发布时间：
音乐论文答辩稿
导语：音乐专业的论文答辩有一定的技巧，也有一定的流程。接下来我整理了音乐论文答辩稿，文章希望大家喜欢！
尊敬的各位评委老师：
大家好！我是来自音乐表演专业****级的学生***，我的学号是**********。我的毕业论文题目是《浅谈歌唱中的哲学理念》，领导老师是***讲师。
本文写作目的在于为歌唱供给理论支持，不断去认识和解决歌唱中的问题，避免出现片面性、主观随意性及盲目性，进而采纳唯物辩证法去解决歌唱中各种疑难问题和抵触，寻求平衡，能够使各呼吸、发声、共鸣等器官处于良好自如的运动状态，确保整体歌唱状态的协调与统一，使歌唱水平得以进一步提高。因此，我收集了大量的文献资料，主要来自网上的期刊论文、图书馆的图书、教材等理论资料。在唐老师的耐心领导和赞助下从中选取了主要的参考资料，经过导语主要参考资料，拟定提纲，设计调查问卷，最终于20____年5月正式定稿。拟采纳的钻研法子：
1、文献资料法：导语有关音乐方面的文献与论文，参考前人钻研的情况；
2、归纳分析法：领会文献并对文献作与归纳和分析，然后提出自己的'看法；
3、实证钻研法：从自己的音乐学习历程中发现问题，把自己平时归纳的理论知识和学习经验使用于解决现实问题的钻研；
4、综合寻找法：对自己所占领的材料广泛导语，寻找出有钻研价值的论点；
5、交流讨论法：专业老师的领导和同学的讨论；
具体来说，我的论文分为以下三个部分：
一、歌唱中普遍存在的哲学关系：
1、气息和声音的哲学关系；
2、把持喉头“相对稳定”的哲学关系；
3、声音靠前靠后的哲学关系；
4、声音的集中与打开喉咙的关系；
5、情与声的哲学关系；
6、积极与放松的哲学关系；
二、如何处理歌唱中的哲学关系：
1、如何处理气息和声音的哲学关系；
2、如何处理把持喉头“相对稳定”的哲学关系；
3、如何处理声音靠前靠后的哲学关系；
4、如何处理声音的集中与打开喉咙的关系；
5、如何处理情与声的哲学关系；
6、如何处理积极与放松的哲学关系；
三、小结经过本次论文写作，我学到了许多有用的东西，也积累了不少经验。但是，由于我能力有限，加之光阴和精力也有限，在许多内容表述上存在着不当之处，与老师的期望相差甚远，许多问题还有待于进一步思考和探索，借此答辩时机，万分恳切的愿望各位老师能够提出宝贵的意见，多指出本篇论文的差错和不足之处，我将虚心接受，从而进一步深入学习钻研，使该论文得到完善和提高。
大学本科的学习生活即将收场。在此，我要感谢所有曾经教育过我的老师和关切过我的同学，他们在我成长历程中给予了我很大的赞助。本文能够顺利完成，要特别感谢我的领导老师唐老师，感谢各位系里的老师的关切和赞助。
最后向所有关切和赞助过我的人表示衷心的感谢！
A 歌唱技术方面： （一） 音准和节奏 音乐的基本表现手法很多，但是最主要几个是音高，节奏，音色，速度，力度，和声等。而这里最重要的又是音高和节奏。可以说音高和节奏是一个音乐作品的根本。我们要想把一首歌曲唱好，把音高唱准，把节奏唱稳这是最根本，也是最基础的内容。没有这个东西作为保障，其他的什么都会逊色，而产生音准不好或者节奏不对的原因又有很多，我总结起来可能有以下几点： （1） 音乐感觉欠缺导致音准或节奏把握不好。音乐是一门听觉艺术，是艺术就会有天赋和悟性。由于大家对音乐敏感程度和感受能力不一样所以会形成大家对音高感觉和节奏韵律认知把握的差异。这是客观存在的。因此由于辨别音高能力和节奏能力的不足会导致自己演唱时候无法分辨和感受出自己的音高节奏。这样的情况应该说还是有的，在163888里不多。大家可以试试这个方法：在有固定音高的乐器上随便弄出一段旋律，看你是否能模仿哼唱出来，或者打一段节奏看你能否较好的用手掌拍出来。这是一个检验自己音乐素养的方法。有这样问题的朋友主要要多听原唱作品，仔细认真的辨析歌曲音高和节奏，可以尝试多听多跟唱的方式慢慢的到了一种“曲不离口”的状态，音高和节奏就会慢慢准确起来。对于出现这个问题的朋友， 需要很大的耐心和努力。但是你会在这个过程中找到一种学习音乐的乐趣！ （2） 歌唱技术不到位导致音准或节奏把握不好。 辨别音准和节奏的意识有了，但是没有比较正确的技术方法也会产生音高不准确和节奏不稳的毛病。比如在我大学读书就有一个同学就是鲜明的例子：他是从小学习钢琴的，钢琴技术很棒，一般从小学钢琴的人对于音高节奏的判断要绝对强过普通人，而且在学校他的练耳也非常的好（注：练耳是一门音乐的学科，主要是训练耳朵对于音高的判断能力）但是他唱歌却老是跑调，为虾米呢？！这就是因为他不是学声乐的，在唱歌技术上达不到一种好的状态，气息乱跑，扯着嗓子，当然音就不准节奏乱来了！所以有了意识还不够，还要一定的演唱技术才能达到“神形合一”。如果是这种情况的朋友就要注意多训练自己的气息和发声，使得音准和节奏能够达到心里所要求的标准！ 除了以上2种情况之外还有例如录音时因为技术问题导致耳朵听不到伴奏等等情况也会到音高节奏的问题，稍后会在下一篇文章提到。 （二） 歌唱技术处理方面 （A） 呼吸和气息 大家学过物理，都知道声音产生物理原因是外界因素冲击物体，物体产生振动从而产生长短不同的声波，声波引起周围空气振动从而产生声音，因此，歌唱的动力来源就是呼吸，好的气息运用可以使声带物理特性得到比较好的发挥，从而演唱出好听而完整的歌曲。因此气息的运用是歌唱的非常重要的技术之一。呼吸的几种方法用通俗的词语命名） 1. 叹气式吸气： 大家知道，叹气在*常生活中是很普通的现象，它是放松的也是向下的。它有利于吸气肌肉群的放松，以便更好的吸入气息。具体做法是先叹后吸，你心里主要想着叹气，而不是吸气。当 气息随着“叹”被排出后，也就是呼气肌肉群的工作做完了，接着吸气肌肉群就会立即开始工作 --吸气，这个循环是自动完成的。如果你脑子里想的是吸气，就会使你的吸气肌肉群总处于一 种工作状态，无法放松，气息也就难以正常的被吸入。注意：叹到那里就吸到那里，不要人为地 做强制性的动作。唱的过程中要保持叹气的感觉，每个乐句都是如此，形成良好的呼吸循环。下 面，结合歌曲的演唱来练习一下叹气式吸气。准备唱之前尽量把气叹（吐）完，当气被自然吸入后就开始唱。 2.闻花式吸气： 闻花式吸气方法容易使气吸得深，而且没有吸气时的抽气声和多余的动，也较容易体会和掌握。闻花时，因花香使人的心情特别愉悦，辨别花香时又要求特别认真和用心，是一种既放松又兴奋的感觉。具体吸气时是：上身完全放松，腰围很舒服地向往松开，随即胸部也有舒张感，体内空间增大使气息很自然地流进去。这样的吸气既松畅又适度，吸后人很兴奋，胸有宽敞感。用这种吸气的感觉来歌唱，气息通畅，声音圆润。 闻花式可开口，也可闭口，闭口时嘴不能闭的太紧，太紧会影响进气的速度和灵活性。单纯练习吸气时，可采用闭口吸气。歌唱时最好自然张开嘴与鼻子同时吸气为佳。不论是闭口还是开口与鼻子同时吸气，最关键的是要体会气息流入体内时的感觉。 3.惊讶式吸气 惊讶式吸气，就是利用人在惊讶时，生理作出的快速反映，达到快速吸气的目的。这种吸气既吸的快又吸得深，它能使呼吸肌肉群在瞬间完成收缩与放松的循环，能锻炼呼吸器官的快速灵活性。这种吸气也称为“喘气”。表现悲愤和激昂情绪效果较好。 （呼吸几种方法部分参考了中央音乐学院论文） 为什么要以这样的名称来命名这样呼吸方法呢，主要是让大家能以生活中比较熟悉的状态来把握歌唱呼吸的要求，但是有一点要说明，歌唱的呼吸绝对是特殊的呼吸，不能完全等同于生活中的呼吸。气息的运用如何才是最高境界，个人认为能够服务于歌曲情绪，达到收发自如乃是最高境界。因此不同的歌曲有不同的气息要求，大体主要有一下几种： （1）快吸慢吐：有些歌曲乐句之间切换快，气口小，但乐句发展又很长这就要求快吸慢吐，例如红* ，这要求呼吸时要有充分的兴奋度，横膈膜要积极有劲，吐气时要有均衡匀整。这是最有难度的一种情况。 具体作法是：急速吸气，略停顿后，缓缓呼出。可以这样体会：想像一位久别的很要好的朋友，突然出现在你面前，你惊奇地倒抽一口气，几乎喊叫出来，就停止在这种状态上。几秒后，仿佛有一股外部的力量将小腹向后推压，感到小腹在与这股外来力量的对抗中，气息缓缓呼出。这时横膈膜有力地起着支持作用。（2）慢吸快吐：有些歌曲乐句之间写得很短小，气口大，但乐句发展又很小，演唱时呼吸有时间做好准备，但吐气时要迅速不拖沓。明确而直接。 （3）慢吸慢吐：这个情况主要出现在一些慢版情歌中，由于歌曲进行的速度不快，整个旋律写得比较长，所以可以充满吸气，慢慢吟唱。这中间的难点是不能随便动气，虽然这种情况对气息要求不算太难但是一动气，就会产生音准不对节奏不对或者声音感觉不到位的情况。笔者偶尔也有这个毛病。所以遇到这种情况对气息的坚持度和稳定度要求较高。 （4）快吸快吐：这个情况主要在一些快节奏歌曲。甚至力度上有要求。 相对于以上三个，这个相对容易些。 这是歌唱呼吸几种情况，大家可以根据自己的情况自己根据自己熟悉的歌曲并符合上述情况的片段或者创作一些符合四种情况的练声曲进行练习，慢慢体会不同情况下，呼吸的心得和感觉。还有一些简单的方法也可以达到训练气息的作用，如一些加大肺活量的运动，但是肺活量大并不一定气息就用的好。肺活量大要配合气息的科学使用那就是如虎添翼了。 （B） 吐字和母音 大家都知道歌声最终唱出来的是歌词，那么吐字也是歌唱技术的一个方面。 歌唱语言总的要求是：声母准确又灵巧，韵母形态保持好，自然适时来归韵，阴阳上去要记牢。轻重缓急须分清，语气语势处理好。 字头必须咬准，但又不能咬死。当字头咬住后，应当自然及时地过渡到字腹。字腹吐清后，应当适时地收声归韵，一定要注意三者衔接，过渡自然、顺畅，成为一个整体。另外，拼音要唱准，如“l”和“n”，“平舌”和“翘舌”，“f”和“h”,“前鼻韵”和“后鼻韵”要区别开，声调准确。 每个字都是有韵母发出的，其实很多时候我们要好好的练习一些基础的韵母，而在唱歌是将尾音字归结到这个字的韵母上去，如笔者最擅长的“I ”（念一）母音在笔者的《认错》这首歌曲里面就有比较好的运用，将字词归结到韵母上是一个将复杂事情简单化的方法，这也是我们平常说的“归韵”。 （C ） 共鸣和颤音（又叫泛音） 我们人体发声的主要器官是我们的声带，但是如果只靠声带来发声，我们的声带就显得十分之脆弱了。人的身体是个大的结构，是个大腔体，如果声带产生声音，通过一定震波和身体其他部分产生相近频率的共振将大大加强声音的质量和亮度，这就是共鸣。 人体的腔体有很多，如鼻腔，头腔，腹腔等等。一般我们共鸣比较好的是使用头腔共鸣，因为头腔共鸣可以产生相对理想的效果，我们在演唱时可以想出自己的声带和嘴巴等发声器官和头部是相通的，声音是往上抛出的！ 训练共鸣可以结合韵母方法来训练，如啊母音适合练头腔共鸣，M音适合练鼻腔共鸣，当你感受自己身体部分和声带产生微小的麻麻状态就说明共鸣在产生。 至于我们通常使用到很多的颤音唱法，也是共鸣的作用，由于共鸣产生，其他腔体引起共振，但又不完全和声带的频率不一致，所以会产生略不同于声带的音高，两种音响效果打在一起就会产生细小的声音波动，这就是颤音。 训练颤音（泛音）的方法也是训练共鸣，有了共鸣再加上一些气息的配合就会自然产生颤音（泛音）。 （D） 心理调控和松弛状态 演唱是一项非常高级的生理和心理活动，有了正确的生理状态是前提，但是正确的心理状态也是必不可少的，有时候心理状态的不佳会直接导致演唱生理状态的变化。所以演唱时一个良好的心理状态也是非常关键的。 不管是录音时还是演唱时，经常会有朋友感觉到自己很紧张，状态不好，包括我自己也有这样的经历。这时候心理状态的调整就显得十分重要！首先可以采取联想的方法，多联想自己生活中与歌曲内容表达基本吻合的生活场景，尽量让自己有一个生活中的心理状态。其次可以演唱一些简单短小的练声曲或者哼鸣曲，充分放松声带。还可以打打哈欠，将喉头放下，回归到很松弛的状态。同时暗示自己紧张解决不了任何问题，只有放松下来状态才能好。 由于歌唱技术是一项技术活动，它和其他技术活动一样，需要长时间反复的训练重复，使发声的各项运动回复到人自然科学的一种状态。而且流行通俗唱法在中国音乐教育学术界历来就有一些争论，处于一个不太成熟的时期。因此大家还是要自己多想多体会多感受，悟出属于自己独特的专有的一些技巧和技术。 关于录音技术和歌唱意识，乐感培养及日常保养常识将在下篇文章内说到，也希望大家可以多提建议，提出指正讨论，以此抛砖引玉，让所有朋友都能得到提高和进步！谢谢大家！ 唱歌的技巧（我自己的体会 希望对大家有帮助） 第一 唱歌最重要的 不是要记住这个的旋律和歌词 而是要去明白这个歌 所要表达的感情以及含义。。。 因为唱歌 就是要把这个歌所要表达的感情的 用我们的声音唱出来 唱给听众来听。。。 想想 如果我们对这个歌没有什么了解 对歌词没有一个理解的话 我觉得就算唱功再怎么好 那个歌也会是平平淡淡的。。。。 第二 听了很多朋友录的歌 发现了一个通病 包括我自己在内 都犯过这样的错误。。 就是在唱高音的时候 尤其是男的 很喜欢把喉结 提到很高的位置来唱 刚开始 大家会认为这样唱比较用意把音高唱上去 其实这是不对的 如果我们只是一味的去追求高音的音高的话 那么这个高音唱出来以后就会很苍白 很飘。。。 而且当你唱到一个音的时候想再上高一个音 就会很难 而且也很容易把音唱破。。。 当然这样对嗓子的危害也会比较大 唱不了几个歌 嗓子就完了。。。。直接就由通俗改成摇滚了。 其实唱高音的发声位置是在上鄂*后的位置 喉结要向下压 这样我们的口腔和鼻腔会产生共鸣 这样唱出来的高音音色就会比较圆润。。 比较结实 就是所谓的高音要站的住 而且更有感染力 嗓子也不会很累 也比较容易唱高音。。。 第三 当我们拿到一首歌后 高音部分如果上不去，我们千万不可以硬上。。 我们可以先用假声 先把音高唱上去 让自己对这个音的音高有一个直接的认识 然后慢慢的 一点点的把假声换回来 千万不能急。。 唱歌和我们做别的事情一样 急不来的 需要循序渐进。。我们如果经常这样练习的话 会对我们以后唱高音会有很大的帮助。。。 第四 气息 这个我也不知道怎么去讲。。 就是唱歌的时候 肚子里始终都要有一口气撑着 这就是有时候我们会说 唱歌要用肚子去唱的原因。。。。 第五 选歌。。 我建议大家刚开始唱的时候 尽量要选择一些适合自己声音条件的歌来唱。。 不能听到哪个歌好听 就不管适合不适合自己 拿来就唱。。。 一定要先从简单的来唱 然后慢慢的增加难度。。 就同样的一首歌来言 都有很简单的唱法 也有比较难的唱法。大家可以先找一个自己最拿手的歌 来练习 一点点的加大 难度。。。。 一步一步的来这样才塌实 自己心里也有谱。。。 不至于到录的时候心里发虚。。。 第六 女孩子 一般不要唱男声的歌。 因为男歌 女歌的调式不同 一般女歌要比男歌高出四个音。。 当然男的也一样 一般不要唱女声的歌。。。。 除非找到了这个歌改版以后适合自己声音的伴奏 再来唱。。。 一首歌 他的每一个音符 甚至到每一个符点 都不是平白无故加上去的。 所以男声的歌就是男声的歌 女声的歌就是女声的歌。。。 一般不要串着来唱 除非大家可以很自由的控制自己的声音 真假声变换自如。。。。 第七 唱歌的时候一定要把自己的声音放出来 千完不能把声音压在嘴里不敢唱。。。。 这个尤其是女孩 可能因为害羞或者怎么样 不好好意思把自己的声音唱出来 呵呵 其实这样是不对的。。。 因为你是要唱歌嘛。。。 唱歌就是要把自己的声音唱出来 要不怎么叫唱歌呢？ 大家在唱K或者录音的时候 一定要记住这一点 把声音放出来。。。 好了 先说这么多吧。。。 嘎嘎 上面是我唱歌的体会 希望会对大家有点帮助。。如果有不对的地方 大家帮忙指出来 大家一起把歌唱好。。。。。 嘿嘿 [推荐]歌唱呼吸的训练方法 歌唱呼吸的训练方法 ... 训练腹部的对抗力量，即气息的保持力量＜向外＞和气息的支持力量＜向里＞也称气息的控制。 换句话说，就是根据表现和声音大小、强弱等，有计划的运用气息。这是重点介绍几个不发声的歌唱呼吸训练方法： 倒灰式呼吸法 我们大家都有这个常识，如果你端着一撮子灰，直着腰一下把灰倒在地上，结果会是什么样呢？铺撒到地面的灰，会马上形成一股气柱向上升。我们借助这种倒灰的感觉，吸气要像灰一下子倒在地，吸得又深又广。哦民，则像从地上弹回来的那股气柱，保持住吸气的感觉，成倒T字拧成一股气柱向上钻出。每个乐句都要如此，形成良性的呼吸循环，这样在歌唱中就可以克服气浅、气僵的问题了。吸的气浅而僵，就不会得到好的声音效果。 下支点吸气法 下支点是在横膈膜处＜中山装第四个扣子处＞，也是我们指的腹式呼吸的位置。在吸气时，感觉直接在"下支点"处吸，好像气没有通过鼻、口、气管似的，每次吸气都要这样做，就可以做到腹式呼吸的吸气状态了。当然，我讲只是感觉，而并不是真的是那样，吸气怎么可能不通过鼻、口、气管的呢？这里只是用感觉、假设和比喻，来启发学唱者掌握科学方法。 溶化式吸气法 这种吸气的方法是在歌唱者处于比较紧的张状态下应用的。因为溶化式的吸气方法容易吸得深，没有声音和明显的动作，也容易体会和掌握，只是在感觉四肢都早溶化的时候，腰椎和颈椎不要放松。吸气的进修，不要嘴闭得太紧，这样会影响进气的速度和灵活性。在吸气的同时，嘴要自然地张开，与鼻子同时吸气为最佳。 高位置吸气法 怎么吸就怎么唱，吸的状态，在吸气的过程当中，气息似乎是通过鼻子和口腔中的上牙、上腭到横膈膜这个地方，这是一个抛物线角度，是高位置。所以在演唱时可以按吸气状态去唱，就能达到高位置和深的气息为一个整体的声音。如果在吸气的时候放得很低，气似乎是通过下牙、舌面，只用口腔来吸气，那么，气必然就吸得浅，还会有动作，有声音，用这样吸气的方法唱出来的声音，肯定是横、白、浅、紧，音域狭窄，很难解决唱歌中的高音问题。 射击瞄准时保持气息法 在歌唱时，里声音向外唱的同时还要保持吸气的状态，形成内外对抗，它不仅可以保持吸气的深度，又能使歌唱时气息均匀、流畅、持久。用射击瞄准时吸气状态练唱，这也只是一种感觉，这种状态当过兵的人都很熟悉，易于体验。借此达到在歌唱中保持气息平稳的目的。在练唱的过程中，气息越是不够用，就越是保持向里吸气的状态，问题就可以缓解下来，使别人听起来气息有用之不竭的感觉
首先气沉丹田，就是小腹下面一点，不要用嗓子发声，嗓子不要紧张，完全放松。说是说不清的，建议去学声乐。
摘 要： 在幼师音乐教学中，声乐的教学方法很有多种，“范唱”作为一种重要的教学手段，在声乐能力的培养中发挥着非常重要的作用。笔者从范唱的内涵出发，分析了声乐教学中“范唱”存在的问题及原因，并提出了“范唱”的主要策略。
关键词： 教师；范唱；声乐教学
一、范唱的内涵
范唱，就是指教师的示范演唱。它是声乐教学中最重要的手段，最常用的方法，有着极大的影响力，它贯穿于声乐教学过程的始终。正确的范唱，是指教师在教学过程中对歌唱方法及教学要求所做的正确示范。它展示给学生的应该是一种正确的歌唱状态。如：正确的呼吸状态、正确的口腔状态、正确的演唱要领，等等。歌唱的状态对了，声音自然就正确了。这里主要培养学生在大脑中有一种正确的歌唱意识。学生如果把意识上的感觉和听觉上的感觉结合在一起进行训练，经过长期循环和耐心范唱，最终使学生掌握正确的歌唱方法，形成正确的歌唱状态，获得完美的声音效果。所以教师每一次的正确范唱会直接在学生的脑海里留下一些思维与记忆。当教师的讲解与范唱达到一定量时，学生的歌唱水平就会产生质的飞跃。久而久之，学生的歌唱灵感就会豁然打开，歌唱水平也自然会得以提高。
二、目前声乐教学中范唱存在的主要问题
（一）过于注重模仿，忽视了正确范唱方法的建立
在幼师声乐教学的初始阶段，有些教师总是将范唱作为最主要的教学方法，一听到学生的发声方法不对，就马上运用范唱，然后要求学生以此为“模唱”，并没有及时地指出学生的错误和分析造成错误的原因，使学生在只知其然而不知其所以然的状态下盲目模唱。这必然导致学生在学习过程中只注重模仿教师的音色、音量，从而忽视正确歌唱发声方法的建立。声乐艺术的特点注定了它只有在演唱者获得正确的感知后，再通过自身的探索和练习不断地加以巩固才能掌握声乐演唱的技能。
（二）师生声部不同，过度范唱模仿可能适得其反
声乐教学中，不同声部之间的范唱常处于较高的比例。所谓不同声部的范唱，是指作为范唱者的教师一方与学生不属于同一声部的现象。在声乐教学中，教师经常会遇到嗓音类型、声音个性各不相同的学生。比如，当男教师遇到女学生时，由于教学双方在性别、声部和嗓音类型方面存在着强烈反差。就会自然而然地给实际声乐教学带来一些问题。如，男高音采用的是以真声为主的唱法，而女高音采用的是以假声为主的唱法。所以，范唱有时会起到相反的作用；反之，在高音区示范时，男中、低音教师往往无能为力。这是因为受到其声部歌唱特点的制约，范唱不可能会有好的效果。
（三）唱法不一致，范唱模仿难度增加
不同唱法之间的范唱是指超越声乐流派艺术风格和演唱技术方法体系的范唱。演唱唱法分为三种：美声唱法、民族唱法、通俗唱法。声乐教学中在不同唱法之间进行范唱的现象十分普遍，如：民族唱法教师给美声学生进行范唱，或是美声唱法教师为民族唱法学生演示范唱等，都是屡见不鲜的现象。之所以会出现不同唱法之间的范唱问题。其实也与声乐教学的师范性高职性特点有关。师范院校和高职院校的声乐教师所面对的是层次、类型各不相同学生。根据学生的嗓音特点，教师无法回避各种不同的唱法，更不能只教与自己唱法相同的学生。这些都是不容争辩的客观事实。
三、正确范唱的主要方法与策略
（一）树立正确的声音概念，客观认识歌唱原理
“正确的声音概念”即“歌唱者对嗓音歌唱声音的音乐物理属性的思考、认识与理解形成的具体思想概念。它应该符合歌唱的科学规律、发声生理结构、自身的客观条件，以及声乐艺术的审美需要。意大利著名花腔女高音歌唱家路易莎·泰特拉基在谈歌唱时说：“只有一种正确的歌唱方法：那就是自然的、容易的、舒服的歌唱”。歌唱艺术的高峰就是没有明显的方法，但能绝对灵活流畅地从嗓音的一端唱到另一端，所发的每一个音符与其相邻的音符衔接是那样的“自然”。这里所说的“自然”，不是指人们“原生态的自然声音”，而是在“原生态基础上经过科学艺术的加工之后，又形成的一种具有科学性、艺术性的自然之声。
（二）理论联系实践，做到有的放矢
范唱一般较适用于中低年级，尤其适用于低年级。在声乐学习的初级阶段教师运用范唱教学法时要防止学生单纯地模仿教师的声音，要把学生的注意力引导到对歌唱方法的学习上来。理论教学与实践教学的相互结合，要提醒学生对待范唱不在于模仿其音色、音量，而是在于抓住正确的发声方法，树立正确的声音概念，启发学生准确地记住自己最好的声音，并逐步达到运用自如、得心应手的程度。声乐学习的过程依靠高度的听觉体验，只有在正确的要求和指导下 自己及时不断地进行修正和改进，才能掌握声乐技能。教师的范唱要起到“抛砖引玉”的.效果。范唱要把握适度原则，应充分掌握范唱的时机，在学生遇到实际问题时才去演示和启发，以增强学生的求知欲，真正做到有的放矢。
（三）解说多于范唱，以讲解为主线
美国著名的游泳教练谢曼·查伏尔在执教生涯中，先后培养出像施皮茨，迈耶等世界著名的运动员。他们先后打破了六十次世界纪录，获得了十六枚奥运会金牌。但是，谁也不会想到，像这样有卓越贡献的游泳教练，他本人却不会游泳！他的这个致命弱点是在美国游泳队第一次获胜后被发现的。那天运动员们兴高采烈地把他抬起来扔进游泳池，只见他在水中挣扎着，逐渐向池底沉去。幸亏抢救及时，才使他免遭厄运。可见，教学方式是多元化的，声乐教学也是如此，并不是声部一致才能培养出杰出人才。教师在面对这些受教群体时，所选择的范唱一定要有很强的指向性和针对性，而不能带有盲目性和随意性。这就是说，在面对不同于自己声部的学生时，教师应根据不同声部学生的具体演唱情况。选择适当的范唱，教学上才能做到有的放矢。有时候教师“说”比“唱”的效果可能更好。
（四）因材施教，调整范唱要求
在面对不同唱法的学生时，声乐教师们完全可以从不同唱法的各自特点人手，加强对各种唱法的分析与理解，采取不同的教学方法。同时在范唱上把握好分寸和尺度，而绝对不可以允许以肆意的范唱干扰流派唱法教学指导的训练规范。在某些情况下，教师宁可做到“说”的比“唱”的多才行，惟有如此，才能确保教师正常教学活动开展。对于学生的嗓子条件要有一定的分析与了解。制定教学方案，因材施教。教学中，教师应根据学的嗓音条件和声音个性加以正确引导，并注意做到因材施教，不能让学生的声音完全依循自己的模本，从而使学生失去自身的嗓音特点。师生之间的嗓音条件和声音特质仍然可能存在一定的差异。技术性的范唱通常用于为学生演示正确或错误的肌体歌唱动作方式和歌唱发声技术方法，而并非要求学生借助模仿唱出与教师的嗓音完全相同的声音。学生有选择地吸收教师范唱中对自己有用的东西，同时注意保持自身的嗓音优势和特点，勿使自己因模仿范唱效果而丧失自身的个性，这样的模仿才具有实际使用价值。
综上所述，范唱教学既是声乐教学中的重要环节，又是教学过程中必不可少的方法。只有恰当、正确地运用范唱，才能使教师的授课过程轻松自如，才能培养学生的听觉分辨能力，训练学生敏锐的音乐听觉，使学生通过教师的范唱获得启发，从而建立正确的歌唱发声概念。因此，范唱的运用应该遵循目的性、针对性、适度性、适时性原则，只有这样才能真正体现“教师为主导，学生为主体”的原则，范唱教学才能取得事半功倍的效果。
参考文献:
[1] 颜广秋.浅谈声乐教学中的范唱[J].科技信息,2009,(10).
[2] 张 前.音乐表演艺术论稿[M].北京:中央民族大学出版社,2004,(11).
[3] 张立萍.试论范唱在声乐教学中的作用[J].呼伦贝尔学院学报,2007,(4).
浅谈歌唱中的呼吸问题论文
【摘 要】 美声唱法和风格之所以沿用至今，被世人奉为典范，是因为它在流变中不断地创新和完善着自身的歌唱呼吸法体系。歌唱的呼吸法就是所说的气息，是美声唱法的灵魂。以生理学为基点，明确呼吸法的生理机制，掌握和分析美声唱法的核心技巧——歌唱的呼吸法。
【 关键词】 呼吸；重要性
一、歌唱中呼吸的重要性
美声唱法亦可译为“美歌”和“美歌时代”。它不只是一种演唱风格，也标志着欧洲歌剧史的一个时代、一种音乐风格和一种声乐教学法。正如著名歌手帕基埃罗蒂（1740—1821）所言：“知道如何呼吸和如何发音的人，才知道如何歌唱。”美声唱法和风格之所以沿用至今，被世人奉为典范，是因为它在流变中不断地创新和完善着自身的歌唱呼吸法体系。
正确的呼吸方法，各国各家都有不同意见，但原则是一致的。伊丽莎白·舒曼说：“我不是反对人家的方法，但我喜欢自己的。”凭着自己的经验再慢慢地、谨慎的摸索，而获得成功者。马肯齐爵士是英国的喉科专家，他在《发声卫生学》中写着：“传统的意大利名师教导别人吸气时指出：前腹部应该稍微收缩。”这方法实行了一百五十多年。世界各国的权威专家都一致地说明了呼吸的重要性，其原则是一致的。
二、什么是歌唱中的呼吸
歌声，是运用人体内的气息，慢慢地震动着声带，按照所要求之音高而发出的声音。因此，在谈及声乐时，必须注意如何呼吸
人的呼吸过程是这样子的：当吸气时，肺叶充满了气，它迫使人的肋胄向外扩张，胸呼吸的同时，也迫使横膈膜以下的内脏组织也随之下移，气吸得越多，肺叶的体积也越大，而肋胄向外的扩张是有一定限度的，相反，内脏是软组织，它的伸缩性很大，因此，随着肺叶体积的增大，横膈膜下移的位置也越多，腹腔也变得越来越小，腹腔内各内脏组织的压力也越来越大，在此同时，横膈膜的压力也越来越大，它不但受到肺叶扩张往下的压力，同时也受到腹部内脏组织向上的反弹力，而横膈膜是胸腹腔内唯一能起主动性的内脏组织，也训是说，只有横膈膜才能控制腹腔内脏组织的反弹力，让肺部的气息缓缓呼出，从而达到歌唱时要求的气息悠长的效果。
三、呼吸在歌唱中的运用
留学意大利的声乐艺术家吴其辉先生所讲：“意大利有句话：‘把气吸好了，打开喉咙唱，’这就是意大利唱法。”也就是说，美声唱法首先强调的是“要把呼吸掌握好”
（一）运用理论，采用想象教学的手段，强化歌唱呼吸的正确感觉。
呼吸的方法首先谈气息的.支持和流动：发声前先将气体快速吸入小腹（肚脐以下的丹田），然后向外呼出，注意气息一定要控制，让膈肌自然绷紧（先不要放松，待到气体呼出的末了在放松），慢慢向外呼气，就像你的办公桌上有土，要把他吹走，可是旁边又有一碗要喝的水，又怕把土吹到碗里，你就得慢慢吹，所以气体在你的嘴和膈肌的控制下形成了一绺细细的气柱。这就是歌唱发声的气流流动状态。只不过发声时气流不是直接由嘴吐出，而是贴着上口盖（软腭）转一下在吐出.
（二）在歌唱中，采用意念与想象相结合的教学手段．训练学生有气息控制的歌唱。
训练时先做无声吸气练习，之后加上“吹气”式的呼气动作进行练习，这样不容易走形，容易体会到正确位置。声乐老师在之前做出示范，让学生从外部状态来进行感受、模仿和体会。要从学习者声音的色彩来判断其喉颈部肌是否放松了，如果听到发音困难、音色不明亮、有喉音成分和上高音不轻松等情况，即可判定喉颈部和上胸背部用力紧张了，此时，立刻指导学生放松喉颈、上胸和背部即可。气息吸得越深越要提醒学生将声音放在越高的位置上，并把声音向外远送，喉咙越要放松。这样可避免声音偏低或在喉咙里出不去。
歌声是最美的音乐，歌唱时音高、音量的不同，声带的张力就不同，要求吸拢声带时通过的气息速度和流量也不同。通过这个实验说明，人的声带如果没有气息的作用，它是不会自行产生声音的。同理，一个人与生俱来一副金嗓子，如果他不具备正确的歌唱呼吸技能，他是不会唱出好的声音的。也就是说，我们在音乐厅听大师演唱时，为什么会那么激动？为什么那么过瘾？就是因为大师具备了综合的歌唱素养，更重要的，是他们充分掌握了歌唱的呼吸技能，才能使他们动人的歌声灌满整个大厅，唱进每个人的心灵。
【参考文献】
[1]黄河之声/《黄河之声》编辑部·—双月刊·—ISSN1004-6127·—2005-2，总第221期，P15-16
[2]蓝晖.呼吸的方法——声乐教学中的气息训练
声乐教学方法初探论文
摘要：本文列举了几种声乐教学中有代表性的特色教学方法，分别介绍了其作用、适用情况、注意事项等，教师要针对学生的不同情况、不同的教学目的合理搭配使用，达到教学的最佳效果。
关键词：声乐教学方法
声乐教学是有一定特殊性的学科教学，发声的器官看不到、摸不着，学生的生理和音乐条件各不相同，教学中的许多关键性重要问题的表述只能借助比喻、示范、甚至是主观感很强的感觉进行教学，因此声乐教学过程中产生了一些特色的教学方法，分别如下。
1.音乐教学法
音乐教学法是指在声乐教学中以音乐为手段，进行声音调节、歌曲处理的教学方法。如用快速音阶或装饰音练习，有助于克服喉音和空洞的声音；用超过八度的音阶练习，有助于扩展音域；用级进的五度以内的音阶或半音练习，有助于训练声音的连贯性；用跳音的练习可以锻炼起音准确并使声音轻松、集中、明亮；用慢速的延长音练习，可以检验气息的平稳和持续；用大跳的音程练习，可以练习喉头的稳定；歌唱中顺着音高的升高或降低来带动歌唱的情绪等。
音乐教学法借助音乐本身的特点在声乐教学中被广泛应用，无论在歌唱发声还是歌曲处理中都能达到良好的效果，使学生在直接的音乐改变中，间接地调节歌唱声音。但音乐教学方法应该根据学生的特点进行选择，不能千篇一律。如用大跳的音程练习歌唱的稳定性时，必须针对程度较深、能较好地掌握歌唱发声技巧的学生，否则会适得其反。
2.示范模仿教学法
示范模仿教学法指教师示范，通过学生模仿直接达到要求的教学方法。示范教学法是一
种最直观的教学方法，贯穿于声乐教学的始终。如给喉咙上提的学生示范放下喉咙的叹气练习、给学生示范歌唱的姿势、示范各种不同母音的唱法等。示范模仿教学方法是古代意大利美声学派的主要教学方法，也是民间歌曲、戏曲传承发展中被最大程度地使用的教学方法，同时更适用于声乐教学的初期和给学生纠正错误的教学中。
示范模仿教学法运用时应该注意一、教师的示范要准确。学生的模仿是对教师的示范直接模仿，所以教师示范的准确性十分重要。二、教师要指导学生正确模仿。学生的模仿可能正确也可能错误，教师要对学生进行指导，才能达到模仿教学的要求。
3.语音教学法
语音教学法指教师根据学生的不同特点运用语音（包括元音和母音）的变化来调节学生
歌唱的一种教学方法。对不同语音的选择本身就是对发声器官的不费力调节，在此基础上强化训练容易被学生接受，同时声乐艺术本身就是声音和语言的结合体，通过不断变化的语音教学为歌唱打下良好的基础，因此语音教学法教学效果明显，在声乐教学中也被广泛使用。
使用语音教学法时，教师要针对不同学生，选择不同的母音，避免千篇一律。如对于初学的学生和喉位较高的学生多选择[o]、[u]等喉位较低、容易打开喉咙的母音进行训练；对于舌头过于僵硬的学生多使用辅音配合发声等。
4.比喻教学法
比喻教学法主要是指教师在声乐教学中讲授一些学生不容易理解的概念、声音要求
和发声器官的状态时，运用学生的生活经验或已有知识来比喻，使学生茅塞顿开、豁然开朗的教学方法。如歌唱的吸气象闻花香的感觉；气息运用持续、平稳象小提琴的运弓一样；把声音的效果比喻成绒布一样柔和；歌唱时口腔里象放着一个鸡蛋等。在抽象的声乐教学中，处处都要用到比喻的教学法，其使用有赖于教师知识的渊博，经验的丰富和实践的灵活。
5.感觉教学法
感觉教学法是指在声乐教学中教师用自己歌唱的感觉和学生歌唱的感觉来指导学生歌
唱的教学方法。感觉是把歌唱状态形象化，帮助学生体会复杂、抽象歌唱状态的有效方法，学生声乐学习的过程就是歌唱状态的感觉不断领悟和巩固的过程，不同的歌唱家都有自己不同的歌唱感觉和体会，感觉教学法在声乐教学中被广泛应用。
运用感觉教学法教学应该注意教师的感觉不应该强加给学生；学生不要过分依赖和追求某种感觉。教师的感觉只是教师自己的，教师用自己的感觉要求学生时只有学生也能体会到教师的感觉才能收到一定的效果；学生找到感觉时可能是整体的感觉，也可能是比较关注的局部感觉，所以无论教师的感觉还是学生的感觉都不能当成真理过分追求。
6.机理教学法
机理教学法是指在声乐教学中，从歌唱发声的生理上直接锻炼某部分肌肉，来解决歌唱发声问题的'教学方法。如用狗喘气的方法训练腹肌、拉舌头发声或者放松下巴等。机理教学法在声乐教学中运用较少，在有的声乐形式中甚至不用，如我国民间歌曲的传承发展中，美声歌唱教学的早期阶段等。
使用机理教学法有速成的效果，有积极的一面，但不建议长期使用。长期使用机理教学法单独练习会导致歌唱时心理与生理的有机协调，运用不恰当会破坏歌唱的整体。因此在使用机理教学法时要合理运用，扬长避短。
7.理论教学法
理论教学法是在声乐教学过程中教师理性地运用声乐理论指导学生学习，学生通过
学习声乐理论知识来提高自己歌唱水平的教学方法。如教师指导学生阅读声乐发声原理、歌曲风格、文化背景的理论文献等。理论教学法在声乐教学中主要起指导作用，但理论教学法一定要联系实践才能达到最佳效果。
声乐教学的目的是不同的，王耀华在《高师音乐教育学》中提到：“高师声乐教育的重点在于怎样让学生了解、掌握发声与发声训练的方法，及学习演唱作品的基本方法；对于音乐学院声乐系来说，则侧重于培养学生演唱技巧及对不同风格、题材的声乐作品的艺术表现；对戏剧学院和广播学院播音专业而言，前者以培养学生掌握科学的发声方法，并将这种方法融入到戏曲唱腔的演唱之中为主，后者则是一门借以辅助语言发声而使学生掌握并在播音中使用歌唱发声的方法。因此同是声乐学科，教学的目的、内容是不同的，指导原则也不同，采用的教学方法也肯定是有所差别的。”各种声乐教学方法不是孤立存在和使用的，教师在声乐教学过程中必须根据教学对象的差异、教学目的的不同灵活选择不同的教学方法，综合运用、取长补短，以最有效的方法达到声乐教学的最佳效果.
答辩的时候，我认为这个应该还是需要提前自己预习一下，这个应该是可能老是会出现什么样的问题，这样的话才能够更好的进行一个锻炼的
音乐论文答辩稿
导语：音乐专业的论文答辩有一定的技巧，也有一定的流程。接下来我整理了音乐论文答辩稿，文章希望大家喜欢！
尊敬的各位评委老师：
大家好！我是来自音乐表演专业****级的学生***，我的学号是**********。我的毕业论文题目是《浅谈歌唱中的哲学理念》，领导老师是***讲师。
本文写作目的在于为歌唱供给理论支持，不断去认识和解决歌唱中的问题，避免出现片面性、主观随意性及盲目性，进而采纳唯物辩证法去解决歌唱中各种疑难问题和抵触，寻求平衡，能够使各呼吸、发声、共鸣等器官处于良好自如的运动状态，确保整体歌唱状态的协调与统一，使歌唱水平得以进一步提高。因此，我收集了大量的文献资料，主要来自网上的期刊论文、图书馆的图书、教材等理论资料。在唐老师的耐心领导和赞助下从中选取了主要的参考资料，经过导语主要参考资料，拟定提纲，设计调查问卷，最终于20____年5月正式定稿。拟采纳的钻研法子：
1、文献资料法：导语有关音乐方面的文献与论文，参考前人钻研的情况；
2、归纳分析法：领会文献并对文献作与归纳和分析，然后提出自己的'看法；
3、实证钻研法：从自己的音乐学习历程中发现问题，把自己平时归纳的理论知识和学习经验使用于解决现实问题的钻研；
4、综合寻找法：对自己所占领的材料广泛导语，寻找出有钻研价值的论点；
5、交流讨论法：专业老师的领导和同学的讨论；
具体来说，我的论文分为以下三个部分：
一、歌唱中普遍存在的哲学关系：
1、气息和声音的哲学关系；
2、把持喉头“相对稳定”的哲学关系；
3、声音靠前靠后的哲学关系；
4、声音的集中与打开喉咙的关系；
5、情与声的哲学关系；
6、积极与放松的哲学关系；
二、如何处理歌唱中的哲学关系：
1、如何处理气息和声音的哲学关系；
2、如何处理把持喉头“相对稳定”的哲学关系；
3、如何处理声音靠前靠后的哲学关系；
4、如何处理声音的集中与打开喉咙的关系；
5、如何处理情与声的哲学关系；
6、如何处理积极与放松的哲学关系；
三、小结经过本次论文写作，我学到了许多有用的东西，也积累了不少经验。但是，由于我能力有限，加之光阴和精力也有限，在许多内容表述上存在着不当之处，与老师的期望相差甚远，许多问题还有待于进一步思考和探索，借此答辩时机，万分恳切的愿望各位老师能够提出宝贵的意见，多指出本篇论文的差错和不足之处，我将虚心接受，从而进一步深入学习钻研，使该论文得到完善和提高。
大学本科的学习生活即将收场。在此，我要感谢所有曾经教育过我的老师和关切过我的同学，他们在我成长历程中给予了我很大的赞助。本文能够顺利完成，要特别感谢我的领导老师唐老师，感谢各位系里的老师的关切和赞助。
最后向所有关切和赞助过我的人表示衷心的感谢！
1、熟悉内容
作为将要参加论文答辩同学，首先而且必须对自己所著的毕业论文内容有比较深刻理解和比较全面的熟悉。这是为回答毕业论文答辩委员会成员就有关毕业论文的深度及相关知识面而可能提出的论文答辩问题所做的准备。所谓“深刻的理解”
2、图表穿插
任何毕业论文，无论是文科还是理科都或多或少地涉及到用图表表达论文观点的可能，故我认为应该有此准备。图表不仅是一种直观的表达观点的方法，更是一种调节论文答辩会气氛的手段，特别是对私人论文答辩委员会成员来讲，长时间地听述。
3、语流适中
进行毕业论文答辩的同学一般都是首次。无数事实证明，他们论文答辩时，说话速度往往越来越快，以致毕业答辩委员会成员听不清楚，影响了毕业答辩成绩。故毕业答辩学生一定要注意在论文答辩过程中的语流速度，要有急有缓，有轻有重，不能像连珠炮似地轰向听众。
4、目光移动
毕业生在论文答辩时，一般可脱稿，也可半脱稿，也可完全不脱稿。但不管哪种方式，都应注意自己的目光，使目光时常地瞟向论文答辩委员会成员及会场上的同学们。这是你用目光与听众进行心灵的交流，使听众对你的论题产生兴趣的一种手段。
5、体态语辅助
虽然毕业论文答辩同其它论文答辩一样以口语为主，但适当的体态语运用会辅助你的论文答辩，使你的论文答辩效果更好。特别是手势语言的恰当运用会显得自信、有力、不容辩驳。
相反，如果你在论文答辩过程中始终直挺挺地站着，或者始终如一地低头俯视，即使你的论文结构再合理、主题再新颖，结论再正确，论文答辩效果也会大受影响。所以在毕业论文答辩时，一定要注意使用体态语。
6、时间控制
一般在比较正规的论文答辩会上，都对辩手有答辩时间要求，因此，毕业论文答辩学生在进行论文答辩时应重视论文答辩时间的掌握。对论文答辩时间的控制要有力度，到该截止的时间立即结束。
这样，显得有准备，对内容的掌握和控制也轻车熟路，容易给毕业论文答辩委员会成员一个良好的印象。故在毕业论文答辩前应该对将要答辩的内容有时间上的估计。当然在毕业论文答辩过程中灵活地减少或增加也是对论文答辩时间控制的一种表现，应该重视。
7、紧扣主题
在校园中进行毕业论文答辩，往往辩手较多，因此，对于毕业论文答辩委员会成员来说，他们不可能对每一位的毕业论文内容有全面的了解，有的甚至连毕业论文题目也不一定熟悉。因此，在整个论文答辩过程中能否围绕主题进行，能否最后扣题就显得非常重要了。
1、熟悉内容
作为将要参加论文答辩同学，首先而且必须对自己所著的毕业论文内容有比较深刻理解和比较全面的熟悉。这是为回答毕业论文答辩委员会成员就有关毕业论文的深度及相关知识面而可能提出的论文答辩问题所做的准备。
所谓“深刻的理解”是对毕业论文有横向的把握。例如题为《创建名牌产品发展民族产业》的论文，毕业论文答辩委员会可能会问“民族品牌”与“名牌”有何关系。
尽管毕业论文中未必涉及“民族品牌”，但 参加论文答辩的学生必须对自己的毕业论文有“比较全面的熟悉”和“比较深刻的理解”，否则，就会出现尴尬局面。
2、图表穿插
任何毕业论文，无论是文科还是理科都或多或少地涉及到用图表表达论文观点的可能，故我认为应该有此准备。
图表不仅是一种直观的表达观点的方法，更是一种调节论文答辩会气氛的手段，特别是对私人论文答辩委员会成员来讲，长时间地听述，听觉难免会有排斥性，不再对你论述的内容接纳吸收，这样，必然对你的毕业论文答辩成绩有所影响。所以，应该在论文答辩过程中适当穿插图表或类似图表的其它媒介以提高你的论文答辩成绩。
3、语流适中
进行毕业论文答辩的同学一般都是首次。无数事实证明，他们论文答辩时，说话速度往往越来越快，以致毕业答辩委员会成员听不清楚，影响了毕业答辩成绩。故毕业答辩学生一定要注意在论文答辩过程中的语流速度，要有急有缓，有轻有重，不能像连珠炮似地轰向听众。
4、目光移动
毕业生在论文答辩时，一般可脱稿，也可半脱稿，也可完全不脱稿。但不管哪种方式，都应注意自己的目光，使目光时常地瞟向论文答辩委员会成员及会场上的同学们。
这是你用目光与听众进行心灵的交流，使听众对你的论题产生兴趣的一种手段。在毕业论文答辩会上，由于听的时间过长，委员们难免会有分神现象，这时，你用目光的投射会很礼貌地将他们的神“拉”回来，使委员们的思路跟着你的思路走。
5、体态语辅助
虽然毕业论文答辩同其它论文答辩一样以口语为主，但适当的体态语运用会辅助你的论文答辩，使你的论文答辩效果更好。特别是手势语言的恰当运用会显得自信、有力、不容辩驳。
相反，如果你在论文答辩过程中始终直挺挺地站着，或者始终如一地低头俯视，即使你的论文结构再合理、主题再新颖，结论再正确，论文答辩效果也会大受影响。所以在毕业论文答辩时，一定要注意使用体态语。
6、时间控制
一般在比较正规的论文答辩会上，都对辩手有答辩时间要求，因此，毕业 论文答辩学生在进行论文答辩时应重视论文答辩时间的掌握。
对论文答辩时间的控制要有力度，到该截止的时间立即结束，这样，显得有准备，对内容的掌握和控制也轻车熟路，容易给毕业论文答辩委员会成员一个良好的印象。故在毕业论文答辩前应该对将要答辩的内容有时间上的估计。当然在毕业论文答辩过程中灵活地减少或增加也是对论文答辩时间控制的一种表现，应该重视。
7、紧扣主题
在校园中进行毕业论文答辩，往往辩手较多，因此，对于毕业论文答辩委员会成员来说，他们不可能对每一位的毕业论文内容有全面的了解，有的甚至连毕业论文题目也不一定熟悉。
因此，在整个论文答辩过程中能否围绕主题进行，能否最后扣题就显得非常重要了。另外，委员们一般也容易就论文题目所涉及的问题进行提问，如果能自始至终地以论文题目为中心展开论述就会使评委思维明朗，对你的毕业论文给予肯定。
答辩记录内容怎么写：
1、学生的姓名、学院以及专业：这一点比较简单，按照你学校的名称以及专业来填写即可，但是一定要注意，这里的填写不要写简称，一定要写全称。
2、学生的学号以及指导教师和职称：如实去填写，老师的话可以去问一下，千万不要将指导老师的名字写错，也不要写某科目老师，要写名字以及自己是否有职称，如果没有的话就不填写。
3、学生的答辩时间以及论文自述的情况：学生答辩时间按照你第一次答辩的时间来填写，论文自述的情况尽量是要以第三方语气来描写。
4、教师提问以及学生回答情况：这一点尽量挑选重点来书写，一些小问题或者没办法加分的情况就不要填写了。
答辩记录上的评价项目：
1、选题符合专业培养目标，体现综合训练基本要求。
2、对实验结果的分析能力（或综合分析能力、技术经济分析能力）。
3、论文（或设计）规范化程度（论文（或设计）栏目齐全合理、SI制的使用等）。
4、综合运用知识的（涉及学科范围，内容深广度及问题难易度）。
一、答辩时间、地点。
二、答辩人。
三、评委。
四、答辩论文题目。
五、答辩论文大致内容。
六、专家提问。
七、答辩人的回答。
答辩记录内容注意事项：
答辩记录内容因子分析法是一种将多变量化简的多元统计、寻找这种内在结构（或联系）的方法。将原始变量进行分解，然后归纳出潜在的“类别”，变量间相关性较强的归为一类，且不同类别间的变量则相关性较低。
每类变量代表一个“共同因子”，即一种内在结构（或联系）。本文运用因子分析法的目的就是用少数几个因子去描述许多影响大型电子商务企业自建物流因素之间的联系，即将相关比较密切的几个影响因素归在同一类中，每一类因素就成为一个因子，以较少的几个因子反映所有影响因素的大部分信息。
答辩记录的填写方法如下：
1、学生的姓名、学院以及专业：这一点比较简单，按照你学校的名称以及专业来填写即可，但是一定要注意，这里的填写不要写简称，一定要写全称。
2、学生的学号以及指导教师和职称：如实去填写，老师的话可以去问一下，千万不要将指导老师的名字写错，也不要写某科目老师，要写名字以及自己是否有职称，如果没有的话就不填写。
3、学生的答辩时间以及论文自述的情况：学生答辩时间按照你第一次答辩的时间来填写，论文自述的情况尽量是要以第三方语气来描写。
4、教师提问以及学生回答情况：这一点尽量挑选重点来书写，一些小问题或者没办法加分的情况就不要填写了。
答辩记录上的评价项目
1、选题符合专业培养目标，体现综合训练基本要求。
2、对实验结果的分析能力（或综合分析能力、技术经济分析能力）。
3、论文（或设计）规范化程度（论文（或设计）栏目齐全合理、SI制的使用等）。
4、综合运用知识的（涉及学科范围，内容深广度及问题难易度）。
随着中国民族声乐的发展，相关的理论研究成果也日益增多，其研究也在不断拓展、深化和创新的过程中更显其丰富性。下面是我为大家推荐的声乐论文，供大家参考。
声乐论文 范文 一：音乐论文发表-平湖派
摘 要：在中国琵琶艺术众多的传统流派之中，平湖派陶染着中国传统音乐的典雅风韵，以较强的艺术生命力世代流传，极具研究价值。但在当下，其传承现状并不乐观，流派概念日渐淡化、承人的稀缺以及传谱的缺失等原因致使其艺术影响力甚微。本文基于田野调查，试图从平湖派琵琶艺术的历史起源、历代传人、发展过程、演奏风格和美学特点等方面入手，探究其传承现状并分析该流派的发展前景，进一步把握平湖派琵琶的艺术价值。
关键词：平湖派;琵琶;传承
在中国传统民族乐器中，弹拨乐器琵琶具有极为悠久的历史，因其所代表的 文化 内涵典雅深厚、演奏技法独特多元、艺术作品华美丰富而长久流传于世。自魏、晋时期，琵琶首次传入中国以后，乐器本身所具有的西域色彩与东方文化特点，交融凝结为现今中国民乐中不可或缺的一个“角色”。在琵琶艺术不断发展的历史进程中，各大传统流派的产生与演进可谓是异彩纷呈。
在琵琶艺术众多的传统流派中，平湖派隶属近代琵琶四大流派、江南地区琵琶五大传派之一，与之同具艺术影响力和研究价值的琵琶流派还有无锡派、浦东派、崇明派、汪派、瀛洲派。平湖派琵琶艺术曾在我国具有极高的艺术地位，甚至曾一度名扬海外。
但近年来，平湖派琵琶艺术的传承现状并不乐观，流派本身所具有的艺术影响力日渐削弱，流派的概念也渐趋于淡化，民众普及度较低，甚至在流派的发源地平湖，也是少人问津。琵琶艺术最直观的传播方式即口传心授的教学，教学对象主要针对青少年人群，然而目前各地音乐院校或艺术 教育 机构所开设的琵琶课程，层次高低不等，但大多都以常规性的教学为主，根据难易程度开展教学活动，基本没有以流派为主的教学。在普通民众间，社会新兴文化日趋直上，对 传统文化 的承袭产生了一定的冲击，当代青少年对传统文化的关注日趋淡化，平湖派的传播途径又相对较为狭窄，在这样的社会环境下，流派的传承与发展随之遇到了较大的阻碍。从流派本身传承条件来说，传人严重稀缺，传谱在发展过程中也未得到完整的保存，一些传统独特的演奏技巧无成文记录可考，难以承袭。如此历史悠久的民间流派若最终走向陨落，将是艺术领域的一件憾事。我们有责任也有义务为平湖派琵琶艺术的承袭与发展献出自己的一份绵薄之力，将具有百年悠久而深厚积淀的平湖派琵琶文化继承下来，帮助古老的民间传统流派，拂去旧尘，重放光彩。
一、平湖派琵琶的历史脉络
明清时期，由于方兴未艾的戏曲艺术的持续发展，促使多种乐器从伴奏地位不断向独奏艺术演化。而随着市民音乐艺术的崛起，器乐独奏艺术逐渐在城市节日庙会以及各种游乐场所中迅速地兴盛了起来。民间器乐别树一帜，各领域乐者演奏技艺超凡。在此时期内迅速兴盛起来的民间器乐艺术中，琵琶演奏艺术无疑代表了这一时期器乐独奏艺术的最高成就，开创了了器乐独奏艺术发展前所未有的崭新局面。①
在这一时期，琵琶演奏领域虽是名家辈出，琴技绝伦，但是却未曾出现成文的琵琶 曲谱 ，也未曾有古书文籍专门对特定的琵琶演奏风格进行记录与区分，因此在当时未产生清晰的各家流派。清末，琵琶演奏家李芳园(1850—约1901年)，将家中流传的所有琵琶乐曲进行系统地归纳整理，谱写成《南北十三套大曲琵琶新谱》，该曲谱的刊印，也代表着琵琶演奏流派，“平湖派”的诞生。
早在清乾隆年间，浙江平湖李氏家族就是琵琶艺术世家。自李延森起，开启了李氏家族琵琶世代相传的历史。李延森(约1771年生)为平湖琵琶有史可考的最早的起始者，他“举业之暇，性耽音乐，而尤爱琵琶，研究古曲，各极其妙”②。在此之后，李延森又传于其子李煌，李煌实则子承父业，以此而尽孝行，使双亲可听其琴音，取乐于此。在李煌之后，又传于其子李绳墉。后又传于其子李南棠，据《南北十三套大曲琵琶新谱》记载，李南棠素嗜琵琶， 同时也非常地擅长琵琶演奏。但囿于当时的文化环境，旧俗所限下，李氏前三代都仅限于家中承袭，不可外传。因此，李氏琵琶也并未扬名于社会。直到传至李南棠后，才开拓了崭新的、更为广阔的承袭局面。到了李南棠的青壮年时期(1850—1876年)，正值第二次鸦片战争(1856—1860年)，外国资本主义势力侵入中国疆土。以经商为业的李氏，经常来往平湖、上海之间。他见多识广、思想开明。愿交乐友，广师求益。1850年，李南棠与张子房、俞芝山“携谱奉访，杯酒论交”，1856年与故友郁谷园、姚飞泉、姚松斋等进行切磋。“先世遗谱相与参考，按节挥弦各有心得”。1876年，与陈子敬、周厚卿、黄梅汀、周蓉江等“见访”。③而陈子敬即当时极有名望的一位琵琶名家，颇受清光绪皇帝生父醇亲王的赏识，还曾受其“天下第一琵琶”的封号。在与众多琵琶演奏名家切磋琢磨的过程中，李氏琵琶开始摆脱原本封闭的、家族内部承袭的局面，同时，李南棠在此交流借鉴之中，也吸收了许多新的元素，更加丰富了家传演奏技法。
在李南棠之后，又传于其子李芳园(1850—约1901年)。李芳园出生于如此几代相传的琵琶艺术世家，从小积久陶养，兴致浓厚且天赋过人。他在对于李氏琵琶的承袭有着极大的贡献。他不仅自身琴技过人，而且善于博采众长，对民间各家琵琶演奏流派都有吸收借鉴，很大程度上丰富了李氏琵琶的演奏风格与曲目。对于社会文化领域风气不佳的时局，李芳园欲为琵琶艺术的发展寻求新的方向，故而整理归纳了家中流传的曲谱，并融合民间各派的演奏特点，同时吸收了一些优秀的民歌作品，将其系统地谱写，最终编撰成《南北十三套大曲琵琶新谱》。
该曲谱的刊印，也代表着中国近代琵琶四大流派，“平湖派”的正式诞生。
二、平湖派琵琶的主要传人
(一)第六代传人朱英
朱英(1889—1954年)字荇青，号杏卿，浙江省平湖市当湖镇(今当湖街道)人，据相关研究者考证，在五十年代，他曾居住于原城关镇骑塘浜十号。朱英是平湖派琵琶艺术继李芳园之后的第六代传人。朱英儿时师从平湖派琵琶第五代传人李芳园。在李芳园私塾学习期间，最初是李芳园的学生吴柏君为其授课，经过一段时间的学习，李芳园本人才开始为其授课，在此期间，朱英勤学苦练，深得李氏琵琶的精髓。1927年，朱英受到北大校长蔡元培的举荐，到成立不久的上海国立音乐学院(现为上海音乐学院)任职。受时局所迫，1948年，爱国的朱英不愿为日本人演奏琵琶，毅然决定回到家乡，在平湖县(今平湖市)初级中学教授语文。朱英在其工作期间，仍坚持学习琵琶以及专业音乐理论知识，这也为原本狭窄的民间流派创造了更多对外发展的空间与可能性。
朱英先生对平湖派琵琶的演奏技巧和教学都具有自身独到的一面，他为继承和发展平湖派琵琶艺术做出了不可磨灭的贡献。他创立的许多琵琶演奏技巧至今仍为琵琶演奏家所使用。朱英首次将平湖派琵琶艺术引入高等学府的课堂，1927年，他任教于上海国立音乐学院(现为上海音乐学院)民乐系，教授琵琶。第一，在这期间，朱英第一次把流传在民间的平湖派琵琶艺术引入到高等学府，在任教的十七年间，培养了一大批优秀的平湖派琵琶继承人：谭筱麟、丁善德、蒋凤之、樊伯炎、陈恭则、杨少彝、江容琛、程午嘉等。第二，朱英提倡“文武合套”的演奏理念，他在平湖派琵琶的演奏风格中提倡“文武合一”，打破了文曲、武曲的界限;第三，创新琵琶演奏技法，首创左手五指并用;第四，他继承和发展了记谱特色，在原本的李氏工尺谱中，用短线标注节奏，并标出详细的演奏标记;第五，创作了一批平湖派琵琶的演奏作品，《五卅惨案》、《难忘曲》、《秋宫怨》、《长恨曲》、《枫桥夜泊》、《海上之夜》等数首作品。④
(二)第七代传人杨少彝
朱英的学生杨少彝(1913—1974年)，我国著名的平湖派琵琶演奏家、音乐教育家。1931年开始师从朱英，学平湖派琵琶，琴技绝伦，深得老师朱英的认可，为平湖派琵琶的第七代传人。在1958年以“民间艺术家”的身份被西安音乐学院引进。
他在西安音乐学院任教期间，培养了任鸿翔、何明威、王天建等一大批优秀的琵琶演奏家。在杨少彝毕生的教学过程中，他并不墨守成规，而是勇于为传统艺术开拓发展的新局面，为古老流派的传承做出了许多努力。后为时局所害，蒙难弃世。
(三)第八代传人杨毓荪
杨少彝之子杨毓荪(1950- )，自幼师从其父，学平湖派琵琶。在父亲早逝后，更加坚定了承袭父亲夙愿的决心。此后师从中央音乐学院浦东派琵琶演奏家林石城。杨毓荪不仅精于琴艺，还坚持致力于提高平湖派琵琶艺术地位的工作，整理并出版其父杨少彝生前所留曲谱，为平湖派琵琶的研究者和学习者提供了极具参考价值的理论依据。在移民后，他也未曾停止对平湖派琵琶艺术的传播工作。
三、平湖派琵琶代表传谱
《南北十三套大曲琵琶新谱》的刊印标志着琵琶演奏流派“平湖派”的诞生，该曲谱融合了平湖派的主要代表作品、演奏技法、演奏符号等，是流派学习的重要理论依据，也是平湖派琵琶保存相对完整的传谱，由清代平湖派琵琶艺术的创始人李芳园整理编辑家传琵琶乐曲编撰而成。“窈念家君究心于此四十余年，方参透其中三味，尝因时尚艳曲淫声，风气愈趋愈下，欲著斯谱，为指南要法。自慨有志未遂，棻承先业，惟湮没是虞。于是发奋朝夕，汇集古曲十三套，按节寻声，一一参考默识”
(一)代表曲目《阳春古曲》
全曲共计十个段落，根据《南北派十三套大曲琵琶新谱》所记，十个部分分别为“春景阳和”、“锦园小憩”、“遍地花开”、“独占鳌头”、“风摆荷花”、“玉版参禅”、“道院琴声”、“一轮明月”、“东皋鸣鹤”、“铁策版声”。
(二)代表曲目《淮阴平楚》
该作品是平湖派典型武曲套曲的类型，全曲风格雄壮伟岸，大气磅礴，演奏者须表现出战争史诗般地宏伟场景。在演奏中，多使用满轮、绞弦、扫弦、轮拂、并弦、拍等技巧。⑤
(三)代表曲目《平沙落雁》
该曲由“雁阵横空”、“霜天雁叫”、“平沙扑翅”、“高翔千仞”、“衡阳万里”、“逐队分飞”、“一行归影”七部分组成。为表现文曲悠远淡泊的艺术意境，演奏中应注意运用弹挑、滚奏、双弹、轮指、扫弦以及推、拉、吟、揉的技法。
四、平湖派琵琶的演奏风格
平湖派琵琶的演奏极富地方特色，也正是因为它独具匠心、丰富多元的演奏技法，才使得它清晰地有别于其他民间流派，以较高的艺术影响力长久流传于世间。本文在此，将进行简短论述。南北派十三套大曲琵琶新谱中的手法、指法备载仿刻华君秋苹谱，惟有新增手法每曲详注逐段工尺旁。其中，右手的轮指技法是平湖派琵琶演奏特点的主要体现。轮指，是指琵琶或吉他的一种典型演奏指法。在琵琶演奏中，几乎所有的乐曲都要使用该演奏指法，由轮指汇成的指法特别繁多，例如带轮、扫轮、满轮等等，在此不一一详述。
轮指主要分为上出轮和下出轮两类。上出轮即食指、中指、无名指、小指顺时针依次弹下，后接拇指挑上;下出轮即是无名指、中指、食指顺次弹下，后接拇指挑上。在平湖派琵琶的演奏中，多用下出轮手法，偶尔根据乐曲需要兼用上出轮手法。如代表作品《满将军令》的弹奏技法为先以食、中、名、禁四指，此第弹下，然后大指挑上，其声缓且长而易圆，须要连而勿断，断不可用上出轮。⑥平湖独创的演奏技法有“蝴蝶双飞”、“抹复扫”、“七操”、“马蹄轮”、“挂线轮”，上述技法演奏难度颇大，掌握者甚少。
平湖派琵琶艺术最初起源时，属于文人音乐，供具有一定文化修养的知识阶层人士自娱自乐。“古之学问为己，今之学问为人”，也许当今社会人们习音律，一般是为学习掌握一种演奏的技巧，但对于先者来说，怡养性情、修身静心。由此可见，平湖派琵琶艺术所蕴藏的文化内涵是极为深厚的，耐人寻味的。自古文曲宜静，以平湖派代表曲目《青莲乐府》为例，此曲由“举杯邀月”、“雨打芭蕉”、“风入松”、“石上流泉”四段联缀而成，犹如以泼墨画式的笔触，描绘出古代文人墨客“起舞弄清影”一般的古朴典雅之景，给人以空灵舒畅、意境深远之感。中国古典音乐文化多倡导悠然心会，超乎功利，象征着高洁、寂寥、含蓄、典雅的君子品质。曲中始终激荡着一种至高的审美情趣，让听者在袅袅琴音中，洞悉艺术的真谛所在。
声乐论文范文二：校园音乐剧;创新实践
摘 要：社会在不断发展变迁，人们对高雅艺术展开追求同时，还希望艺术可以是通俗易懂的，音乐剧中流行音乐元素大胆实践创新，也恰好满足大众这种审美情趣，也使得一部又一部的经典作品横空出世。作为音乐剧中一类独特创作特征的流行音乐元素，也需要我们不断进行学习与研究，本文对校园音乐剧中流行音乐元素该特殊创作特征加以深入分析，希望为促进校园音乐剧向可持续的方向发展作出一份贡献。
关键词：流行音乐元素;校园音乐剧;创新实践
音乐剧对流行音乐元素作用是深远的，本文主要围绕校园音乐剧和流行音乐元素关系展开，而流行音乐是当前覆盖面最广，比较流行歌曲表达形式，容易获得大众接受通俗演唱 方法 ，同音乐剧两者有机融合，促使音乐剧与流行音乐两者都获得了源源不断的生机与活力。特别当今科技突飞猛进发展，新兴事物逐渐涌现出来新时期，人类各方面均已取得质的飞跃，时代发展同大家坚持不懈努力存在密切关系，科技发展与艺术创新二者互相影响、互相促进，也更带有新时代的气息。
一、校园音乐剧概述
校园音乐剧为一类小型音乐剧，音乐剧是一种有机融合了歌唱、舞蹈和戏剧表演的综合性表演。历经一个世纪发展阶段，音乐剧在发达国家备受追捧，让人感到满意却又不置可否缔造艺术和商业间统筹兼顾的双重利益，但是在我国存在的历史并不是很久。顾名思义，音乐剧表演应该具有的特征是戏剧性、整合性、风格化差异化和三项全能特征。正是这些特征使音乐剧从诸多表演艺术门类中脱颖而出，成为当代舞台剧美学综合性的最高标准。相对来讲，音乐剧这一名词还比较新鲜时髦。最近几年，伴随音乐剧持续升温，国内音乐剧相关文字，乐谱还有音像材料等量日益增加，而且我国诸多校园也开始让师生尝试音乐剧编排与创作。音乐剧一大特征便是通俗性，这也是它同歌剧间最大差异①。绝大部分歌剧对于受众审美水平有极高要求，但音乐剧则恰好相反，其大众性特征异常鲜明，掌握起来也更为容易，从多角度考虑，音乐剧较歌剧都更容易让学生接受，学生学习热情也会更高。另外，艺术与娱乐两点音乐剧中均具备，所以对学生课余生活也起到很好丰富作用。特别是当今，综合素质教育在我国大行其道，众多中小学也陆续开展艺术综合教学，音乐剧这一良好载体备受瞩目，对音乐剧中流行音乐元素这一独特创作特征加以研究，对我国全面开展综合素质教育意义重大。
二、流行音乐元素在校园音乐剧中的创新与实践
首先，震撼人心视听效果。很多音乐剧成功之处便在于在音乐剧作品中不单融入法国大型歌剧，浪漫主义还有英国民谣等古典音乐元素，还融入大量流行音乐元素，这些音乐节奏平稳、旋律简单。配合旋律特征方面，作曲家偏向流行歌曲创作风格特点，促使受众可以单纯由音乐当中体会音乐真谛;配器特征方面，把流行爵士音乐、电声等元素融入管弦乐中，制作出使人眼前一亮音色效果。各类形式流行元素有机融合，创作出无与伦比动人曲调，让观众享受一场别开生面视听大餐②。其次，寓教于乐大众情趣。将流行音乐元素融于音乐剧中，对所有学生受众都具有不可替代重要作用。音乐剧中侧重流行风格作品，因其优美动人，朗朗入口特征变成学生生活娱乐重要组成，也成为其情感寄托与生活写照，让广大师生学习生活变得多姿多彩，为一种不可多得的调味剂。该类音乐对压力较大及学业繁重学生来讲，也不失为一类娱乐消遣好办法;音乐剧中各类西洋乐器伴奏，促使音乐渲染力加强，对学生陶冶情操及拓宽视野非常有利;另外音乐剧中多一些比较夸张的呐喊、尖叫等声音异化处理，充分调动其学生们的好奇心，让他们由精神与心理双方面得到刺激快感。再次，雅俗共赏审美品质。校园音乐剧会沿用很多古典歌剧段落，采取宣叙调、咏叹调或古典音乐背景，也说明其在追求通俗性和娱乐性同时，仍然要维系其自身高洁品质。优秀音乐剧作品需要充分打破雅俗对立状态，拉近雅俗间距离，达到雅俗共赏交融情境③。相比 其它 古典音乐剧来讲，校园音乐剧桥段融入更多流行音乐元素，这不仅是为了让学生感到更亲切，更容易接受，另外学生审美水平与音乐素养也会在不知不觉中，或在音乐剧享受过程中不断得到培养。
三、 结语
假使说八二年由中央歌剧院《我们现在的年轻人》视作富有我国特色音乐剧，定义成我国当代自创音乐剧，则中国音乐剧也不过短短二十来年时间。但通过国人不断摸索，我国文艺与教育工作者的持之以恒，近年来我国自创剧目越发增多， 经验 积累也越发丰富。无论歌剧话剧，舞蹈影视，亦或是戏曲艺术，都有对音乐剧的不断考量，音乐剧越发让人欲罢不能，尤其年轻受众，尤其是近些年开展的如火如荼的校园音乐剧，更是让青少年在欣赏音乐的同时不断成长，让流行音乐元素融入于校园音乐剧当中，并不断加以创新与实践，这势必会让我国校园音乐剧未来呈现出一幅更加美好的画卷。
声乐是音乐专业学生的一门选修课，学好声乐有很大的作用。下面是我为大家推荐的声乐 毕业 论文，供大家参考。声乐毕业论文 范文 篇一：《民间音发展趋势》 摘 要：民间音乐一直是传统音乐中的重要组成部分，而当今许多的民间音乐被列为世界非物质 文化 遗产，这不禁引起了人们对它的关注，同时它的传承与保护也变的尤为重要。通过对民间音乐的独特价值及发展趋势作出较详细的论述，期望民间音乐能随着物质文明和精神文明的不断演变发展而日益繁荣，更好的传承和发展下去。 关键词：民间音乐;传统音乐;发展趋势 中华民族有着广阔的疆域，众多的民族，丰厚的文化底蕴，传统音乐这种世代相传、具有民族特色的本土音乐也是我国悠久历史文化的一部分。民间音乐是传统音乐中不可缺少的的部分，民间音乐是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分。 一、中国传统音乐与民间音乐 中国传统音乐指的是中国人运用本民族固有的 方法 ，采取本民族固有形式创造的，具有本民族形态特征的音乐，其中不仅包括在历史上产生的、历代相传至今的古代作品，也包括当代中国人用本民族固有形式创作的，具有本民族固有形态特征的的音乐作品。民间音乐是传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分，并且与宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐有着密切的联系。伍国栋老师对其作如下界定“民间音乐是当今世界各国、各民族传统音乐文化中存见的一部分既古老又现代的音乐文化类型，是创造于人民大众又供人民大众在日常生活中通过口传心承方式来共同操纵、共同享用、共同演绎和共同传承的一种非专业的社会音乐文化产品。”①如此一来更有效地认证了民间音乐的地位。 二、民间音乐的独特价值 民间音乐是人类音乐中最丰富的宝藏，也是世界非物质文化遗产的重要成员，它随着历史进程的发展，是人类历史的见证，具有独特的价值，如人文价值、学术研究价值、审美价值和音乐创作素材价值。(1)人文价值，是指民间音乐反映的历代各族人民的社会生活、历史事件、生活习俗等人文资料。如在编写地方志时，民间音乐是不可或缺的部分。(2)学术研究价值是指民间音乐自身的发生、发展、演变及其规律，如五声性调式的特点、多声部民歌的研究等都可作为世界上的中国音乐文化符号。(3)审美价值则体现在民间音乐积累了优秀的曲目，它们是以中国人民的审美和要求而流传下来，在流传中千锤百炼、凝聚成为高度艺术感染力的音乐形象，有的催人泪下，有的令人心旷神怡，具有高度审美价值和欣赏价值，是人们精神生活中不可多得的艺术。(4)民间音乐具有音乐创作的素材价值，民间音乐作为民族音乐的基础，曾哺育了历代的文人音乐家和宫廷音乐家;同样也启发了中国新音乐的专业创作和通俗音乐创作。 三、民间音乐的发展趋势及思考 1.民间音乐的传承与保护。“民族音乐文化是民族本质最完美的音乐表现”②。民间音乐不仅是中国传统音乐的瑰宝，更是世界民族文化的骄子，因为它不仅代表着一种艺术，更诠释着一个民族的本质，也是人类精神文化交流的一种媒介。于此，保护和传承民间音乐是我国经济环境下的一项重要的文化策略，而人民也应根据各民族音乐的特点做出适当的保护 措施 ，以便更完整的保留住它的本质。然而民间音乐内容形式的多样化使得保护工作变得困难，它不仅是一种文字或影像上的保护，更是一种无形的深入人们内心的认可与保护。于此，音乐工作者应该注重民间音乐的传承和发展，做好这项艰巨的任务。深入民族地区进行田野考察，立足于国际，各地区各民族等全方位，多角度的学术视角，采取科学的研究和论证。在尊重民族、尊重传统的基础上对民间音乐文化进行传承与发展，是我国更多的民间音乐走向国际化的舞台。 2.民间音乐的传承与发展。民间音乐是中国传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有活力的部分，它在在历史的长河中紧随着人民生活，既延续又演变的流动着。世界上每个国家都有自己的民族和他们独特的音乐文化，也是这种音乐文化代表着当地人们的一种生活环境和精神上的审美。也正因为如此，世界才呈现出多元化，而随着社会全方位的发展，各个国家对自己音乐文化的保护也上升到一个重要的阶段。中国作为一个多民族的国家，有着有着辉煌灿烂的民族文化，民间音乐作为一种丰富多彩的文化，对中国音乐的发展起着极其重要的作用。同时，在国际音乐中，他们也渐渐代表着一种中国独特的音乐形象。“传承发展是延续传统的动力，是传统音乐的生命力。只有建立传承人保护机制和抓好传承措施，中国民族民间音乐作为一种非物质文化遗产，才能随着物质文明和精神文明的不断传承发展而日益繁荣。”③ 四、结语 民间音乐是传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分，并且与宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐有着密切的联系。民间音乐具有独特的人文价值、学术研究价值、审美价值和音乐创作素材价值，通过对民间音乐的独特价值及发展趋势作出较详细的论述，期望民间音乐能随着物质文明和精神文明的不断演变发展而日益繁荣，更好的传承和发展下去。 注释： ①伍国栋.中国民间音乐[M].杭州：浙江 教育 出版社，1995. ②杨立梅.柯达伊教育体系中传统音乐传统的继承与发展[J].中国音乐，2000(01). ③冯光钰.传承发展是对非物质文化遗产———中国传统音乐的最好保护[J].音乐研究.2006(01). 声乐毕业论文范文篇二：《音乐论文发表-音乐游戏》 摘 要：在音乐游戏教学中教学生听辨音乐的音高、节奏、强弱、节拍、速度、情绪等基本要素，并在训练听觉的同时引导他们用身体动作来表现这些要素。使自己的身体与音乐默契配合成为一个整体。 关键词：音乐游戏;音乐教育 一、游戏的定义 拉夫·科斯特：(索尼在线娱乐首席创意官)游戏就是在快乐中学会某种本领的活动。辞海这样描述游戏：以直接获得快感为目的，且必须有主体参与互动的活动。这两个定义说明了游戏的两个最基本特征：(1)以直接获得快感(包括生理和心理的愉悦)为主要目的。(2)主体参与互动。主体参与互动是指主体动作、语言表情等变化与获得快感的刺激方式刺激程度有直接关系。 二、音乐游戏的概述 首先是由音乐作为主导的游戏活动，音乐是一门培养 儿童 创造能力的重要学科，在教学中教师要善于运用各种直观的 教学方法 ，如生动有趣的 唱歌 游戏，律动自编舞蹈表演，加入伴奏乐器等，这些方法的灵活运用是音乐教学当中是直接有效吸引小朋友的办法，让他们在一节课四十分钟内感兴趣，专注聆听和学习的动力。针对小学生儿童的生理特点心理特点，应特别重视设计音乐游戏活动，对发展儿童的音乐 想象力 ，引导有意识的进行创新。儿童往往年龄小，好动的本性比较强，对于音乐学习来说，知识也好，技能也好，整体音乐素质也好，均离不开音乐兴趣与 爱好 这个根本源泉。美国著名音乐教育家穆塞尔和格连在其《学校教学心理学》中写道：“假如我们能在一个孩子身上唤起对音乐的一种强烈的热情，假如我们能把这种兴趣延长若干年并且缓步地把它提到更高水平的话，那么，即使他永远成不了一个技艺名家，他也将通过音乐找到他的个人幸福…….这是音乐教育的主要任务。” 三、奥尔夫音乐教育的特点 1.以人为本，突出音乐教育人性化。奥尔夫的音乐教育是以学生为中心、一学生的发展为本的，可以这样说，在奥尔夫音乐课堂上，学生在真正意义上“走进了音乐”。这种音乐与他们的生活息息相关，并能充分表达自我的情绪情感，体现出人文关爱。 2.在“做”中学，突出音乐教育游戏化。教育学家罗杰斯提出了活动学习理论，即有意义的学习都是在“做”中进行的，在做的过程中，新旧知识逐渐形成了自然地本质联系。对于年级较小的学生更是如此，以他们理解，“做”就是玩，就是游戏。高尔基说“儿童通过游戏，非常简单，非常容易的去认识周围的世界”。儿童他们的兴趣还不稳定，因此当他们从事某一项活动时，一遇到外界的一些干扰，就容易发声兴趣转移，但是，他们为不会变的兴趣是游戏。只要我们在音乐环节中加入游戏，加入合理儿童感兴趣的活动，他们就会专注，有兴趣去了解音乐带给他们的欢乐。德国音乐教育家奥尔夫主张，儿童音乐教育应该从孩子的生活天地里取材，让孩子在玩乐中学习音乐。音乐游戏具备了将音乐听觉表象体现在行动之中的功能。让儿童从音乐中来——感受音乐(听音乐)：到音乐中去(音乐游戏)：再回到音乐中去——达到音乐教学的目的(掌握音乐)。 四、游戏在儿童课堂中的实践 1.音乐游戏在音乐教育中具有承上启下的作用。课堂中的每一段引言、每一项教学活动，每一个音乐游戏都要有连贯性。有些课例我们可以通过这样去做的：通过用身体姿势创造形成各种图形，培养群体协作能力。 老师：我今天给大家出一道难题，你们会写阿拉伯数字吗? 学生：当然我们上幼儿园时就会写了。 老师：那你们会用身体写吗? 学生：……… 老师：你们现在笔直的站起来，就是一个“1”字，你们还可以躺在地上用身体摆出阿拉伯数字1—9来。现在你们讨论一下，看看怎么摆又准确又有创意。当学生遇到困难时，比如摆不出“2”的造型时，教师应该给与必要的提示，可以两三个同学合作完成这个造型。 让学生一同商议如何合作摆出图形，其他组可以评价哪些地方有创造性，哪些地方还不够准确，应如何改进。如果学生顺利完成任务，教师可以进一步加大游戏难度，在黑板上画出各种教学需要的图形，用打击乐器进行声音造型。当学生掌握声音造型的基本方法后，启发学生以组为单位，从生活中提炼可以用声音表达的图形。先将图形画出来，再用各种方法创造声音造型。 2.教师在音乐游戏中起贯穿作用。教师在运用游戏激趣法时必须注意四点：第一、游戏目的要明确。第二、游戏的规则要叙述清楚。第三、游戏纪律要张弛得当。第四、游戏道具提前准备，这样才能让游戏真正成为课堂中的“闪亮点”和“兴奋点”。点燃学生心中的音乐火花。另外，在运用游戏时除了向学生讲清楚游戏的规则和注意事项外，还要求儿童必须遵守规则，服从教师的指挥，掌握游戏的步骤和方法，如有歌曲的游戏一定要唱好歌曲，训练音准的游戏一定认真聆听琴声等，否则就会妨碍游戏的进行。 总之音乐游戏是一项很好的音乐实践活动。希望大家重视它的价值，走出自己教学中的一些教学误区，充分发挥音乐游戏教学的巨大作用。不仅要挖掘音乐教材中美的各种因素，而且还要善于启发诱导学生以美执行，使他们在学校美育教育活动的实践中，自己去认识美，体验美，掌握美、表现美、创造美。 声乐毕业论文范文篇三：《高校声乐教师如何提高声乐教学效率》 摘要：声乐教学是一门较为复杂的技能技巧课，教师要掌握科学的 发声方法 、全面的文学以及音乐素养，还要精通教学之道并善于研究声乐教学的规律，才能够在高校声乐教学中取得良好的教学效果。 关键词：声乐 高校声乐教师 教学效率 “音乐是人生最大的快乐，音乐是生活中的一股清泉，音乐是陶冶性情的熔炉。”这是我国著名的音乐家冼星海的 名言 。音乐是一种情感的艺术，而在音乐艺术中，最古老而又最受欢迎的音乐形式当属声乐，它能够具体的表达出演唱者的感情，引起欣赏者的共鸣，是一门传情的艺术。声乐教学是一门较为复杂的技能技巧课，需要长期的训练、实践才能看到效果，不是一蹶而就的课程。更不是一门简单的学科，需要在长期的训练中，掌握其中的方法，并且坚持进行反复的练习、深入的研究，才能够逐渐熟练地掌握演唱的方法及规律，达到较为理想的演唱效果。当前高校声乐教师肩负着提高声乐教学效率的重担，因此仅仅是掌握科学的发声方法、全面的文学以及音乐素养是不够的，还要精通教学之道并善于研究声乐教学的规律，才能够在高校声乐教学中取得良好的教学效果。 高校现行声乐教学中有存在着不少问题，如教学效率低、学生成才速度慢、学生声乐水平停滞不前以及学生声乐水平倒退甚至会有导致学生坏嗓的教学失误。而导致这些教学失误的原因主要有：部分高校声乐教师不能真正掌握歌唱艺术真谛、缺乏正确的歌唱艺术观念，无法正确引导学生进行声乐学习;很多高校声乐教师不懂得遵循声乐教学心理，没有很好的行之有效的教学方法及训练手段;学习声乐要有好的嗓音条件以及较强的乐感和良好的心理品质，而部分学生并不具备这些条件。因此，要正视现状并且结合高校学生的年龄特点，着重研究和提高声乐教学的方法及效率，提高高校声乐教学效果。 1.高校声乐教师要不断提高自身素质 一名专业的高校声乐教师应具备较强的专业技能水平，使学生信服于自己的专业素质，充分调动起学生学习声乐的兴趣。因此在声乐教学的过程中，就要求声乐教师要不断地提高自身素质，并且不断更新教学观念、改革教学方法，提升教学魅力，做一名德才兼备、“技”“艺”兼通、教研相融的声乐教师。 2.高校声乐教师应具备良好的乐感与文化艺术修养 要增加自己歌唱的自信、放飞自己的歌声，更好地表达歌曲的内涵就要有良好的音乐感觉。好的演唱是建立在科学的发声技巧、丰富的情感体验以及浓厚的文化底蕴的基础上的。作为高校声乐教师只有具备了良好的乐感以及全面的文化艺术修养，才能使技艺完美结合，更好地表达优秀的声乐艺术作品，才能够为祖国培养出更多优秀的声乐演唱艺术人才。 3.高校声乐教师应具备较强的声乐演唱能力和范唱能力 教学注重言传身教，而声乐教学尤其如此。只有具有较高声乐演唱水平及较好的范唱能力的教师才能在声乐教学中起到很好的言传身教的作用。声乐教学中最为直观的教学方式方法就是范唱，它可以通过直接的耳濡目染激发学生的学习兴趣，提高学生对歌曲的理解以及艺术表现能力，通过聆听教师的范唱学生还可以直接模仿教师的歌唱方法。而不具备良好舞台演唱及范唱能力的声乐教师，只是讲解理论，不管讲得多好，但是如果缺乏技能的实践操作，还是不能够使学生很好的理解，这样的教学就不能够起到应有的作用，可以说是失败的教学。声乐是一门复杂的技巧技能课程，不具备范唱能力的声乐教师会使学生学习起来感觉到迷茫，而一些教师的错误的范唱，就是误人子弟了。 4.高校声乐教学应遵循教学规律 高校声乐教师应遵循循序渐进得教学规律来进行教学活动。有浅入深、由易到难、由简到繁地进行教学，是学生循序渐进地掌握所学到的知识与技能。声乐教师在教学过程中要目的明确，每一堂课都必须做到能承上启下和前后呼应：当天所教授的内容与要求，应作为第二天所讲授内容的基础;而第二天的教学内容与要求，又是当天所教授内容的延伸与发展。 5.高校声乐教师要科学的组织课堂教学 水平不同的声乐教师就会带来不同的课堂效果。教师要科学有效地组织课堂教学：首先要熟悉教学大纲和教材并且掌握每一节课的训练意义及方法，对每一节课的每一个环节，例如练声、歌曲、节奏、停顿、高潮等做好周密的考虑和设计;其次要明确每一节课的训练目的和意义，确定达到这一目的的手段。 ① 教学过程要彰显民族化及个性化 声乐教师应不能用高高在上的威严姿态来面对学生，而应以民主平等的态度来跟学生进行心理上的交流，建立起民主的师生关系;以平等的、合作者的态度来创造课堂上轻松和谐的教学氛围，建立起课堂上的民主气氛。只有这样才能培养学生良好的歌唱情绪，在轻松的心理状态下歌唱。歌唱是一种二度创作的过程，学生的性格、文化素养以及理解能力和嗓音条件不同，就会有不同的演唱个性以及审美个性，声乐教师应充分尊重学生的审美个性，维护学生的主体地位，鼓励学生个性化处理。 ② 运用现代化的教学 传统的声乐教学几乎是凭借教师个人 经验 和感觉，教学效果不是很理想。现在可以引进现代化的科学技术，尽量减少主观因素，使教学更加直观。使用多媒体电脑和数字音频卡(或者能够录音的声卡)及音频软件，在声乐教学中利用数字化技术对声音的波形进行分析，使声音能够看得见，使声乐教学直观化。学生还可以在老师的指导下，以自己的声音为参照切实感受声乐学习中的点滴，比如声音的位置、咬字及音准等。教师还可以把上课的情况进行录音录像，让学生在课后观看练习，使课堂教学延伸到课外，提高学生的自主学习能力，从而提高声乐课的教学效率。 参考文献： [1]王岱超，胡郁青.如何提高高师声乐集体课的教学效果.西华师范大学学报(哲学社会科学版)，2005年.第4期. [2]蒋娟全.高师声乐集体课教学探讨.湖南科技学院学报，2008年.第10期. [3]陈晓鹏.浅谈高校声乐课的有效教学.佳木斯大学社会科学学报，2000年.第4期. 猜你喜欢： 1. 音乐学院声乐系毕业论文范例 2. 音乐系毕业论文题目 3. 音乐学院本科毕业论文范例 4. 音乐声乐教学毕业论文 5. 大学音乐论文的范文