。关注张火丁,是从她的名字开始。一个火,一个丁,毫无关联的两个字组合在一起,令人费解。所以她的粉丝只好叫灯迷!后来看她的表演,唱腔委婉幽怨、似有若无、声断而气不断,充分体现了程派青衣唱腔的独特魅力。还有,张火丁的身段、水袖堪称一绝,无人能比!舒展大气节奏感强,在巜春闺梦》《锁麟囊》巜白蛇传》中有大量表现,给人美好的视觉冲击!再后来,看了白燕升对她旳访谈,才发觉这是一个多么安静、多么内向、多么不善言谈、不会张扬的女人!不问不说话,问一句答一句,羞涩而腼腆,是女人中的女人,真的是人淡如菊、我见犹怜,具有不同凡响的美!在当今的 娱乐 圈她堪称另类!总之,张火丁的火暴,除了她的精湛技艺外,其人格魅力也是一个重要因素!与她类似的人还有一个,他就是著名男中音歌唱家寥昌永! 有人把张火丁现象称之为饥饿营销下的必然结果,这个恕我不敢苟同,饥饿营销也是有针对的,张火丁现象其本质是她足够讨人喜欢,不然你换一个不知名的演员出来,看看能不能场场爆满? 其实戏曲界很多东西不用说的那么细,因为这和 娱乐 圈还真不一样, 娱乐 圈多是炒作而成。而戏曲界,群众的眼睛是雪亮的,唱的好自然有人捧,唱的不好的也自然无人问津。张火丁现象之所以会出现,还是因为张火丁天生有那么一种“角儿”气质,她从来都是安安静静学戏,本本分分演戏,也从不撒狗血,她的演出一直有一股清流。 天性淡然、与世无争这些词语放到张火丁身上似乎非常恰当,她是那种一坐到人群里就默然不语的人,但是你越是注意她,就会越觉得她气质非凡。张火丁可以说是目前程派三代弟子中最火的一个,也是争议最大的一个。喜欢张火丁的爱的疯狂,不喜欢张火丁的恨之入骨。有不少人觉得她的程派张韵把程派给毁了。 尽管张火丁没承认过程派张韵,但仍有很多戏迷为此争执。其实张火丁的唱腔确实有程派张韵的味道,不过我并没有觉得什么不好的地方,相反我还挺欣赏这种唱法。现在戏曲界大多是研究前人的流派,很少有人能够创新——偶尔有创新的还要被喷,比如李世济。我觉得唱戏不应该是一味地继承,这样说出不了什么成绩的,唱戏就是要创新。 试想一下,如果戏曲界不支持创新,那么就没有四大名旦了,梅兰芳、荀慧生、尚小云、程砚秋他们就全成王派的了。那么也没有什么谭派马派余派杨派老生了,大家伙全都跟程长庚老爷子学老生算了。正是因为有不断地创新,所以我们才能看到这些流派的出现。这也是京剧乃至整个戏曲界发展的主流,只有创新才能够持续发展。如果一味地固守陈旧的观点,那么京剧的没落是必然的。 我想,像张火丁这样的京剧演员,可能正是因为她的这种“角儿”做派,才会产生“张火丁现象”的吧。希望其他演员能够从中吸取一些经验。 我是戏曲说,专门说戏曲,更多精彩请关注公众号:戏曲说 从程派一个戏迷的角度来回答,如今觉得张火丁不但学习到了程艺术的真谛,而且又能体现出程派的唱功身段舞蹈艺术,应是现代程派艺术主要代表人物。京剧艺术是需要传承又需要发展的艺术。京剧能走到今天,除梅尚程荀四大师的传承下来,又要有创造发展,使得京剧艺术有更强生命力。张火丁在这方面做得很突出。她的表演非常注重继承,在程派的代表传统剧唱功中就可听到她不是单纯的学,简单模仿象不象,而是在如何表现程派唱功特点上下功夫。我们通过听张火丁唱就能享受到程派小腔板眼都有变化,细腻优美动听,很有特色,这说明张火丁是下了功夫的。同样是《锁麟囊》《春闺梦》《白蛇传》她的表演就与众不同。再有张火丁还有她的独到之处就是她的“冷艳”,张火丁的扮相和程派的“悲美”又有相同之处,上天就给她塑造了程派的表演魅力。这里也可以看到张火丁身段舞蹈水袖等方面的功底,她的动势大而不散,轻而不浮。《白蛇传》看到张火丁的表演非一日之功,张火丁在戏中对唱腔的处理,对身段等表演真是有一种完美直至的感觉。张火丁不但能继承还勇于创新发展程派艺术,成为当今程派创新者之一。京剧《江姐》里张火丁的表演创作是最好的说明,融入了时代的气息。听长江……,绣红旗……,红梅赞……已成为名曲名段。张火丁在京剧界较早地在北京人民大会堂举办个人演唱会,轰动效应很大。因不在京城,本人只能从媒体有限的报道中了解到张火丁,看她的表演。俗话说演好戏先做好人,张火丁在媒体中表现低调,淡定,稳重。这就为她在程派戏中塑造人物奠定了坚实的基础,再加上她的戏大如天的认真态度,给她的表演大大加分。因此综合起来看张火丁的演出必然深受欢迎,在当今京剧界形成一种现象。作为张火丁的老乡,预祝她在程派的表演道路上越走越好,塑造出更多观众喜爱的角色,做一名真正的人民艺术家。 程派张韵.张火丁的程派确实受好多老年人和青年人的喜爱,说实话要唱好戏先要会做人一个戏剧名人的一举一动老百姓都看的一清二楚。张火丁人品好低调不张扬所以戏好人好这是大家喜欢她的主要原因。 道是末曾见过天津京剧院张火丁的模样,晚上有幸看了兪振飞与张火丁的昆曲:游梦惊梦,书生装的小生,运腔转调,依依丫Y的唱着,细长的眼晴随着一双飞扬的眉毛上挑:张火丁碎步移移上场,那身上一袭红妆如同一团火焰,一下就仿佛就烧到兪先生的身上,四处火星在跳跃,张火丁的一对眼晴在粉红的脸上溜溜的转动着 兪先生热情似火,唱的兴起额头上起了亮光,笛子和洞箫呜了起来,笛声如同流水 把下沉的箫声托了起来,张火丁一个旋转 ,一个身段:人生在世如春梦,,, 此时,我整个人脱胎换骨,,。因为一个人,爱上一座城。 十年前,因为看了一出张火丁的《锁麟囊》,爱上了京剧。相信在中国,今天有许多老、中、青三代的朋友都是象我这样,通过一个偶然的邂逅,喜欢上张火丁,喜欢上京剧的。这也许就是“ 张火丁现象 “,在京剧逐渐成为真正的非物质文化遗产的今天,却突然涌现出那么多铁杆粉丝,象追捧大腕明星一样追捧着“程腔张韵“的张火丁教授。在中国,能够在人民大会堂开个唱,能够在德国科隆大剧院登台,能够在美国纽约林肯艺术中心表演,并在任何场合都能满座且获得巨大成功的京剧表演艺术家,只有张火丁一人。 台上一分钟,台下十年功。张火丁之所以能获得巨大成功成为当代京剧票房 第一人 , 与她对京剧艺术的理解和热爱,与她刻苦钻研和淡泊名利,与她的辛勤付出和家庭的支持帮助以及名师的栽培指点,密不可分。 继承与创新,是张火丁京剧艺术的全部内核 。没有这个灵魂,何谈“张火丁现象“。程派是京剧流派中最枝繁叶茂的一个流派,后辈新秀层出不穷,传承相当广泛,第三代佼佼者有“程小五旦“的说法 。然而大多仅承袭了先师衣钵,唯有张火丁,创演了许多新剧目,如《梁祝》、《白蛇传》、《江姐》等,光大了程派艺术,同时收获了更多新戏迷。张教授以其淡泊的人品、极高的天赋、不懈的追求,执着的热爱,为国粹艺术的传承和发扬,做出了很大的贡献。当代京剧表演艺术家,无人能出其右。瑜老板也是京剧界一女汉子,为了京剧普及不惜花式上阵,玩转了央视《经典咏流传》栏目,取得了很大成功,但与火丁相比,造诣上仍略显稚嫩。能成为灯谜,是幸福的 。因为程派艺术能够在数十年后,得以进一步发扬光大。周总理当年是程砚秋先生的铁杆粉丝,失眠时要听程砚秋的唱片才能安然入睡。电视剧《青衣》中有一句台词: 三十年才会出一个真正的青衣 。可见要成为一个能让观众热爱的青衣名角,是多么艰难。张火丁做到了,让更多的年轻人爱上了我们逐渐苍老的国粹艺术,让世界更了解和喜爱中国的传统文化。所以我们感谢这个开放包容的时代,感谢博大精深的京剧艺术,感谢让我们得到程派艺术熏陶的艺术家张火丁教授。 张火丁唱腔如此好听,耐听,除了火丁:的非凡努力之外,伴奏乐队的出色,细腻表演也是功不可没。不仅京胡,京二胡伴得好,难能可贵几支弹拨乐也非常出彩,月琴,小三弦,还有那个大阮的低贝斯,都是恰到好处!害得我不停换耳机,要听得舒服,再化些钱也在所不惜?

谈戏曲旦角表演艺术特点论文

在社会的各个领域,说到论文,大家肯定都不陌生吧,论文写作的过程是人们获得直接经验的过程。怎么写论文才能避免踩雷呢?下面是我精心整理的谈戏曲旦角表演艺术特点论文,仅供参考,希望能够帮助到大家。

【摘要】 吕剧是山东地区最具代表性的一个剧种,可以运用戏曲的方式来对地方民情、民风与民俗进行展现,其中旦角等戏曲行当的表演都有其独特的艺术魅力与特色。为了更好地提升旦角的表演效果,有必要提前明确其表演艺术特点。本文以吕剧旦角为研究对象,重点对其表演艺术特点进行了探讨,旨在为相关戏曲人员学习旦角表演知识提供一些理论参考。

【关键词】 戏曲;吕剧;旦角;表演艺术特点;

戏曲演员是戏曲这门表演艺术的主体,其演绎能力与表演能力是促进戏曲艺术蓬勃发展的重要基础。为了可以对角色形象进行更好的塑造,就必须要利用恰当的表演技法以进行有效的表达,尤其是要注意对相关角色的性格特征等进行充分的理解与深入的把握,从而保证可以更好地塑造出特定的角色形象。其中旦角是戏曲中的重要行当,也需要系统化地依据“四功”与“五法”的基本表达方式及其本身的艺术特点来展现其艺术魅力。

一、吕剧旦角概述

(一)吕剧概述

吕剧是我国山东地区一种非常具有地域性的戏曲剧种,在20世纪五六十年代发展到了顶峰,期间诞生了《借年》、《小姑贤》、《李二嫂改嫁》等众多经典剧目以及李岱江、郎咸芬等众多吕剧名角。基于自身蓬勃发展的态势与广泛的影响力,吕剧被评为了国家级非物质文化遗产。吕剧作为一种地区性剧种,具有优美朴实、贴近群众与自然流畅等艺术特点,其优美朴实主要体现在唱腔兼有曲牌与板腔体特征,曲调动听、朴实、顺口、灵活,相应的伴奏乐器可以分为武场和文场两种类型,并且还有效地融入了一些西洋管弦乐器,使得伴奏乐器整体展现出朴实、优美的特征。而在演唱的过程中,吕剧主要用真声,针对个别高音的演唱则会相应地利用真假声有机结合的演唱方法,从而使得最终演唱出来的曲调流畅、自然,同时在吐字的过程中保持清晰,使整个唱腔优美、动听。

(二)吕剧旦角特征

吕剧旦角主要可以分成老旦、彩旦、花旦、武旦、青衣、闺门旦几种类型,具体表现特征如下:其一,老旦。主要在戏曲中扮演中老年妇女,表演中展现出老态,在唱、念及做的过程中展现出稳重大方,如《穆桂英挂帅》当中的“佘太君”这一角色。其二,武旦。主要扮演掌握武打技艺的女子,要保证身段灵活、轻捷,如《打焦赞》当中的“杨排风”这一角色。其三,彩旦。主要扮演喜欢搬弄是非、狠毒、可恶狡猾的妇女,其表演动作以及台词多来源于现实生活,如《小姑贤》当中的“刁氏”这一角色。其四,花旦。主要扮演热情、活泼、可爱的青年或少年女性,要保证吐字清晰,唱腔甜润,身段也要娇俏、灵活。其五,青衣,主要扮演成年妇女,一般会非常重视唱功,要求演唱细腻清亮,行腔流畅委婉,如《井台会》当中的“兰瑞莲”这一角色。其六,闺门旦,主要扮演贫苦人家有教养的妙龄少女或者未出阁的大家闺秀,唱腔具有缠绵委婉的特征,并注重形体与水袖功夫的运用。

二、吕剧旦角表演艺术特点

(一)台步艺术特点

在吕剧旦角表演的过程中,台步是一种最基本的表演方式,也就是戏曲界俗称的“走身架”,即演员在表演过程中需要运用脚步进行展现。为了可以有效地将所演绎的.旦角角色表现出来,首先需要走好台步,保证可以将所表演的人物以生动、直观的方式展示出来。旦角表演过程中人物形象的塑造直接体现在旦角台步的表现当中,具体表现方式需要结合角色的年龄特征、性格特征以及周边的环境特征等进行把握,不同的旦角角色需要通过台步的有效应用来将特定的角色形象完美地展现出来。也正是基于这一要求和特点,针对不同的旦角人物,形成了具有差异化的台步。

比如,针对青衣角色而言,由于其主要表现成年妇女,一般会非常重视唱功,所以在台步运用上要更加侧重稳健;闺门旦要采用小步距进行表现,展现出温柔、细腻的台风;武旦则要讲求流畅、迅捷、有力、刚劲的台步。此外,吕剧旦角表演过程中,台步还需要相应地展现出山东地区浓郁的地方色彩,使台步具有更强的表现力。因此,针对吕剧旦角的台步艺术而言,要在旦角人物特征及吕剧作品表演内容的基础上进行综合考虑,采用恰当的台步技巧来生动地塑造出旦角形象,展现其真正的艺术魅力。

(二)身段艺术特点

身段也是吕剧旦角表演过程中非常重要的一种表演艺术,主要表现为表演的动作、技巧以及展示出来的架势等,如不同动作的衔接、前后动作的连贯以及不同种类姿势的展示等等。在演绎角色的过程中,旦角演员要注意把握好台步的移动、眼神的运用以及水袖的抛收等等,力求使旦角表演中的身段与手部动作、台步移动、眼神运用等形成有机、协调的配合。对吕剧旦角演员而言,婀娜多姿的身形与优美的体态对最终呈现出来的表演效果有重要的影响。

因此,在吕剧旦角演员实际表演的过程中,要注意采取恰当的身段表现方法来将山东地区浓郁的地方色彩进行有效的展现,力求可以更好地凸显出山东地区的历史、风俗、文化等。基于此,吕剧旦角表演者平时除了要注意学习身段表演技巧之外,还需要多接受戏曲美学方面的熏陶,保证可以不断地提升自身的气质,同时还要注意有效地对肢体表达进行调节,确保其协调性与优雅性。只有善于运用这些协调、优雅的肢体语言才能够将戏曲旦角的特征有效地表现出来,展现出不同角色的个性特点与情绪特色,保证可以更好地展现出戏曲旦角表演艺术真正的魅力,不断提升旦角表演的整体效果。

(三)念白艺术特点

念白是吕剧旦角表演中所涉及到的白口、道白或说白,或者说就是人们日常生活中说话这一行为的戏剧化表现,是一种基本的戏曲台词表现形式,也是构成戏曲的重要部分,需要旦角在表演过程中加以注意。吕剧旦角的念白艺术需要进行艺术层面的美化与加工,力求可以形成一种艺术化的语言形式。而吕剧本身的念白同样具有地方性特征,也需要旦角表演者借助念白的有效表达来展现出地方特色,如利用念白艺术来对山东地区的文化习俗、语言风格进行展现。

此外,吕剧中念白的难度较大,其难于唱腔的表达,吕剧本身的地方性特征决定了其非常注重念白的有效表达,所以要通过有效的表达方法来提升念白的艺术表达效果,使其为吕剧旦角的表演增加亮点。为了提升整体的表达效果,旦角表演者必须要注意在念白方面多下功夫,多进行刻苦的训练,力求使自身在语气与字音等的表达上做到准确,表现出地方韵味,这样才能整体上提升旦角表演的艺术效果。

(四)演唱艺术特点

演唱是吕剧旦角表演中最为关键的一个环节,会对最终的表演效果产生决定性的影响,所以为了保证吕剧旦角表演的整体效果,就必须要注意对演唱技巧进行准确把握。在演唱过程中,吕剧旦角主要展现出了吟诵性和抒情性相结合的戏曲艺术特色,具体表现就是类似于曲艺当中“夹叙夹唱”的艺术表达方式,以此来突出吕剧本身的戏剧性功能,具体表现如下:

1、在半说半唱的过程中实现词与曲的有机结合。吕剧旦角在演唱曲目的时候常常会采用半说半唱的方式,借助这种说唱的表达方式来对曲目中的唱词内容进行有效的表达。而在说唱当中,吕剧旦角尤为依赖念白。通过采取这种“夹叙夹唱”的说唱表达方式,可以有机融合多种声腔,更容易展现出戏曲艺术本身的真实性特征,如可以唱一句之后再念一句词,又或者念多句词之后再接一句唱。

2、在似说似唱的过程中实现词与曲的有机结合。似说似唱主要指的是要注意音乐旋律和唱词字调,使旦角演员在对曲词进行说唱的时候有效地融入音乐旋律当中,可以给人一种“唱”的感觉。在演唱的过程中,音乐旋律也犹如唱词表达当中的口语字调,可以强化唱词表达,借助这种艺术表现方式更容易展现出山东地区浓郁的地方特色。比如,在《王定保借当》中,旦角的唱段涵盖了垛板、流水以及快二板等唱段,在旦角演唱时,采用半说半唱和似说似唱的表达方式,能使得整体的音乐表现更加多彩、质朴,避免呆板、平淡,从而展现出浓郁的山东地方特色。

3、在又说又唱的过程中实现词与曲的有机结合。吕剧旦角是一种非常独特的角色,许多曲目当中的旦角唱段都是以故事情节当中的矛盾冲突为基础来对唱和说进行安排和布局的,这时候一般会运用口语化的说白来对故事背景以及故事中涉及到的人物的关系进行交代,还要运用吕剧唱腔来对人物的思想情感进行抒发,具体可以采用快二板、流水、垛板、散板等多种唱腔吟诵板式,从而通过交替出现的大段的说和唱来实现词与曲的有机结合,提升整体演唱效果。综上所述,旦角是吕剧表演中一个非常重要的角色,其表演的成效直接关系到最终吕剧表演的效果。在吕剧旦角实际表演的过程中,要重点做好身段、念白、台步和演唱几个方面的艺术表达,确保可以凸显出吕剧表演的本土特色与艺术魅力,不断提升吕剧表演的整体效果。

三、参考文献

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[5]梁燕.戏曲旦角表演艺术特点[J].文化产业,2020,(12):76-77.

听听孙毓敏讲四大名旦四派的特点对刚接触京剧的很有帮助。孙毓敏:“梅派尾音自然耷拉;程派尾音上提;尚派尾音干掷;荀派尾音腔化。”

《传承者之中国意象》中的青衣注重的是传统技法——水袖,并没有进行完整的正旦青衣演唱。

水袖的技法源于戏曲,这是无可争议的。而且并不是青衣或者京剧才有水袖的技法,像秦腔等传统戏曲中都有水袖的身影。而京剧是十分注重这些“辅助技艺”的研究的,像面部表情,京剧可与川剧媲美,身法就更不用说了,武花脸与武丑的功夫冠绝所有剧种。如此追求极致的一个剧种,同样地,对于青衣水袖的要求也就很高。

最初的水袖动作极为简单,只有在男角整观(抖袖,露出双手)女角理鬓时才抖拂几下,由于京剧的不断发展,水袖的表演也有了很大变化,衍生出了数百种姿势。抖拂的轻重缓急,动作的大小,姿势的高低,都会随着表演而各不相同。

一般正旦——青衣的水袖讲究大方,花衫略有花哨,老旦要求沉稳,于是就有了单独的青衣水袖的表演。青衣的水袖,窄而长,因此舒展起来很是不方便,当演员饰演的角色没有太大的心绪波动时,就需要将水袖完全控制在手腕上;当需要有情绪放大的时候,水袖的舞动可谓绚烂生花。

《传承者之中国意象》第一期里面的水袖表演者就有很好的基本功,手随心动,蜷舒随心。尤其是向上跃起水袖平铺的动作更是显示出演员极强的控制力,没有失控。这个动作中水袖没有平抻出去,因为平抻的话末端的水袖会率先落下,这就犯了水袖中的大忌。覆水难收,要是向泼水一样把水袖甩出去,水袖末端先落下,靠近手这部分的袖子整体就没有了“骨”,就收不回了。

说起来是基本功,做起来是一点都不简单。《传承者之中国意象》的水袖表演者呈现的水袖是蝴蝶的形状,收放自如,只要手腕一抖,水袖就能全部回到手中。当然,我说的是水袖运用到极致的演员。可能是跳得过高,这位表演者下落时章法略乱,但已经相当漂亮。单抛则让人有绝响的感觉,十分漂亮。

要说到历史有名的青衣水袖,当然要数梅兰芳与程砚秋两位先生。

梅兰芳在《贵妃醉酒》里的水袖运用,重于角色情感的抒发,但一颦一动都拿捏得恰到好处;

程砚秋先生在《荒山泪》中的水袖运用可谓炉火纯青,他的水袖单是抖、挑、拂、晃等动作就有二百多种姿势,妙不可言。

现代的水袖大家应当属齐爱云,05年她被评为“中国秦腔四大名旦”,令人记忆犹深的一幕就是09年元宵晚会上齐爱云的一丈水袖,表演《嫦娥奔月》,12年元宵戏曲晚会,齐爱云再次表演了《嫦娥奔月》,其间,齐爱云水袖的运用精彩纷呈,令人眼花缭乱,与剧情完全融合。这样的表演一位顶尖艺术家一生也仅有那么几次。

言而总之,不论是青衣的水袖,还是其他戏曲种类中的水袖,均需要表演者十年如一日的苦练,这样的文化传承者值得尊重,值得我们致敬。

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