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影视毕业设计论文参考文献
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论文的参考文献是按照论文引用参考文献的顺序排列的，这一点很重要。因为论文中的引文需要标注，标注的时候需要和参考文献联系起来，所以参考文献一定要按顺序排列，因为如果不标注引文，就会被计入整个论文的重复率，严重影响论文的重复率。参考文献在我们的毕业论文当中是占有相当重要成分的组成部分，它不仅能为我们论文中的论点提供强有力的论据，同时也可以精练文字节约篇幅，增加论文的信息量，而且还具有很高的信息价值。 参考文献的格式是什么样的？论文中的参考文献有一定的格式，但要明确列出序号、作者姓名、期刊名称、出版年份和字号、专著序号等。有些参考文献是论文，有些参考文献是书籍，有些参考文献是期刊。所以对不同格式的参考文献有不同的要求，你需要根据论文写作提纲中参考文献格式设置的要求来设置。参考文献设置好后，此时将整篇论文的引用部分插入到注释中，整篇论文此时完成。最后一步是检查引用部分是否全部插入评论，然后再次检查整篇文章的格式。如果没有问题，那么你的论文就完成了。
摘 要：优秀的舞蹈是特殊的，它不仅仅是一种动作的组合、技巧的展示、构图的变换，而是通过这些表现手段表现自己的思想、感情．给人以美的享受和美的追求。所以，舞蹈编导应该在创作作品时力求新颖独特，为创造出更美好的作品而奋斗。 关键词：舞蹈编导；创作；新颖独特 中图分类号：J711 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）24-0109-01 一、舞蹈与舞蹈编导 舞蹈是八大艺术之一，因不受语言文字等的局限，但能使舞者和观众心灵产生共振。艺术性舞蹈具有完整的艺术结构，严谨的动作规程，精心的构图设计，鲜明的主题思想和细腻的表情要求，它一般借助音乐，也借助其他的道具。能够在舞台上塑造栩栩如生的艺术形象。舞蹈本身有多元的社会意义及作用，包括运动、社交/求偶、祭祀、礼仪等。 一个好的舞蹈作品首先取决于是否拥有一个优秀的创作者(编导)，客观生活对每个创作者都不偏不倚。为什么艺术家们面对同样的生活情景，会创作出不同的艺术作品来?为什么他们运用同样的材料，会创作出不同美学情调的作品来?笔者认为，这主要来源于艺术家的主体心理条件差异。创作者从深入生活捕捉舞蹈形象、创造和组织舞蹈语言、编排设计舞段，到将其艺术构思通过排练最终由演员体现于舞台之上，是一个不可分割的完整的艺术创作过程。因此，在舞蹈作品的创作过程中，编和导也是紧密相连不可分割的。 二、舞蹈编导创作如何力求新颖独特 （一）创新的思想融入创作 随着社会的发展与进步，人们的思想、审美、意识等方面 都随之变化着，正是这样的发展现状，要求我们舞蹈编导的思 维紧跟时代。编导的任务应该是发展、提高、创造和创新舞台艺术，一个民族要想走在时代前列，就一刻也不能没有理论思维，一刻也不能停止理论创新。创新在艺术领域的研究中有着举足轻重的分量。口语上，经常用“创新”一词表示改革的结果。既然改革被视为经济发展的主要推动力，促进创新的因素也被视为至关重要。 编导作为一个组织者要善于运用各种舞蹈手法来展现生活。因为一个舞蹈作品的成功，光靠舞蹈动作的本身是不够的，要把各部门的工作统一起来进行考虑，才有可能创作出一个新的完美的作品。作为编导在创作过程中，要多些思考、多些积累，要抓形象、抓思想。别人看不到的东西，要善于去发现，吐故纳新，不能让别人的感受影响到自己，要大胆地去做，大胆地去尝试，这样才可能在创作过程中产生一些连自己也意想不到的新东西。在创作过程中，创新的体现应该是多方面的：立意新、题材新、舞蹈语言新、编舞手法新、服饰新、人物造型新等。 （二）奇特的思想融入创作 在创作过程中，要多些思考、多些积累，要抓形象、抓 思想。别人看不到的东西，要善于去发现，吐故纳新，这样才可能在创作过程中产生一些连自己也意想不到的新东西。题材应尽量选择有可舞性的题材。舞蹈语言新，也就是编导选择的 舞蹈语汇不要过于大众化，要充分发挥人体语言的感染力，通过人体语言的表达，让人有过目不忘的感受。舞蹈创作本身就是一个艰辛的过程，而在这个过程中舞蹈编导必须充分地发挥自己的形象思维能力和想象力，什么是形象呢?有人概括地说就是“人的性格和命运的图画”。而编导的任务就是用舞蹈手法去展现生活，并使这个形象具有舞蹈的特点，这就要求编导必须去充分地发挥自己的想象力。想象力如同鸟的双翼，会使你海阔天空、畅游无限，浮想联翩。有了想象力，才会有创作的灵感。 （三）特点特色的思想融入创作 首先应该是舞蹈语汇，在任何一个舞蹈作品中，如果要很好地体现主题，就得很好地运用舞蹈语汇，舞蹈语汇要别致、独特。编导要认真了解人体各部位的结构、使自己在编舞过程中能够恰如其分地把舞蹈语汇的轻、柔、缓、急表现到位。舞蹈语汇独特，才能给观众的视角带来刺激，让观众的视觉得到满足。一个好的舞蹈作品最能给观众留下直观而深刻印象的往往就是舞蹈语汇，其次是队形，即舞蹈队形的画面(构图)。画面是表现作品内容，处理情绪变化，连接舞蹈动作和步伐的纽带。从空间意义上讲，它是舞姿在空间移动的轨迹(形成画面)。从舞台角度来说，称为舞台调度。一个好的舞蹈作品，它的队形、画面的变化就像一幅流动的绘画，给人以高度的美感。编导在创作过程中，一定要善于观察，从不同角度去寻找和发现编导想要的东西，提炼、完善独具特色的队形、画面、语汇等，使创作的作品真正达到独特的艺术效果。 结束语：编导在创作一个舞蹈作品之前，首先应该有个人的心灵感受，这种心灵感受主要指创作者主观的感性感受，正是这些心灵感受的刺激，才引起了编导的激情与创作作品的冲动。笔者相信随着舞蹈艺术不断的向前发展，舞蹈编导也会通过创作推陈出新，为舞蹈艺术奉献出自己的力量。 参考文献： [1]李利.走出高校审美教育的误区[期刊论文].吉林师范大学学报(人文社会科学版),2006(01).
音乐剧作为一种独立的新兴艺术品种，是改革开放以后从西方传入我国的，对音乐剧进行赏析有助于我们陶冶情操。 下面是我为大家整理的音乐剧赏析论文，供大家参考。
[摘 要]当前，国内音乐剧的演出剧目令人应接不暇，无论是国外引进剧，还是中文版的外国音乐剧，亦或本土原创音乐剧，都在努力掠夺新兴的音乐剧市场。本文以东莞原创音乐剧为例，从制作模式的角度来探索中国原创音乐剧的发展并分析这一模式的利弊：它的利在于推动了音乐剧在现阶段的发展，而它的弊端在于这不是一种可持续的发展模式。
[关键词]音乐剧 制作模式 本土化
说起音乐剧，美国百老汇是世界戏剧界的奇葩。百老汇是音乐剧产业的发源地，也是美国最具代表性和研究价值的剧场聚集区。它的制作与运营模式在一百年的发展中，经过不断的完善，己经形成非常完备与经典的制作体系。它在商业上的成功运作方式给许多国家的音乐剧发展都带来了启迪。在中国，音乐剧从近几年开始频繁走入大众的视野，身贴“舶来品”的标签，以其丰富多彩的舞台呈现方式吸引了大众的眼球。当前，国内音乐剧演出剧目令人应接不暇，但笔者意识到，目前的音乐剧发展状态仍处于本土化探索和市场培育阶段，面临着许多问题和挑战。本文以东莞原创音乐剧为例，试图探索原创音乐剧的发展之路。
一、基本概念界定
(一)什么叫原创音乐剧?
对于“原创音乐剧”的概念，目前学界未能给出准确的概念。“原创”指的是创作或发明出全新的作品，而不是由复制、改编、剽窃、模仿、抄袭、二次创作，或系列创作的衍生作品。“原创是独一的，是母本不是幕本”。而又因为音乐剧属于舶来品，属于外来 文化 ，所以笔者认为“中国原创音乐剧”是指在西方音乐剧元素的基础上，能反映本国人民的生活与情感、表现当地文化、符合大众审美需求的音乐剧，并在其组织、制作、演出过程中按照本国的运行规律产生的全新作品。
介于以上的定义，关于“海外引进的原版音乐剧”和“中文版音乐剧”这两个音乐剧类型暂不作讨论。
(二)什么叫“东莞原创音乐剧”?
是指在东莞政府扶持下制作的一系列原创音乐剧。这些音乐剧的生产单位在东莞登记、注册、纳税，作品版权归东莞所有，剧目在东莞排练合成并首演，从东莞走向全国。
二、中国原创音乐剧现状
在上个世纪40年代，百老汇音乐剧和好莱坞歌舞片几乎同步进入天了中国，但由于音乐剧的黄金时代尚未真正到来，那时的作品大多停留在“富丽秀”的阶段，整体价值并不高。20世纪80年代初，中国得以有第二次机会面对艺术成就较高的西方音乐剧剧目，可以说，中国原创音乐剧的历史真正启动于改革开放后的新时期。
80年代至90年代初，中央歌剧院等院团开启了中国原创音乐剧的探索。在《我们现在的年轻人》、《风流年华》、《搭错车》、《特区回旋曲》中，不难感受到这个时代的声音和气质。
90年代中后期，随着艺术院校的介入，随着中国音乐剧研究协会的成立，中国原创音乐剧开始直面消费意识处于萌芽状态的艺术环境。进人21世纪，中国开始向消费型国家过渡。这时，西方音乐剧被越来越多地引进，一些专业的本土或合资的音乐剧机构相继成立，进行音乐剧 教育 的艺术院校越来越多，音乐剧呈现出一种“热”的状态。人们开始期盼着这一西方现代戏剧样式，能早日在中国的舞台上扎根、生长，最终创立出本民族的音乐剧。一些专业的本土或合资的音乐剧机构(2005年的“东方百老汇”、2011年的“亚洲创联”)也相继成立，2006年“百老汇亚洲娱乐公司(BAC)”在中国成立，2007年后GWB娱乐公司也把开发亚洲和中国市场作为主攻目标;上海、北京、广州、东莞、深圳等地都想纷纷将自己塑造成“中国音乐剧中心”、“音乐剧之都”、“百老汇音乐剧制作基地”、“中国原创舞台剧产业基地”，上海甚至还有成为“亚洲音乐剧中心”的宏大愿景。
三、东莞原创音乐剧探析
向来有“世界工厂”之名的东莞，在经济迅速发展的同时也被外界称为“文化沙漠”，缺少文化气息的东莞比任何城市都需要艺术。如何打造城市文化，并以文化带动其他产业发展，以至实现产业转型这一问题，令人深思。在2007年，东莞提出了打造“音乐剧之都”的构想并付诸实践，希望发挥当地经济实力的优势和高档硬件设施的优势，吸引国内外音乐剧创作推广资源，用10至20年的时间，把东莞锻造成为“音乐剧之都”，努力使之成为城市文化的名片。8年过去，一批东莞原创音乐剧走进了中国音乐剧发展历史的视野。
东莞政府之所以选择以“音乐剧”这一类艺术类型为发展目标，原因有两个：一是针对东莞的现状来看，东莞的艺术创作起步慢、积淀浅、人才匮乏，无法与北京、上海、广州等地争锋，于是策略性地选择了被国内誉为“朝阳艺术”、相对冷门但又雅俗共赏的音乐剧作为突破口来发展;二是从观众的欣赏角度来说，他们需要新型的舞台艺术样式，他们对走进剧场观看一场“好看”的剧目有着需求和向往，而音乐剧作为当代音乐戏剧样式的代表，具有时尚的都市文化、通俗文化的属性，亲民易懂，这些特质都契合着观众的文化需求。
从2007年到今年，东莞以一年出一部的速度，制作了7部音乐剧：《蝶》、《爱上邓丽君》、《三毛流浪记》、《王牌游戏》、《钢的琴》和《妈妈再爱我一次》、《聂小倩与宁采臣》，这7部音乐剧作品自推出后都在全国范围内进行了巡演。通过这7部音乐剧的制作，东莞也逐渐走出了一条符合自己的音乐剧制作模式，即“政府扶持、企业承办、指标监管、项目办团、院线运作”的“五合一”模式。
四、莞产音乐剧发展模式之利弊分析
(一)推动了音乐剧的发展
对于老百姓来说，音乐剧属于舶来品，它不像戏曲艺术在我国有着几千年的发展历史，它是外来文化，从观众对音乐剧的不了解、还未形成音乐剧的消费习惯等等原因可以看出，音乐剧市场还未成熟。因此，从这一现状来看，政府的扶持，将对音乐剧产生有利作用。在由文化部主办的第二届中国音乐剧发展国际论坛中，美国国家艺术基金会戏剧和音乐剧剧院董事长拉尔夫・芮明顿先生在《美国政府对音乐剧的支持》 报告 中认为政府应该成为音乐剧事业的推动者，为音乐剧的制作人和演出机构提供保障，增强投资信心。这表现在以下几点：
首先，是资金上优势。从舞台呈现的角度来看，音乐剧是一种制作成本相对较高的舞台艺术，有着较高的资金门槛。在音乐剧的黄金时代《窈窕淑女》(1956)的制作需要35万美元，80年代后，欧洲巨型音乐剧树立了新的标杆，《猫》(1982)在百老汇的投资高达400万美元，90年代后，百老汇音乐剧的投资已经进入了千万级，2001年《制作人》投资约为1050万美元，2003年《邪恶女巫》的投资高达1400万美金。不断攀升的音乐剧制作成本，令许多其他的业余 爱好 者或者独立制作人没有能力去承担赔本的危险，所以在90年代后期，几乎所有的作品都是由“集团”制作而成的。在中国，由于音乐剧产业尚处于初级阶段，很难受到银行等投资机构或大集团的青睐，而政府以资金扶持者的角色介入到音乐剧，在一定程度上解决了融资瓶颈，缓解了资金不足的问题，为音乐剧的制作提供了物质保障。
再者，由政府举办的一系列公益活动，有效培育了音乐剧市场。政府具有普及推广舞台艺术、培养潜在观众、提升社会美育教育的职责。以东莞为例，通过制作这7部音乐剧，做到了把音乐剧这个产品带入到大众视线，让人们走进剧场，认识了音乐剧，感受了音乐剧的独特魅力。对于青少年，政府也开展了音乐剧系列活动，例如在假期时间推出了“暑假音乐剧演出季”，引进多部适合青少年观赏的小成本音乐剧来莞演出，通过低票价甚至免费观演的方式，吸引青少年进剧场，同时利用玉兰大剧院的小剧场等阵地开展“我与音乐剧零距离”、“和音乐剧大师面对面”等音乐剧培训活动，邀请在莞合成剧目的艺术家与观众“零距离”讲座。通过这些，不仅可以在城市中营造出浓厚的艺术氛围、提升市民素养，更有利于让青少年从小就接触音乐剧，为培养音乐剧潜在专业人才打下基础。
(二)缺少发展的可持续性
对于一部原创音乐剧能持续上演多少场，哪个城市能够成为音乐剧中心，并不是一个地方政府单方面的意愿所能决定的，音乐剧的真正决定权在于普通观众。作为以营利为目的的商品，音乐剧必须面向市场才能生存和发展，换句话说，观众需要什么，音乐剧就生产什么。百老汇音乐剧的娱乐性和喜剧色彩就是迎合了大众对于轻松娱乐的追求，这也符合市场经济发展的一个重要体现。
但是，从政府的角度来看，打造“音乐剧之都”是为了加快产业转型升级，提升城市内涵的举措，在这一宏观愿景下制作的音乐剧，只是代表了政府的意志，而老百姓真正想看什么，政府不得而知。所以，对于大众来说，政府制作的音乐剧仅仅是“被接受”的状态，而不是“主动接受”，这与音乐剧作为大众文化的主旨相去甚远。再者，随着政府工作目标的不断升级，对于“音乐剧的扶持”能不能成为后继领导层的工作重点，这对当地音乐剧发展又是一个重大考验。
无数事实向我们证明，一切违背经济规律的行为终将是失败的。当我们的音乐剧尚无市场土壤时，任何头脑发热只能是极为短视的行为，最终不能使音乐剧得到可持续的发展。
结语
从音乐剧制作的角度来看，不能把东莞原创音乐剧简单地概括为“政府行为”，而是一种政府和企业通力合作的产物――政府追求社会效益，企业要的是经济效益，二者把各自的优势资源整合起来，强强联合，最终成就了这类音乐剧的诞生。而这一制作模式，是根据东莞的情况、根据中国音乐剧的现状、市场状态而做的一种比较可行的办法。然而，从音乐剧自身发展规律的角度来看，以政府为主导的音乐剧并不是一种可持续的发展模式。虽然政府给予了音乐剧资金上的支持、举办了一系列的公益活动，并在一定程度上推动了音乐剧的发展，但是这类音乐剧只是代表了政府的意志，与老百姓的真正需求产生了疏离。因此，如何兴弊除利，探索出一种适合我国原创音乐剧的发展之路是业界下一步需要讨论的议题。
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摘 要： 文章 通过分析蒲剧《挂画》中的表演技巧，展现了戏剧表演中，合理运用身段技巧于表演中，具有增强作品的艺术表现力，丰富人物内心情感的重要作用。
关键词：蒲剧 挂画 技巧 表演
一、《挂画》演绎历史
《挂画》是折子戏《梵王宫》中的一折，梆子戏中常见的剧目，是蒲剧(蒲州梆子)的代表作。秦腔，晋剧，京剧，红梅戏等剧目也曾移植这一剧目。
20世纪30年代蒲剧表演艺术家王存才踩跷表演这一剧目，轰动一时，他在《挂画》中应用“跷功”和“椅子功”，把一个喜不胜喜，待要出阁的耶律含嫣，从内心到外形，刻画得淋漓尽致。布置新房时，站在凳上，腰一扭，膀一摇。踩着跷飞身上凳，身段是那样美，功夫是那样深，令人惊叹。在板凳上，双腿立，单腿立，单腿蹲，凤凰展翅，童子拜佛，种种表演，般般绝技，都是在表现挂画时的喜悦心情，而不是在单纯卖弄技术，丝毫感觉不到是技术的堆砌。
观众喜欢王存才的《挂画》，给他编了“宁看存才《挂画》，不坐民国天下”、“误了秋收大夏，不误存才《挂画》”来赞美他的 顺口溜 。后来女演员韩长玲学演这出戏，因为不再踩跷，王存才便设计了不再用长板凳，换成了一把民间的罗圈椅子，让演员沿着椅子上蹦上跳下，单脚踩在椅子的上沿，做着钉钉、挂画等高难度形体动作，这也是当年贾永爱、今天任跟心等演员的演法了，就是我们今天看到的《挂画》的演法。
一出《挂画》演红了几代蒲剧演员，也成了蒲剧的招牌剧目，各省戏曲舞台也常有演出，与陈素真的“甩大辫”演绎的都是《梵王宫》中的一段，确有异曲同工之妙。
二、 《挂画》表演技巧赏析
《挂画》情节很简单。讲述了少女耶律含嫣冲破世俗的传统偏见，大胆追求爱情自由的 故事 。演绎的是耶律含嫣得知迎亲花轿将至，以挂画的方式表现喜悦的心情。其中通过挂画展示了椅子功、水袖功、手帕功等表演技艺。让人在惊心的同时体会人物的心情，通过这些表演程式的运用体现了少女的各种心情。
全折戏从耶律含嫣上场到与花云相偕逃走，演出时间只有四十多分钟，但人物的情绪、行动和戏剧节奏却一环紧扣一环。“思亲”、“挂画”、“整容”、“迎亲”、“揭盖”、“诉情”、“出走”，任跟心正是抓住这些人物在特定情绪支配下的每一个动作，从表现人物情绪上的变化递进去逐步揭示人物性格的。她所饰演的耶律含嫣，出场时愁眉笼罩，身披衣服，头裹红帕，缓慢的步态加上踉跄的小碎步，脸上带着倦怠的神容，处处流露出少女的相思之苦，充分表现了对封建世俗的不满和无奈，以及少女对美好未来的憧憬和向往。
当听丫环说“花轿已从花家庄动身”时，含嫣惊喜的后退半步，激动地“噢!”了一声，随后一个长身，倦容全消，心花怒放。不仅使舞台气氛瞬间变化，观众的心情也从“思亲”较为压抑的氛围中释放出来，变得轻松。同时也抓住了观众的猎奇心理，让观众带着好奇心继续看接下来的表演。在欢快气氛的演奏声中，含嫣在舞台上转圈的同时将衣服脱下，用嘴咬着衣领，把两个袖子轻轻抛起，在水袖缓缓落下的同时折到衣服的中间位置，在把衣服上下折好，随后轻快的递给丫鬟。可以体现出少女激动喜悦的心情，像叠衣服这样的小事都可以自己去做了。
为了增加闺房的喜气，接着就是选画，挂画了。含嫣和丫鬟左选右选终于要挂了，丫鬟搬来凳子，一挂挂不上二挂挂不上，含嫣急了，要自己挂。在挂画过程中，耶律含嫣跳上有圈手的椅子，不够高，又轻松的跳到圈手上，在墙上钉好钉子，然后开始挂画。演员单脚站在圈椅扶手上，先是金鸡独立，身子随着画卷的下落也逐渐下蹲，然后一个侧身的完美亮相，这一切都是演员长期的腰腿功夫。这些都令台下观众连声叫好。在挂好一边之后，圈椅上来回转了几个圈要挂另一边了，又一个金鸡独立，挂好了画，身体随后渐渐下蹲，当含嫣挂好画将下来时，身子忽然一歪，两脚在圈椅扶手上相互迅速交替换位以保持平衡，最后总算是平稳落地了，惊出含嫣和丫鬟一身冷汗。
左边墙挂好了还有右边，同样地挂画动作，同样地精美绝伦的椅子功，只是表演稍有不同，这边的墙上原本就有了钉子，只是跳在扶手上加固了，又是金鸡独立，又是一连串高超的技艺，当挂完画下地时，依然做了双脚在圈椅扶手上的迅速交替，只是这一次是含嫣故意吓唬丫鬟的。体现出含嫣作为少女活泼可爱，机灵爱捣乱的性格，比起之前的充满倦态的含嫣，此时好似完全换了一个人。渲染出人物布置闺房、喜迎情人的欢快之情，刻意点染一个“喜”字。
接着是梳妆与换衣，这一段的表演展现了人物心理的变化与音乐节奏一起由慢到快，任跟心以其准确、迅捷的扑粉、点唇动作来表现含嫣紧张激动地心情。要换衣服迎接新人了，一件不满意再换一件，终于满意了，结果却在着急中袖子穿不进去，只好自己穿，几个旋转便穿好了，只是忙中出错的系错了扣子，急忙整理。含嫣急切的眼神，出错的窘况使得观众会心一笑。感慨少女急欲出门迎接情人的迫切之情，突出了一个“急”字。小碎步出门迎接新人，却被石子绊了一跤，瘸了腿，一拐一拐的动作逗坏了观众，娇羞恼怒的含嫣一个反身踢飞了石子。
“新人”进房，众人退下，围绕“揭盖头”一段，任跟心的表演惟妙惟肖，将人物内心按捺不住的冲动情绪展现的淋漓尽致，细腻传神地表演出一个急迫却又羞涩的怀春少女的心境。急欲弄清“新人”究竟是否花云，却又欲揭还羞，在椅子上辗转，却又不敢上前，用手帕招呼却又无人搭理。悄悄的起身巡门关门，慢慢地向新人移动，反复进退，变化多端。让观众也随着含嫣的犹豫心里着急。恨不得自己去一把抓下红盖头，好一睹真容。终于走到新人边，一次揭盖头没有成功，惊地回到椅子上左右盘坐，再看新人，二人竟不约而同地对视，这让含嫣娇羞的不知如何是好，一手飞快的转动手帕，一手抓着衣襟，体现出又惊又喜，忐忑紧张的心情。想看又不敢上前，跑了几次圆场，几番挣扎，终于去踢了一下新人的脚，随即又跳回椅子上紧张万分。好不容易揭下盖头，又娇羞毕露，顺手扯过盖头，飞身“凌空越桌”带“空中转身”，“菩提盘坐”式落于桌后高垫的椅子上，“盖头藏羞”反成了新娘子①。终于，新人将盖在含嫣头上的盖头掀开，二人才得以相见，含嫣嘴咬盖头，娇羞的感情肆意流露，让人不得不爱上这个痴狂的女子。任跟心以近似疯狂的动作揭示出人物感情世界的动荡，把动作变为情感自然流露，此情此境，又非如此夸张凝练的动作不足以表现。所以，当含嫣唱出“我爱他气轩昂英雄模样，一支箭射双雕武艺高强;我要把终身事对他言讲，羞答答上前去口呼花郎”时，双方彼此的深情表白成功地把人物思想情绪推到了顶峰。也让我们感受到了二人的深情爱意。
任跟心的表演让观众的心，随着含嫣的一举一动，而忐忑不安，惊喜不断。在人物贯穿情绪的表达上，她表现得层次清晰，脉络分明，连贯饱满。对于人物感情上的起伏跌宕，尤其是点睛之处，她都能处理的急徐有致，不温不火，分寸准确。
三、结语
正是通过演员的专业表演，娴熟的椅子功，优美的手帕功等，通过高难度的身段动作表演，一个眼神一个表情，演活了一个饱含炙热感情又活泼娇羞的少女耶律含嫣。对于耶律含嫣的表演不能太过火爆，给人以轻浮之感，又不能太过温婉给人以怯懦之意，要完美并恰到好处的演绎这样一个既有豪情又有温情的少女是何等之难。任跟心通过自己娴熟的表演技巧，以及个人的艺术创造，成功地塑造出了《挂画》中少女含嫣的内心世界让观众也感受到了女主人公的心境，增强了作品带给我们的艺术感染力。
舞台剧的制作过程分成五个阶段1.彩排前期以舞台剧为例，当剧本诞生后，导演便要找演员及制作班底，例如:舞台布景、灯光、音效、服装及道具设计师。各设计师首先分析剧本，了解角色特性、剧情架构、剧本的年代及作品风格。「如果布景的颜色是黑色的话，而服装的颜色亦是黑色，视觉上容易混淆。灯光设计亦要考虑服装及舞台布景，打甚么灯才会好看。设计师顾整体、安全、资源等问题。如果在众多限制下，仍能做到完美的设计，有很大的成功感！」2.彩排期当某些工作人员积极设计舞台，导演、演员、舞台监督正密锣紧鼓地排练。阿kit说，彩排室的地上贴上胶纸作为舞台上布景的提示，让演员容易走位。舞台监督参与彩排之余，亦要担任演出时的总指挥，统筹整个剧的制作，编排彩排及各部门的工作进度表。此外，亦要执行舞台监督，协助彩排，记下所有演员的走位。在彩排的过程中，导演对演员走位、舞台画面的安排可能有新的意见和修改，因此设计师必须在不同的时期观看排演﹝称为跟戏﹞。3.制作期当舞台完成后，台上布景、服装和道具一切准备就绪，所有的彩排就会上台进行，灯光和音响等都将陆续登场。在不断的彩排中，各设计师要不断检查自己的制成品，看看是否有问题需要修改，务求令舞台做出最佳的效果。4.首演及演出期完成最后彩排后，便会进行首演，各工作人员会邀请家人、朋友和嘉宾观看，给演员「赛前热身」。到了正式演出的时候，导演和设计师退居幕后，等待观众的考验。5.后期制作期当演出大功告成后，在此时便要将一个金碧辉煌的舞台还原，做善后工作。同时要检讨整个演出好与坏，当中有甚么地方需要改善。(摘自：舞台灯光交流站)参考文献：1梁若珊剧场视觉艺术-莎翁戏剧中的空间2聂光炎1972舞台技术3陈国慧与曾文通谈香港舞台空间资料来源：27771112/subject/关联关键字：本页标签：音响、舞台灯光、灯光
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表演的分寸感
摘要：真实与自然是舞台表演的根本灵魂，这无关话剧的内容，也无关话剧的表演手法。一个脱离了真实和自然的舞台话剧哪怕有再好的演员，再好的剧本，其灵魂依旧是空洞的，是无法满足观众需求的。而真实与自然具体体现在表演的分寸把握上。本文分析话剧表演中分寸感的重要性，并提出了相关的改进措施。
关键词：话剧;表演;分寸感
0引言
高尔基先生曾经说过：人就是人，他们是普通、正常，没有扭捏作态，也不会装腔作势[1]。这在话剧表演上就体现为分寸感，正常、普通的去表演，通过真实而自然的肢体和语言的表达，传递出话剧中心的灵魂思想，给予观众以“是的，就是这样，我就是这样(我看过的就是这样的)”的感觉。分寸感的控制和掌握可以有效提升话剧表演的感染力，引起观众的共鸣，保证演出的顺利进行。但是表演的分寸的依据是什么，如何去把握这个分寸，这是积极值得我们研究的。
1话剧表演中的分寸感
所谓的分寸感其实可以解释为一个字：度，是指在表演中通过恰如其分、恰到好处的肢体、和语言表达出真实而自然的人物形象[2]。万事万物都存在一个度，这表现为人们常说的临界点，一旦某一事物超过了自身的临界点，必然发现质的变化，转而形成另外一种事物。人们常说的“差之毫厘，谬以千里”就是指这种情况。话剧表演中也存在这种度的要求，也就是人们常说的分寸感，这就要求话剧表演中，人物外在形象、人物动作、人物语言以及人物表情符合观众的潜在审美期待，究其实质就是要符合事物发展的规律，符合人物的常情。
2表演分寸的依据
莎士比亚认为表演分寸的依据就是：接受你自己的常识的指导，认为表演的分寸就是“自然的常道”。也就是说所谓的表演分寸依据就是要符合日常的生活、生产常情，符合所表现人物角色的社会地位以及人物个性情况。在进行表演分寸把握时，需积极分析人物在特定环境下的特定心里状况以及其行为状况，做到真实而自然，这就是表演分寸的依据。笔者在观看话剧《贺方军》时，其中一个场景让笔者感悟最深：贺方军身患绝症，斜靠在沙发上，忍着身体的剧烈疼苦，但是为了不让女儿担心。他故作轻松，面带笑容的鼓励女儿要自立、要坚强，要求女儿好好的生活。在该话剧中贺方军的饰演者将人物贺方军当时的心里状况和肢体状况真实而自然的表现出来了，其分寸控制得完美无缺。表演者眼神刚毅、深沉，眼角闪现着对亲人和世间的留念，他伸出小指与女儿拉钩许愿的场景感动了无数观众。在该话剧表演中，贺方军的表演者将贺方军的硬汉形象和儿女情长表现了淋漓尽致，其在分寸上的把握更是让人拍案叫绝，一个小小的拉钩动作，真实而自然的再现了贺方军对女儿的难舍难分的感情。
3话剧表演中分寸感的重要性
审美的需求
话剧表演最终是服务于观众，没有观众的话剧表演只能称为自娱自乐。观众作为话剧的审美者，自身有一定的美学理解能力。是以，在表演时，表演者如何在观众已有审美基础上传递话剧的美学思想，这是表演者首先需要考虑的。一个成功的话剧，必先要了解话剧所面对观众的美学情趣和理解能力等问题，再对话剧中实际的表演进行适度的控制和调整，掌握分寸感，满足不同观众的审美需求。但是这种满足并不意味着迎合，话剧必然是要传递积极、先进的美学理念，必然是要源于生活而高于生活。因此，表演者要把握美学格调与迎合观众的分寸感。
实现创造性与忠实性相结合的需求
话剧表演来源于生活而又经过了艺术的创作，其涉及到忠于生活和创作加工两个问题。但是这两者并不是矛盾对立的，通过一定的分寸感把握，可以有效的实现两者的协调统一。每一部话剧作品都是来源于相关人们生产、生活的现实故事，但是要保证话剧作品的艺术性和格调，必然要进行艺术的加工创作。另外，如果话剧只是简单的重复一遍人们生产、生活中的现实故事，那么表演者就只能称为艺匠，而不能称为艺术家了。话剧在表演时，需要考虑舞台、灯光、服饰、人物、现场气氛等等因素，这些因素在作品来源的实际生活中是不存在的。如何再加入这些元素的情况下依旧忠于原来的故事思想，成为话剧表演者的重要思考方向。在实际表演时，表演者需通过合理的舞台布局、语言以及肢体动作来还原原故事思想，并通过这些动作和语言增强原故事的艺术格调，从而保证两者的协调统一。只有通过两者之间度的把握、分寸感的掌握，才能完美的实现创造性与忠实性相结合。
4表演分寸感的把握措施分析
表演者需拥有较高的表演素养
话剧表演者首先必须具备较高的表演素养，对相关人物形象的塑造能力较强，可以较好的利用音乐、场景以及人物背景进行表演。话剧表演者不但要求一定的表演能力，同时还要求表演者掌握相关的舞蹈、音乐知识，尤其是要求掌握较高的舞蹈知识。传统的话剧表演一般都会夹杂一部分舞蹈表演。除了这些必备的基础素养要求外，表演者还需具有较强的节奏控制能力，通过自身的节奏掌握能力调动观众的情绪，引发观众的共鸣。
立足事实，不做作
有人说过：表演舞台上永远不要去夸大真实的要求，也不要去夸大虚假的作用。话剧表演中要想提高自身的分寸感，就虚立足在事实上，不做作。在实际的表演中，表演者要立足于事实，再通过艺术的手段进行阐述，保证话剧表演的美学格调。在艺术加工时，要把握一个度，在真实的基础上进行艺术的放大，不让观众产生距离感，认为表演脱离了实际生活。一个表演者如果过分的去夸大，就会显得做作，但是过分的谨慎又会导致情感无法准确传递。是以，表演中虚立足于事实。
重视细节
观众是敏锐的，尤其是在话剧高潮内容时，表演者的每一个手势、每一个表情、每一个眼神都能让观众产不一样的感觉。表演者在进行高潮部分的表演时，需严格把握分寸，每一个细节动作都需经过反复的揣摩。话剧表演者在表演前需积极对人物、社会背景、环境等因素进行全面的分析，将自身代入人物形象中，掌握人物心里、动作、习惯的每一个细节。在潜意识里构造一个人物形象，并将这个人物形象真实而自然的表现出来[4]。例如在话剧《世纪风流》在塑造某开发区的主任这一人物时，表演者就将细节表现得妙到颠毫。该开发区主任面对社会诱惑时，没有经受住糖衣炮弹的考验，但是又小心谨慎。表演者在进行受贿那一场戏安排时，设计极其精妙。该表演者通过将一杯咖啡打翻，然后假作公文包被打湿，对着送贿人打开，然后转身假作整理身上水迹，让送贿人直接将金钱放入包中。巧妙的将受贿过程展现出来了，将人物形象和人物性格完美的呈现出来了。可以说，该表演者在动作设计和语言表述上的分寸控制妙到巅峰，是一场极其成功的戏。
5结语
表演是一个将真实生活通过艺术加工而传递高于生活格调的艺术行为。如何掌握真实与艺术加工的分寸，成为表演者必须关注的重要问题。这要求表演者具有加强的表演素养，并且对整体表演节奏有较强的掌握能力，与此同时，还需加强不做作，不谨慎，从细节上进行控制。表演者还需扩展日常生活阅历，通过长期的生活和艺术实践，总结相关生活、表演经验，提高自身对表演的度和分寸的掌握能力。
参考文献：
[1] 刘露.是薛涛.又不是薛涛《浣花吟》中饰演薛涛的体会[J].中国戏剧，2010(06).
[2] 吴戈.我们的时代需要什么样的舞台创造? 从导演艺术家查明哲说起[J].中国戏剧，2011(06).
[3] 王亚兵.怀梆名家赵玉清的唱腔特色[J].中国戏剧，2013(06).
浅谈相声的表演
摘 要：“包袱”即笑料，是相声的基础，包袱处理得好坏直接影响到相声表演的好坏。包袱构成的种类大致有夸张、曲解、重复、矛盾、否定、误会、假借、对照等，如何抖好包袱，成为相声表演的关键之一。
关键词：相声 表演 “包袱”
相声艺术自诞生以来，一直以其独特的表现形式、丰富的艺术手段、生动的语言风貌和幽默的艺术风格，赢得了广大群众的喜爱和欢迎。它是一门优秀的民族艺术，是曲艺百花园中一朵绚丽夺目的奇葩。
相声的表演是以幽默的语言为主、夸张的动作为辅，通过诙谐、优美的演绎来征服观众。演员若不能发挥作品的潜在功能，表演缺乏魅力，光指望“活保人”，即使作品再好，成功也只是纸上谈兵，这就说明相声艺术的表演要求非常高。“包袱”即笑料，是相声的基础，包袱处理得好坏直接影响到相声表演的好坏。包袱构成的种类大致有夸张、曲解、重复、矛盾、否定、误会、假借、对照等，如何抖好包袱成为相声表演的关键之一。
一、抖包袱要掌握“寸”劲儿
抖响一个包袱要掌握“顿”的技巧。“顿”就是停顿，也叫“寸”，就是控制好节奏，“寸”住了劲儿，特别是到了包袱口。抖包袱就相当于运动员三级跳远，量好距离，起跑，踏板准确，发力起跳。因此“顿”的位置要恰到好处，停顿时间既不能多，也不能少，多了就抻了，少了就抢了，“顿”得好，才有劲头，才有力度，包袱才会抖得响，也就做到了相声演员常说的“寸住了”。相声名家高笑林先生曾经说过：“抖包袱靠的是寸劲儿，哪里该寸，心中要有数，早了晚了都不行。”如他表演的相声《夫妻之间》的一段：
甲：俗话说得好，一日夫妻百日恩，百日夫妻(顿)比裤腿儿深
乙：嗨，那叫百日夫妻比海深
甲：大海有底，裤腿儿(顿)没底啊
乙：嘿
这一段里，百日夫妻，情理之中的下文是比海深，而演员甲的一“顿”，恰到好处地体现了意料之外的“比裤腿儿深”，包袱抖得干净利索。再如著名相声表演艺术家李金斗先生表演的相声《训徒》的一段：
甲：我问你，世界上是先有的鸡还是先有的蛋
乙：太简单了，告诉你记住了，先有的鸡后有的蛋
甲：哦，先有的鸡，那鸡打哪来的
乙：蛋孵的
甲：蛋谁下的
乙：鸡啊
甲：鸡打哪来的
乙：蛋孵的
甲：蛋谁下的
乙：鸡啊
甲：鸡打哪来的
乙：蛋孵的
甲：蛋谁下的
乙：(顿)你下的
这一顿，顿出了演员乙自己先前回答问题的草率，又被演员甲不断追问的无奈，抖包袱时“寸”住了，自然包袱也就抖响了，而且是嘎嘣脆的效果。
二、抖包袱要简洁有力
相声的语言要有高度的概括力，要短小精炼。虽然是铺平垫稳，三翻四抖，但在构成包袱的语言时，要开门见山、直截了当，到了包袱口时，句子的前后都不可随意添字，否则，前面的铺平垫稳都是白费，包袱抖不响，达不到预期的效果，表演就不成功。如李金斗先生表演的相声《新夜行记》中的一段：
甲：车跑起来了，往后一看是浓烟滚滚啊
乙：好嘛
甲：坏了，再找我媳妇找不着了
乙：哪去了
甲：让烟给当上了，等烟散了，回头一看，好嘛
乙：怎么了
甲：我媳妇变非洲娘儿们了
这一段的最后一句，是想形容汽车的尾气黑烟特别厉害、特别多，把自己媳妇的脸都给熏黑了，非洲人的肤色是黑色的。包袱设计得合情合理，情理之中，意料之外。但如果最后一句演员甲说“我的媳妇脸给熏得，都变成非洲的娘儿们了”字数多了，说得过于具体、明白了，但是在相声的表演中，这样处理，包袱就响不了，相声演员常把这种情况称之为“挡包袱”。 “我媳妇变非洲娘儿们了”字数少，也能说明问题，又不挡包袱，观众明白就行了。表演中还有一种情况，如相声《天仙配》的一段：
甲：我扮演董永
乙：我扮演七仙女
甲：你这模样像七仙女吗
乙：我摆个姿势就像了，(亮身段)你看我像不像七仙女
甲：七仙女你不像
乙：那我像
甲：三仙姑
演员乙的“那我像”和演员甲的“三仙姑”都是三个字，上下对应，简洁有力，如果多加字，就像有一堵墙，自己给自己设了障碍。也有在包袱后面加字的，这样也影响表演，这叫“带尾巴”，在表演中会觉得有累赘。所以相声前辈们常说，“到了包袱口，字越少越好，能用一个字说明的，坚决不用两个字”。
三、“相”与语的配合
表演相声要靠“相”来配合语言。相声演员管这叫“使相”，“相”主要指面部表情，也包括手势、形体动作，有声有相才能声情并茂。相声一词的字面解释，也有这一层含义吧。面部表情主要靠眼神，眼睛是心灵的窗户，表情感觉对了，语言情绪和语气就会自然到位。手势运用的得体，会使语言表达形象、真实，能吸引观众视线，观众注意看你了，才会认真听你。形体动作的设计，要根据你所表演的人物，抓住个性和特色，要符合人物的性别、年龄和身份。形体动作要体现神态，形似和神似并存才是完美的。由于表演需要，有时形体动作会有些夸张，但也要掌握分寸，不能过分，相声大师侯宝林先生说“宁不够，绝不过”。面部表情、手势和形体动作都是辅助语言表演的，应该成为一个整体，要有连贯性。
以上是我对相声表演一些简单的理解和总结。人们谈到相声，常挂嘴边的就是“相声讲究说学逗唱”，相声发展到现在，也有人总结为“说学逗唱演”，但我个人觉得，说学逗唱这四门都包括在演里，说学逗唱里面也都有演的存在，它们相辅相成，说学逗唱是从相声表演的形式上分类的，从表演技巧上可以分为故事型、贯口型、争辩型、学唱型、文字型、模仿型和批讲型。相声表演最大的特点就是“跳进跳出”，一会儿在人物里，一会儿又变成你自己，一个人不断、迅速地转变角色，根据作品的需要，有时一张嘴就是带着人物的。这种特殊的表演，看似简单，实际需要演员深厚的功力和对生活的细致和感悟。相声的表演在实践中不断发展、不断完善，这也会丰富相声艺术的表现手段，使相声艺术更有生命力。
以中学的教育角度出发，有如下题目：
1、中学XX探究学习方法运用的研究
2、将研究学科性学习引入中学XX教学初探
3、范例教学法在XX课堂中运用的研究
4、中学XX学科反思教学促进教师成长的研究
5、中学XX情景---体验教学法
6、初高中XX学科衔接的研究
7、初中XX活动课的研究
8、中学XX课堂情景教学模式的运用研究
9、常规教学中如何发挥好自学指导的教学功能
10、XX课程资源的开发与信息技术整合
11、校本课程、地方课程的研发与应用
12、高效课堂教学模式的探索与实验
13、学生自主学习能力的指导与效果检测研究
14、提高学生学习兴趣与效果的方法、途径研究
15、教学环节的高效创新研究
16、提升教师专业素养的有效途径研究
17、营造班级良好XX学习氛围的研究
金融市场的内在经济特征 汇率的内在波动性：汇率是两种货币的相对价格，同其他商品的价格一样，当需求和供给相等时，汇率达到均衡。有所不同的是，汇率是一种相对价格，两种货币的相对供给等于相对需求时决定了汇率水平。但有些因素会引起两种货币供求不平衡：货币政策变化是潜在不对称的根源，其它非对称变化，例如财政政策的变化、自然灾害、对世界货币的需求的变化，也能影响汇率，甚至是事件本身是对称的，如果市场参与者的反映不同，汇率也会发生改变。 一国的货币当局为了维持汇率的稳定必须不断地干预市场，如果干预政策有效，为了抵消起初的非对称变化导致的汇率改变，相对货币供给必须相应发生变化。 但是基于一些原因，外汇交易干预很容易变得不可能：一是外汇储备不是无限的，这适用于本国货币遭受攻击的情况，如果要使本国货币停止贬值，当局必须卖出外汇买入本国货币，但没有一个国家拥有无限的外汇储备面对全球市场大部分市场参与者连续不断地买入而不断地卖出，每天在全球外汇交易市场上易手的货币数量超过所有IMF成员国的外汇储备之和。 另一个原因与丁伯根定理有关，该定理表明，为了达到政策目标，独立政策工具的数量不能少于独立政策目标的数量。在目前环境下，工具是货币政策，目标是汇率稳定和国内经济稳定，一般来讲，一种政策工具不能达到两个目标。 为了维持汇率稳定就必须干预市场，然而却面临“两难选择”的困境，究竟是优先考虑汇率稳定还是国内经济？一个国家一般准备放弃货币政策的自主性或资本自由流动以维持汇率的稳定，尽管如此，外汇储备的匮乏会使该项目标成为不可能，汇率不能简单地一直保持固定不变。 金融市场的特殊性：汇率是金融市场中的价格，它们的特点与金融市场的基本特征息息相关，金融市场在以下几个方面不同于一般的商品或劳务市场。金融市场中的交易成本很低，交易迅速，短期内大量资金能从一个市场流入另一个市场。在金融市场中，市场预期、传言和当局的可信度在价格决定中起着重要作用，由于这个原因和上面第一点原因，金融市场的价格具有内在不稳定性。信息不对称盛行，债务人比债权人具有更多的偿还债务方面的信息，这不仅容易导致逆向选择，不良项目得到融资，而且“无知”市场参与者受到意外事件冲击时容易诱发金融恐慌。进一步地讲，由于金融交易的隐蔽性和低交易成本性，市场交易者和监管部门也具有不对称信息。金融部门的道德风险显著强于其他部门的道德风险。没有其他机构能取代金融中介在经济中的重要地位。 金融危机的诱因 在金融市场的这些特征中，前三个特征随金融全球化而得到强化，他们构成了触发金融危机的重要因素，金融市场具有内在不稳定性，有些经济萧条或政策失误就会触发金融危机。事实上，即使不考虑跨国资本流动和汇率变化，金融市场的特征足以诱发国内金融危机。 如果考虑到国际资本流动和汇率变化，危机就会更加严重。国际借贷增大了资本流动的数量；如果发生金融恐慌，国外资金比国内资金更可能被抽逃；当资本在国际范围内流动时，信息不对称问题更加恶化，两个国际经济机构比两个国内经济机构更可能具有不同背景，当局获得国外企业信息更加困难，尤其是建立在“避税天堂”中的企业；如果一国货币是可兑换的，货币当局就不易控制货币事件，因此国际资本流动增大了金融市场的易变性。 汇率易变性和金融市场的特殊性是经济逻辑演绎的结果，具有普适性，每一个参与国际经济流动的国家都会或多或少发生一些危机。换句话说，金融危机并不是新兴金融市场的个别现象，金融市场的特征决定了金融危机容易转化为经济危机。这是因为，金融中介维持着经济系统的血液循环，一旦货币或金融中介活动陷入无序状态，整个经济就会迅速而又严重地受到冲击。 对我国金融市场开放的启示 当前，在入世的推动下，我国正在逐步开放我国的金融市场，人民币自由兑换、国内金融领域向国外开放已经逐渐提上议事日程，前面所论述的诱发金融危机的因素在我国也开始发挥作用。根据前面的论述，由于无法消除金融危机发生的可能性，我们的目标只能是尽可能地降低危机发生的可能性，政策并不能很好地改变诱发金融危机的两个基本因素，我们只能采取措施降低危机发生的程度和频率。 保持竞争和保护之间的均衡 如果一国想分享全球储蓄有效分配的利益，资本管制无论如何也无法永远存在下去，一旦一国解除资本管制，诱发经济危机的基本因素就会凸现出来，政策能改变的两个基本因素就是减少信息不对称和道德风险。 开放金融市场放松资本市场管制是经济发展的内在规律，随着我国金融市场的进一步开放，我国必须采取以下措施来降低金融危机发生的可能性。 通过资产管理公司处理完银行造成的损失后，政府和中央银行不应再替市场中的商业银行承担损失。在这种情况下，如果市场参与者确信没有最后求助贷款，道德风险就会减少。 逐步对国外竞争者开放我国金融部门。换言之，资本流动管制不同于禁止国外竞争者进入本国的金融市场。这一点对减少金融危机的频率与规模具有深刻含义。禁止国外竞争者进入本国金融部门是非常危险的，因为这会导致一国金融中介标准的唯一化，如果一味排斥国外竞争者，金融中介标准就会促进信息不对称和风险。为了减少金融危机的风险，一个方法是开放本国金融部门参与国际竞争，这种措施具有下列好处：国外金融机构一般要求更多透明度，规定与标准将愈加全面；为了在竞争中获胜，我国的金融机构不仅在产品数量而且在风险管理中也必须是有效和有效率的；在同国外金融机构竞争过程中，我国金融机构可以学习到外国同行的先进做法，不断增强自身实力，如同我国家电行业的发展那样；在金融市场开放的过程中。我国政策当局将逐渐放弃对本国企业的特殊照顾，政策当局的活动将更加透明，这将为金融市场的发展营造一个良好的发展环境；在开放的过程中，我国政府也将会看到要求建立健全维持稳定的竞争性环境的法律框架的迫切需要。 但是，另一方面，金融部门天生具有不稳定性，过度竞争会导致金融部门的不稳定，这与竞争是通过减少信息不对称与道德风险以稳定市场的目的抵触。显然，我国国内金融部门引入竞争要比在其他部门引入竞争需要更加慎重。 货币当局需要权衡，金融部门的过度竞争会阻碍经济稳定和发展，这就是一个国家在早期发展阶段需要管制和固定的汇率的缘由。然而，金融部门的过度保护会诱发道德风险，降低金融中介标准的透明度。 建立与国际接轨的规则 与世界公认的监管规则相协调一致，如果各国的金融中介标准一致，金融业务就会便于在全球范围内展开。汇率由于信息不对称而发生变化，根据定义，趋于一致意味着更弱的信息不对称，从这种意义上讲，不考虑究竟会趋于怎样的共同规则，共同规则本身已经令人非常满意。如果共同规则能确保透明度和信息揭露度，它将更加有利。金融交易标准应该保证合同和原则向每个人公开，这种标准就是理想的“全球标准”。 参考文献： 1. Paul Krugman. Working Paper. Massachusetts Institute of Technology，1998 2.陈玲娟，李栋巍.探讨金融危机的成因及预防.决策探索，2003
辉煌的30年 1949新中国的成立使祖国母亲彻底摆脱了被压迫的境地，中国这头东方睡狮开始慢慢觉醒，但却步履维艰，直到1978年，中共十一届三中全会作出全面实行改革开放的新决策；从此改革开放的春风使中华大地再次焕发了活力，中华民族终于踏上了民族复兴的伟大征程！ 30年的征程，中华民族以崭新的姿态重新屹立于世界民族之林；30年的沧桑巨变，30年的光辉历程，铸就了一个民族近百年的梦想！ 改革开放的30年，是中国经济迅速蓬勃的30年！幢幢高楼拔地而起，人民生活水平不断提高，我国的综合国力不断增强，国际地位不断提高，世界上任何一个重大事项不能没有中国的参与，我国越来越在国际舞台上发挥重要作用。改革开放的30年，是中国社会和谐稳定的30年！中华民族犹如钢铁长城一般坚不可摧！97年香港回归，99年澳门回归；1998年面对南方历史罕见的特大洪水，2003年面对让人闻风丧胆的非典疫情，2008年面对十几个省份百年不遇的冰雪灾害，以及四川大地震，中华儿女众志成城，手挽手将一个个磨难踩在脚下。 改革开放的 30年，我们国家在进步，人民生活达到小康水平，听爸爸妈妈讲，他们小的时候，生活非常困难，吃饭用粮票，买布用布票， 很多商品都凭票供应，有时为买生活用品需排很长时间的队，吃的是玉米面，只能在逢年过节时才能吃上大米和肉，只能在过年时才能穿上新衣裳。对此，我们现在的生活真是发生了翻天覆地的变化，我们衣食无忧，每天的生活都像是在过节一样，我们可以在计算机上学习查找资料，可以在计算机上玩游戏，享受网络世界带给我们的快乐，这都是改革开放带来的幸福生活。 改革开放的30年是中国航天事业不断创新的30年！2008年，神舟七号载人航天卫星，是我国首颗探月卫星“嫦娥一号”发射升空，宇行员出舱，而且顺利返回；炎黄子孙的千年奔月梦成为了现实！中国航天人在摸索中让祖国一跃成为航天科技强国！ 改革开放的30年，也是我国体育事业蒸蒸日上的30年！而今年2008年，在北京奥运会上我们的体育健儿更是一举夺得51枚金牌，100枚奖牌位具金牌榜第一的骄人成绩。 改革开放的30年，是辉煌的30年。我们一定要好好学习，掌握科学技术知识，努力把自己造就成祖国有用之材，将来用我们的双手建设伟大的祖国，把我们的祖国建设更加强大，更加美好。 我们坚信，在中华民族伟大复兴的征程上，必将出现一个又一个辉煌的30年！中华民族的崛起，必将让世界为我们自豪！ 看看吧！！！！怎么样？？？？希望对你有帮助！！！
毕业论文的案例，可取图书馆查资料，去知网看文献。用各种搜索引擎查询。
1、了解舞厅的经营方向盘（用途）以及投资情况。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 2、注意舞厅的大小，特别是舞台、舞池的大小、空间高度，以及整体美术设计、装修设计方面的要求，这些是影响设计的关键因素。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 3、了解配电供应、电力供给情况。 歌舞厅的形式多种多样，没有固定的模式，按其娱乐性质大致可分为卡拉OK厅、舞厅、歌舞厅三类。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 1、卡拉OK厅设计考虑 纯粹的卡拉OK，完全是群众自娱自乐的形式，对灯光、音响的要求都不太高。灯光的设计主要考虑整体环境气氛的营造，给人以轻松自如、温馨浪漫的感觉，在灯具的选配上，宜多选用一些定向灯具，组合成一定的造型。机械化灯具要选用动作慢的品种，功率要小，颜色要选浓一些。紫外灯玻璃球、小雨灯可说是它的代表。 用小灯泡、小灯带、小跑灯等小灯饰对舞台作一些精心的装饰，构成一个有情趣、有特色的小兵团台，效果容易做得好。 随着卡拉OK的发展，出现了具有摄像录像的卡拉OK厅。考虑到摄像机的特性，灯光设计时就要对演唱区的光作适当的安排。一般选用小的聚光灯或小造型灯给演唱者设计一个具有一定照度的人物造型光，以保证录像录出的节目带人物清晰，图像清晰。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 2、舞厅 舞厅可分为迪斯科（劲舞）厅和交谊舞（慢舞）厅二类。舞池的灯光是最能使人感觉到光、色彩的多姿多彩的迷人魅力，特别是配合着音乐歌声、旋律、节奏变幻的灯光更使人迷漓，更使人陶醉。 在灯光的设计上，定向灯具的布局要错落有致，投射的方向是全方位的，结合控制系统能产生鲜明、强烈的节奏感。机械化灯具可以多加考虑，但配置上要注意动感上的快慢结合，要有快有慢，色彩要缤纷烂漫。特别是具有声控功制的机械灯具，更能表现令人心颤的节奏感频率可调的强力频闪灯更属首选的品种。要注意的一点，灯具品种选择时，一定要保证较多的灯的数量，只要经济许可，舞厅的灯是不会嫌多的。 在控制设备的选择上，要选用能自编程序的控制台，可控硅的回路数也一定比较多的，但功率不要求很大。目的是保证灯光师能对所有的灯光都能随心控制，这样才能最充分地展示灯光的魅力。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 3、大型歌舞厅 歌舞厅的形式，具有专业表演的性质，兼备了卡拉OK、舞厅的功能特点。它的经营方式，更着重于高层次的、具有专业水平的艺术表演和演唱。歌舞厅的设计，一般要求有较大的空间，特别是高度不能太低，表演舞台相对独立、完整，有些甚至装设有复杂的活动舞台、旋转舞台。 歌舞厅的表演节目包罗万象，戏剧、小品、舞蹈、独唱、联唱是样样有。不同类型的节目，甚至于不同情调的音乐、歌曲都要求有不同的灯光效果气氛来烘托，这就给灯光控制，灯光设计面进行考虑。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 （1）基本光---为了能让观众看清楚舞台，看得清楚表演。首先要给整个舞台一个基本照明。这个基本照明包括均匀的白光和色光照明。基本的白光照明是必须的，但照度要求不高，特别是在一些赏众多的场合，或是某些表演的高潮时，或是一些特殊的表演（如魔术），基本白光显得尤为重要。基本色光是整体舞台的气氛光。决定了整个灯光效果的基调，或是热情奔放，或是浪漫温馨，或是字根表忧郁。在灯具的选择上，装在舞台前面投向舞台的光，应选用聚光灯，色光通过加滤色片得到，颜色不宜太深、在舞台表演的顶上和舞台的后面（逆光）一般用聚光灯，也可用束射灯，光线的方向从后面投在赏身上，亮度可以亮一点，颜色也可选用较浓重一些。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 （2）人物光---群体表演、大面积的照明由基本白光灯解决。局部照明、主持人的照明用追光灯解决，所以最好配2至3台的追光灯，应付不同的场合使用。车队或其他比较固定的表演者，可用束射灯定点投光。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 （3）背景光---歌舞厅的背景会随着表演者的不同而有所改变，每次改变都是因为美感或节目的需要。背景光就是要把这些背景物恰如其分突出出来，使它们融合到表演中去，烘托主题，常用背景灯有天幕灯、地幕灯、光束灯等。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 （4）基本效果灯---由定向型的光束灯具组成，具有三维空间的造型美感，色彩变化多姿，造型可由舞台灯光师随意组合、改变。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 （5）特殊效果灯---电脑灯因其优越性能和千变万化的效果，故是最好的特殊效果灯具。但电脑灯价格比较昂贵，故必须在保证基本光和基本效果的前提下给予考虑。同时，由于使用电脑灯，则可相对减少基本效果灯的数量。各灯机械灯具，由于其功能比较单一、固定，会觉得它们不好控制，故可少配一些。 中国照明网技术论文·影视舞台灯光 （6）灯光控制台---上述各种灯光都需要对其光亮度进行控制。一般采用可控硅设备进行控制。在选择灯光控制台时，宜选用效果功能强、可控回路数多、操作方便的控制台类型产品。经济许可的话，最好选用电脑控制台。 参考文献：
从实际出发，考虑安全性，长远性。
专业 灯光 ">舞台灯光 设计构成要点1、对灯光器材设备的特点性能的运用*泛光灯：天地排灯、脚光灯、顶排泛光灯等。*聚光灯：凸透镜聚灯、柔光聚光灯。*无透镜聚光灯：回光灯、PAR灯及封闭灯泡。包括：平行、集光型、柔光型、散光型等*成像聚光灯：造形灯以及成像插片、追光灯。*幻灯效果灯具：水波纹幻灯、跑云幻灯、PANI幻灯及其它效果灯具等。*电脑灯：灯体旋转形式、镜面运动形式、集换色、成像造形、运动变化为一体的照明灯具。*特殊投映灯具：效果器材、换色器、烟雾器、数位电脑投映设备等。*操作控制系统 可控矽调光器及调光操作台各部分功能。*彩色灯光滤色片：各种滤色，色温，减光，反光片，柔光片等。*镭射：以各色低功率镭射发生装置在电脑控制下完成对画面的扫描。<*辅助效果器材：烟雾发生器及排风、送风装置。下雪发生装置、肥皂泡发生装置、二氧化碳烟雾、液氮、炒烟、纸花炮、干冰等。2、灯光与被照明物体材料材质特点的研究运用表现：材质--反射漫反射透光半透不透软硬柔吸收反射规律。<材料：纺织材料--棉布绸缎丝绒麻布纱布。金属材料--金银铜铁铝合金不锈钢。自然材料--木石土砖植物合成材料--尼龙塑胶发泡材料PVC板材。烟雾材料--乙二醇烟雾油性滞留型烟雾干冰低层烟雾炒烟液氮表现效果--正投、反投、平面、立体、浮雕、肌理、点、线、面、层次、透空、光晕剪影、半剪影等。表现特点--网状、绳状、条屏、柱石、纱幕、条屏、框架、灯箱等 3、打光四要素：主光：以主题和视点需要确定主光方向，主光强于其他光，使用聚光灯等硬光照明。辅助光：是对主光的辅助和补充，起修饰作用。以软光灯照明模拟自然环境的反射光。逆光：在主光基础上加光。可强于主光，也可低于主光而强于辅助光，起装饰造型作用。光比：型体对各方受光的明暗比例。可根据创作需求作光比调整，从而获得理想的效果。4、舞台上打灯要注意的要点(1)要均匀：(要是不均匀人移动式会呼暗忽亮,非常影响观赏表演)(2)人的脸要够亮： (毕竟是要帮助表演,脸是一定要亮)(3)影子的方向： (有光就有影子,不要让影子在地上乱七八糟的显现,画面上会不好看)(4)颜色： (光的颜色是影响氛围的关键,所以选择上很重要)舞台灯光的常用光位：专业舞台灯光设计的配置，道先要了解舞台灯具的常用光位。这是正确选用配置的一个重要环节。1、面光：自观众顶部正面投向舞台的光，主要作用为人物正面照明及整台基本光铺染。2、耳光：位于台口外两侧，斜投于舞台的光，分为上下数层，主要辅助面光，加强面部照明，增加人物、景物的立体感。3、柱光（又称侧光）：自台口内两侧投射的光，主要用于人物或景物的两侧面照明，增加立体感、轮廓感。 4、顶光：自舞台上方投向舞台的光，由前到后分为一排顶光、二排顶光、三排顶光等，主要用于舞台普遍照明，增强舞台照度，并且有很多景物、道具的定点照射，主要靠顶光去解决。 5、逆光：自舞台逆方向投射的光（如顶光、桥光等反向照射），可勾画出人物、景称的轮廓，增强立体感和透明感，也可作为特定光源。 6、桥光：在舞台两侧天桥处投向舞台的光，主要用于辅助柱光，增强立体感，也用于其他光位不便投射的方位，也可作为特定光源。 7、脚光：自台口前的台板上向舞台投射的光，主要辅助面光照明和消除由于面光等高位照射的人物面部和下颚所形成的阴影。8、天地排光：自天幕上方和下方投向天幕的光，主要用于天幕的照明和色彩变化。9、流动光：位于舞台两侧的流动灯架上，主要辅助桥光，补充舞台两侧光线或其他特定光线。 10、追光：自观众席或其他位置需用的光位，主要用于跟踪表演者或突出某一特定光线，又用于主持人，是舞台艺术的特写之笔，起到画龙点睛的作用。 参考文献：1赖荣平 1987 音乐厅 音响 性能之评估研究2美术馆 展场光环境改善规划工程案例分享3工作大赢家 2006 舞台设计 -另类的空间设计师
光和影本身就是一种特殊的艺术，就像阳光透过树梢向地面洒下的一片光斑，疏疏密密，随风而动，那样的有意境，这种艺术魅力是难以用语言来表达的，能够让人们感觉到心灵的碰撞。处理光影的手法多种多样并且可以产生许多的效果，既可以以表现光为主，也可以以表现影为主，又可以以光影同时表现，那么把这些光与影之间的关系能够巧妙的利用好，便能够将现场的氛围烘托渲染的很到位。光影的造型是千变万化的，在人为的操作下可以将它变幻成想要的造型，重要的是用在恰当的部位，采取恰当的形式，突出主题思想，才能丰富空间的内涵，获得良好的艺术照明效果，就可以碰撞心灵，给人以莫名的好感。在室内空间中只要有灯光存在，人和物的阴影就会存在。而在这样的条件下，人和物本身不但有受光面和背光面，而且有由受光面到背光面的变化，这就很自然地表现出光影效果。
灯光是舞台环境组构的重要元素。舞台灯光不仅可以创造舞台气氛，而且对演出的风格也起着重要的作用。那么，舞台灯光到底有什么作用呢?以下是有我为大家整理的舞台灯光的作用与效果，希望能帮到你。
在舞台灯光的设计方面，要求灯光设计既要有全局的总体构思，又要有局部的处理，既不能大起大落，又要有此起彼伏的突出主要区域的变化。舞台灯光的光源是白光，它通过插在灯具前面的滤色片而变化成色光。这种色光投射到服装、布景、道具和人物的妆面化上都会引起色彩的变化，这种色彩的变化属于减色法混合。光色对于物(化妆、服装、布景等)的色彩影响，其规律是，当光色照射到与其色相相同的物体上时，物体的色彩会变得更加鲜明、漂亮。而当光色照射到与其色相成互补色的物体上时，物体的颜色就会变得阴暗、发灰，甚至是发黑。如果光色和物色的色相虽不完全相同却比较接近时，物体的颜色也会变得鲜明，如果光色和物色成余补色时，则物体的颜色也会变得灰暗。下面列举几种主要光色对物色的影响变化。
(1)红色光下。黄色物中感觉有红，绿色物略暗，青色物呈暗黑，紫色物变红，红色物明亮。
(2)黄色光下。绿色物中感觉有黄，青色物呈青绿，紫色物中感觉有褐，红色物中感觉有黄，黄色物鲜亮。
(3)琥珀色光下。红色物不变，黄色物增浓，绿色物有黄色浮光，紫色物变红，肉色物鲜亮。
(4)绿色光下。红色物染有绿色浮光，紫色物中感觉有褐，黄色物呈黄绿，青色物呈暗黑，绿色物鲜亮。
(5)青色光下。红色物中感觉有紫，黄色物中感觉有褐，绿色物呈暗黑，紫色物呈青紫，青色鲜亮。
(6)紫色光下。红色物中感觉有紫，黄色物中感觉有褐，绿色物呈暗黑，青色物浓丽带有红色浮光，紫色物鲜亮。
在舞台摄影中，灯光照明的强弱变化频繁，它随剧情的变化，时明时暗，有时为了渲染气氛，采用各种灯光效果，使舞台上呈现出一派绚丽多彩的景象。拍好舞台剧照，必须了解舞台照明的特点，做到心中有数，才能取得舞台摄影的主动权。
(1)实用性表演。如服装设计大赛、服装流行趋势发布会、品牌服装展示等这类以着重突出服装本身为目的的表演。这类表演更加强调灯光的造型性，着重突出服装的肌理效果、层次感和造型感。为了更好地反映服装真实的色彩，不宜使用色光。对于光线的亮度和反差应进行合理的使用。不可一味地追求舞台氛围的营造，而影响了服装的真实效果。
(2)娱乐性表演。娱乐性服装表演作为欣赏性的演出，仅仅具备了服装表演的外在形式。并不是以突出服装为主要目的，而是意在烘托娱乐气氛。在这类表演当中灯光的使用应注意营造与表演主题相匹配的特有艺术氛围。如：可使用激光、频闪光等来突出流动的空间感和强烈的视觉效果。
舞台灯具按光学结构可分为泛光灯、聚光灯和幻灯三类：按舞台上安装的部位则又分为面光、耳光、脚光、柱光、顶排光、天排光、地排光以及流动光等。
(1)泛光系统。是指可以发出均匀柔和的光线并能照射出一定方向的灯光灯具。单独的泛光灯、项排灯、脚灯和幕灯等一般用于照明天幕、绘画布景或演出区。
(2)聚光系统。是指能发出定向光并能控制光区范围的灯具。一般是用折射的原理，通过透镜投出不同的光斑。如，用螺纹柔光镜头可产生边缘柔和的光斑。
(3)幻灯系统。是指通过在聚光灯具前再加一组物镜使其投光成像的灯具。这种幻灯又可分为：利用幻灯片成像的投影幻灯。通过转动的圆盘式链带把云、水、火等活动形象投在景物上的投影幻灯。舞台演出一旦使用色光，势必会改变舞台上的实际亮度，拍摄时，必须对舞台灯光的实际亮度进行测试，以保证拍摄时的正确曝光。一般地说，在色光下拍摄要比在白光下拍摄，需要开大光圈2～3级。另外还有利用长焦距物镜使小光斑清晰成像、突出主角形象的追光灯，采用反射光学结构取得聚光效果的回光灯等。
灯光具有四个可控制的属性，即亮度、色彩、分布和移动(指灯光的变化)。以下介绍几种主要灯光效果：
(1)天幕光的效果。天幕位于舞台的最后方，面积大。所以当天幕光以大面积的光色进行变化时，会使观众随着灯光颜色的改变而产生不同的联想。
(2)追光灯的效果。追光灯是由舞台前方射来并跟随演员滚动的灯光，这种灯光的运用主要是为了舞台人物的特写。
(3)逆光、侧光和顶光效果。逆光的光源在模特的背后，具有舞台剪影的效果。侧光的光源是处于模特的横侧面，具有明暗参半的效果。顶光是由悬吊在舞台顶部的灯具发出的，在绘画上类似于高光，在摄影中类似于轮廓光，它可以为人物的形象增添光辉，特别是用在特写造型上，能起到画龙点睛的作用。顶光和逆光可以增加舞台的透明度，既可以实现大面积的照明，也适合于局部和区域的照明。特别是在演出区需要有明快的亮度而又能全场过亮的情形下，必须用顶光和逆光处理。
舞台灯光的作用是：一、照明演出，使观众看清演员表演和景物形象；二、导引观众视线；三、塑造人物形象，烘托情感和展现舞台幻觉；四、创造剧中需要的空间环境；五、渲染剧中气氛；六、显示时空转换，突出戏剧矛盾冲突和加强舞台节奏，丰富艺术感染力。有时也配合舞台特技。
浅析舞台灯光技术摘要：本文笔者介绍了舞台灯光的发展，组成，舞台灯光控制系统结构及设备安装的位置与功能，并阐述了舞台灯光的配电、控制以及工程设计中相关的技术知识。关键字：舞台灯光，控制系统，通讯模块自从舞台产生，舞台照明随之成为舞台组成的部分。舞台照明，贵在突出视觉、写实、审美和表现四大要素。经历了多年演变。逐渐发展成今天比较完善和先进的照明系统。戏剧的第一个繁荣期，出现在两千多年前的古希腊。当时的剧场都是露天或半露天的。 舞台的照明都靠天上那巨大无比的“灯”— — 太阳， 所以只能在白天演出。而夜晚休息娱乐的需要、露天演出易受天气影响等客观弊端及戏剧的发展使舞台灯光成了人们必须解决的问题。剧场照明设计是否成功，是以舞台灯光的处理是否得当为标志。舞台灯光不仅要照亮演员，让观众看清面部表情、神态和动作，更重要的是充分运用照明技术，调动灯光操作等手段来强化艺术效果，使观众有身临其境之感。舞台灯光的安装部位、功能及灯具配置舞台灯光按其使用功能主要分为两种：可调光的调光回路；不可调光的直放回路。舞台照明方式一般分为三种：a。一般照明。指顶光和伸出式舞台作为部分顶光的吊点灯环，以及葡萄架上、天桥上的照明。b。重点照明。指面光、耳光、柱光、侧光、脚光、流动光和伸出式舞台的低角度面光、内(外)侧光、转台流动光以及乐池内设置的供接乐谱灯的低压插座。c。装饰照明。指天排光、地排光和舞台上使用的激光效果器、追光、流动音乐喷泉以及各式电脑灯。舞台灯光如此重要上面的叙述比较简单，下面从技术的角度进行剖析：舞台灯光控制系统结构可以大致分为三个模块；人机界面模块，主控机模块和底层控制模块。三大模块相互间利用RS485总线通讯，以固定的波特率传输数据。人机界面模块的功能主要是接收控制人员的控制指令，一般可以用简单的工控面板实现。该模块接收到指令以后不作指令的翻译，直接通过RS485总线传输按键信息到主控机模块。主控机是整个布光控制系统的核心部分，负责上层控制界面和底层硬件控制模块的联系。主控机在收到控制模块发来的按键信息后经过翻译， 形成二进制的控制的指令； 然后主控机依据收的指令和相关的控制模块地址组成一帧完整的数据，并通过RS485总线传输到下行总线上， 各底层控制模块再按地址匹配获取属于自己的数据。底层控制模块是直接控制舞台灯光动作的硬件设备。由于舞台灯光的数目一般比较多，因此控制模块的数量一般也在10～ 20之间， 所有的控制模块都挂靠在同一总线上，相互之间独立编程。当主控机向总线上发送数据时， 所有控制模块都接收到数据信息，并根据帧结构所包含的地址信息解析出属于自己的指令并执行之。舞台灯光控制系统控制模块其主要的功能有2方面： 一是和主控机的通讯， 接收来自上层的指令。二是根据指令控制硬件电路实现对灯光动作的控制。下面分别就这两个模块进行介绍。下面介绍一下接收通讯模块：① 通讯方式选择由于控制信号相对简单，这里采用的是串行通讯方式。这种方式运用起来比较方便， 对外围器件要求不高， 半／全双功方式可自由选择。在异步方法中最重要的是波特率的设置。太高， 会增加单片机的负担，甚至不可实现；太低，会影响整个操作的响应速度。② 传输标准选择目前各种传输标准很多，但各有优缺点。由于布光系统作于演播厅，各种音响，电器的干扰会很多，因此，所选的传输方式应是抗干扰比较强的。由此考虑，在通讯距离为几十米到上千米时，选用RS485总线传输是比较理想的。485总线利用两条传输线，采取平衡发送和差分接收，因此具有抑制共模干扰的能力，加上接收器具有高的灵敏度，能检测低达200mV 的电压， 因此可以大大增强传输时的抗干扰能力，传输信号在千米以外可得到恢复。RS485总线使用方便，用一对双绞线即可实现多站联网构成分布式系统。它设备简单，价格低廉，能进行长距离通信，故在工程项目中获得了广泛的应用。③ 收发器选择及使用在485总线上传输的是485电平，而单片机和主控微机只能识别TTL电平。这样，在两者间就必须有专用芯片设计转换电路，这就是收发器。收发器的种类很多，可根据需要转换不同的电平，这里只需要485一一TTL 电平间的转换。比较-g。用的是M ax48x系列， 和带隔离的Max148x系列。在应用中， 为减少通讯电路与其他电路间的干扰，必须要有隔离级。虽然可以直接使用较高档的带隔离级的485收发器， 但从价格考虑， 还是自行设计隔离电路更好。这里运用光电耦合器件，单独电源供给等手段实现隔离。在使用M ax483是要注意使能端的控制。收发器处于接收状态只有在／RE =0， 并且可移植性， 避免了不必要的重复工作。图2 中的模块功能管理层和硬件驱动和基本功能函数接口层同属于Opentv中间件。模块功能管理层是为方便编写用户应用程序， 按照一定的中间件函数接口标准编写的有关于音频、视频和频道操作管理和控制的函数。驱动与基本函数接口层是OpenTV 中间件的底层部分。这一层次的软件编写要根据具体的硬件驱动来进行相应的改动，目的是提供给模块功能管理层统一的驱动接口函数。③ 操作系统和硬件驱动层本系统所采用的操作系统是pSOS；硬件驱动层主要针对各硬件模块， 提供相应的驱动程序。主要的驱动包括：Kernel模块，主要负责提供对进程的操作，诸如进程的创建和删除等；接口模块，包括I C接口操作控制，RS一232 串口通信，智能卡的控制等；音频模块；视频模块；OSD 模块；解复用模块；解码模块；Flash 驱动模块；TUNER 驱动模块。最后一步是机顶盒系统的调试：本系统的软件是在pSOS编译器的基础上编译完成的。整个测试框图如图3所示。系统利用了一个TS 码流发生器作为机顶盒的调试TS 源。TS 流通过QAM 调制器调制到信道中，QAM 信号送到机顶盒的前端进行QAM 解调， 再送入系统板中进行信源解码。TS流也可以直接通过系统板中的接口送入以对信源解码进行单独调试。系统个人电脑的测试是在PC + WINDOWS2000平台上进行的。而系统运行软件则在pSOS 实时操作系统环境下执行。编译好的可执行文件通过仿真RoM 从串口下装到硬件平台上的RAM 中， 然后系统将从RAM 中的某一固定地址读出并执行程序。由于本硬件平台没有提供网口， 所以pSOS 自带的在线调试功能并不能实现，调试信息只能通过执行程序过程中的输出信息得到。因此， 将硬件上的串口与个人计算机串口相连，程序运行过程中的调试信息可以显示在个人电脑的屏幕上，从而， 编程人员可以得到所需要的调试信息。[总结语]如今灯光系统控制已经由原来的人工操作进化为计算机管控。对舞美工作者计算机水平的提高也提出了现实的要求。相信随着灯光照明系统的不断更新完善和舞美工作者素质的日益提高将使我们的舞台更具时代气息。更具诱惑力，更加精彩。参考文献：［1］李海东《建筑电气》科学技术出版社2002［2］金长烈、柳得安、姚涵 《舞台灯光》机械工业出版社 2004［3］窦维平、马英俊《视觉设计色彩》东南大学出版社 2001［4］张文杰《影视照明》 科技技术出版社 2005