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摘要：《简爱》是19世纪英国批判现实主义文学作家夏洛蒂勃朗特的代表作。它成功地塑造了新型的小资产阶级女性简爱的生动形象，集中描写她为谋求妇女经济独立和爱情平等权利而进行的斗争。本文主要从心理、语言、思想、行为等方面分析简爱的性格特点。 关键词：人格、意志、精神、虐待、摧残、反抗、自由、平等 1．引言 《简爱》是一部带有作者自传性的作品，采用第一人称的自叙写法，让女主人公倾诉自己的喜怒哀乐和人生理想，爱情友谊，具有娓娓动听，亲切感人的艺术魅力。它写一个孤女个人的奋斗故事，作者本人生活中的悲哀、忧患、紧张和勇气在小说中得到了强烈的反映。襁褓中父母双亡的简爱被舅舅收养，舅舅死后，舅母一家人百般虐待她，最后将她送入慈善学校，在那里备受凌辱摧残。成年后，她被聘往桑费尔德庄园当家庭教师，与主人真诚相爱；及行婚礼，发生不测，主人被证明早已结婚，其妻因疯病被私关密室。简爱不愿作人情妇，只身远离，流浪途中昏倒在风雨之夜，被一青年牧师圣约翰救回家，在其两个妹妹的照顾下恢复健康。牧师准备去印度传教，他认为简爱坚强而耐苦，可以作个好帮手，就向其求婚，但遭拒绝，因为简爱情有所钟。爱情又使她返回桑费尔德庄。这时女人已将庄园烧毁，自己也被烧死，主人抢救她时还弄成了残废，两人终于幸福地结合。此外，简爱意外地得浪迹海外的叔父一笔遗产，同时被证明她圣约翰原是姑表兄妹。 2． 简爱的性格特点及其具体表现 2．1．自尊自主、叛逆反抗 简爱，在寄居的舅妈家里，和骄横残暴的表哥约翰发生冲突，瘦小的她敢于和表哥扭打，并怒斥他："你这男孩真是又恶毒又残酷，你像个杀人犯----你像个虐待奴隶的人，----你像罗马皇帝。" 他还敢于指责冷酷护短的舅妈："你以为你是好人，可是你坏，你狠心。"简爱的童年的生活让读者初步了解她的反抗性格和捍卫独立人格的精神起点。 从下面的几段描述中可以看到简爱的内心是多么的叛逆反抗。 "我被他打倒，头还在痛，血还在流；约翰粗暴地打了我，没有人责备他；而我，为了叫他以后不再干出这种荒唐的暴行，却受到了众人的许多责难。 "不公平！----不公平啊！"我理智的说。令人痛苦的刺激逼得我的理智一时早熟地发挥了威力；"决心"也同样被鼓舞起来，催促着我采取什么奇妙的方法，从这难以忍受的压迫下逃跑----譬如出走，或者，万一走不了的话，就永远不再吃不再喝，听任自己饿死。在那一个悲惨的下午，我的灵魂是多么惶恐不安啊，我整个脑海里是多么混乱啊，我的心有多么的反抗啊，然而，这一精神上的搏斗，是在怎么样的黑暗，怎么样的愚昧中进行的啊，我无法回答内心的这个不断提出的问题：为什么我这样受苦；而如今，隔了----我不愿说隔了多少年----我却看的明明白白了。" 简爱非常的重视自我，她说："我是自己的主人"，当一对恋人的结婚计划被粉碎时，罗彻斯特提议到法国去过同居生活，尽管这个方案对于热恋中的人来说具有无可争辩的诱惑力，但是她拒绝了----"我关心我自己。越孤独，越没有朋友，越没有人帮助，我越要自重。"因此她逃离了。2．2．追求精神上的自由、平等 当简爱发觉她深深地爱上了主人后，在地位如此悬殊的情况下，她却敢于去爱，因为她坚信人在精神上都是平等的。一个穷教师斗胆爱上一个上流人物，在等级深严的社会观念看来，无异于乞丐万奢望国王，所以这本身就是向社会及偏见的大胆挑战。惟其如此，它也就意味着遭受嘲笑或侮辱，只有像简爱这样并不把权贵放在心上的人才能去坦坦荡荡地爱。当罗切斯特为了试探她而假意要娶某贵族小姐时，她愤怒地说："你以为，因为我穷，低贱，不美，矮小，我就没有灵魂没有心吗？你想错了！-----我的灵魂跟你一样，我的心也跟你的完全一样！......。就如我们站在上帝跟前是平等的----因为我们是平等的！"基于此，她表达爱情的方式才不是甜腻的赞美，温柔的絮语，更不是祈求，诱惑或勾引，归根结底，她追求的是两颗心的平等结合。 "你为什么和我讲这些？她和你与我有什么关系？你以为我贫穷，相貌平平就没有情感吗？我向你起誓，如果上帝赋予我财富和美貌，我会让你难以离开我，就像我现在难以离开你一样。可上帝没有这样安排。但我们的精神是平等的。就如你我走过的坟墓，平等地站在上帝面前。"这是简爱发内心的为精神平等观念的辩护。 2．3．感情炽烈，敢于追求真正意义上、完整的爱情 简爱对罗彻斯特情感非常的追求非常的真诚和专一，这主要表现在对她对罗彻斯特执着而强烈的爱情上。当圣约翰向她提出求婚，要她作为他的助手一起去印度传教时，简爱虽然认为"他是个好人"，但还是拒绝了他的求婚。因为在简爱看来，他爱的并不是自己，他更爱的是上帝。更重要的是，无论他对她如何，她心里爱的仍是罗彻斯特。因为牧师对他的爱是不完整的。可是在得知罗彻斯特还有疯了的合法妻子，她还是拒绝了他的爱，她不愿作人情妇，她要的还是一份真正意义的完整爱情。然而，当简爱离开了罗彻斯特后，并没有在感情上抛弃他；相反，她的爱情像殉道一般，专一到打算为其作永远的牺牲，贫困时是这样，富有后仍是这样，更不会因为罗彻斯特身体上的残缺而弃之不顾。以下是罗彻斯特在庄园被烧毁，眼睛瞎了后，向简爱求爱的一独白。 "简，你肯嫁给我吗？ "肯的，先生" "一个比你大20岁的瘸子，你得伺侯他的人。" "是的，先生" "当真，简？" "完全当真，先生。" 从中可看到简爱所追求的爱情不是物质财富，而是真正意义上的纯洁爱情，不含半点虚假造作。2．4．意志坚强，智慧过人 在盖茨海德府，简爱是童话里的"灰姑娘"、弱小、丑陋、怪僻、胆小、任人摆布，是个没有明确地位和身份的"小家伙"，是个"外来人"，是个"异种人"，是个"比不上佣人"的小姐。一切力量都压迫她，残害她的天性，扼杀她的成长，但简爱的心却并没有被丑恶的现实所摧毁，她的精神却因粗砺的生活而锤炼得顽强，她的意志被磨砺得坚决，非凡的处境培植了她非凡的勇气和洞察力，十岁的孩子似乎具备了成人的智力，而这种超绝的智力促使她无所谓惧地去反抗压迫者。 "你没有权利拿我的书。妈妈说你是个靠别人养活的人；你没有钱。" "我的里德舅舅在天上，你做的一切和和想的一切，他都看得见，我爸爸妈妈也都看得见；他们知道你整天把我关起来，还巴不得我死掉。" 在劳渥学校的悲惨体验，更表现了简爱的坚强和惊人的意志力。简爱刚刚摆脱舅妈的虐待，就被送到寄宿学校读书，和其他孩子们一起，经常挨饿受冻，挨打罚站。学校里传染病夺取了好多孤儿的生命，简爱却凭借顽强的生命力在这种艰苦的条件下呆了10年。 " 当我们无缘无故挨打的时候，我们应该狠狠地回击；我肯定我们应该回击----狠狠地回击，教训教训打我们的那个人，叫他永远不敢在这样打人。"这是简爱在言语上对打他的人有力回击，也是在精神上维护自己受伤的心灵。 在下面主人疵疵逼人的问话中，无所畏惧自卑，更表现其头脑精灵的一面罗彻斯特："你很沉着。像你这样身份低微的孤儿，哪来的这种沉着？" 简："它来自我的头脑，先生。" 罗彻斯特："是我看到的，你肩膀上的那个？" 简："是的，先生。" 罗彻斯特："你头脑中还有没有其他类似的东西？" 简："我想它样样具备，先生。" 她所受过的教育和经历使她拥有一个富有智慧、善良敏感、坚强独立的高贵灵魂，在这一点上，她与主人相比毫不逊色，甚至使其有时感到惭愧。 3． 结语 从上文的分析可见，简爱是一个贫苦低微、其貌不扬、性格倔强、感情丰富、独立自尊、勇敢执着、聪慧过人的女孩，她对自己的命运、价值、地位的思考和努力把握，对自己的思想和人格有着理性的认识，对自己的幸福和情感有着坚定的追求。从简爱身上，我们看到了当今新女性的形象：自尊、自重、自立、自强，对于自己的人格、情感、生活、判断、选择的坚定理想和执着追求。这是简爱人格魅力的启示，也是本文的写作目的所在。 参考文献：简同，《百部世界文学名著赏析》。北京：北京出版社，2001.2。袁世全，《外国文学名著微缩》。上海：汉语大词典出版社，2001.8。方洲，《世界文学名著速读手册》。北京：中国青年出版社，1999。金志浩，《同行者：高中生自选名篇佳作》。上海：汉语大词典出版社，2000.3。陶德臻，《世界文学名著选读》。北京：高等教育出版社，2002。梁坤，《外国文学名著选读》。北京：中国人民大学出版社，2002。田兆耀，《西方文学鉴赏》。北京：中国广播电视出版社，2002.3。刘念兹，王化学，曾繁亭，《外国作家作品专题研究》。济南：山东人民出版社，2001,5。杨正和，《外国文学名作欣赏》。北京：科学出版社，1999.8。梅子涵，《经典女孩：世界名著中的少女故事》。上海：上海人民出版社，2001。
我现在也想要啊
一、 现实主义概念的源起现实主义是文学批评和文学研究中最常见的术语之一。这个术语一般在两种意义上被人们使用：一种是广义的现实主义，泛指文学艺术对自然的忠诚，最初源于西方最古老的文学理论，即古希腊人那种"艺术乃自然的直接复现或对自然的模仿"的朴素的观念，作品的逼真性或与对象的酷似程度成为判断作品成功与否的准则。瓦萨拉的《画家的生活》曾叙述了一些有趣的艺术史轶事：孔雀啄食贝那左尼画得太逼真的樱桃；乔托的老师用刷子驱赶乔托在一幅人物肖像上增添的苍蝇。这种现实主义概念雄霸人类艺术史近两千年，至今仍残留在日常生活中。另一种是狭义的现实主义，是一个历史性概念，特指发生在19世纪的现实主义运动。历史地看，现实主义发端于与浪漫主义的论争，最终在与现代主义的论战中逐渐丧失了主流话语的位置。R·韦勒克《文学研究中现实主义的概念》追溯了现实主义术语在欧美各国的发生史：这个概念在文学领域的具体运用是1826年。法国一作家撰文宣称忠实地摹仿自然提供的范本的现实主义信条日益增涨，它将是19世纪的写实文学。而这个术语的流行与画家库尔贝和小说家尚弗勒里的积极应用有关，库尔贝将自己被拒绝的作品贴上了现实主义的标签引发了一场论战，尚弗勒里1857年出版题为《现实主义》的文集，捍卫现实主义信条。同时其友人迪朗蒂又推出文学评论杂志《现实主义》，虽然昙花一现只出了六期，但其文风具论战性而产生广泛影响。被20世纪的现代主义先锋派视为保守的现实主义，在19世纪诞生之时也具有挑战文学成规的前卫品格。迪朗蒂曾明确地说："这个可怕的术语'现实主义'是它所代表的流派的颠覆者。说'现实主义'派是荒谬的，因为现实主义表示关于个人性的坦率而完美的表达；成规、模仿以及任何流派正是它所反对的东西"。准确地说，现实主义挑战的是浪漫主义的艺术成规，卫姆塞特和布鲁克斯在《西洋文学批评史》中就把现实主义理解为19世纪中叶的一种逆动，它抵制"不现实的各种事物"，迪朗蒂和尚弗勒里继承了30年代普朗什抵制浪漫主义的思想，尖锐地攻击雨果、缪塞、维尼等浪漫派作家，指责他们"无视自己的时代，企图从往昔的岁月里掘出僵尸，再给它们穿上历史的俗艳服装。"现实主义者则拒绝这种诗的谎言。因此现实主义是作为浪漫主义的对立面和论辩敌手出现的，它本源地含有反对幻想和伪饰崇尚真实的意义。二、现实主义的理论涵义现实主义经过泰纳、恩格斯、别林斯基直至20世纪卢卡契等理论家的发展和巴尔扎克、托尔斯泰等伟大作家的文学实践达到高潮。现实主义理论日趋完善，形成一套完整的话语成规。它包括以下层面的涵义：第一，真实客观地再现社会现实，这是现实主义术语的最根本的意义。达米安·格兰特用"应合"理论解释现实主义的客观性成规，他称应合为一种文学的认真心理，"如果文学忽视或贬低外在现实，希翼仅从恣意驰骋的想象汲取营养，并仅为想象而存在，这个认真心理就要提出抗议。"这强调的是文学对现实的忠诚和责任。R·韦勒克从现实主义反对浪漫主义的文学史背景来诠释这层涵义："它排斥虚无飘渺的幻想、排斥神话故事、排斥寓意与象征、排斥高度的风格化、排除纯粹的抽象与雕饰，它意味着我们不需要虚构，不需要神话故事，不需要梦幻世界。"这个意义上，企望真实地呈现社会生存的本真样态。作为浪漫主义的论辩敌手，作为社会边缘贫困小人物的代言，现实主义理论强调披露真实，戳穿伪饰现状的意识形态。也就是说，现实主义抵制作为布尔乔亚知识分子话语形态的浪漫主义，转而追求客观性，为那些堕入贫困被边缘化的弱势族群或阶层发声。显然具有素朴的人间情怀和人道精神。现实主义"客观再现当代社会现实"的理论涵义在卢卡契的论述里得到了最深入的阐释。这位现实主义最忠诚的信仰者和最后的辩护师撰写了大量论著，总结现实主义艺术经验，回应现实主义在20世纪遭受的挑战：《现实主义历史》（1939）、《巴尔扎克，司汤达和左拉》（1945）、《伟大的俄国现实主义者》（1946）、《欧洲现实主义研究》（1948）、《当代现实主义的意义》（1958）等等。首先、他从认识论的高度重新阐释了现实主义客观性的涵义："艺术的任务是对现实整体进行忠实和真实的描写。"卢卡契提出了对现实进行整体描写的现实主义艺术要求，所谓整体描写就是反映社会－历史的总体性，追求文学描写的广度，从整体的各个方面掌握社会生活；向深处突进探索隐藏在现象背面的本质因素，发现事物内在的整体关系。其次，卢卡契并没有把现实主义的客观性理解为排除任何主观因素的纯客观性，他不是把反映社会现实的文学视为一面静止的镜子。卢卡契肯定了主观认识的重要性，强调客观性和主观性的统一、外在世界与内心世界的统一。卢卡契两面作战，一面为现实主义的纯洁而与自然主义战斗，把福楼拜和左拉那种缺乏整体性的琐碎客观性排除出现实主义阵营；另一面又要回应现代主义的挑战，批评乔依斯、普罗斯特和其他现代派作家，认为他们使所有内容和所有形式都解体了。因此，现代主义达不到对现实整体的真实反映。第二，广为人知的典型理论。典型论构成现实主义理论的一项核心内容，概括而言，典型论欲求解决的即是文学人物的特殊与一般的关系问题。黑格尔和谢林为典型论的流播奠定了美学基础，黑格尔认为性格是理想艺术表现的真正中心，一个性格之所以引人兴趣是它的完整性，而完整性则"是由于所代表的力量的普遍性与个别人物的特殊性融会在一起，在这种统一中变成本身统一的自己。"据韦勒克的历史追溯，典型术语的最初使用者是谢林，意指一种象神话一样具有巨大普遍性的人物。浪漫派首先广泛使用这个概念，典型概念从浪漫主义转移到现实主义，与巴尔扎克和泰纳的转用相关。在《人间喜剧》的序言里，巴尔扎克自称为社会典型的研究者，泰纳则频繁使用此术语讨论社会阶层人物的性格,逐渐演变成现实主义最重要的理论概念。典型也是别林斯基论俄国小说时常用工具，他甚至认为："典型性是创造的基本法则之一，没有它就没有创造……必须使人物一方面成为一个特殊世界人们的代表，同时还是一个完整的、个别的人。"果戈理笔下的科瓦辽夫少校不是一个科瓦辽夫少校，而是科瓦辽夫少校们，即使是描写挑水人也不是仅仅写某一个人，而是要借一个人写出一切挑水的人。这就是别林斯基所说的典型的本质。鲁迅的《阿Q正传》发表后让许多人不安，总以为写的是自己，独特的这一个阿Q拥有了巨大的共性，甚至成为国民性的代名词。现实主义把这种个性和共性的完美结合的文学形象称为典型形象。第三，历史性的要求。在韦勒克看来，历史性是现实主义理论中比较可行的一个准则，他援引奥尔巴赫对《红与黑》的评述说明这一点："主人公'植根于一个政治、社会、经济的总体现实中，这个现实是具体的，同时又是不断发展的'"。韦勒克的看法是对的，现实主义确有历史性的维度。恩格斯在致玛·哈克奈斯信中说"现实主义的意思是，除细节的真实外，还要再现典型环境中的典型人物。"把人物置身于一个政治、社会、经济的具体的总体现实中刻画才能达到"充分的现实主义"的高度。而且，这个具体的总体现实还是不断发展的，就象卢卡契所阐述的现实主义要塑造那些生动的辩证过程。"在这个过程中本质转化为现象并在现象中显示自己；它还塑造着这过程的那个侧面，即现象在过程运动时揭示着自己的本质。另一方面，这些个别的因素不仅包含着辩证的运动，互相转化，而且彼此间不断相互影响；它们是一个不间断的过程的诸因素。真正的艺术从而总是通过塑造这些因素的运动、发展、展开来表述人类生活的整体的。"简单地说，现实主义的历史性维度即是要求真实摹写复杂的社会关系，并且反映出复杂的社会关系的矛盾运动过程。现实主义的历史性要求，实质上是以社会分析为核心，即以摹写人的社会经验和社会本身的结构为艺术原则。而且现实主义竭力通过人的现实矛盾去揭示人与社会的辩证法则，现实主义确认：对社会现实观察得越仔细研究得越深入，对事件及细节的相互关系和矛盾运动理解得越透彻，就越能获得真实的力量。就西欧说，现实主义(Realism)是从文艺复兴到十九世纪这一特定历史时期形成的一种文艺思潮和创作方法，也是西欧资产阶级登上历史舞台以及确立政治统治时期出现的一种文学现象。作为文学的一个专门术语，现实主义最早出现在十八世纪德国的剧作家席勒的理论著作中。但是，"现实主义"作为一种文艺思潮、文学流泥和创作方法的名称广则首先出现于法国文坛．法语中的Realisme一词，来源于拉丁文Realistas(现实，实际)。现实主义名称的出现和这种文艺思潮的存在完全是两码事。在法国，现实主义之称始于十九世纪五十年代。最初，由法国小说家商弗洛利(1821--1599)用现实主义当作表现艺术新样式的名词，他于1850年在《艺术中的现实主义》一文中，初次用这个术语作为批判现实主义文学艺术的标志。其 后，法国画家库尔贝(Gustave Courbet, 1819--1877)在绘画上提倡现实主义。一八五五年，库尔贝举办了一次个人画展，引起一场大辩论，文艺史上称为"现实主义大论战"。就在这次沦战中，库尔贝创办了一种定期性的刊物，命名为《现实主义》。一八五七年，库尔贝的热心支持者商弗洛利又把他的文集定名为《现实主义者》，从此在欧洲文坛上正式树立起一面现实主义的旗帜，这一术语也就在法国流行起来了。众所周知，巴尔扎克 (1799--1850)是现实主义这个名词最深刻含义上的作家，他 的《人间喜剧》乃是深刻的规范化的现实主义文学。但是，巴尔扎克正如这一流派的伙伴们司汤达，狄更斯、萨克雷以及果戈理一样，都不曾用"现实主义"这一名词来标明他们的新型的文学流派。在俄国，首先使用这个术语的是文艺理论家皮萨列夫(见他的(现实主义者》)，不过，那已是十九世纪六十年代的事了。一般说，凡是在形象中能最充分地表现现实生活的典型特征的，都叫做现实主义作品。法国文学史家爱弥尔·法盖解释说："现实主义是明确地冷静地观察人间的事件，再明确地冷静地将它描写出来的艺术主张。……要从几千几万的现实事件中，选择出最有意义韵事件，再将这些事件整理起来，使之产生强烈的印象"这同恩格斯所说的"除了细节上的真实之外，现实主义还要求如实地再现典型环境中的典型人物"的定义基本一致。如果我们不把现实主义简单地理解为各种真正艺术所固有的现实性，而是理解为单独具有一整套性格描写的原则和艺术方法的话，那么，在西欧来说，现实主义的形成，一般认为在文艺复兴时期。从文艺复兴的现实主义到十九世纪二十年代的批判现实主义，其中又有十八世纪启蒙时代的现实主义。文艺复兴时期的现实主义以描写人物生动的丰富的感情，欲望和感受而著称它表现出人类的崇高，人物性格的完整，纯洁，而且富有诗意。但在分析社会关系方面又不及启蒙时代的现实主义。后者具有更多的社会性和分析性，强调创作要有明确的社会目的相思想教育作用。十九世纪的批判现实主义思潮既是历史的继承，又是现实的创新。它总汇了十八世纪以前的文学经验，补充了文艺复兴时代现实主义历史具体性之不足，摆脱了古典主义的理性原则，克服了启蒙时代现实主义的说教成份和浪漫主义的主观性。它又从文艺复兴文学中接受了性格描绘的具体性从古典主义和启蒙时代文学中接受了社会分析因素，从浪漫主义中汲取了一些激情，但它逐渐丧失了前代文学中特有的乐观主义，却沾染了无法摆脱的悲观主义。十九世纪的批判现实主义仿佛是文艺复兴和启蒙时代现实主义特点的有机结合；又在新的历史条件下加以发展。它能从事物的运动和发展中，从人与环境的多种关系中去描写人，特别是它在再现典型环境中的典型性格，再现社会生活的真实，直接分析社会的经济关系，对现实作出尖锐的揭露和批判方面，又达到前所未有的程度。在世界文学史上，十九世纪的批判现实主义文学，成了欧洲资产阶级文学艺术发展的最高峰。
浅析《德伯家的苔丝》中苔丝悲剧命运的根源论文
在平平淡淡的日常中，大家总少不了接触论文吧，论文一般由题名、作者、摘要、关键词、正文、参考文献和附录等部分组成。写论文的注意事项有许多，你确定会写吗？以下是我收集整理的浅析《德伯家的苔丝》中苔丝悲剧命运的根源论文，仅供参考，希望能够帮助到大家。
一、引言
19世纪末出现妇女解放运动第一次高潮。而“哈代的作品中反映了与时代相吻合的女性解放的思想，而且在作品中，女性对传统道德观念和社会的反抗是非常激烈的”。托马斯·哈代大胆地将创作的目光投向农村，深入的关注普通农家的悲剧命运。他十分擅长刻画女性人物悲剧命运，旨在揭露男权社会给女性造成的伤害，批判男性中心主义。
二、托马斯哈代及苔丝简介
托马斯哈代是横跨19世纪和20世纪的著名小说家和诗人，英国批判现实主义文学的代表人物，被沃尔夫誉为“英国小说家中最伟大的悲剧大师”。其作品即承接英国维多利亚时代的文学精髓又体现二十世纪的文学创新，气势磅礴。以辽阔深远的背景与渺小的人物形象之间的巨大反差和动人的对比描写，给读者以深刻的印象和心灵的震撼。
《德伯家的苔丝》刻画了一个善良、坚强、自尊、宽容而美丽的女性形象——苔丝。由于天真无知而受到富家浪子的侮辱，身心饱受摧残。但“她并没有自暴自弃，怨天尤人，而是勇敢地面对挫折;为减轻家里的负担，应付虚荣的父母，她勇于承受重担，奔走于不同农场，养家糊口;对待爱情，她自尊又执着”。她被“认为是唯一的一位逃脱了决定主义的人”，颠覆了传统的伦理道德。哈代极力要摧毁的正是这种道德观念，让女性摆脱僵化的传统习俗的控制。他对“堕落女性”的处境给予了极大的关注，对苔丝给予了深切的同情和宽容，带给读者对妇女生存状态的反思。
三、从女性主义角度分析苔丝悲剧命运的根源
苔丝从一位天使般的少女到绞刑架上的杀人犯，是何种邪恶力量在逼迫、摧残、毁灭着这“有自我意志，完整个性的女性?”，把这一优雅迷人的高尚女性一步步推向死亡深渊?苔丝悲剧的根源何在?以下从女性主义的角度审视《德伯家的苔丝》中苔丝被压迫的血泪史，剥下男权中心主义这张丑陋的外皮。
(一)教育
英国女权主义思想家朱丽叶米切尔在《妇女：最漫长的革命》中指出“歧视存在的基础是教育，而不是经济。在英国要求同工，首先要求接受同等教育，因为这一原因致使妇女从事社会地位较低的工作”。从这一理论出发，剖析苔丝走向悲剧的一个主要因素：教育的贫乏。
“她最早的职业梦想是成为一名教师，但天不遂人愿”。由于家庭贫穷，苔丝很早就步入社会，她做过很多体力活，而且是同工不同酬。因所受教育贫乏，她无法获取较高社会地位与收入的工作，个人与娘家均陷入极度贫困，最终不得不接受亚雷克庇护。“接受庇护”是当克莱尔归来，苔丝杀死亚雷克，走向毁灭的直接导火线。另一方面教育对于女性的重要影响，表现在提高女性心智与觉悟上。苔丝失身带着委屈，饱含心酸地控诉“名门小姐们都了解该防备什么，怎样去防备，因为她们都读小说，小说中会谈到这些男人们的诡计，可我从没机会读小说，哪能知道呢”。中国有句古话“女子无才便是德”，同样说明男权控制下的整个社会对女性受教育的排斥。压迫女性的邪恶力量让女性心智处于不开化状态，使女性沦为其奴隶。在这传统观念笼罩下，苔丝的梦想只能是幻想。教育问题不解决，苔丝式的妇女悲剧将不可逆转，女性终为男权社会的牺牲品。正如西蒙波伏娃所说：“女人在父兄所支配的家庭中，处于奴隶或仆人的地位，她始终是由男性做主而嫁给另外的男性。”
(二)苔丝自身的因素
1.性格的妥协性
苔丝敢于大胆地反抗传统道德，追求幸福，是一个毫不妥协的反抗者。然而苔丝不能彻底摆脱传统道德对自身的羁绊，在她的性格中也包含着保守落后的伦理观念。苔丝是暴力的受害者，是无辜的。她明白这一点，但在受到乡里人非议时，她也认为自己是“有罪”的，必然造成她内心的自我折磨和谴责。
苔丝性格的妥协性还表现在她和克莱尔的关系上。恋人之间本是平等的，而苔丝却一味贬低自己，抬高克莱尔。这是多么浓烈﹑炽热却又卑躬屈膝的爱。她悲惨的过去，得不到克莱尔的宽容。面对克莱尔无情的抛弃，苔丝没有做丝毫反抗。克莱尔离去了，苔丝对他的爱却从未削减。一封封热情洋溢的信，却唤不回克莱尔冰冷的心。在爱情面前，苔丝失去了自我，失去了尊严。正是这种盲目的﹑不平等的爱，使苔丝放弃了一个妻子争取幸福的`权利，深化了苔丝的悲剧。
2.自卑心理
苔丝失身后的痛苦是巨大的，压力是多方面的，但必须指出，苔丝的自卑心理加剧了她的痛苦。
对于苔丝来说，她的许多痛苦都是心理上的。她往往从传统习俗﹑社会舆论上对自己的所谓“过去”作出道德上的判断，从而扭曲了自己的正常心理状态，并对自己的行为予以错误评价。苔丝无法卸掉身上背负的沉重十字架，她在忍受世俗舆论的同时，又受制于它的道德准则，毫不留情地审视自己、谴责自己，她在大胆反抗传统的同时，又囿于它的观念，而成为其维护者。“苔丝这种心理上的自卑，是世俗谬见在她身上发挥作用的体现，说明了苔丝自身在当时社会道德理境中培养起来的非正常心态。”苔丝正是这样给自己结成一张无形的道德罗网，把自己束缚起来。她的自我束缚的意识有其深刻的历史基础，是整个社会意识的具体表现。因此，苔丝的结局只能是悲惨的。
3.自我意识缺乏
自我意识缺乏突出表现在苔丝对爱情的态度上。
苔丝第一次遇见克莱尔，就被他与众不同的神情所吸引。在哈代笔下，苔丝被描绘为一个完美的个体，代表了作者理想中的完整女性。但苔丝的性格中也包含了一些弱点，她总是处于爱情的纠葛之中，徘徊于两个男人之间。她经常考虑到别人的需要，却忽略自己的需求。在男权的社会里，始终把自己置于依附和没有主体性的地位，处于社会的边缘。“哈代塑造的苔丝形象饱含着自己对当时社会地位低下的女性的深深同情，对世俗所谓文明的愤怒鞭挞，对传统男权社会的控诉。”同时也显示出19世纪时，以男性意愿为主导的社会所肯定的女性形象，即：“富有牺牲精神、宽容顺从、坚韧质朴”。就是说女性要永远把自己放在“后面”。男权社会予以褒奖的正是这样缺乏自我的女性。整个社会引导着妇女去牺牲小我，顾全家庭顾全丈夫。苔丝只是万千受到伤害、没有自我意志、被当作玩物的女人中的一个。也正是在这样复杂的社会洗礼中先是失去了贞节，进而走向痛苦的深渊，最终酿成了一生的悲剧。
四、结语
苔丝坎坷的一生最终以悲剧收场，她的悲剧不止是命运的悲剧，更是女性的悲剧。她“既是命运的牺牲品，也是对男人和性无知的牺牲品”。苔丝在那个男权的社会里，始终把自己置于依附和没有主体性的地位。女性只有摆脱僵化的传统习俗的控制，找到自己在社会中的位置，要拥有自我的价值，才能获得女性真正的幸福。
参考文献：
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答：1924年，布列顿发表了第一篇超现实主义宣言，1928年发表了一篇重要论文《超现实主义与绘画》其思想的基础是在求取人间想像力的解放。布列顿对超现实主义的定义是：“超现实主义，名词。
艺术、宗教和哲学都属于心灵的绝对领域。其中艺术与哲学之间的关系是人们经常探讨的问题。以下是我精心整理的艺术与哲学的关系论文的相关资料，希望对你有帮助!
艺术与哲学和宗教的关系
摘要：自然世界是人类赖以生存的物质基础，人类通过改造自然获取物质生活必需品;自然世界又是有约束性和缺陷性的，人类在生活的世界中不能得到满足，于是便诉诸于精神的手段来弥补现实或者更好的理解享受现实。而在精神世界中人类的心灵是最真实且自由的，它能从感性现实和有限世界中解脱出来，使纯然外在的、感性的、可消逝的东西与纯粹思想归于调和，也就是说，使自然和有限现实与理解事物的思想所具有的无限自由归于调和。其中，艺术、宗教和哲学便是人类心灵最得意的产物。
关键词：艺术与宗教;哲学;关系
一、艺术与宗教、哲学的统一性
艺术、宗教和哲学都属于心灵的绝对领域。这三者作为心灵系统中的不同文本，共同构筑了这个系统的整体意义。艺术用感性形象化的方式把真实呈现出来;宗教离开艺术的客体性相转而把内在的主体性呈现于观念;哲学则用自由思考去掌握和理解原来在宗教里只是主体情感和观念的内容。也可以说，通感是艺术的创作源泉，神秘感是宗教形成的始点和宗教传达的发端，崇高感是哲学世界的一个属性。宗教与哲学作为梳理过的系统化、理论化和规范化的体系，与感性的艺术似乎是相抵触的，事实却是，三者之间虽然有相互制约的成分，但也是相互促进和相互作用的，尤其是充满活性和不确定性的艺术更是游离于宗教和哲学之间。
艺术与宗教的关系
(一)艺术活动中的宗教神秘性
1.音乐舞蹈中的宗教
从人类的原始社会时期开始，即艺术与宗教均处于萌芽状态时，二者即发生着联系。大部分的艺术形式诸如音乐、舞蹈、雕塑、绘画、陶器等都会用来表现某种神秘的神性控制，并用于原始宗教的仪式当中。据我国著名的东方美学大师、艺术考古学家常任侠先生考证，舞与巫原同一字，可见原始歌舞和巫术仪式紧密相关，这在今天一些少数民族重大节日中也有反映。从音乐来看，有用于各种宗教仪式和宗教活动的宗教歌曲和宗教音乐，如道教的斋醮乐，佛教的唱经乐等。
2.美术与雕塑中的宗教
诸如尼日利亚头雕、拉斯科洞穴岩画、青海陶盆、广西花山岩壁画等等这些人类早期的造型艺术作品也大多是出于巫术目的或带有宗教色彩而创作的。人类进入文明社会以后，艺术仍然参与宗教活动，
(二)宗教为艺术提供了宗教题材和内容。
宗教直接与艺术创作有机地融合在一起，成为艺术发展不可争辩的因素。在中国，宗教 文化 一方面直接促成了传统戏曲与古典小说的创作，如观音戏和《西游记》;另一方面也哺育了大量雕塑、壁画和建筑艺术，如上文提及的麦积山和我国著名的敦煌、龙门、云岗、大同等举世闻名的石雕壁画等都是因佛教的广泛传播造成的。宗教同时也对艺术的表现形式和表现风格产生了强烈的影响，美学家蒋勋就特别推崇禅宗精神对于中国绘画风格的影响，他认为禅宗在绘画上启发了笔简形具之创作，以气韵为主的禅画由之兴起。
虽然宗教与艺术有亲缘关系，但是宗教也有疏离艺术的一面，其根本原因是宗教信仰赖以发生的虔诚心理不能容纳艺术创作必需的自由创造精神。其具体表现一是宗教戒律和宗教禁欲主义遏制了审美情感和审美体验;二是被宗教提倡的理性思辨阻碍了艺术思维的发展，宗教把艺术限于宗教规定的范围和样式中，阻碍了各种艺术形式的争鸣和创新，窒息了艺术发展的活力。藏传佛教中以“三经一疏”来保证唐卡作品在宗教功用上的质量，虽然此举保证了佛画的正确性、规范性，但也因此而约束了唐卡的创造性活力，使得千百年来的唐卡在题材、内容、形式上都发展缓慢。
三、艺术与哲学的关系
哲学是对人生、社会的思考，哲学的智慧不仅仅是教人思维的途径和 方法 ，还是使人自觉到思维的本性、掌握思想运动的逻辑，从而探求真理性的认识。艺术是人类以情感和想象为特性，来把握和反映世界，表示对世界和自身及二者关系看法的一种特殊方式。用黑格尔的话来说，哲学有艺术的客体性相，固然已经把艺术的外在的感性因素抛开，但是在抛开之前，哲学已把这种感性因素转化为最高形式的客观事物，即转化为思想的形式。艺术与哲学这二者之间的关系可以概括为“艺术因哲学而更伟大”和“艺术是哲学思考世界的重要途径”。艺术与哲学的相互联系，在中国古典美学看来，也是不言而喻的。从“画以立意”、“乐以象德”、“文以载道”、“诗以言志”等等这些，就能深刻反映出两者的密切关系。
“艺术因哲学而伟大”。艺术家们或多或少都会在艺术作品中渗透着、寄寓着自己的世界观、人生观等一系列哲学范畴的东西，而作品本身所发出的哲学讯号也成为评判、赏析作品的重要依据。先秦诸子 散文 在历经焚书坑儒这样的灾难之后仍不断传抄记诵几千年，成为历朝历代文学家顶礼膜拜的对象，除了政治因素外， 文章 自身所体现出的伟大哲学思想是其生命力的不竭源泉。宋代哲学思想中程朱理学占统治地位，这在很大程度上影响到当时的审美和意识形态，许多艺术形式追求空灵、含蓄、自然、平淡。
四、结语
在艺术与宗教和哲学三者的差异中，不同或抵触的最为彰显的大概首推艺术。然而，与此同时，似乎最不容易产生抵触、最具包容性的也是艺术。恰恰是艺术允许人类保留了自身最本质的真诚和真实。同时，宗教派别间的交相矛盾与抵触乃至冲突，以及哲学严格意义上的难以界定，我们会发现感性的直觉判定和坚持反而会成为最后的莫名的却是坚定的支撑。艺术秉着根植于人的心灵的真诚与真实感受却可以在人类的每一个新阶段凌驾于一切已知的触手可摸的真谛之上，并开辟出通向另一个真谛的道路。归根结底，人类是依赖感性在寻找，承担着理性。
论艺术与宗教和哲学的关系
摘要：矛盾的解决在于通过自由理性思考发现对立的两个方面之间的普遍性，扬弃各自的片面性，最终达成二者的和谐与统一。艺术和宗教看似是矛盾的两个方面，而哲学通过自由的思考把这两方面统一起来了。
“在黑格尔的客观唯心主义体系里，最高真理，绝对，和神是一回事。”在黑格尔哲学体系的第三个层面——精神哲学上，黑格尔又将其分为三个阶段：主观精神，客观精神，绝对精神。绝对理念是不受限制的绝对精神，它是一种思想活动，可以独立存在;它是上帝，黑格尔把____的神转变为精神，具有基督____精神是黑格尔哲学的出发点。“这些形式的分别伏源于绝对心灵这概念本身。心灵是自在自为的，它不是一种和客观世界对立的抽象的东西，它是自己认识到自己的本质的那种有限的事物，因此它本身也是本质的和绝对的有限事物。这种认识的第一种形式是一种直接的也就是感性的认识，一种对客观事物本身的形式和形状的认识，在这种认识里绝对理念成为观照与感觉的对象。第二种形式是想象(或表象的)意识，最后第三种形式是绝对心灵的自由思考。”
由此可见，艺术，宗教，哲学是属于绝对精神层面的三个阶段，三种方式，而艺术进入到哲学的过程，也是“否定之否定的过程”。正如精神否定自然，自然成为精神的对象那样(精神一边否定自然，一边把自然内化为自己的一部分，这是第一次否定，这时的精神又否定自身，变成了一个具象的精神，精神不断否定自己，又回到自己，而这时的自己和最初的自己是不同的)，艺术是理性的感性显现，是艺术家用感性形象化的形式将真实也就是心灵显现出来。然而，艺术却不是显现真实的最高形式，人类认识真理过程就是超越有限，达到无限的过程。人们都不会满足于现实，总会提出一个又一个目标，每个人都有永远达不到的理想。社会学家马斯洛曾提出人的五种需要，而需要的重要性与它们未被满足的程度有关，低层次的需要被较好地满足后，高层次的需求就变得更加重要。人们在满足基本的生活需求后进而会追求社交需求，在此之后就进入到宗教的需求。心灵通过不断否定自己而得到满足。可见艺术本身还有一种局限，因此要超越这种局限而达到更多的认识形式。所以，艺术发展到一定程度，必然会终结，因为艺术完满地表达出供观照的形象后，心灵就产生出更高层面的需要，因而朝着更远方向瞭望的心灵就不满足于这种客体性的表达而转向于内心生活的思辨，朝着宗教，哲学发展。所以如果说艺术是心灵的感性形象显现，那么宗教则是在这种感性形象化上加上了虔诚态度，也就是有客观的外向化的显现转入内心的思考，客体突破了客体事物本身似乎变成了内心自己的东西，成为内心思辨的产物。在这个程度上，感性观照的对象被宗教否定，摆脱了客观性相，形而上变为主体情感和观念的内容，成为膜拜者的虔诚心情。宗教是对艺术的否定，而最高级的认识形式——哲学，又否定了宗教侧重主体意识的片面性，通过自由思考把主体与客体，感性与理性都统一起来，人们就是通过不断地否定之否定，最终真正认识到理念。
艺术家否定自然并且将其内化为自己的感情对象，成为自己心灵的一部分，然后将真实用感性形象化的方式再现出来。“感性关照的形式是艺术的特征，因为艺术是用感性形象化的方式把真实呈现于意识，而这感性形象化在它的这种显现本身里就有一种叫高深的意义。因为正式这概念与个别的现象的统一才是美的本质和通过艺术所进行的美的创造的本质。这种统一固然不仅靠感性的外在事物，而且也靠观念因素。”
哲学用思想表达思维，艺术用感性形式表达思想。概念是思想以抽象形式表达出来的产物，思想的外化。意识决定环境，事物是存在的，关键看人们怎么看它。对黑格尔来说，艺术表达的内容就是思想，是心灵;精神是思想的外化，是理性的感性形式。
艺术作品可以表达精神，表达神圣的真理。“宗教往往利用艺术，来使我们更好的感到宗教的真理，或是用图像说明宗教真理以便于想象;在这种情形之下，还必须说，艺术既以真实，即心灵，为其特有的对象，它就不能通过个别的事物本身，来产生对这种现象的关照。艺术家们替希腊民族建立了关于神的 事迹 ，生活和影响的明确观念，因此也就是替他们建立了明确的宗教内容。”
在这一阶段，艺术与所处的时代背景有紧密联系，和当时的思潮息息相关。丹纳在《艺术哲学》中指出，艺术与民族，地理环境，和时代背景密切相连。所以，艺术表达的是一个民族的思想，是民族心灵的感性表现。东方民族性格温和，强调与自然和谐的境界，所以东方的艺术作品大都讲求意境，充满含蓄神秘的理性韵味，而西方讲求和自然的冲突以及冒险精神，其作品不乏对人体的赞美，强调人的主体作用，所以古典绘画中，风景多是作为肖像的背景出现。又比如服装，东方的服装讲求含蓄，与自然合二为一，所以东方的服装以宽松的包裹式为特征;而西方自文艺复兴以来，标榜人性的复归，其服装有强烈的性别对立意识，将人体廓型夸张的表现出来，所以西方服装以立体为其特征。
在艺术创作中，艺术家用艺术的形式把他们心里酝酿的东西表现出来。所以无论是一流的艺术形式——音乐，绘画以及雕塑，还是二流的艺术形式——文学作品，我们都可以从中读出作者的心路历程。也许有人会质疑，古代的艺术都是从属于宗教或者封建王权，为了统治阶级服务，但是作者在创作艺术作品(特别是我们所见的闻名于世的传世名作)的过程中并不是纯粹的描摹，客观事物首先会经过作者的构思，作者按照自己的想法创作作品，所以我们看到很多知名的艺术家的作品都有强烈的个人色彩，我们看到的传名画的肖像，实际是作者把心中的形象通过精湛的技法提供给观众观照。达芬奇用《蒙娜丽莎的微笑》把人文主义的概念表达出来;巴洛克艺术大师贝尼尼的作品尽管多数为教堂，君主服务，但是他的作品不是纯粹的照猫画虎，他 雕刻 出的是自己心中的太阳王路易十四和大主教;当代中国著名画家张林海的作品充满了不安，忧郁的情绪，这和他早年的不幸经历有很大程度上的联系，他把早年经历的痛苦和因此产生的悲观情绪融入到其创作之中了。因此，艺术是心灵的感性显现，而飘忽不定的不是艺术只能作为噱头，吸人眼珠。比如现代走红的网络名人，通过卖丑，用自己的夸张的滑稽行为取悦观众，用诸如绯闻，“曝光”黑幕之类的行为来使自己走红，这不是艺术，我们只能说这种行为亵渎了艺术。
“最接近艺术而比艺术高一级的领域就是宗教。这种从艺术转到宗教的进展可以说成这样：艺术只是宗教意识的一个方面。换句话说，如果艺术作品以感性方式使真实，即心灵，成为对象，把绝对的这种形式作为适合它的形式，那么，宗教就在这上面加上虔诚态度，即内心生活所特有的对绝对对象的态度。虔诚态度是教众崇拜的最纯粹最内在最主体的形式，在这种崇拜里客体性相好像被吞食消化了，客体性相的内容脱离了客体性相本身而变成了心胸情绪所特有的东西。” 佛教所说的宗教是分开来讲的，宗，教二者并举偏重指代禅宗的“见性明心”，“顿悟圆修”;而今天广泛使用的“宗教”来自拉丁文religio，其原意是“小心翼翼”，“认真考虑”，用来指涉神灵崇拜上的严肃认真。因此，在西方的拉丁语时代，宗教就是人对神的敬仰和崇拜以及神人之间存在某种沟通的意思;而在古代汉语中“宗”的本意是尊祖庙，“教”的本意是教化。从神学的角度看，宗教被视为与神圣真实体验深刻的相遇，是人与那种神圣力量的独特关系。弗洛伊徳认为宗教出自一种自欺欺人的心里机制，人民借以控制自己的无助感，对犯罪行为的恐惧以及性的能量。综上所述，宗教不仅作为一整套公认的社会形态对人格的发展产生作用;而且，宗教作为人类的精神活动，本身亦反映了人类追求人格完善与心灵升华的倾向。
无论东西方，宗教都寄托了人们心中的虔诚的崇敬感情。在这里，宗教使心灵抛弃了纯粹的客观的感性形象化的形式，形而上为一种虔诚的感情，一种内心思辨的观念。应该说，思想在这层面更纯粹，更抽象了。从这种意义上看，这种观点同中国佛教的“宇宙心”的观念和陆王的“心学”比较相似。佛教的最终目的是引人成佛，讲求万物皆空，一切事物都是虚幻的，只是因为我们认为这是真的，它才存在;个人的心和宇宙的心是融合在一起的，是“非有非无”的，在一个层次做出的论断，到下一个更高的层次又予以否定。所以发展至禅宗，讲求顿悟，用“去”领悟，从有到无，最终超越，达到顿悟。而陆九渊认为“心即是理”，陆王二人对于佛教的观点进一步做了强调，又结合了儒家的观点，对于“致知格物”的观点强调人的良知通过匡正自己行动实践而得到延展。而“致知，格物”都需要真诚，所以要“正心”。可见，思想到了这一层面抛弃了客观的表现形式，真正上升到心绪的活动上了，因此宗教是理性思考的产物。
“最后，绝对心灵的第三种形式就是哲学。我们必须把自由思考看做这种最纯粹的知识形式，哲学用这种自由思考把和宗教同重要的内容提供给意识，因而成为一种最富于心灵性的修养，用思考去掌握和理解原来在宗教里只是主题情感和观念的内容。这样，艺术和宗教这两方面在哲学里统一起来了：一方面哲学有艺术的客体性相，固然已经把它的外在的感性因素抛开，抛开前它已把这种感性因素转化为最高形式的客观事物，及转化为思想的形式;另一方面，哲学有宗教的主体项，这种主体经过净化，变成思考的主体性了。”
思想解决矛盾的过程就是成长的过程，也就是“否定之否定”的过程 “主体就是整体。只有借取消这种自身以内的否定，生命才能变成对它本身是肯定的。”因此，主体就是整体，要克服一切缺陷，把观念变为现实，生命通过否定才能变成肯定积极的存在。绝对精神的最后一个层面就是自由的思考，然而自由和满足时刻存在着独立和冲突。一方面主体受到道德，法律的约束，一方面，主体又有主观情感，欲望，所以主体不能完全自由地活动于天地之间，随心所欲。正如陆王学派认为的，人人都有良知，都知道自己的行为正确与否，但是人们之所以明知故犯，是私欲的缘故，所以人的良知只能通过匡正自己的行动实践而得到延伸。
结论：
哲学是科学之科学，是科学的世界观和方法论，它把同宗教同样重要的思辨精神提供给意识，但是另一方面它没有否定艺术，通过否定宗教之于对艺术的否定，把客体的感性因素转化为最高形式的客观事物，而主体的精神否定自然，并且将其内化为自己思想的一部分后，再次通过否定回到自身的已不是原来的那个主体了，它经过心绪的思考净化，变成了思考的，具象的主体了，这个过程就是艺术和宗教在哲学里经过自由思考统一起来的过程。
艺术与哲学的关系论文
摘 要：宗教、艺术、哲学溯起起源都是相同门类，三者都属于思想领域，他们之间是相辅相成的关系，相互影响也相互促进。本文主要从艺术与哲学的关系和艺术与宗教的关系来浅析艺术、哲学和宗教的关系。
关键词：艺术;哲学;宗教;关系
中图分类号：J0-02 文献标识码：A 文章编号：1005-5312(2012)14-0079-01
一、艺术与哲学的关系
艺术与哲学关系密切。哲学是关于世界观和方法论的学问，带普遍性的根本规律。哲学代表着人类理性的最高形式，艺术代表着人类感性的最高形式，它们一道构成了人类精神王国的两座高峰。
哲学主要通过美学这一中介对艺术产生影响。反之，艺术也可以通过自身的特殊方式体现一定的哲学思想。黑格尔的美学更多是艺术史方面的内容，由各类艺术的历史学描述涉及了心理本体的对应物，那物态化的时代精神。黑格尔更是干脆将美学称之为“艺术哲学”明确指出美学在艺术与哲学之间的桥梁作用。
(一)艺术家与哲学的关系
艺术家从事创作活动时，总会自觉不自觉地受到特定哲学思想的影响，并通过自己的艺术作品表现出来。李白的审美理想，深受庄子美学推崇天然之美的思想影响，他不但大力倡导“自然”、“清真”的风格，赞赏“清水出芙蓉，天然去雕饰”的天然之美，并且自觉地把这种美学境界作为毕生的追求，他那些传诵千古的佳作，往往也是最富于天然之美的诗篇。(二)艺术作品与哲学的关系
哲学对艺术家产生影响，因而对艺术家创作的艺术作品也产生很大影响。如奥地利作家卡夫卡的作品，深受存在主义先驱克尔凯戈尔等的非理性主义哲学思潮的影响，成为影响西方现代主义文学的表现主义、存在主义、荒诞派的代表作品。卡夫卡的其他作品也都是在近乎荒诞的情节中，蕴含着强烈的哲理性。
(三)艺术潮流的形成与哲学的关系
艺术潮流的形成也和哲学有很大的关系。如，作为现代主义文艺的重要流派之一的超现实主义，就是以法国唯心主义哲学家伯格森的直觉主义作为理论基础的。可以说，各种艺术思潮总是与一定的哲学观相联系，具有各自不同的哲学基础。
因此，哲学对艺术的影响也是相对的。同时，艺术可以启迪哲学家的思维，艺术作品可以传播特定的哲学思想。哲学对艺术也有一定的影响渗透，反过来，艺术也扩大和深化着特定的哲学流派和思潮的的影响。
二、艺术与宗教的关系
艺术与宗教的关系问题，是艺术理论的一个重要内容。黑格尔认为，宗教往往利用艺术，来使我们更好地感到宗教真理，或是用图像说明宗教真理以便想像，在这种情形之下，艺术确实在为和它不同的一个部门服务。事实上，不仅宗教利用艺术，艺术在发展过程中也离不开宗教，宗教思想对艺术思维、观念和表达方式等，产生了巨大的影响。艺术与宗教的相互关系，可以从不同的角度来考察。
(一)从起源上看，原始宗教是艺术起源的摇篮
艺术与宗教，在起源中就有紧密地联系，今天看来属于艺术活动的东西，在当时却主要是一种巫术或宗教活动，而不是单纯的审美活动。如果说我们在分析艺术的社会根源时曾经表明，艺术植根于人们的豪放不拘的创造性活动，植根于人们的才能、本领、和知识的施展和应用，那么巫术乃至整个宗教的根源则应当到人类实践的局限性中，到人们的不自由中，到人们对统治他们的自发力量的依赖性中去寻找。由此可见，原始巫术和宗教对原始艺术的产生和发展，所起的巨大催化和推动作用，成为艺术起源的直接的、生生不息的重要动源。
(二)从 思维方式 上看，宗教和艺术都运用想像和幻想来把握世界
丰富的想像和幻想，是艺术思维的重要特点。艺术创作的整个思维活动，都是在想像和幻想之中进行的，离开了艺术的想像活动，艺术形象就无从存在。为此，黑格尔在《美学》中说：“如果谈到本领，最杰出的艺术本领就是想像”。宗教和艺术两种思维方式在运用想像和幻想把握世界时，具有同中有异，异中有同的特点，才使它们在对世界的认识和反映中，产生了相互渗透，相互融合的现象，使宗教中融入了艺术因素，艺术中存在着宗教因素。
(三)从探究的对象看，宗教与艺术都注重对人的研究
文学艺术是以人为主要研究对象的，因为人是社会生活的主体和本体，文学艺术要反映社会生活，必然把社会中的人，作为自己反映的对象。宗教的探究对象，说到底也是人，是对人灵魂和人生终极意义的探究。
总之，艺术、宗教和哲学作为心灵系统中的不同文本，共同构筑了这个系统的整体意义。三者间虽然有相互制约的成分，但也是相互促进和相互作用的，尤其是充满活性和不确定性的艺术更是游离于宗教和哲学之间。艺术与哲学和宗教间的关系是相互联系，相互制约，相辅相成的关系。
参考文献：
[1]丹纳著.傅雷译.艺术哲学.人民文学出版社，1983年版.
这些被处理得严肃恰当的画面看起来荒诞不羁，但它们却充分自如地展现着自身的叙事。是什么力量让马焘不知疲倦的在画布上“搞事情”？超现实主义画家玛格利特说：“如果梦境是现实的诠释，那么现实也是梦境的诠释。”
作为当代美国文坛举足轻重的作家之一，乔伊斯·卡罗尔·欧茨获得的殊荣难以胜计：6次入围美国国家图书奖、3次普利策奖提名、29次欧·亨利短篇小说奖、福克纳奖、菲茨杰拉德文学奖终生成就奖……她在1963年出版了自己的第一部短篇小说集，之后几十年来笔耕不辍，共有作品集159部，囊括小说、诗歌、散文、剧本、书评、传记、文艺理论等多个领域，体裁包罗万象、风格不一而足。 以下是我为大家精心准备的：论心理现实主义在欧茨作品中的具体体现相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
论心理现实主义在欧茨作品中的具体体现全文如下：
摘要： 在现当代的欧美文学流派中，心理现实主义占有重要的文学地位。心理现实主义是在现代主义文学和现实主义文学结合的基础上发展而来的，在心理现实主义的作品中现实心理化与心理现实化是一对有机统一的表象表述关系。欧茨是心理现实主义的代表人物之一，对其作品的研究对中国学术界走向国际化有非常重要的实际意义。
乔伊斯?卡罗尔?欧茨(Joyce Carol Oates，1938-)，是美国著名的小说家，自1963年出版首部短篇小说集《北门边》(By the North Gate)以来，一直活跃于美国文坛，迄今为止已发表长篇小说四十余部，另著有多部短篇小说、诗歌、戏剧、随笔、文学评论等文集。1970年以长篇小说代表作《他们》(Them)获得美国国家图书奖。
欧茨经历了小说发展史中的现实主义与现代主义时期，她在结合、吸收传统的小说精华之后，顺应时代的发展潮流把现代主义与现实主义有机的结合在一起，发展了心理现实主义，从而开始从事心理现实主义的创作。欧茨小说中的心理现实主义是对西方文学史有重大影响的文学形式，对欧茨的创作进行研究，可以在了解世界文学的基础上，探寻中国文学的发展之路，推动中国文学的国际化。
一 心理现实主义文学的历史发展
心理现实主义作为一个对西方有深远影响的文学流派，其形成的过程也是经过多位文学大师慢慢发展而来的。心理现实主义最早的文学表现形式是理查生、卢梭、斯泰因等大师的伤感文学，伤感文学的发展是心理现实主义最早的文学表现形式，为心理现实主义的发展奠定了基础。由伤感文学发展到心理小说是心理现实主义发展的重要里程碑，心理小说的代表人物包括福楼拜、司汤达、陀思妥耶夫斯基等，心理小说为心理现实主义的发展起到了重要的推动作用。
心理现实主义真正成为一个文学流派得到评论界的认可是19世纪末，著名小说家亨利?詹姆斯对心理现实主义的文学做了系统的理论阐释。亨利?詹姆斯除了对心理现实主义做了系统的理论阐释以外，还进行了自觉的创作实践，而他也因此被称为心理现实主义的开创者。在他之后，心理现实主义经过塞林格、欧茨、厄普代克时期达到了最为辉煌的时期。
二 心理现实主义在欧茨作品中的具体体现
1 心理现实主义在《我的妹妹，我的爱》中的体现
《我的妹妹，我的爱》是欧茨众多作品中最具代表性的作品，属于欧茨的长篇小说系列。《我的妹妹，我的爱》是根据1996年美国轰动一时的瑞姆森谋杀案改编而来，小说《我的妹妹，我的爱》中主要围绕一个6岁的童星被杀害而展开，约伯奈特?瑞姆森因参加选美而出名，但是此后不久被杀害于家中地下室，案件在大家焦急的等待中却一直没有侦破，最终成为美国当时的一大悬案。欧茨针对这一真实的故事，根据对受害者哥哥的心理路程展开了描写，在受害者哥哥斯凯勒的心理路程的背后是整个社会悲剧的缩影。
小说通过对哥哥斯凯勒心理路程的描写，揭示了上个世纪90年代美国社会的真实状况，当时的美国社会都是利益的追逐者，利益在生活中已经成为生活的全部，也因为这种追逐名利造成了很多家庭惨剧，而家庭里的儿童就是这一代家庭惨剧的牺牲品，因为成年人的道德滑坡、贪慕虚荣、漠视孩子对孩子的心理造成了严重的伤害。在这一时期，很多家庭的孩子成为了家长追逐名利的工具，完全忽略掉了孩子的成长，孩子在这一阶段是重要的生长期，因为长时间的缺乏关心、爱护，最终导致孩子出现了心理疾病的情况，很多孩子不得不依靠药物来维持生活，更有严重的孩子不得不接受心理疾病的治疗。
在欧茨的《我的妹妹，我的爱》中，欧茨采用了“内聚焦”的描述方式，即主要通过小说中斯凯勒的心理活动而展开，斯凯勒也在小说中充当了叙述者的角色，通过斯凯勒的叙述把小说的各个情节串联起来，在进行情节描述的时候，欧茨选择了现在和过去交叉进行的方式进行展开，还在叙述中通过插入一些难懂的段落和语句表达了因为斯凯勒的父母的行为导致斯凯勒长期的紧张和压抑。
2 心理现实主义在《那年秋天》中的体现
在一般情况下，我们所讲述的“时间”是由一个个场景累加而成的一条有效的延长线，也就是“空间时间”，但是这并不是传统哲学意义上所讲述的绝对时间。这是一种连续性的状态，其中的每一种状态都与未来、过去有着紧密相关的联系，也是我们现在所讲述的“心理时间”。它不但遵循客观时间的各方面特性，同时还带有很强的主动性，与过去、现在、未来有着一定的分界，可以选择回流、跳跃、切换、拼接等等，却又很容易失去。在一般情况下，要对心理时间及时快速的掌握，作家需对人物的性格特征以及心理现象进行有效准确的掌握。在《那年秋天》这部小说中，它不但进一步排斥作家以一种的“全知”的上帝视角对小说中的一些人物以及他们的思想进行评价和干涉，还将人物的性格特征分析得惟妙惟肖，所以说，《那年秋天》是一部非常成功的小说，这也是这部小说受到欢迎的主要原因。
当代，传统家庭的婚姻遭遇到各种危机，婚姻和道德约束力受到越来越多人的无视，由于这一现状所引发的各种社会问题是十分令人堪忧的。欧茨借助杰明这个人物角色进一步将小说的主旨揭示，他不但羞辱了艾莉诺，而且讲述了自身的经历，进一步戳破了艾莉诺很难以忘记的“虚伪”爱情。文中的所谓的强烈的感情其实只是男女双方共同违背了家庭伦理道德所造成的罪证。在小说中，欧茨并没有将这个第三者多加批评，而是把她作为关照对象，在突出主题时，也不缺少女性作家该有的悲悯之心。
在她的笔下所描写出来的艾莉诺不但是那个直接闯入别人家里和别人偷情年轻漂亮的女孩，而且还是个害怕孤独的情妇，在她年老色衰时候，遭到别人的抛弃，同时那个一夜成名的诗人，在他63岁的时候却遭到抛弃，被现实狠狠地沉重一击。与传统小说相对比，心理现实主义小说比较容易刻画出一些具体的现实人物，传统的小说所描写出来的人物性格特征大概都与当时的时代背景有着一定的关系，而心理现实小说比较更加容易凸显一些人物的真实性格，将他们的性格特征、爱好兴趣进一步刻画出来。
3 心理现实主义在《表姐妹》中的体现
《表姐妹》是欧茨最近年来的一篇心理现实佳作，全篇都采用书信体，故事主要讲述的是两名接近六旬的老年妇女一年来的书信往来。整个故事的具体情节如下：芝加哥大学的生物人类学教授芙瑞达?摩根斯顿，近期发表了一篇有关于少女时代犹太集中生活的会议记录篇，这篇记录引起很多人们的关注，在社会上掀起了一片狂潮，这本书被一名老妇人偶然看到，通过小说中摩根斯顿教授对犹太种族的追杀的表述，丽贝卡猜测对方是自己失散多年的表姐，这么多年来，她一直挂念着表姐，并且时常写信给她，和她一起回忆往事，希望有一天姐妹能够相认。可是摩根斯坦教授却十分残忍地拒绝了她，最终丽贝卡的坚持打动了芙瑞达，两个人开始用书信互相倾诉童年的悲苦和凄凉，芙瑞达开始逐渐接受这个妹妹，当两个决定相认的时候，丽贝卡却患上了不治之症，这篇小说虽然结局不是那么尽如人意，但是却从一定程度上表述出作者想要表达的内心情感以及对一些社会现实不满的情绪。
这篇小说虽然篇幅不是很长，但其所体现出的写作技巧却是独一无二的。每一句话需要作者仔细琢磨。这29封信看起来就是普通的信件，却深入揭示出大屠杀带给犹太民族的大灾难，这场灾难使很多幸福的家庭毁于一旦。小说通篇所采用的书信形式分为两个主角，分别提供出不受任何干扰的叙事空间，使读者在阅读这些信件中，根据写信人的语气就能进一步推出写信另外一方的心理变化以及情绪变动。此外，欧茨所采纳的双重叙事的写作手法，使这篇小说的情节发展更加复杂，这对表姐妹在和对方讲述自身过去所发生的一切事情时，双方以交叉进行叙述，为了进一步讲述“犹太大屠杀”事件打下了坚实的基础，进入了层层深入的空间解读，使作品在无形之中加深了阅读的深度。从小说的表面上上看，讲述的是两个姐妹在认亲的故事，其实深入一层的含义则是反映出犹太大屠杀对很多个家庭所造成的伤害，这种伤害给两个姐妹的心理上、身体上留下了不可抹灭的阴影。
三 欧茨小说中对心理现实主义表达技巧的革新和突破
回顾心理现实主义小说的发展历程，笔者认为，欧茨对心理现实小说有着很大的贡献，主要贡献有：
(1)进一步丰富了心理小说的写作手法和写作技巧，从当代主义以及时代作品借鉴了很多的现代因素，比如象征、意象、荒诞、切换视角等等。笔者认为，欧茨所写的小说，最令人感觉到惊喜的是，在读者的视觉体验上以及字体排版上，欧茨是独一无二的，比如在《狐火：一个少女帮的自白》和《大瀑布》中，欧茨运用黑体字来掌握人物的内心变化;在小说《我的妹妹，我的爱》中，则采用大量的脚注，用很多黑体字做点缀，字体大小也不同，同时又运用一些星号做标记，与小报媒体的格调有几分相似;
(2)在对象描写的选择上，亨利?詹姆斯所了解的基本都是自己圈内的人物，茨威格喜欢分析别人的极端人格，但她所关心的人，又都是一些普通的平凡人，这些人的贪婪、虚伪、孤独、固执等等心态，都是当代社会每个人都具有的，都曾经体验过及经历过，她洞察现代人的精神世界以及观察当代的心理状态，不但深入研究，而且还十分准确;
(3)欧茨最喜欢从一些古旧的故事里、体裁中获取灵感，将这些古旧的故事写成当代的故事，她所出版的一些短篇故事小说，大多数都是将一些著名的小说巨匠的故事借助自身的想象将这些真实发生过的故事重新进行编写，根据小说里的人物性格为他们编写出一个适合他们性格的晚年。不管从哪方面上来讲，欧茨在心理现实主义突破方面以及表达技巧方面上，起到了很大的作用。她是一个非常敢于突破传统并且能够实现自我超越的作家。她在进行写作叙述时，没有单纯地运用熟练的技巧来进行人与物的叙述，而在通过不断地创新新的创作技巧来实现自我超越。她在其所创作的小说中，为了要为小说营造出一个戏剧化效果，会结合小说发展的需要来选择不同的人物、不同的环境，并且通过她娴熟的创作技巧把所有与之相关的人物、环境、事件进行有机的结合，这样的一个创作方式在其后期的作品《大瀑布》中得到了充分的体现。
四 结语
20世纪的美国文学，堪称美国文学史上的“黄金时期”，同时也可以说是又一次“文艺复兴”。这一时期，现实主义、自然主义和现代主义形成了多元并存的局面，促进了现代美国文学的空前繁荣。==小说==这一时期的小说创作主旨虽然是现实主义，但不同的作家在创作实践中却呈现出各自的特色。这一时期的小说创作有几种倾向：1、两种现实主义小说。在这方面的主要代表是亨利·詹姆斯，他的创作继承了19世纪的高雅“现实主义”传统，擅长描写美国东部有闲阶级男女的心理。他作品描写的民主思想浓厚、独立性强、天真无邪、不拘虚礼但又有些我行我素的美国上层妇女形象，始终被看成是美国文化产物的典型。与这种创作倾向截然相反的是乡土小说和反映农民心声的作品。这方面比较有影响的作家哈姆林·加兰。2、乡土作家和幽默小说。这方面的代表性作家是欧·亨利。他的短篇小说篇幅不长，以情节取胜，一般以写小市民生活为主，充满了蕴含同情的幽默和恢谐之特色。尤其是那些出人意料的结尾和“情理之中、意料之外”的谋篇布局手法更每每令读者拍案叫绝。3、“黑幕揭发者”与厄普顿·辛克莱。从19世纪90年代开始，一批以揭露资本家穷奢极欲和政府丑闻为主要内容的暴露文学曾一度发展到高峰。其中以厄普顿·辛克莱的《屠场》最有影响。4、自然主义和现实主义的交织。这一时期美国文学的一个重要成就在于出现了一批既具有现实主义倾向同时又受到欧洲自然主义哲学和文学思潮影响的作家。他们所描写的往往是一些没有文化、出身贫寒的下层人民和社会渣滓。第一部显示出决定论哲学倾向的作品是斯蒂芬·克莱斯的中篇小说《街头妇女郎梅季》。杰克·伦敦参加过美国的社会主义运动，曾有“美国无产阶级文学之父”之称。实际上，他同时受到马克思主义、尼采的超人哲学和斯宾塞的社会达尔文主义的影响，这些均反映在他的主要长短篇小说中。他的写作风格粗犷而刚健有力，人物性格常常在激烈的矛盾冲突中得到展示。西奥多·德莱塞（代表作《嘉莉妹妹》、《美国的悲剧》）运用巴尔扎克写典型、写细节的手法，成功地再现出他那个时代大城市中的社会生活和典型人物，场面比较广阔，含义比较深刻。他虽然揭露了资产阶级社会中尔虞我诈、弱肉强食的现象，但是又塑造了一批随波逐流、任性纵欲的主人公。但是他常常因为写作风格的滞重和句段的冗长而受到批评。辛克莱·刘易斯是美国第一个获得诺贝尔文学的小说家。他的小说多以讽刺手法揭露美国资产阶级社会中的丑恶现象和矛盾。作为美国中产阶级的代言人，他的视野从未超越中产阶级。他的作品虽然从某些侧面揭露示了资产阶级社会中的矛盾，和社会的黑暗，但总的来说，缺乏一定的深度。约翰·斯坦贝克的创作在美国文坛有着重要意义。他继承了现实主义传统，力求真实地反映出现实生活的本质。他的作品大多以描写加州下层劳动人民的生活为主，充满了对小人物的深切同情，洋溢着浓厚的乡土气息。代表作《愤怒的葡萄》同时也是30年代美国文学最重要的作品。斯坦贝克十分重视写作技巧，无论从情节安排到人物刻画，或者从遣词造句到人物语言，他都精心筹划，独具匠心。他尤其重视从下层人民的口语中汲取营养，加以提炼，形成了个性化的、富有乡土气息的、色彩明亮的文学语言。==诗歌==从1909年到1918年间有一群美国诗人兴起了一场反对传统诗歌格式的意象主义运动，卷入其中的主要诗人有埃兹拉·庞德、卡尔·桑德堡等 ，他们按照休姆的主张进行新诗创作，1914年庞德将他们收编成集，取名《意象主义者》，这一词随即便成为这一派诗人的统称。意象派虽没有具体的理论，但却有自己的美学主张，大致可以概括为：使用普通语言，但是用准确的字眼；避免有音无意、用作装饰的诗歌惯用词汇；自由选材；创造新的节奏表达新的情绪；使用意象呈现出具体、坚定和肯定的画面；暗示出意思，而不是直抒胸臆。这一诗派的领袖人物是庞德，他的主要文学成就体现在：致力于诗歌革新运动，为新崛起的意象派制定了三条原则，并扶持了包括艾略特在内的一批英美作家，此外他还翻译了不少中国古典诗歌，为中国文学在英语世界乃至整个西方世界的传播作出了重要贡献。卡尔·桑德堡于1914年在〈诗刊〉上发表了《芝加哥》一诗。在格式上，桑德堡使用无韵短行和散文长句相间的句式，自由体，不拘泥句子的重音和韵脚，语言是浅显的口语体。他的诗在构思和格式上都显示出惠特曼的影响。美国生活的全景镜头往往是他的题材。
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摘要 ：现实主义理论和实践在每一个阶段的发展，都是为社会中的某一个阶层或者群体代言的，而且，它们都为现实主义美学理论增加了新的富有时代性的内涵。电影类型化是电影工业发展的结果。电影在产业化的进程中，也越来越重视电影的类型化特点。现实主义的创作是电影创作的趋势，但是在电影创作中不能把这两个概念割裂开来。本文首先简要分析了现实主义电影与类型电影的概念，之后通过一部电影说明现实主义电影与类型电影之间的联系。
关键词 ：现实主义电影;类型电影;主题;造型;表现方式
在电影创作中，现实主义电影和类型电影是两大主流创作模式。现实主义电影的创作主要以反映客观生活为主，而类型电影则是按照一定的模式创作具有典型特征的电影。两者在创作方式上虽有不同，但是我们在电影创作中却不能将这二者割裂开。现实主义电影强调较高的艺术性，但是可能会忽略观赏性;而类型电影在牢牢抓住观众的胃口的同时可能会降低其艺术性。如果在电影创作中将二者结合起来，会使电影的整体质量上升一个层面。
一、现实主义电影与类型电影的概念
1.现实主义电影
“现实主义”这个术语最初是指文艺的基本创作方法之一，侧重如实地反映现实生活，客观性较强。它提倡客观冷静地观察现实生活，按照生活的本来样式精确细腻地加以描写，力求真实地再现典型环境中的典型人物。电影诞生于1895年，是所有艺术中最年轻的一个艺术门类。“现实主义”这个术语最初在电影上的运用，只是一种术语的移用。作为一门用光影反映现实、表现生活的科技艺术，电影的现实主义表现与文学，绘画等艺术门类的表现方式有着本质上的区别。从最初的卓别林默片电影到英国的纪录电影运动、法国的诗意现实主义、苏联的社会主义现实主义电影，一直到对后世影响最大的现实主义的高潮——意大利新现实主义，现实主义无不贯穿着一种理念：关注社会现实问题。这些问题凸现为人与社会的矛盾，人与自然的冲突，人与人的隔阂，人与自身的灵魂挣扎等等。
2.类型电影
“类型电影”是按照不同类型的规定要求制作出来的影片。作为一种影片制作方式，三四十年代在好莱坞曾占踞统治地位，其他资本主义国家的商业电影也都是以类型观念作为影片制作的基础观念的。所谓类型是指由于不同题材或技巧而形成的影片范畴、种类或形式。类型电影作为一种影片制作方式具有如下特点：影片创作者必须严格遵守制片人为他指定的影片类型的基本规定，即：(1)公式化的情节。(2)定型化的人物。(3)图解式的视觉形象。类型电影的制作根据观众的心理特点，在一定时期内以某一类型作为制作重点，即采取所谓“热潮更替”方式。
二、电影中的现实主义
现实主义电影的意义在于客观如实的反映生活，关注民生，关注现实，塑造出一个又一个典型的社会形象，真实细腻。每个人心中都会有一个自己诠释的现实主义理念;一部所谓的现实主义影片所表现的现实也必然是一部分人的生活现实，不可能囊括整个人群。这样，现实主义在概念上就具有了模糊性。一种观点认为，只要表现了大多数人的真实，就是一种现实主义。可是，问题又随之而来，大多数人是指哪些人?是大多数的生活在社会下层的普通百姓?还是掌握了权利、知识话语权的群体?如果是普通百姓，他不掌握话语权，而从事电影的人大多是有知识的文化群体，身份确认上与这些普通百姓存在着隔阂，能很好地表现他们的生活现实和真实想法的影片就有了一定的难度;如果是掌握了话语权的知识分子，那他代表的是人数上的小众，这就与大多数人的界定相违背。这样，现实主义的概念就被缩小了。下面我就通过一个例子来说说现实主义电影。
最近连看了部关于二战题材的电影：前南斯拉夫影片《瓦尔特保卫萨拉热窝》。这是一部优秀的现实主义题材的影片。电影具有很多西方电影惯有的特色：叙事简洁明了，对白清晰，或言简意赅，点到为止，或话外有话，余音绕梁，甚至让人脑筋急转变后，又恍然大悟，会意在心。《瓦尔特保卫萨拉热窝》在中国曾红极一时，这部影片真实的反映了二战期间纳粹入侵南斯拉夫时，南斯拉夫人民奋勇反抗的故事。与很多中国的反映抗战时期的电影不同的是，中国的抗战题材电影把人都描写成了神，而这部电影中则充满了智谋、勇敢、背叛、伪装。贯穿其中的悬念就是神秘的游击队员瓦尔特。他指挥着游击队取得一次又一次胜利，却来无影去无踪，连他的队员都找不到他。电影中最常用的手段就是跟踪和伪装，当然还有反间计。德国军官伪装成瓦尔特，游击队员伪装成德国士兵等等。影片感人至深，人物有血有肉，影片不论正面人物还是反面人物个个真实可信。在人物塑造方面，没有沿袭某些革命题材影片把革命者神话、公式化，把敌人愚化、嘴脸化的旧模式。影片中的革命者没有慷慨激昂的说教，他们只有默默地行动。影片正面人物台词不多，而反面人物也都非颐指气使。这部电影让我最感动的就是看到南斯拉夫人民的团结，游击队员到处都是。本片不乏精彩之处。比如纳粹设圈套让民众前来认领被他们大四的游击队员的尸体时，身为游击队员的修表匠与瓦尔特带领群众走向亲人的尸体，他们强忍痛失亲人的巨大悲伤，抱定视死如归的革命精神，昂首挺胸的走向法西斯的枪口，这种精神让我感叹;再比如修表匠冒充瓦尔特，慷慨赴死。他明知山有虎，偏向虎山行，明知一去不归，毅然慷慨赴死。修表匠倒下的时候，和平鸽骤然飞起，表达了人类为和平不惜牺牲生命的崇高境界;又比如影片结束时党卫军上校的一句话：看，这座城市，他就是瓦尔特。萨拉热窝就是瓦尔特，南斯拉夫就是瓦尔特，全世界爱好和平的人民就是瓦尔特，这就是正义。本片突破了“日常生活”的日常性，充分揭示出战争状态下的“日常生活”的非日常性，从而使观众在观赏其所熟悉的日常生活的表象时，所获得的常常是超出其日常经验之外的、或另其惊异的或另其意外的审美体验。
三、现实主义电影与类型电影的联系
这些被处理得严肃恰当的画面看起来荒诞不羁，但它们却充分自如地展现着自身的叙事。是什么力量让马焘不知疲倦的在画布上“搞事情”？超现实主义画家玛格利特说：“如果梦境是现实的诠释，那么现实也是梦境的诠释。”
[编辑本段]简介超现实主义（surrealism）是在法国开始的文学艺术流派，源于达达主义，并且对于视觉艺术的影响力深远。于1920年至1930年间盛行于欧洲文学及艺术界中。探究此派别的理论根据是受到佛洛依德的精神分析影响，致力于发现人类的潜意识心理。因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。它的主要特征，是以所谓“超现实”、“超理智”的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的“无意识”世界。才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目。超现实主义给传统对艺术的看法有了巨大的影响。也常被称为超现实主义运动。或简称为超现实。注：不能与超级现实主义混为一谈，超级现实主义又称照相主义，是七十年代美国最为流行的一种资产阶级美术流派，和超现实主义不同。[编辑本段]产生背景第一次世界大战后在法国兴起的在文艺及其他文化领域里对资本主义传统文化思想的反叛运动，其影响波及欧美其他国家。它的内容不仅限于文学，也涉及绘画、音乐等艺术领域。它提出了创作源泉、创作方法、创作目的等问题，以及关于资本主义社会制度和人们的生存条件等社会问题。超现实主义者自称他们进行的是一场“精神革命”。运动是由一群参加过第一次世界大战的法国青年发起的，他们目睹战争的荒谬与破坏，对以理性为核心的传统的理想、文化、道德产生怀疑。旧的信念失去了魅力，需要有一种新的理想来代替。超现实主义就是他们在探索道路上的尝试。超现实主义为现代派文学开创了道路。超现实主义作为一个文学流派，实际存在的时间并不很长，作为一种文艺思潮，作为一种美学观点，其影响却十分深远。超现实主义者的宗旨是离开现实，返回原始，否认理性的作用，强调人们的下意识或无意识活动。法国的主观唯心主义哲学家柏格林的直觉主义与奥地利精神病理家弗洛伊德的"下意识"学说奠定了超现实主义的哲学和理论基础。超现实主义文艺思潮的出现，反映了第一次世界大战后欧洲资产阶级青年一代对现实的恐惧心理和狂乱不安的精神状态。参加超现实主义集团的作家有布洛东、苏波、查拉，画家阿尔普、马松等等。属于这一流派中的有些作家，如路易·阿拉贡、保罗·艾吕雅等，由于受到无产阶级革命运动的积极影响，后来转向进步的文艺阵线。第二次世界大战后，超现实主义在美国风行一时，出现了所谓"新超现实主义"流派，成为帝国主义御用的宣传工具。超现实主义的文学作用甚多。1921年，布洛东和苏波合著的《磁场》，是超现实主义第一部实验性的作品，首次提出了无意识书写和自动的写作的问题。但典型的超现实主义作品则产生在1924年之后，如布洛东的小说《可溶解的鱼》1924）和《娜嘉》（1928）是超实现主义的代表作。阿拉贡在1926年发表的散文集《巴黎的农民》，艾吕雅的诗集《痛苦的都会》、《生活的内幕》均属超现实主义之作。[编辑本段]历史达达派之后，法国产生了一个近代艺术史上影响力最大的画派——超现实派，此派从达达派发展而来，但事实上要对此两流派的时代作明确区分，则相当困难。因其演变过程并没有明确的在造型艺术上出现。不过，如果因此所把达达派精神与超现实派的本质视为同一，则是一大谬误。达达派虽成为超现实派诞生的温床，但超现实派多少还是承受了19世纪的浪漫主义及象征主义的遗产，另外还吸收了新的要素。现在我们谈超现实主义发生之年代，都是根据宣言文字的发表时间作区分，无法在艺术作品上对产生年代作正确说明。在理论上，超现实主义艺术运动的发起者是两位作家，布列顿和阿波利奈尔。超现实一词是诗人阿波利奈尔首用的，原是哲学上的术语，最初称为“超自然主义”，后来才用于绘画上。1924年，布列顿发表了第一篇超现实主义宣言，1928年发表了一篇重要论文《超现实主义与绘画》其思想的基础是在求取人间想像力的解放。布列顿对超现实主义的定义是：“超现实主义，名词。纯粹的精神的自动主义，企图运用这种自动主义，以口语或文字或其他的任何方式去表达真正的 思想过程。它是思想的笔录，不受理性的任何控制，不依赖于任何美学或道德的偏见。”布列顿又说：“我相信，在表面上被认为矛盾的两个状态，将来是有办法解决的，那便是梦与现实的统一。那可以说是绝对现实的一种，也可以说是超现实的一种。”从这宣言中可以明了超现实主义是追求梦与现实的统一，并且是以人类为对象作为表现的范围。布列顿在文章中要求人们注意那些可能与文学超现实主义有联系的艺术家，其中有马蒂斯、德兰、勃拉克和毕加索。实际上这些画家并不符合布列顿对超现实主义所下的定义：纯粹的心理自动。但他所推祟的另一位画家基里柯则可能是最早的超现实主义画家。基里柯从1911年到1915年一直住在巴黎，他的画很受阿波利奈尔的赞赏，阿波利奈尔在1918年写的剧本《蒂里西亚的乳房》冠以“超现实主义戏剧”的副标题，最早使用了“超现实主义”这个术语，他对基里柯的看重显然是注意到了基里柯画中那种超验的精神与内心世界的表现。给予超现实派最大的启示是奥地利维也纳大学精神病心理学教授佛洛伊德的精神分析学和下意识心理学的理论。从整体上说，超现实主义作为一个艺术运动，与弗洛伊德的精神分析学还是有非常密切的联系。超现实主义的精神与思想领袖布列顿有过学医的经历，他在读了弗洛伊德的著作后，立即领会到精神分析与达达派的无意识表白之间的关联。精神分析注重对梦想、幻想和幻觉的分析，并把白日梦作为一种可能的艺术创作方法加以诱导。依此而从事于下意识的梦幻的世界的研究，与自然主义相对立，不受理性支配而凭本能与想象，描绘超现实的题材，表现比现实世界更真实的，比现实世界的再现更具重大意义的，想像领域中的梦幻世界。此派的画家们可举出阿尔普、米罗、艾伦斯待、达利、马松、基里柯、克尔诺、坦基、马格里特 、夏卡尔 等。他们以布列顿的“自动的活动、无意识的自动作用（Automatisme）和梦幻世界的采求”展开创作，部分也受哲学家柏格森（H Bergson）的影响，在思想上企求打破心物二元的宇宙观，建立一元化的形而上学，因此他们任意表现梦与想象，很多奇异的变形与线条令人无法了解。他们的创作活动自由自在的安排在一种时空交错的世界中，毫不受空间与时间的束缚。但是，如果用布列顿的这种视觉形象来解释超现实主义绘画的话，还只说明了超现实主义绘画的一种主要风格，即以达利、马格利特、德尔沃为代表的风格。这种风格以精细的细部描绘为特征，通过可以识别的经过变形的形象和场面，来营造一种幻觉的和梦境的画面。它的来源是卢梭、夏加尔、思索尔、基里柯及19世纪的浪漫主义艺术。它企图运用弗洛伊德所下的定义，创造一种不受意识和理性控制的形象。但是其作画的过程实际上与写实画法没什么区别的理性过程，因此这种风格又被称为自然主义的超现实主义和古典的超现实主义。另一支超现实主义的绘画则是以米罗、马宋等人为代表，他们追求作画过程的无意识性，以致在画面上出现纯粹受心理作用支配的意象，最终结果总是充满幻觉的和具有生命形态的抽象画面。因此，它又被称为有机的超现实主义或绝对的超现实主义，这一倾向与达达主义者和某些未来主义者所从事的偶然机遇和无意识行为的试验有关联。自布列顿于1924年发展宣言后，1925年6月在巴黎举办了首次超现实主义画展，参加者包括毕加索、阿尔普和克利等人，他们显然都不是真正意义上的超现实主义画家，只有恩斯特在他的达达主义的拼贴中首次尝试了具有超现实主义倾向的作品。1926年超现实主义者组织了超现实主义画廊，1936年和1947年他们先后在伦敦和巴黎举办了重要的展览。曾一度风行欧洲的超现实主义热潮虽于30年代之后渐趋式微，但这一运动并末消失，并且在第二次世界大战后仍然具有一定影响。因为二次大战前很多此派画家从巴黎到美国，所以超现实派绘画从欧洲影响到新大陆。此外，其影响力扩及戏剧、舞台装饰、摄影、电影、建筑、雕刻等艺术领域。超现实主义致力于探索人类经验的先验层面，力求突破合乎逻辑与真实的现实观，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相揉合，以展现一种绝对的或超然的真实情景。超现实主义运动以其充满幻想色彩和异国情调的奇特风格，对20世纪美学产生了重要影响。[编辑本段]代表人物和作品超现实主义艺术家主要有卢梭（H.T.Rousseau）、米罗(joan miro)、达利(salvador dali)、恩斯特(m.ernst)、马格利特(r.magritte)等人。 米罗的创作表现方式是有意的打乱知觉的正常秩序，在直觉式的引导下，用一种近似于抽象的语言来表现心灵的即兴感应。因此在它的作品中会有象征的符号和简化的形象，使作品带有一种自由的抽象感，也有儿童般的天真气息。主要的作品有《向鸟投石子的人》、《荷兰式家居室内》等。 达利相较与米罗，他采用相反的表现手法。达利认为艺术家要将潜意识的形象精确第纪录下来，所以他采用“具象”，精确地复制非正常逻辑思维产生的幻象，把毫不相干的事物全部组合在一起，使画面中充满戏剧效果，带给人视觉与新心灵的震撼。主要作品有《永恒的记忆》、《内战的预感》等。[编辑本段]超现实主义文学超现实主义文学否定现实主义和传统的小说，敌视一切道德传统，认为它是平庸、仇恨的根源，而小说之所以成为文学的宠儿，是因为它适应了读者要求合乎逻辑地反映生活的追求。它要打破这一切，追求“纯精神的自动反应，力图通过这种反应，以口头的、书面的或其他任何形式表达思维的实际功能。它不受理智的任何监督，不考虑任何美学上或道德方面的后果，将这思维记录下来”。它强调潜意识和梦幻，提倡写“事物的巧合”，倡导“自动写作法”。超现实主义者在咖啡馆、电影院等公共场所寻找、搜集人的思维的原始状态，并在此基础上进行创作，其代表作是勃勒东1928年发表的小说《娜佳》。20 年代末以后，运动内部发生分裂。1930年勃勒东发表《超现实主义第二宣言》，重申了运动的原则：反抗的绝对性、不顺从的彻底性和对规章制度的破坏性。此后运动处于低潮，几乎只剩下勃勒东一个人还在坚持，在第二次世界大战期间流亡美国时，他这种宣传也没有停止过。1946年勃勒东回法国后，继续办杂志，举办作品展览会，发表广播讲话，又掀起过超现实主义运动的浪潮，影响波及欧美许多国家，但其声势已远不及20年代。超现实主义存在的时间较长，这个流派颇有吸引力和生命力，不少的现代派都受其理论影响并加以发展。[编辑本段]超现实主义电影超现实主义电影(surrealist film) 把文学上的超现实主义的创作方法运用于电影创作的电影流派。承袭了这一创作主张的倡导者安德烈-布菜东的原则，强调无理性行为的真实性、梦境的重要意义、不协调的形象对列的情绪力量和对个人快感的执着追求。一度成为二十年代法国先锋派电影的主要倾向，后来又成为美国实验电影和地下电影的重要一翼。在供商业发行的故事片领域，超现实主义不构成独立的流派，它的影响只见于影片的个别镜头或段落。阿杜-基洛的《电影中的超现实主义》是进行这种研究的典型论著。二十年代，法国先锋派电影人士发现电影的照相本性和蒙太奇对列技巧使它成为超现实主义最理想的表现手段。这一观点始终流行在反传统的影片制作者中间，并被不断付诸实践。 超现实主义电影公然反对叙事体。通常认为，杜拉克的《贝壳和僧侣》是第一部超现实主义影片，但更受到重视的则是路易斯．布努艾尔的《一条安达鲁狗》和《黄金时代》，前者是一个精神困顿的流浪汉的一连串梦境r后者则是对性欲和爱情的一次弗洛伊德主义的分析。性欲和高潮，暴力和渎神，以及怪异幽默，是超现实主义电影用来与传统电影形式抗衡的题材。影片真正的目的是希望用自由的电影形式，来激发观众潜在心底最深处的冲动。布努艾尔曾宣称《一条安达鲁狗》是“向谋杀热情地呼唤”。西方的电影研究家们一致认为，超现实主义的影响在布努埃尔转而拍摄故事片后仍不时在他的作品中隐现•在实验电影和地下电影中，超现宴主义倾向的代表人物是美国玛耶-德连和肯尼斯-安格尔•在故事片领域里，西方电影研究家倾向于把对变态心理、潜在的性冲动、无理性行为等的描写归结为超现实主义在故事片中的表现。因此，象希区柯克的一系列影片：《爱德华大夫》(1945年)、《眩晕》 f1958年)、《西北偏北》(1959年)、《精神变态者》(1962年)和《群鸟》 f1963年)，马克斯三兄弟的狂乱喜剧片，以及塞缪尔-富勒、约瑟夫-冯．斯登堡等人的一些影片，都成了阐明超现实主义在故事片中的影响的典型例证。[编辑本段]超现实主义色彩如果说现实主义处理色彩是在真实的基础上力求发挥色彩的表意作用的话，那么，超现实主义色彩处理则十分强调主观色彩的运用，只求色彩的表意功能，不再考虑色彩处理的 真实性，超现实主义起源于西方现代派电影。被称为西方现代派电影创始人的意大利著名导演安东尼奥尼在他拍摄的影片《红色沙漠》中，红色、黄色和蓝色是重要的表意色彩，他把工厂的厂房刷成红色和黄色，把树也刷成红色。红色和黄色在西方象征着动荡和恐惧，这里的红色和黄色构成的环境，暗喻现代工业文明正在摧毁着人类。烟囱冒出的黄色烟雾暗示有毒。女主人公朱莉亚娜居住的房间涂上蓝色，暗示神精病患者---朱莉亚娜看到的世界是冷寞无情的，她无法和外界和家人沟通，她的精神世界已经完全崩溃。绿色是象征生命的色彩，在影片中很少看到绿色，暗示被现代工业污染的现代世界一切生命都受利危胁，甚至不能存活。这部影片的色彩处理是超理实主义的，色彩不再是自然景色的真实再现，而是依照作者的主观意愿把色彩作为独立的表意手段。
杨·史云梅耶自己宣布，《昆虫物语》是他的最后一部作品。 日前，这部作品亮相于北京电影节，此前，《昆虫物语》只在鹿特丹电影节和捷克、斯洛伐克放映过，北京电影节是该片第一次的亚洲放映。然而，对于无数史云梅耶的老粉来说，《昆虫物语》作为一代动画大师的“封镜之作”却可能并没有达到他们极高的期望值，原因无非是——动画在电影中的比例太小了，不够过瘾！ 目前，这部作品已有高清资源，我也在第一时间看过了。在讨论《昆虫物语》这部影片之前，我，史云梅耶的骨灰级死忠粉，必须要先认真介绍一下杨·史云梅耶和他的作品。 注意，这个介绍是非常认真的！ 杨·史云梅耶是捷克当代最具有影响力的动画大师，同时也是世界范围内超现实实验动画的领头羊，在非主流动画领域，是一个绝对绕不开的存在。 史云梅耶于1934年出生于捷克第一共和国，年轻时就读于布拉格应用艺术学院和布拉格表演艺术学院。当时，捷克的政治局势非常紧张，在高压的政治下，“老师被禁止讲授现代艺术课程”，教授只能用“从非法途径取得的毕加索画作”偷偷给学生们展示。 尽管在如此高压之下，史云梅耶还是被现代艺术的魅力所折服。由于当局对艺术作品的管束极为严格，史云梅耶能够接触到现代艺术的机会非常稀缺，他不得不“去看将现代艺术作为反面教材进行批判的材料”。 机缘巧合之下，史云梅耶接触到了“超现实主义”，从此，萨尔多瓦·达利的绘画和路易斯·布努埃尔的电影成为了他的最爱，这个时期对超现实主义的研究和模仿为他后来的动画创作铺平了道路。同时，对鲁道夫二世和朱塞佩·阿尔钦博托的崇敬，也构成了他日后影片中风格主义的基础。 像很多大器晚成的导演一样，1964年，史云梅耶在30岁时才拍出了真正意义上自己的第一部作品。在此之前，史云梅耶接受了大量木偶戏和定格动画的训练，也曾在捷克木偶动画大师吉利·唐卡的工作室中担任过木偶操控师和角色设计。因此，当“捷克新浪潮”的号角吹响之际，借着这股东风，史云梅耶通过创作迅速成长了起来，成为了一位先锋的艺术家，开始了漫长而活跃的动画创作之路。 而政治，是史云梅耶作品中永恒的主题。 史云梅耶自己也说过，他的所有作品都是政治电影。政治因素的影响贯穿史云梅耶的创作生涯，尤其是在“布拉格之春”（1968）之后到“天鹅绒分离”（1993）之前，同时也是史云梅耶创作最活跃的时期，政治成为了他作品中一切晦涩与讽喻的原因。所谓“国家不幸诗家幸，赋到沧桑句便工”，大致如此。 你能够在史云梅耶的作品中感受到高压政治对个人的压迫（《公寓》），看到因告密与害怕被告密而导致的人体异化（《花园》），能看到政治荒诞下人的精神混乱（《奥兰多城堡》），能看到史云梅耶对政治把戏的嘲讽和戏弄（《斯大林主义在波西米亚被终结》）……这一切敕喇喇地藏在老杨风格独特的外在形式中，明目张胆。 后来，由于当局的打压和长达七年的禁拍，史云梅耶的作品愈加晦涩，悲观主义的氛围也愈加浓厚。在禁拍期间的探索和积累后，他创作了《对话的维度》、《食物》、《黑暗 光明 黑暗》等世界范围内广受好评的影片，来表达他对政治、人性、文明、沟通等各方面的思考以及悲观。 法国的《电影手册》盛赞他： 可见史云梅耶的功力之深，出神入化。 但即使剥除政治的因素，史云梅耶的作品依旧趣味十足，其内涵具备多解性，主题涉及了多种人类共通的情感体验，而其独特的风格也很容易唤醒人们对物体触感的记忆和知觉。 可以说，他的作品既有对形式和风格的追求，也有对文本和内涵的要求，他的作品，在整个动画界都是独树一帜的存在。 对于许多不了解史云梅耶背景的观众而言，他的作品是好看的但也是难解的。除了大量政治的隐喻，史云梅耶的作品中还充满着独特的视觉符号，通感式的触觉体验，百科全书般的陈列、展示、拼贴、复沓，超现实的狂野表达，以及各种玩偶的断肢、扭动的蛆虫、蠕动的舌头、腐烂的食物等视觉元素。这些共同组成了史云梅耶令人过目难忘的视觉风格，让同好者极爱，厌恶者极恶。 由于史云梅耶的风格元素复杂，符号繁多，想象力更是天马行空，光怪陆离。观众常常被其荒诞、猎奇、恐怖、哥特的cult风所吸引，比较难以触及其深层的内涵。因此，本文尽量用深入浅出的方式对史云梅耶的作品风格进行归纳和分析，但仁者见仁，智者见智，对于符号的解读从来都不是绝对的，每个观众都有权利保有他自己的理解和感受。 好了，让我们先从史云梅耶最入门也是最广为流传的两部短片《对话的维度》和《食物》为例，进行分析。这两部作品均是由三个章节构成，每个章节内部又有重复和递进的结构，显得非常工整。受风格主义的影响，这种章节式的结构在史云梅耶的作品中并不少见，但多数都是《诗经》式的“重章叠句，一唱三叹”，主要发生在一个完整作品的内部，如《石头的游戏》、《自然史》、《荒唐童话》等，而《对话的维度》和《食物》这样明确分章节并且每个章节的内容泾渭分明的，唯此二篇。 对于第一次观看史云梅耶作品观众而言，在看过这两部短片之后可能会陷入深深的震撼和久久难以平静的喘息，甚至忍不住连续大呼“卧槽！”来表达内心的情感。如果要提取出三个关键词，我会选择“黏土定格”、“触感对比”和“人物异化”。 我们分别来从这三个切入点来进行讨论。 黏土是史云梅耶后期最常用的创作材料之一。作为一种可塑性极强的材料，黏土的塑造与拆除的过程本质上都是一种创造。从史云梅耶的角度来说，除了可塑性，泥土也是质朴的、自然的、孕育生命的，这种材质本身能够唤起人们的触觉记忆，而黏土与真人的动画结合，也让观众更加真实可感。 史云梅耶在使用黏土时不会回避黏土本身的特征，因此，观众能感知到泥土的柔软，遇水即蔫儿；也可以坚硬，掷地有声。 除了黏土，史云梅耶情有独钟的创作材料还有鲜肉（《肉之恋》）、石材（《石头的游戏》）、碎木屑（《爱丽丝》）、纸张（《荒唐童话》）等。 从史云梅耶第一部作品《最后的把戏》开始，他就有意识地展现物体的触觉质感。在史云梅耶遭受禁拍的七年时间里，史云梅耶把自己投入到“触觉实验”当中，并将他的实验成果投入到复出后的作品中。 史云梅耶是一个不折不扣的“恋物癖”，他不止一次表示过对数字动画的反感，坚持使用真实生活中的物品并致力于呈现物体的质感。对他而言，每一件物品的触感就像它的灵魂和生命，是有温度的。 每一次创作新作之前，史云梅耶都提前收集物品，并尝试用不同方式去展现物品的真实触觉。因此，物品在史云梅耶的作品中具有极为重要的地位，有时候，拟人化的物品甚至作为正面角色反抗人类的压制，获得人们的认同和怜悯。 在《对话的维度》中，无论是第一章的“趋同对话”还是第三章的“自由对话”，都在通过物体质感之间的和谐与矛盾进行内涵的传达。这种可触、可感，是史云梅耶作品最为突出的特征。 史云梅耶的动画作品中，常采用真人与定格动画相结合。然而，绝大部分的情况下，人物是没有自我意识的。人失去了人所特有的属性和尊严，被贬低和物化。 他可能是作为生产者的工具 可能是被操控的人偶 可能是欲望的化身 总之，在史云梅耶的作品中，人不具备一般人类的属性，更多的是被物化，因此，观众在观看过程中，也会自觉与影片中的人物在本质上不同，从而不会产生共情。甚至说，正是这种人类的“工具属性”，让一些观众感觉到恶心和不适。 为了突出这种人物的异化状态，史云梅耶将真人与定格动画相结合，进一步让观众产生疏离感和陌生感。从另一角度讲，史云梅耶也可以说是将人的身体作为创造的材料，与黏土、石头作用相似。 当然，除此之外史云梅耶的作品还有诸多其他的特点和手法。他吸收并汲取了超现实主义和风格主义的精髓，善于运用立体派的拼贴手法 (Collage) ，在影片中创造出一个又一个光怪陆离的黑暗世界。 尽管政治是史云梅耶绝大部分影片（他自己说是所有影片）最重要的主题，但这并不是说离开了政治史云梅耶就丧失了表达欲。相反，对于普通观众而言，正是因为剥离了政治元素还能获得观影的快感和解读的可能，史云梅耶才成为史云梅耶，而不是一个总是在呻吟的捷克版伤痕导演。 有一些主题是史云梅耶的作品中常常涉及的，简单粗暴的分类有以下： 下面一一介绍： 关于“童年梦魇”的主要影片有三部，分别是《荒唐童话》（1971）、《地下室的怪物》（1982）、《爱丽丝》（1987）。其中，《荒唐童话》和《爱丽丝》都改编自刘易斯·卡罗尔创作的文学作品，但又都跟原著没什么关系。甚至说，史云梅耶有关于童年的作品并不那么美好，反而略显得恐怖。 史云梅耶拥有一个并不幸福快乐的童年，除了政治环境的原因之外，由于性格孤僻他还被小孩子们当作“怪胎”而孤立。小时候因严重厌食症而被逼迫进食的经历对史云梅耶造成强烈的影响，因此史云梅耶在日后的创作中经常使用“进食”“吞没”等的符号意向，来表达人类对欲望的一种反馈。 《荒唐童话》是史云梅耶关于童年的三部作品中唯一一部稍显美好的。这部作品用物品描述了一个孩子童年快乐玩耍的经历，最后孩子逐渐长大，海军服换成了西装，幼时玩伴的黑猫被锁进了笼子里，影片戛然而止。而《地下室的怪物》则是描写了孩子在小时候对黑暗的幻想和恐惧，就跟史蒂芬·金在《小丑回魂》开篇中描写小男孩对地下室的恐惧如出一辙，非常写实。 《爱丽丝》是史云梅耶从业生涯的第一部电影长片，这中间的爱丽丝没有进入仙境，而是被困进了一个潮湿阴暗的空房子里，遭遇了许多不愉快甚至可怕的东西，最后发现只是梦一场。结尾暗示了爱丽丝长大以后就变成了那个砍人脑袋的残忍红皇后，可以说是细思极恐了。 在史云梅耶的作品中，对于人类的欲望有许多种表达方式。最常见的是生肉、舌头、嘴巴、吞没的动作等，赤裸裸，血淋淋。 谈到欲望，不得不说就是长片《极乐同盟》（1996），这绝对是史云梅耶作品中数一数二变态的一部。全片不着一句台词，描写了六名男女讳莫如深的变态性癖：有的喜欢制作公鸡头套，有的喜欢捏小面包球，有的细化自制自慰机器，有的似乎有sm的倾向……这部作品荒诞怪异，却又充满着变态的乐趣，人与动画结合的比例适当，全片充斥着奇思幻想，可以说是史云梅耶长片中极为优秀的一部。 除了上文提到过的短片《对话的维度》和《食物》，《黑暗 光明 黑暗》也是史云梅耶对欲望的深刻反思之作。在这部作品中，一间空荡荡的屋子，灯亮了，最开始先有一只手，然后逐渐的另一只手、眼睛、耳朵等器官也进到了房子，房子里面的形态越来越完整。当象征欲望的男性生殖器撞进屋子后，身体进入，房间里所有的器官拼合成了一个完整的人，但此时，人由于个体太大，被困在房间里不能动弹，最后，灯灭了。 可以看出，史云梅耶对人类的欲望态度是消极的，但他乐意表现人类的欲望，甚至不惜牺牲作品的可看性，也要更加深刻地反应人类欲望以及欲望导致的恶果。 正如上文所言，史云梅耶的作品中人物是异化的，人类失去了原有的属性而贬低为和物几乎相同甚至更次一级的存在。当然，除了将人类物化，史云梅耶还喜欢挖掘人类癫狂无序的精神世界，或者说精神病世界更为妥帖。 《梦魇疯人院》就是一部着重于讲述人类精神世界的作品。史云梅耶采取如《卡里加里博士的小屋》一样的嵌套结构，表现了一个精神病人的里世界。有趣的是，这种嵌套结构是没有确切答案的，因此你不能说究竟是因为主角患了精神病还是这个真实的世界就是如许癫狂。 其实在史云梅耶一切以人为主角的作品中几乎都存在这样的一个悖论 ，也都涉及人类的主观世界中的“疯”。不论是《到地窖去》和《爱丽丝》中的小女孩儿，还是《公寓》中处处受制的男主角，或者《浮士德》中的浮士德博士，史云梅耶在展现人物经历的同时，都会不自觉地挖掘他们的里世界：无论是梦境、幻想、幻觉抑或是没有确切说明的现实，一切的荒诞不经都可以用这种方式进行解释。 说了这么多让我们回到开头的《昆虫物语》。 进入长片时代，史云梅耶使用动画元素的比例大大降低，除了第一部《爱丽丝》还在使用大量定格动画的元素，越往后，长片中的动画元素越少，到了最新的这部《昆虫物语》，可以说是少得可怜了。 而天鹅绒分离之后，由于政治环境的松弛，史云梅耶的作品也不再具有前期短片的那种尖锐性，写政治的越来越少，更多地倾向于表现人类的强烈欲望和精神世界。94年以后，《浮士德》、《极乐同盟》、《贪吃树》、《梦魇疯人院》、《幸存的生命（理论与实践）》，都是这样的一个方向。 因此，我们在看《昆虫物语》，会觉得不仅观看动画的期待值完全没有被满足，而且影片的尖锐度和cult感也大打折扣。也许是年纪大了封山之作独留的温情，也许是众筹影片成本不足，也许是出于对动画生涯的情怀，总之，《昆虫物语》这部影片在风格和形式上有所妥协，而内容上的争议性也小了许多，还在影片中穿插着片场的制作花絮，相比往日温情了许多。 但你能说这部作品不够史云梅耶吗？ 当然不能！ 实际上，除了影片的动画比例过小，其本质上还保留着史云梅耶的一贯元素。除了史云梅耶一如既往地对嘴部特写地热衷，将人物比做昆虫最后变成昆虫，是对人类形象的贬低和物化；导演对演员的压制和专横，一定程度上既具有政治的讽喻性，其本身也是欲望的象征；人物出现昆虫的幻觉，是史云梅耶对人类精神世界的描绘；人物变成昆虫，某种程度上是一种淘汰和被迫趋同…… 当你熟悉了史云梅耶影片中常见的符号和主题，观看过程中就能像套公式一样套。当然，话不能说死，理解都是主观的，也不能完全一概而论。 当然，还有需要明确的一点是，尽管史云梅耶多年来一直从事着动画创作，但是，他最开始是一名人偶操控师。偶动画在捷克的动画历史上占据着极为重要的光荣地位，而本片最大的特点，就是将人“偶化”，用舞台化的表演强调人物的被操控感，来传达史云梅耶一以贯之的主题思想和符号内涵。 可如果非要比较，《昆虫物语》确实又不如之前的长片，比如我最爱的《爱丽丝》，或是最变态的《极乐同盟》，抑或者大多数人都认为是长片中最好的《梦魇疯人院》。 它动画比例少，主题不够尖锐，内容不够深刻，风格不够变态，想象力也不如之前那么天马行空…… 可是，当我看到影片开头，史云梅耶坐在凳子上絮絮叨叨，又总是懊恼忘词的可爱样子，看到从片场的窗户里伸出一个白胡子白头发的脑袋，还是忍不住会想到： 老爷子今年84了，这么大岁数，你不能要求他再像年轻时候一样精力充沛，热血沸腾；他用一笔众筹来的资金，坚持古法炼钢，拍摄这样一部并不够完美的小成本影片作为他的封镜之作。但他至少没那么悲观了不是？年纪大了，继续悲观也不好。所以现在这样，对观众而言虽然有遗憾，但也挺好的。 啊，愿老爷子健康长寿，继续做活化石就好！ 无论《昆虫物语》好坏，史云梅耶依旧是伟大的。更够跟这样一位先锋而不忘初心的艺术家生活在同一个时代，对我而言，实乃大幸。 嗯，搜索FlodiaFilm就可以了
好像是不现实的主义
韩少功的《爸爸爸》和莫言的一些小说受马尔克斯影响蛮大的余华的《死亡叙述》感觉受博尔赫斯直接影响 从新时期以来的文学潮流、小说样态和作家群体来看，与魔幻现实主义联系最为紧密、受魔幻现实主义影响最为明显的是寻根文学、新笔记小说与西藏作家群的小说创作。 寻根文学思潮的兴起一方面是中国文学自身运行轨迹的必然，另一方面也与拉美魔幻现实主义的刺激有关。魔幻现实主义还对寻根作家的小说创作产生直接的影响，一些寻根文学的代表性作品如《爸爸爸》、《异乡异闻》、《商州世事》等也都带有魔幻现实主义的印记。“寻根热，，消退后，魔幻现实主义的影响在寻根作家的作品中仍不时可以见到，如韩少功的《马桥词典》，贾平凹的《怀念狼》等小说都或多或少带有‘‘魔幻’，色彩。除了寻根文学，新笔记小说也受到了魔幻现实主义的影响。新笔记小说是20世纪80年代以来出现的带有古代笔记小说神韵的作品。新笔记小说不仅有着古代笔记小说的流风余韵，还受到魔幻现实主义的影响，尤其是志怪一类的新笔记小说，所受的影响极为明显。而从作家群体来看，深受魔幻现实主义影响的还有以扎西达娃为代表的西藏作家群的小说创作，西藏魔幻小说从诞生到获得一定创作实绩，都与魔幻现实主义有关联。 第一节魔幻现实主义与寻根文学 魔幻现实主义对中国当代文学，尤其是“寻根文学’’的影响，主要体 现在：魔幻现实主义不仅使中国作家以前所未有的热情关注自身的文化传统，并开始注重中国人自己的思维向度、文化品位和精神意向，而且为中国作家提供了丰富的写作经验与写作技巧，在魔幻现实主义的影响下，中国文学开始由“写什么”转向“怎么写”。 在20世纪80年代以来，中国作家所接纳选择的拉美当代作家主要是加西亚马尔克斯和豪·路·博尔赫斯。与此相对，拉美当代小说在当代中国施以影响的文学潮流则主要是寻根文学和先锋小说。其中，寻根文学较多地受到了以马尔克斯为代表的魔幻现实主义文学的影响，先锋小说则主要受到了博尔赫斯的虚构幻想小说的影响。 寻根文学是在1985年前后兴起的一股“以向民族文化和历史积淀开掘为特征，以建树民族的新人格、新心态、新精神、新思维和审美体系为宗旨”①的文学潮流。其主将有韩少功、阿城、李杭育、郑万隆等，王安忆、扎西达娃、乌热尔图、贾平凹、李锐、郑义等作家也曾加入“寻根”的行列。寻根文学从寻根理念的产生、寻根目标的确定，到寻根的创作实践都受到了魔幻现实主义的影响：受拉美魔幻现实主义的启发，寻根作家试图将文学植根于传统的民族文化和民族生活的土壤中，去挖掘民族文化的根，并对民族文化和民族生活进行重新认识和观照，进而重建民族自我，同时还希望由此找到一种独特的审美感受方式和艺术表达方式，为新时期的小说创作开辟出别一条道路。 寻根文学的源起与寻根理念的产生有内外因素的影响。从内因来看， 寻根文学的源起与寻根理念的产生可说是中国文学自身运行轨迹的必然。 20世纪80年代的寻根潮流看似突如其来，仿佛是一夜之间就从地平 线上冒出来了，但实际上，“寻根”并不是突兀而至的文学现象和心血来 潮的产物。从新时期之初的“伤痕文学”、“反思文学”、“改革文学”再到 其后的“寻根文学”，体现了新时期以来中国文学自身发展的历史轨迹。 “文化大革命”结束后，人们情不自禁要宣泄控诉，要书写梦魇与悲 剧遭遇，要呈示种种苦难与伤痕，于是出现了满含血泪、大放悲声的伤痕文学。但在控诉与宣泄之余，人们又逐渐认识到，仅仅抚摸着伤痕呻吟流泪是不行的，还必须进行深入的思考：造成这一系列灾难和痛苦不幸的根源究竟是什么?有哪些值得记取的经验教训?文学的回顾历史、反思历史因此变得十分迫切和必要，于是以反思历史，探究造成政治曲折和人间悲剧的原因为特征的反思文学应运而生。反思文学并不仅仅着眼于对“文化大革命”的政治批判和对历史的反思，还进而推进到对民族自我的反省，并由社会政治的反思走向对文化的反思，试图从我们民族的文化根子上去找到一些问题的答案，“寻根”的理念由此开始萌生。与此同时，在现实的改革浪潮的影响之下，改革文学也风起云涌，但随着改革进程的推进，种种弊病也暴露出来，改革文学逐渐由最初单纯的呼唤改革、歌颂改革走向对改革的艰难性的反映与揭示，作家们也开始有意识地去思考探讨：究竟是什么原因使得中国的改革困难重重，举步维艰?最终，后期的改革文学和反思文学一样，也指向了对民族文化心理积淀的揭示与思考，也有了走向“根”的企图。在这样的文学背景下，新时期文学走向文化寻根可以说是顺理成章、水到渠成的事。 从另一个层面上讲，中国文学走向“寻根”，也是文学自身的变革要求使然。新时期文学从“伤痕”、“反思”走到“改革文学”这一步，也应该有所改变了。在新时期的最初几年间，文学总是和政治情绪与社会现实牵扯在一起，难分难解，其“社会学”意义得到凸显和强化，其审美追求则被忽略和淡化，这对文学自身的发展而言是不利的。文学除了社会学意义上的使命与功能外，还应该有其他的追求；文学的根本意义不是做历史学、社会学的代言人，而是向读者提供一种独特的审美体验。立足于民族文化的土壤中去开掘寻根，无疑也是将文学从政治情绪的宣泄中和现实功利目的的纠缠中摆脱出来的一个办法与路径。对此，作家们已有所自觉，正如韩少功所描述的：“作者们写过住房问题，特权问题，写过很多牢骚和激动，目光开始投向更深的层次，希望在立足现实的同时又对现实世界进行超越，去揭示一些决定民族发展和人类生存的谜。”①走向寻根，无疑也是文学复归自身品格的一次努力。
其实这种魔幻的现实主义对新中国文学的影响还是有的，至少他开创了一种比较玄幻的一种写法吧！我觉得大影响还是有很大的
在新时期中国文学史上，作为唯一一支来自第三世界的西方现代派文学，拉美魔幻现实主义第一次从整体而不是局部影响了中国文学，在20世纪80年代的中国文坛上留下了浓重的印痕，其后日渐淡化却无处不在的影响着90年代的中国小说创作。对这两者关系的研究，过去虽然论述很多，但多不全面并局限于具体细微的影响研究或是一对一的平行研究，少有综合全面的论述。本文试图在这一影响取得时间距离后，重新在新时期中国文学发展的历史潮流中，以拉美魔幻现实主义为参照系，对拉美魔幻现实主义的发展，在中国的接受情况及与新时期中国文学(主要是小说创作)的关系作一个全面的梳理。通过对魔幻现实主义与寻根文学写作、民间写作、家族史写作关系的探讨，我们可以看到：拉美魔幻现实主义在其影响期内，既切合了新时期中国作家重审民族文化的愿望，又迎合了他们在艺术上的创新要求。这一时期的中国文学在一系列的创作实践中摆脱了狭隘社会政治话语的束缚，转至表现广阔的历史文化空间，并进而上升到对人的关注与思考，一步步完成了新时期中国文学话语空间与叙事方式的转变，显示了中国作家在文化宽容的时代，通过借鉴与创新，重构新时期文学的尝试。对以《百年孤独》为代表的魔幻现实主义的接受，从文学创作角度说，是新时期中国文学主题的变迁深化，是文学表现方式的一次自由解放；就社会文化的角度来说，是大变革时期中华民族在世界当代文化背景上的自我反省与自我确证。落伍的黑衣天使在拉美文化的上空盘旋，阴影之下，是令人兴奋而又扭曲变形的发展过程，是试图超越欧美缓缓走过的阶段的急切步伐，是忧伤与希望问紧张的联姻。——[墨西哥】卡洛斯·富恩特斯《拉美新小说》，1969年 拉美魔幻现实主义是80年代初中期一个十分热门的话题。作为20世纪西方现代派文学中唯一产生于第三世界的一个流派，曾在80年代的中国文坛上留下了浓重的印痕，其后日渐淡化却无处不在的影响着90年代的中国小说创作。对这两者关系的研究，过去虽然论述很多，但多不全面或局限于具体细微的影响研究或是一对一的平行研究，少有综合全面的论述。本文试图对拉美魔幻现实主义在中国的接受情况及与新时期中国文学1关系作一个全面的梳理，通过深入探讨从中得到一些有益的启示。当我们说到魔幻现实主义时，这个概念本身仍在学术界与文评界有着诸多争议而无统一定论。从国外的研究来看，究竟魔幻现实主义指称什么，包括哪些作家作品并无一个确定的说法，而当谈到魔幻现实主义在中国这样一个话题时，其具体指代又有了一定变化。自上世纪80年代初改革开放的主旋律奏响后，在文学也要走向世界的雄心壮志的激励下，对中国文坛影响最大的是以马尔克斯的《百年孤独》为代表的成熟期的魔幻现实主义。魔幻现实主义与新时期中国文学的关系已是一个“过去时”。十多年前，当这一影响正处于鼎盛期时，文坛与批评界表现出了异乎寻常的热情与关注，似乎突然发现了一扇可以通向彼岸缪斯的大门。当心中的高期望值并没有带来相应的结果，当80年代后期迅速崛起的先锋作家转向多元化创作，当中国社会进入90年代后迅速转型，这一曾经的热门话题进入了沉寂期。而在文学创作界，随着文学越来越成为一种个人选择与个人经验的表达，随着商业因素渗透力的日渐强大，随着文学在大众传媒前N益失去其精英地位，我们也不再能看到80年代中后期文学热的壮观景象。正是在取得了时间距离的今天，正是在第三世界为弱势文化、边缘文化等带有全球化意蕴的概念所取代时，我们再回过头来，在新时期文学发展的历史潮流中，重新考察魔幻现实主义与新时期中国文学(主要是小说创作)的关系，探究其所折射出来的文学意义和社会意义，可以得到超越那个时期的普泛的启示。这一考察过程会兼顾影响研究与平行研究，但又不会局限于此。拉美魔幻现实主义在本文中更多的是作为一个参照系，以便于梳理新时期中国小说的一段发展历程。这种梳理，不仅仅对文学来说是必要的，更可以对一个在百年现代化进程中曾被抛出世界中心，在全球化时代重获返回中心的机遇，但依然困难重重的民族的心理与命运做出这个时代应有的思考。拉美魔幻现实主义对各国文学影响很大，其中影响最大的要数中国。拉美魔幻现实主义以拉丁美洲“神奇的现实”为基本特征，给现实世界披上神秘面纱，对中国寻根文学、先锋文学以及 90 年代带有魔幻色彩的乡土小说都有巨大的影响。寻根文学家在艺术手法、创作题材等方面都吸收、借鉴了拉美魔幻现实主义。从具体作家来看，扎西达娃、韩少功、贾平凹、张炜、莫言、阎连科、范稳等很多作家都深受魔幻现实主义影响，在他们的作品中不同程度存在魔幻现实主义的影子。由此可见，魔幻现实主义对中国作家创作的影响是不可估量的。新时期以来，大量的外国文学涌入中国。在众多的外国文学中，中国作家选择了对拉美魔幻现实主义接受吸收有其特定原因：一方面是中国的文化传统与拉美文化有契合之处。作为第三世界的拉丁美洲，在生产力较低的情况下，思想相对愚昧，出现一些巫术文化、鬼神信仰等，这与中国古代的神话传说、志怪小说不谋而合，在文化传统上体现了共通之处。另一方面，当时中国在经历了文革之后，力图改变传统单一的现实主义创作模式，努力探求新的创作方法。哥伦比亚作家马尔克斯在 1982 年获得诺贝尔文学奖对我国影响很大，中国文学需要突破传统，走向世界。因此，这一时期我国作家纷纷投入到学习魔幻现实主义创作的浪潮中。“与传统的魔幻现实主义相比，拉美魔幻现实主义以其新鲜的写作风格、艺术形式给中国作家重重一击，开阔了中国作家的创作视野，使作家以一种求新的创作姿态进行文学创作，中国评论家也对拉美魔幻现实主义投入了研究热情，拉美魔幻现实主义为当时贫乏的艺术理论界注入了新的元素。”拉美魔幻现实主义作家积极吸收西方的先进文化理念，创作不脱离他们生活着的神秘土地和生活在这片神秘土地上的人们，关注国家和人民的命运，创造出具有拉丁美洲民族特质的文学作品。中国当代作家在拉美魔幻现实主义作家身上看到：文学创作需着眼于本民族，直面现实，注重本民族文化的深入挖掘。只有这样中国当代文学才能真正找到出路。在这一问题上，莫言是集大成者，他在广泛吸收国外优秀作品的同时进行了本土化创新，在作品中展现了中国民族传统和文化内涵。作品《红高粱家族》获诺贝尔文学奖，是中国文学史上从零到有的突破，是中国当代文学真正走向世界的标志。在莫言成功的背后不能忽视拉美魔幻现实主义的重要影响。莫言自己也承认受到了马尔克斯《百年孤独》的重要影响，这部优秀的魔幻现实主义作品打开了莫言的创作视野。在莫言新时期以来的作品中可以鲜明看出受过拉美魔幻现实主义影响的痕迹，包括他的诺贝尔文学获奖作品也存在魔幻现实主义的色彩，可见魔幻现实主义对中国当代作家的影响根深蒂固。从中国作家接受的角度来研究拉美魔幻现实主义，能够更加准确认识拉美魔幻现实主义对中国当代作家的深远影响，通过对作家个案的分析研究，可以准确把握作家在接受同时进行的本土化创新，为今后的文学研究提供一个新的研究视角。中国真正引入魔幻现实主义是在 20 世纪 80 年代。自魔幻现实主义在拉丁美洲兴起以来，中国西班牙语研究者在对魔幻现实主义小说翻译和研究过程中出现了政治误译现象。当时中国的翻译家们没有注意到这样一种新的写作潮流已经形成，浓郁的魔幻色彩没有进入到翻译家的文化视野之中，这样就使中国一直将拉丁美洲出现的这种新的创作潮流拒之门外。在这一时期的研究过程中也出现了一定的偏差，比如 1960 年周而复的《中国和拉丁美洲文学之交》和邵实的《他们都是美国佬！——读<委地马拉的周末>》等文章中都存在政治性的误读，直到 1979 年才开始有学者真正注意到拉美魔幻现实主义。20 世纪 70 年代末，魔幻现实主义概念在中国真正提出。这一时期一些学者开始对拉美魔幻现实主义作家、优秀作品进行专题研究，从魔幻现实主义的起源入手，进而对经典魔幻现实主义作品进行分析，如陈光孚的《拉丁美洲当代小说一瞥》，段若川的《墨西哥作家胡安•鲁尔弗和他的魔幻现实主义小说<佩德罗•帕拉莫>》，林旸的《哥伦比亚魔幻现实主义作家加西亚•马尔克斯及其新作<家长的没落>》等。20 世纪 80 年代，哥伦比亚作家加西亚•马尔克斯获诺贝尔文学奖，在我国掀起了魔幻现实主义的研究热潮。这一时期关于马尔克斯的研究很多，研究领域大多集中在作家作品、艺术手法、创作背景等方面，例如艾思的《<南德意志报>评介 1982 年诺贝尔文学奖获得者马尔克斯》、王央乐的《加西亚•马尔克斯与诺贝尔文学奖金》、王华的《“拉美之境”加西亚•马尔克斯——1982 年诺贝尔文学奖获得者》、朱景冬的《浅谈当代拉美魔幻现实主义小说》、刘瑞常的《哥伦比亚的骄傲——记诺贝尔文学奖获得者加西亚•马尔克斯》、舒大沅的《爆发与反响——关于加布列尔•加西亚•马尔克斯》等。随着对拉美魔幻现实主义研究作品的增多，对拉美魔幻现实主义的研究领域和研究深度也有了进一步的提升。在 80 世纪中期，拉美魔幻现实主义的研究者们开始关注拉美魔幻现实主义文学的生成、流变和特点，对拉美魔幻现实主义的研究进入到了一个新的维度，侧重从理论上评述魔幻现实主义，涉及其成因、影响等方面。在这一时期，《人民日报》刊登了《马尔克斯的一次谈话》、《马尔克斯及拉美魔幻现实主义讨论在西安举行》，安兴华的《加西亚•马尔克斯及其他》、陈光孚的《国际间有关拉美“魔幻现实主义”的讨论》、宋崇的《“魔幻现实主义”——拉美新潮一瞥》、高长荣的《魔幻现实主义作家加西亚•马尔克斯和他的<百年孤独>》、张玫珊的《加西亚•马尔克斯小说中的时间观念》、远浩一的《关于拉美魔幻现实主义小说》、吴守琳的《拉丁美洲文学简史》、李德恩的《魔幻现实主义小说的技巧与特征》等。这一时期作品的特点是资料性强、准确性高，在前人研究的基础上进行整合，使拉美魔幻现实主义的研究更加完备，在著作中对拉美魔幻现实主义产生的历史、影响、代表作品等进行了全景式的呈现。20 世纪 80 年代中期较具有代表性的作品有陈光孚的《拉丁美洲当代小说一瞥》。他首先从魔幻现实主义的起源入手，进而对经典拉美魔幻现实主义作品进行分析，最后评述了魔幻现实主义的表现手法。朱景冬的《浅谈当代拉美魔幻现实主义小说》，该文章将拉美魔幻现实主义的作品进行了梳理，将作品进行系统归类，究竟哪些是属于魔幻现实主义的作品，哪些是不属于魔幻现实主义的作品，有清楚的分类标准。相比较而言，这一时期的研究在数量上比较少，研究的准确度和深度也不高。20 世纪 80 年代中后期至 90 年代初，中国作家开始从比较文学的角度来研究拉美魔幻现实主义，其中包括作品与作品的比较，作家之间创作风格的比较以及作品中所塑造的人物形象之间的比较。通过比较，能够让我们更加深刻认识拉美魔幻现实主义。叶继宗的《寻找本民族的群体意识：<百年孤独>与<小鲍庄>的比较》、邹节成的《试论加西亚•马尔克斯和鲁迅笔下孤独者形象》、艾菲的《“寻根文学”的误区——兼论“寻根文学”与拉美魔幻现实主义文学的比较》、周招芬的《马尔克斯<百年孤独>的魔幻性和现实性：兼谈与中国当代小说<减去十年>和<人鬼恋>的比较》、习传进的《魔幻现实主义与<宠儿>》、关江秀的《<百年孤独>与<浮城>的比较分析》、王凤仙的《<尘埃落定>与<百年孤独>之比较》、杨红《血域魔幻文学的探寻——西藏与拉美的文化亲缘性》、邓时钟的《魔幻现实主义和寻根小说之比较》等。综上所述，80 年代已对魔幻现实主义的成因、影响、表现手法等方面进行了研究，有一定的资料价值，但也存在着许多问题，研究者在研究过程中尚存在着一些遗漏，甚至是一些错误思想，他们在著述中的错误观点也会造成读者在理解上的缺陷。出现了陈光孚在评论魔幻现实主义作品时带有明显阶级论思想；部分学者将魔幻现实主义等同于奇幻文学等问题。90 年初代到新世纪之间，中国作家对魔幻现实主义不再盲目的崇拜，而是在深入分析理解魔幻现实主义的基础上，做出了理性的选择和判断。对魔幻现实主义的认识逐渐深化，中国作家发现“魔幻现实主义”创作中的不足之处：在揭露社会黑暗的同时作家找不到一条走向光明的出路，如描写第三世界拉丁美洲人们生活的疾苦的同时，对这种现状又无计可施，找不到一个解决苦难的途径，所以使“魔幻现实主义”逐渐落寞。但与此同时，人们也对之有了更深的理解和认识，认识到“魔幻现实主义”之所以在拉丁美洲产生“爆炸”是由于作家的创作植根于拉丁美洲的古老文化，写出了人们的心理和当时的社会现实，只有具有本民族特色的作品才能在本民族产生这么大的影响。在这一阶段，研究者们逐渐开始尝试从拉美魔幻现实主义对我国作家创作的影响，以及作家对拉美魔幻现实主义的接受的角度来探讨研究。袁诠的《张炜小说对拉美魔幻现实主义的借鉴》、孟繁华的《魔幻现实主义在中国》、张卫中的《论福克纳与马尔克斯对莫言的影响》、刘蜀鄂的《论中国新时期文学对<百年孤独>的接受》、邓时忠的《魔幻现实主义和寻根小说文学艺术比较》、陈春生的《在灼热的高炉里锻造——简论莫言对福克纳和马尔克斯的借鉴吸收》等。通过这些作品，有助于中国作家对魔幻现实主义深入了解，也可以对本民族文化和其他民族文化有进一步的了解。马尔克斯对我国的文学创作有很大的影响，打开了一扇新的大门。有关马尔克斯的传记类文章有：陈众议的《加西亚·马尔克斯传》、朱景冬的《马尔克斯：魔幻现实主义巨擘》、任芳萍的《马尔克斯传》等作品。在这一时期对马尔克斯的过度关注也造成了一些负面影响：一是让读者误解为拉丁美洲的魔幻现实主义作品除了马尔克斯以外再没有其他的作家，大量的研究学者仅仅把视线放在马尔克斯一个人身上，研究视野过于局限。另一点是研究的重复性，许多作家都对同一个问题进行反复相同的研究，比如对马尔克斯长篇小说《百年孤独》的母题研究就有 14 篇。对艺术手法的研究、中国和拉美国家作品比较的研究、对作品中时间处理的研究，许多研究文章都大同小异，重复研究的状况比较多，研究上的抄袭和浪费现象严重。新世纪以来我国对魔幻现实主义的关注热情逐渐冷却，许多作家尽量避免使用魔幻现实主义进行创作。虽然对魔幻现实主义的关注有所下降，但魔幻现实主义对我国的影响不可否认。这一时期具有代表性的作品主要有：2000 年李晓辉发表的《魔幻现实主义对中国的影响》深刻揭示了中国文学在魔幻现实主义的影响下所发生的变化。2002 年黄俊祥的《简论<百年孤独>的跨文化风骨》一文，从跨文化的角度来研究百年孤独，这一角度的选取，确有创新之处，但文章在写作过程中过分夸大这一特征，而使其有失真实。2003 年赵明德发表的《20 世纪拉丁美洲小说》，总结回顾了拉丁美洲魔幻现实主义小说所取得的丰硕成果和对我国的深远影响。2006 年曾利君发表的《魔幻现实主义与中国当代文学关系的再思考》一文提出,魔幻现实主义在传入我国的过程中存在的一系列问题，尤其是误读问题，给研究者们理解魔幻现实主义造成了障碍。关于作家对魔幻现实主义的接受这一问题，2005 年邓楠发表了《魔幻现实主义作家与寻根文学作家的叙述话语艺术管窥》一文，从语言角度将魔幻现实主义作家与寻根文学作家进行了比较。2006 年，周林玉发表了《从<百年孤独>看魔幻现实主义及其对莫言的影响》，文章写了魔幻现实主义对莫言的影响，以及莫言对魔幻现实主义的继承和创新，充分肯定了莫言在接受魔幻现实主义过程中所受到的积极影响。2007 年赵杏发表了《魔幻现实主义中国化的当代尝试——谈<百年孤独>与<受活>》，对具体的作家作品进行了比较，从而探究魔幻现实主义对阎连科的影响。2007 年曾利君在《魔幻现实主义在中国的影响与接受》一书中涉及到了作家对魔幻现实主义接受领域，其著作在涉及作家创作接受这一方面采用的是个性化研究，只对几个具体的作家进行单独的研究，彼此之间不相联系。在这之前从作家对魔幻现实主义接受这一角度来研究的文章很少。中国作家对魔幻现实主义的接受，是在作家个人个性的基础上，是有他们的共性的。
拉丁美洲的魔幻现实主义文学起始于20世纪40年代，最早明确使用“魔幻现实主义”这个概念的作家是委内瑞拉的乌斯拉尔·彼特里，他在短篇小说《雨》（1948）发表后明确指出，作品中老农在玉米地看到的裸体小孩就是雨的化身；在老农心目中这是百分之百的“真实”，是隐藏在日常现象后面更加真实的“现实”。他说，由于找不到合适的概念加以界定，就先借用德国文艺评论家佛朗茨·罗关于魔幻现实主义的提法吧。魔幻现实主义文学作为一种独特的创作手法出现在拉丁美洲，是拉美作家长期探索本民族文学特色的结果。他们一方面在古老的印第安文化遗产中寻根，一方面借鉴欧美现代派作家的一些创作手法，探索表现拉美现实生活新的手段。欧洲超现实主义的创作手法无疑给了他们以灵感，但他们发现，美洲作家不必像欧洲超现实主义作家那样，要刻意在小说中去营造神秘和梦幻般的气氛，因为拉丁美洲的日常现实和自然环境本身，就充满了神奇和魔幻般的因素，作家只需把它们如实地反映出来就行了。1949年，古巴著名作家卡彭铁尔在长篇小说《这个世界的王国》的序言里，指出了“神奇的现实”的重要性，认为拉丁美洲日常现实本身所具有的“神奇性”，对于文学创作具有重要意义。危地马拉著名作家阿斯图里亚斯的长篇小说《玉米人》，更把印第安人中大量存在的传说、神话故事、民族观念和习俗等，当作社会现实的重要部分加以描写，该作品问世后引起强烈反响。1955年墨西哥著名作家胡安·鲁尔福发表了中篇小说《佩德罗·帕拉莫》，他借助墨西哥农民的传统观念，在作品里打破了人和鬼魂之间、阳间和阴间的界限。这种生死无界的写法，使得人物可以自由往来于过去、现在和将来的三维空间里，把人们的信仰、观念和神话传说当作不可或缺的“深层真实”加以描写。1967年哥伦比亚著名作家加西亚·马尔克斯的长篇小说《百年孤独》出版，作品中除采用大量历史事件的资料之外，还虚构了小镇马孔多及布恩迪亚家族，并运用丰富的神话和民间传说，着力描述离奇怪诞、充满象征意味的人物情节和自然现象。作者强调这些“都是真实的，是现实生活的组成部分”。到了1982年，智利女作家伊萨贝尔·阿连德出版长篇小说《幽灵之家》，这是一部家族史，讲述了三个家族四代人的兴衰荣辱和恩怨纠葛，作家非常重视人物观念中的魔幻因素，认为魔幻因素可以更深刻地揭示心灵的变化和奥秘。西语文学评论界认为，这是又一部魔幻现实主义的力作，称作者是“穿裙子的加西亚·马尔克斯”。从上述发展过程可以看出，这一批拉美作家，把观念、想像、神话、传说当中种种魔幻因素，很巧妙地嫁接到丰富的现实生活中去，形成了一个有鲜明特色的文学流派，开启了拉美文坛的一次重大变革，并产生了重大的影响。我国广泛翻译和介绍拉丁美洲文学，是从1978年以后开始的，魔幻现实主义就是其中影响较大的一个流派。1979年，沈国正在当年成立的中国西班牙、葡萄牙、拉丁美洲文学研究会上，做了加西亚·马尔克斯生平与创作情况的报告，随后上海译文出版社的戴际安等人，织织出版了《加西亚·马尔克斯中短篇小说集》。1982年8月在西拉美文学研究会第一届年会上，赵德明的《拉美新小说初探》，孙家堃的《〈百年孤独〉艺术手法的分析》，以及丁文林的《拉美魔幻现实主义和超现实主义》三篇论文，分别从文艺思潮、艺术手法和拉美新小说的总体情况，对魔幻现实主义做了较全面的分析，对于拉美文学在中国的传播起了重要作用。1983年由沈国正、黄锦炎、陈泉翻译出版的《百年孤独》更在读书界引起了巨大反响。读者对魔幻现实主义的热情，又进一步激发了西语翻译家们更多地译介魔幻现实主义的积极性。1984年在西安召开了加西亚·马尔克斯暨魔幻现实主义研讨会，从1984年到1994年，魔幻现实主义的代表作品，如盛力夫妇翻译的《这个世界的王国》，黄志良翻译的《总统先生》，刘习良翻译的《玉米人》和《幽灵之家》，吴名棋翻译的《百年孤独》全译本，屠孟超翻译的《佩德罗·帕拉莫》等，都有了中译本。在出版译作的同时，对魔幻现实主义的研究也十分活跃。1982年8月朱景冬主编和翻译的《拉丁美洲名作家短篇小说选》中，就专门开辟了“魔幻现实主义”部分，强调该流派的特点是“揭示存在于现实中的神秘。这神秘不是来自所表现的世界，而是隐藏和活动在其中”；1995年他又发表了专著《马尔克斯——魔幻现实主义巨匠》。已故段若川教授，以及陈光孚、林一安、陈众议等学者，或者开设魔幻现实主义专题课，或者撰文分析魔幻现实主义的理论及艺术特色，都产生了较大影响。社科院外文所及相关高校，还多次组织魔幻现实主义学术讨论会。所有这些，对帮助中国作家及读者认识魔幻现实主义，都做出了重要的贡献。随着包括魔幻现实主义在内的当代拉美文学在我国的传播，不仅使人们见识了一种新的文学理念和带有神秘感的作品，而且他们独具特色的创作手法，也引起了许多中国作家的关注和研究。莫言、阎连科、格非、邱华栋、范稳等人，都认为对于拉美文学应持认真学习的态度。北京作家李陀曾呼吁“要重视拉美文学的发展模式”。他说：“把拉丁美洲当代文学介绍到中国来，恐怕是（译界）近几年中最大的一件事了。”“拉美文学已经并将继续对中国文学发生重大的影响。”“我们有理由寄希望于那些研究、译介拉美文学的专家们，因为在过去不多的日子里，他们已经取得了那样大的成绩——为了这，中国文学史应该记下他们的劳作。人们永远不会忘记，正是在中国文学发展的关键年代里，他们曾经怎样以自己的辛勤和诚实推动了文学的进步。”