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篆刻艺术的欣赏中国文化源远流长，而最具传统的中国书画又以诗、书、画、印“四绝”著称于世。其中的印，即印章堪称中国艺林的一株灵草，方寸之间、气象万千。经过历代的流传和文人墨客的继承发扬，如今它已形成为一门篆刻艺术，由于其有独特的实用价值和艺术价值，深受广大人民群众的喜爱。我们这里所讲的“印章”，不是诸如个人私印或单位用的公章等具有实用意义上的工艺学概念的工具，而是基于诗、书、画、印，具有精神取向的艺术欣赏的篆刻符号。是人们感悟艺术美的一种形式，因而篆刻作品作为一门艺术受到世人钟爱。随着人们物质生活的丰富和多样化，人们对精神生活有了更高的要求。如何理解和欣赏篆刻艺术作品，感悟篆刻作品的内在精神美，笔者认为可从下面几点入手：一、深入浅出、溯流求源 印章一道，始于殷商，兴于秦汉、盛于明清。篆刻印章的鉴赏，简言之，宋元以前以时代论风格，明清以后以流派论成就，重在个人风格。作为篆刻艺术欣赏的前提，我们应遵循“深入浅出、溯流求源”的法则。我们所欣赏的篆刻艺术，从表面上、视觉上感受到的是一枚枚朱红的印迹。然而它却有着丰富的内涵和渊源，它集中表现了中国书法、印学学理、特殊的材质等诸多内容，而后由特殊的人枛枛有着较高的传统艺术修养以及印学修养的人充当主体，使这种形式变成了一种纯粹的审美行为。透过印章的表面，体现出中国艺术家博大精深的审美精神与审美情感，幅射着中国艺术之魂。所谓深入浅出，就是要先从识别中国古文字起，特别是识别篆书字体、结构，观摩陶器花纹枛枛铜鼎器铭文枛枛秦砖汉瓦、封印枛枛竹简枛枛碑文古玺等作为提高欣赏能力的知识积累，培养艺术欣赏的兴趣。因为印章的出现，最初并非因为可爱好玩，而是因为有用。从殷商交换的凭证，到秦汉时代政治权力的标志，它的功能是实用的。唐宋之际，收藏风兴起，于是出现了签藏印、斋馆别号印等，印章似乎跻身于审美领域了。印章发展到明清之际，形制日趋完善，但篆与刻还是有分工的，明代文彭的出现，起到主导由艺术家代替匠人的作用，自篆自刻，跳越了艺术创作的龙门，悠然腾身于诗、书、画之间，在操作上完成了从篆到刻一气呵成的直接创造；在性质上实现了从实用到赏玩的价值转换，从此，篆刻以纯艺术的身份参与到我国的审美历史中。可以这样认为，印章的历史，始于殷商；印学的历史则始于明代的文彭。文彭之后，我国的艺术领域中才有了一个新的独立学科枛枛印学，方才有众多的痴痴耕石的篆刻家，使印章这古老之树春意盎然。既然篆刻进入到艺术领域中，那么它的艺术价值就必须具有欣赏性，即“可爱玩”。一方好印必定要“耐玩”才行。而“耐玩”的东西不仅要美，更要有“气味”。绘画求“气韵生动”，而印将“气”、“韵”都落实到“味”上。具体的讲落实到篆与刻的两个过程之中，我们欣赏一方印章，不在乎是闲章还是官印，不在乎是吉语印还是鉴藏印，关键在于：印文、章法、刀法这些要素，因为由此可见到作者的天赋与修养功底。综上所述，我们得知篆刻的欣赏要从溯流求源入手，即从了解，认识汉印开始。一般来讲，自刘邦兴汉至魏晋、南北朝这个时期，流传下来的印章从风格到采用的字体，无论形式、内容变化都不大，根据近代印人的习惯，就形而论，一概视为“汉印”。汉印的艺术风格和特征表现在：１、逐渐取消了印的界格；２、印文使用了形体屈满、方正、线条平直、变化有致的缪篆。通过笔画的申张、盘回、增减、挪移、穿插、变形等不同的处理设计，把印面上没有界格的大小、长短和方园不等的印字，根据印的不同形状调理得非常妥贴。３、在一方印章中篆法是表现章法的主要组成部分，使汉印成为肥不臃肿，瘦不枯槁的形态。展现出一副布局严谨、布白匀称、虚实均衡、气势雄壮的构图。通过掌握上述汉印的特征，增加了欣赏水平，最后归纳为鉴赏三部曲，即书法、刀法、章法。概括的讲，欣赏篆刻作品，章法是关键、书法（指篆书）是基础，刀法是技巧。优秀的篆刻作品，首先在视觉上给人的印象是章法即朱白分布，文字结构与整个印文的会意贯通。从其中可以透射出作者的审美观和创造才能。可以说是“方寸之间，气象万千”。篆刻家的艺术素养及悟性跃然纸上。这样的作品，其章法、书法、刀法所蕴含的内质就高，风格也就传统、独特，形式上也就耐人寻味，因而有着源源不竭的生命力。二、超凡脱俗，返璞归真 在艺术发展史上，无数事实表明，智者对美的感悟力都是相近的。在基本掌握了篆刻作品的欣赏能力之后，如何深刻理解篆刻作品的功力及内涵就摆在了我们的面前。由于“诗、书、画、印”被称为中国艺术的四绝，所以对印章的欣赏就要扩大提高理论水平，即不但要从印章的表面形式探讨技法、章法，还要借鉴，学习其它艺术的欣赏方法，如观摩书法、绘画、雕塑、音乐、文学等，要阅读这些诸如“篆刻学”、“汉印文字徵”之类的专业书籍，藉以提高个人的艺术修养素质，达到超凡脱俗、返璞归真的境界。所谓超凡脱俗，就是在欣赏印章时注意到作品的情感空间；是浑厚、雄壮还是萧散、悲切，是紧张凝重还是轻松、自由。能够看出作品由疏缓到急促的流变，由外到内的、骤然的、活动点与静态块面的波动，而最终归向原始情感。沃尔特·佩特曾说“所有的艺术都在不断地向着音乐的境界努力”。当时间形式由远近不同的跳跃，表现为有规律的节奏；空间形式由粗砺与优雅、不安与宁静的组合演变为对称、呼应的节奏，我们的美的感受则极为自然地由对音乐的感受移向对装饰趣味的感受。它不但唤起了视觉的欲望，更激发了大脑思维的欲望，从而触发引导读者的艺术想象。这样的作品就达到了“取精用宏、印外求印”的新境界，完成了“追摹古人得高趣，别出新意成一家”的创作过程。这一最终结果也就是篆刻艺术在进行冷静的思考后，通过艰难的风格蜕变周而复始，返璞归真的历程。综上所述，篆刻艺术的欣赏，已经涉及到了印章艺术的实质，并以汉印为例，分析了构成汉印艺术的一些基本特征，使人们认识到篆刻何以具有深厚质朴美的原因所在，完成了印章的审美过程。总之，篆刻艺术作为一门专门艺术受到世人越来越多的关注，得到国内外众多爱好者的欣赏，为了便于理解和欣赏，现将篆刻艺术作如下归纳，作为共同的探讨。仔细写印，结构严紧。疏可跑马，密不容针。方中有园，运刀稳准。外柔内刚，绵里藏针。肥不臃肿，瘦中有筋。宁拙勿巧，浑厚圆润。快狠奏刀，痛快漓淋。不加修饰，自然天真。小玺神定，巨印雄浑。继承传统，推陈出新。
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去数据库看看 输入篆刻二字 应该会有很多关于篆刻论文名字的 然后再去百度看看 很多网上数据库是要钱的 所以可以去免费的大型图书馆试试 专著嘛 沙孟海的《印学史》貌似比较经典 其他什么邓散木的《篆刻学》，什么什么的篆刻技法多少多少讲啊的也可以适当参考
网上有类似的论文，你可以看看的。创作过程可以写的。关于格式，你们应该有论文指导老师吧
毕业封面画法如下：
准备材料：电脑、word文档。
1、首先打开word文档。
2、然后毕业论文的内容主要有：毕业论文（设计）、题目、姓名、指导教师、专业、班级、学号、学院。
3、然后点击“页面布局”中的“纸张大小”，然后我们选择A4纸。
4、然后我们还需要将字体设置为“黑体”。
5、然后字号设置为“三号”。
6、然后还需要对内容进行加粗。
7、然后还需要插入页眉和页脚。
8、最后毕业设计的封面就完成了。
毕业季的注意事项：
1、注意毕业手续办理：毕业生需要认真核对所有毕业所需材料，包括毕业证、学位证、成绩单等相关证明文件，确保自己的毕业手续全部办妥。
2、注意就业规划：毕业生应该提前规划好自己的职业方向和就业计划，包括寻找工作机会、提前准备面试技巧和简历等。同时，也要注意与学校和社会资源的联系和沟通，寻求更好的就业机会。
3、注意身体健康：毕业季是夏季的高温时期，毕业生容易因为疲劳和饮食不合理等原因导致身体不适。此时需要养成良好的生活习惯和饮食习惯，定期锻炼身体，注意保持精神状态的良好。
4、注意人身安全：毕业生要注意在外的人身安全，不要独自晚归，不要随意接受陌生人的帮助，不要擅自前往人多的偏僻地方，增强自我保护意识。
当代社会经济繁荣发展，绘画艺术的发展呈现出一种多元化的趋势，人作为绘画的主体开始探究和分析人类自身的不足和缺陷以及对生存环境的特别关注，并期望发掘丑在当代社会的此在。下文是我为大家蒐集整理的关于的内容，欢迎大家阅读参考!
谈装饰性绘画
摘 要：装饰绘如果按照功能来划分，应该是具有装饰功能的绘画，但广义上来说，任何种类风格的绘画都具有装饰的功能。所以本文所提及的装饰绘画，是指采用形式美的规律和装饰设计手法创作的绘画形式，是相对于写实绘画而言的，具有抽象或变形特性，作品本身由绘画要素构成因素较多，例如强调点、线、面和色彩构成的绘画作品。
关键词：装饰绘画;传统装饰;艺术
伟大的艺术家米罗曾说：“装饰艺术有如生活的彩练，如果失去它，人类将失去光彩。”可见，装饰艺术在人类的艺术史上扮演着何等重要的角色。装饰绘画诞生于原始社会，原始居民将野兽的形象画于岩石上，起初是出于巫术性质的占卜或图腾崇拜，是一种本能的需要。但那粗犷质朴的风格和简练的极具装饰色彩的线条预示着人类的一种潜能。
1 不同国家民族的传统装饰艺术
纵观世界范围内的装饰艺术，每个国家都有其自身传统的经典装饰绘画门类。我们都知道埃及绘画中那独特的人物造型和姿态：侧面的头，四肢，正面的身体，还有动物和花卉的形态。埃及手法有一种巨大的优越性，就是使这些图画中，没有一样东西使人感觉没有计划，没有一样东西似乎可以挪动位置。就是这种强烈的秩序感使埃及人把形式美发挥到了极致。
希腊与埃及的艺术一样，同属于人类童年时期艺术。具有天然的天真，纯朴的特点和装饰的情趣。希腊瓶画以其匀称和谐的比例，精巧细致的工艺，生动地造型，写实的手法，追求理想化的风格，饱满的构图，富於戏剧性的情节，给人以美的抚慰与启迪，净化人们的心灵，陶冶人们的情趣。瓶画属于装饰画的范畴，它同希腊的雕刻，绘画占有同样的地位。后来毕加索、马蒂、汉斯等著名画家都被其所影响。毕加索曾说：希腊艺术，不是一种过去的艺术;它比以往任何时候都具有生命力。希腊瓶画中的线描人物和动物，每一根线都异常深刻地表达了人体与动物的微妙变化，线在这里所完成的形体表达的准确度达到令人吃惊的地步。
中国装饰绘画历史悠久，种类繁多，秦汉时期的画像石和画像砖，在世界装饰绘画史上具有无与伦比的地位。画像石和画像砖是秦汉时期用来装饰建筑及墓室祠堂四壁的装饰石刻壁画。其布局简洁疏朗，物象鲜明醒目，具有古朴豪放，深沉雄大的风格特点。以山东的武氏石祠为精品。
有这样一种艺术，它既不属于西方，也不属于东方;同时，它既是西方的，又是东方的。这就是古波斯画，亦称为波斯细密画。这种艺术从未出过宫廷，是在极少数人中流传。波斯装饰画所包含的巨大艺术魅力，使它从文学的附庸地位中解脱出来，成为独立的艺术。它的内容来自于波斯诗歌。波斯装饰画是一个二度空间的世界。作者以东方的观察方法创作非立体的世界。高明的波斯艺术家巧妙地运用了多层次，多视点，多侧面，多姿势装饰语言成功地三度空间的“平面世界”，产生了多姿多彩的异样效果，鲜明的对比，谱出了强烈的和谐。波斯细密画的表现手法具有多元性，是西方写实主义与东方的装饰手法交织并用的。整个画面是装饰的，有些细节又是写实的;整体是以线造型，区域性又有以面造型的方法。在画面上，常常以一种形象为主，成为统治画面的主调，其他形象又是按著有视觉次序的流动线组织起来的，往往出现的是一个既丰富又有规律的境界。为了象征拥有财富和恐慌心灵的空白。画面上充满了形象，很少留下空间，但并没有出现杂乱无章的现象。这无疑表现出了波斯艺术家控制艺术空间的特殊本领。
绘画进入现代，由塞尚开始引领新的艺术表现手法。之后的马蒂斯，毕加索和康定斯基均以其自身的魅力创造了各具特色的装饰语言。马蒂斯的线与以往的完全不同，从前的线是描写物件的轮廓，是从属于物件的，而他的线本身就具有自己的情感和形式。我们都会对他画中那充满装饰感的线条过目不忘，画中夸张的线条运用创造了美的秩序。义大利艺术家莫迪里阿尼，骨子里透出的义大利风格使他的作品优美而不造作，他画中那夸张的拉长的人物并不使人觉得怪诞，反而比写实的绘画更具有表现力量。装饰性的颜色和形象创造了莫迪里阿尼独具特色的艺术表现。说到对现代装饰绘画起到作用的艺术家，不能不提到蒙格里安这个名字，他能有效地使用直线的多种“性格”，使直线在他的画面中具有某种感情，它直接强有力地影响现代艺术与现代装饰艺术的造型观和构成观。
2 装饰绘画的语言
装饰绘画的语言包括点线面的构成，构图，造型，颜色的统一协调等。首先，点线面是绘画中最基础的运用元素，是人类再绘画发展历程中运用的永恒语言，“点”在几何图形中没有长宽厚的限制，是具有空间位置的视觉单位，它对活跃画面气氛，平衡画面组成是极为不可或缺的。点的各种形式的排列可以产生不同的线和面。有时，点这个在画面中最小的视觉符号被放大甚至成为画面的主角，很多著名的艺术家的作品就是直接以“点”这个元素来完成的。
点进行移动的轨迹就构造出了线，线在二维空间里只有长和宽，没有厚度，画家通过对线条的组织来表现描摹物件和画家的感受。尤其是传统的中国画，把线条本身的韵律当做艺术追求的目标，画家自己的思想与情绪寄托于线条的虚实辗转，抒发著画家的感性认识。线移动的轨迹就形成了面，与点和线相比，面的能量表现更占优势。面可以分很多种，其中包括虚面和实面，不同的质感给人不同的感受，反映着创作者不同的情感思绪。
点线面自身的韵味和装饰性在装饰绘画中充分发挥着自己的特性。在中国近代，将点线面的关系直接运用于画面，并达到了前人未有的高度的艺术家是吴冠中。他在80年代提出了形式美的观点，认为内容不应该大于形式，否定了一切以内容为主的艺术主张。
开始了对绘画形式的持续探索，无论他创作的江南水乡之白墙黑瓦，还是以植物花卉为物件的形式构图，或者以抽象点线面构成的画面，形式美都是他唯一的主题。他把中西方绘画的精髓巧妙地结合在一起，前期的江南水乡的作品中就开始有点线面贯穿于画面之间，尤其是后期的作品，进入了几乎纯抽象的装饰性表现，以油画语言中纯点、线、面融合成整体，独特的绘画风格让他的彩墨画具有不同凡响的时代气息。
同其他绘画门类相比较，装饰绘画更注重客观性和科学性，强调形式美，创造性和规律性，它的构成核心是夸张和理想化。装饰绘画的构图有几个基本特征，即理想化构图，规律化构图和题材的广泛性。
在莫迪里阿尼的作品中，我们经常看到一个脖子线条长而优美的女性形象，他创作的所有肖像画都具有这样的特征，在他的艺术观点里，脖子长动态优美是最理想的状态，这样，他就为他的作品构图找到了理想化的构成形式。以吴冠中的作品为例，传统的中国画讲究章法和布局，这是中国画的一种重要的装饰手法。吴冠中怎样把东西方绘画融合得那样具有形式感和装饰感，是一个值得研究的问题。
在70年代早期，吴冠中的艺术语言还没有那样鲜明，主要使用油画的材料和技法描绘风景，在以后的日子里，70年代中期，他开始大量创作水墨画，他的观点是“拿东方的韵来吞西方的形与色”。在其重要的水墨画作品《狮子林》中，画面流动的点线曲折盘旋，横来竖去，游目无所不至，清心洁韵无所不包朱砂、石青 石绿、藤黄像五彩斑斓的宝石一样，随墨点镶嵌在波涛汹涌的银色韵律中。具象、抽象和幻象，一切都融入混沌的势象律动中，呈现一派东方绘画的风骨和神韵。
造型是装饰绘画中的重要元素。早在东晋时期，顾恺之就提出了以形写神的思想，绘画艺术不是对客观事物简单的复制和模仿，而是重在表现它的神，只有这样能表达作者的主观情感意趣。装饰绘画的造型一般是以变形为基础，所利用的方法不外乎具象与抽象，分解与重组，新增与省略，拉长与缩短，归纳，夸张等。对具象形的研究是变形的前提，具象形是通过对自然形象的观察了解以写生的方式描绘客观物象，从而掌握鲜活、生动的创造素材，抽象形则是用各种几何形及各种符号来表达画家内心感情的手法，这些几何形与符号不代表具体的自然形象，而只是表现情感的艺术符号。
例如著名的毕加索画牛，先通过很长时间对牛的观察，先画出具象的牛，再一步一步简化，最终得到一个最简化的，具有装饰意味的牛的形象。在装饰绘画造型中，抽象的手法早已被广泛的运用。在抽象手法的渐进过程中，分解是一个必不可少的中间环节，指一个物体被概括、简化、夸张、变形、挑选、省略，并被有组织地组合成不同构件的只有某些特殊成分的画面。
分解和重组是抽象的一个必然阶段，把一个物体分解成多个部分再重新组装，或者把多个物体的部分分解再重新组装。欧洲立体主义时期的绘画就是分解重组的方法作画，毕加索著名的《下楼梯的裸女》中的元素被分解成多个部分，然后再重组，使观者在一个角度可以看到物体的多个角度的呈现。因为装饰绘画是理想主义的，新增和省略可以使造型扬长避短，趋于完美。
而拉长手法的运用能升华创作者的情感，增强画面的形式感。当然，拉长的程度要根据画面效果与创作者的感受而论。与拉长手法相对应的是缩短手法，即为将被表现物的比例缩短，以创造出物象形态的憨态稚拙、短粗敦实。埃尔格列柯所在的时代绘画作品都是规规矩矩，千篇一律的准确写实形象，但是在那个时代，他已经知道运用拉长变形的手法，使自己的绘画作品显示出超出当代人几百年的先进性，实在是难能可贵的。
装饰绘画的色彩也是其基本要素之一。“装饰色彩可以任意改变自然形态中色彩的固有面貌。在画面中，装饰色彩考虑最多的是色彩相互之间的和谐与主观情感的表达，而不必考虑是否是真实的色彩关系的再现。”也就是说，在装饰绘画中，花可以不是红的，叶可以不是绿的，艺术家可以根据画面或者情感需要，自行确定事物的颜色。例如凡?高的《床》，整幅画面涂满了明黄的色调，如果真有这样颜色的一个屋子，人住进去恐怕要疯掉。但是凡?高这样的处理恰恰表现出他内心对生活强烈的热爱和身体内极具的难以爆发的热情。
在装饰性绘画中，艺术家可以增强或减弱画面的明度饱和度。装饰绘画的颜色可以是平面的，在自然写实色彩上，色彩的处理大多具有对空间塑造的立体功用，而在装饰色彩的应用中，此功能被削弱了，而更多色彩呈给我们的是平面性的色彩美感。比如画一个美丽的少女，如果运用具象的表现手法，画家要区分出少女身上亮部暗部等复杂的颜色，但如果是装饰性绘画，画家要做的则是撷取少女身上最漂亮，最吸引人，抑或是最能表达作者情感的那一部分颜色，实施平面似的涂抹。装饰性绘画的颜色通常具有具象绘画中颜色所不具备的冲击力和感染力。
3 总结
装饰绘画是种很奇特的艺术，它能同时具备人类的天真质朴和最深思熟虑的对美的追求和营造。历代大师都告诫我们：要用儿童的眼睛看世界。儿童的绘画是艺术发展到现在，我们认识到的，十分有境界的美。就像我们对埃及金字塔的望尘莫及和对原始艺术的无比怀念。或许，在人类诞生之初的装饰性艺术，就道出了艺术的本质。装饰绘画为我们开启了一扇最明了的，眺望美的窗。
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下面的是给你的成品论文，满意加分论文选择关键字：1.乡土油画题材在中国的地位、发展现状。2.油画语言的表达特点及独特规律。3.美术创作中怎样体现人文精神、民族。4.浅析中国经济与艺术发展关系。摘要：创作设计指导方向 1、版画 2、油画 3、平面设计论文指导方向：1、美术创作中的人性化运用。 2、油画创作的色彩运用3、书籍封面的构成。4、文学作品插图的艺术性。5、美术创作中的人性化运用中国版画研究：1.试析设计中绘画元素的运用。2.试论黑白木刻中点、线、面的运用。3.试析绘画中的形式与精神的关系。4.浅析黑白木刻中灰色的组织及表现。5.我看当代艺术理想的演变。6.绘画创作中的个性表现——谈谈我的毕业创作。7.中国山水画和西方风景画的比较。8.浅析中国画人物的形神论。9.传承、创新、流行——浅谈中国画艺术的现状。10当代西方绘画对中国绘画的影响。11当代室内设计的观点与发展。12装饰设计表现形态的多样性。13浅谈现代重色彩画中色彩的运用。14浅论谢赫的“六法论”对中国画的影响。古代园林与现代环艺设计。15传统因素在现代设计中的运用（比如中国画的造型、色彩、构图等因素在设计中的运用）。 16浅论《清明上河图》的历史地位以及影响。17现代流行文化对绘画的影响。18绘画（或设计）中的个人风格。19设计中的人性化问题。20论新具像绘画的兴起与其体现的时代特征。21论色彩的分寸及其在油画创作中的运用。22论线条在绘画语言中的表现力。23装饰设计表现形态的多样性。24色彩在室内设计中的运用。25绘画创作的技法与形式语言的研究。26少数民族服饰、用具图案的研究。27艺术作品中的情感、形式及表现因素。28室内装饰的精神的个性化。29广告发展中国际化与本土化。30论色彩的分寸及其在油画创作中的运用。31造型基础训练与创作及设计的关系。32艺术中的民族精神体现。33造型艺术中的个性化特征及寓于形式的“趣、奇、情、理”。34论绘画的再现与表现及写真与变实。35民间美术的发掘、传承与保护。36大美术”教学的社会调研。37少数民族服饰、用具图案的研究。38艺术作品中的情感、形式及表现因素。39寻找生命中的个性特征——关于绘画创作的思考40谈基础素描中的创造性思维。 41浅析艺术设计专业素描教学的意义。创作之我见—关于油画艺术的思考内容 提要： 美术作品的创作是一种复杂的精神活动和生产制作活动，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。 艺术 美是真善美的高度统一，它是一切艺术创作必须设定的自觉的目的。每个艺术家都应该在其作品中显现出他对于美的独特感受和理解。现实美和现实丑都是美术创作的源泉。通常被看作内容的东西，只是艺术借以表现自身的真正形式，而通常认为只是形式的东西，恰恰构成了一件艺术品的真正内容。美术作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。 关键词：艺术创作 艺术美 现实美 现实丑 内容 形式 美术作品的创作，是一种复杂的精神活动和生产制作活动。它包括两个相互衣存、互为表里的方面：一是对 社会 生活的观察、体验和审美认识；二是运用物质媒介材料和技艺手段将这种审美认识表现出来，使其物化。这样，一幅油画作品在成为艺术品之前，则要经历两个大的阶段，前者是创作的构思活动阶段，后者是美术创作的传达活动阶段。这种创作活动是一种追求艺术美的过程。那么，怎样的作品才是真正的艺术作品呢？或者说什么样的作品才具有艺术价值？苏珊-朗格说：“艺术是人类情感的符号形式的创造，一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式，这种创造出来的形式是供我们的感官去知觉或供我们想象的，而它所表现的东西就是人类情感。” 在希腊语中，艺术一词兼有两种涵义：一是指美的作品；二是指创造、技巧、技艺。艺术品就是具有审美价值的人工技术制品。由此，我们又可得出一点启示，当我们称赞一部艺术品优美时，往往是蕴涵着两层意义：一是指这件作品的表现形态非常优美，二是指这件作品的制作技艺非常优美。这两种不同的评价，前者对物、对作品。后者对人、对艺术家。一件真正的艺术作品，必须满足两个基本条件：一是它必须是人类劳动和智慧的创造物，二是它必须能给人以精神上的愉快感受，即具有审美价值。这两点，可以说是艺术品与伪艺术品相区别的根本特征。首先我们应当排除一种错觉。有人认为，凡是优美的事物，就都属于艺术。这种看法没有区分优美中的 自然 美与艺术美。而自然美尽管可以是艺术的对象，却绝不是真正的艺术本身。油画创作表现的是自然美，是对现实美的再创造。 但艺术美不等于自然美，它高于自然美。油画作品反映的是现实美，现实中美的事物或事物的美，是油画创作的有力根据或根源。比如，这样一幅生活情景：在暮色苍茫的天空下，有一对衣着朴素，身体健康的农民夫妇，在田野斜斜相对而言地站着，都低了头，把手放在胸前，身边倒着一辆手推车和一个盛满马铃薯的篮子。他们在辛勤劳动了一天正要回家的时候，远处传来了教堂的钟声，于是他们脸上现出虔诚肃穆的神色，双双心情平和地做起了晚祷。这不是法国19世纪 农村 典型的生活景象吗？在这幅生活景象中，我们看到的不正是劳动人民那种纯朴善良的性格美和人与人之间和谐诚挚的关系美吗？是的。但是，这种现实生活中的景色和美，是法国农民画家米勒在他的名作《晚钟》里为我们描绘出来的。现实的生活是丰富多彩的，美术正是以这种在一定 历史 条件下多彩的现实生活为源泉而创造的。现实中无论人、自然事物或社会事物，只要与人类的社会生活相关，都可以成为美术创作的源泉。假若没有丰富多彩的现实生活，也就不会有所谓的美术。当然，现实中有些不美或丑的事物，也可以成为美术创作的根据，反映到美术中来，经画家审美意识的加工改造而成为美术作品的艺术美。实际上，人们对艺术与美有许多误解。人们总是以为艺术就是美的；凡是不美的就不是艺术，丑是对艺术的否定。事实上，艺术并不一定都是美的。即是说美术既能根据美的现实而创造现实美，也能根据丑的现实反映现实丑，并且通过审美创造使现实丑转化为艺术美。为什么美的艺术可以表现丑恶？对于艺术家来说， 问题 并不在于表现对象的丑恶，而在于必须对丑恶作出卓越的表现。例如，在罗丹的雕刻名作《美丽的欧米哀尔》（又名《老妓》）中，现实的丑神奇地转化成了 艺术 的美。罗丹自己解释说：“平实的人总以凡是在现实中认为丑的，就不是艺术的材料——他们想禁止我们表现 自然 中使他们感到不愉快的和触犯他们的东西。这是他们的错误。在自然中一般人所谓“丑”，在艺术中能变成非常美、、、、、、委拉斯贵支画菲力浦四世的侏儒赛巴斯提恩时，他给他如此感人的眼光，使我们看了，立刻明白这个残废者内心的苦难——为了生存，不得不出卖他作为一个人的尊严，而变成一个玩物，一个活傀儡、、、、、、这个畸形的人，内心的苦越是强烈，艺术家的作品就越显得美，米勒表现一个可怜的农夫，一个被疲劳所摧残的、被太阳所炙晒的穷人，像一头遍体鳞伤的牲口似的呆钝，扶在锹柄上喘息时，只要在这受奴役者的脸上，刻画出他任凭“命运”的安排，便能使这个噩梦中的人物，变成全人类最好的象征。在作品中，现实丑的本质范畴转化了，其现实性削弱了，艺术性加强了。作品中的形象已经不是原来的现实中的丑的事物或人物，已经渗透了创作主体的认识、情感和评价等主观精神因素，从而成为一个典型形象。它从反面揭示出 社会 生活的本质真理，是形象的真理，亦即艺术的美。对丑的深刻剖析和否定，就是对美的肯定。罗丹的《老妓》是这样，委拉斯贵支的《赛巴斯提恩—莫拉》和米勒的《扶锄人》，朱耷的“白眼向人”的《荷花水鸟图》等都是这样。在国内外美术史上，有许多这样把现实丑转化为艺术美的成功之作。事实上，丑恶只是题材的丑恶，它只构成艺术作品的表现形式；而优美却来自艺术家的智慧和表现力的超绝，它形成了艺术作品的深层结构。由此可见，美的价值具有超越性。在自然美中，它超越自然，而达到仿佛拟人化的理性结构。而在人类的艺术中，它又超越了人类，仿佛回到了本色的自然，返噗归真。在油画作品中，通常被看作 内容 的东西，其实只是艺术借以表现自身的真正形式。而通常认为只是形式的东西，即艺术家对美的表现能力和技巧，恰恰构成了一件艺术作品的真正内容。人们对一件作品的估价，正是根据这种内容来确定的。拉斐尔的《圣母》像就是这样。在一个早以被表现过千百遍的旧题材中，他以自己的精湛造诣为之赋予了崭新的艺术内容。从而使这个已死的形式获得了新的灵魂和生命。他的这种艺术表现是如此深刻，正如黑格尔赞叹：“我们确实可以说，凡是妇女都可以有这样的情感，但却绝不是每一个妇女的面貌都可以完全表现出这样深刻的灵魂。”一个事物，只有当它以其现象的真实充分地体现出其本质的真理，以其具体的形式充分地表现出其内容的必然性，以其形象的个别性充分地显现出其种类的普遍性，而且这现象，这形式，这形象又必须是非常的突出，鲜明生动，那它才是美的。这就是美的 规律 。凡是美术作品都离不开形象，离不开生动的视觉形式；凡是优秀的美术作品都离不开创造高度真实、高度概括的视觉形象，离不开创造艺术典型；而创造了艺术典型的美术作品，都必定以其鲜明生动的视觉形式充分的表现出社会生活的真理，同时又都突出地体现出创作主体真挚的思想情感和个性的善。而这感情和善，作为审美价值，却体现了艺术在文化中内在的价值品格和价值理想。这就是艺术的美。在这个意义上，美术作品的艺术美，是真、善、美三位一体，高度统一的，在艺术审美经验中得到了融合。在油画创作中，艺术美是必然的。因为美，是一切艺术创作必须设定的自觉目的。每个艺术家，都应该在作品中显现他对于美的独特感受和理解。艺术理想的本质在于这样使外在的事物还原到具有心灵性的事物，因而使外在的现象符合心灵，成为心灵的表现。（黑格尔）而在 现代 社会，有些想借艺术平步青云的人，总是在思考着画什么，什么样的画才可以出名的 问题 。这种画缺少对艺术的真诚，缺乏那种能打动人的真实情感。这种人实际是在究研成功之路，而非 研究 艺术本身。画油画重要的不在于你画什么样的内容，内容只是作为一种载体来表达你对生活的种种感悟，对生活的态度。社会在不断 发展 ，我们的认识也在不断变化。绘画就是在记录这种变化，就像写日记一样，记录着对生活的理解，自己的感受，画自己感兴趣的，最激动人心的。其实可画的内容很多，关键在于能真实的反映生活，反映自己的真情实感。画画，最痛苦的莫过于心中有了灵感的火花，却无法把这种感动表现出来。黑格尔有名话很形象：“艺术家常遇到这种情形，他感到苦闷，但是由于把苦闷表现为形象，他的情绪的强度就缓和了，减弱了。甚至在眼泪里也藏着一种安慰。”绘画有时是一种情感的宣泄。绘画是一种视觉艺术，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。这种反映不是机械被动地照搬生活，而是一种高于生活的再创造。绘画创作是具有强烈个性和情感色彩的精神劳动，是生活与心灵碰撞之后激发出来的情感流露，，绘画作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。吴冠中说过：艺术家是最憧憬美的一群人。艺术家的天职就是要将自己血液中携带的，对人类的命运，前途那一缕淡淡的哀愁表现出来，感染他人引发思考。而我描绘生活在城市边缘人的印象，通过自己的视角观察体验 时代 的发展变化，用形象揭示人性中最善良，最质朴，最美好的一面。我深刻地感到他们有一种贴近我的心灵，伴随着我的呼吸的东西。具体说不清是什么，也许是一种感动吧！但他永远吸引着我，打动着我内心深处。 参考 文献 ：[1]《艺术的真谛》〔英〕赫伯特.里德著 王柯平译， 中国 人民大学出版社。[2]《美术社会观――当代美术与公共文化》 邹文著，人民大学出版社[3]《历代名画记》研究 袁有根著，北京图书馆出版社[4]《艺术 分析 与美学思辩》 何新著，时事出版社。[5]《美术概论》 高等 教育 出版社[6]《吴冠中速写意境》广东人民出版社[7]《李玉昌言谈录》 《中国油画》1997年第3期[8]《情感的寄托》 《中国油画》2003年第1期
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网上有类似的论文，你可以看看的。创作过程可以写的。关于格式，你们应该有论文指导老师吧
构图，意境，笔法，色彩运用，线条的运用，值得大家学习的地方要详细些，自己感觉画不足的地方也要指出。最重要的是要有个人见解。
简单说几句吧。首先要了解画家其人，体会其作品的意境，明白作品要表现的主题；二是要仔细研究作品的表现方法，每个人都有其自己习惯的绘画风格；三是要研究作品的创意布局和提拔落款以及闲章的位置和内容；四是仔细研究该作品中借鉴与其他大师作品的同工异曲的精彩体现。提醒一下，那就是写论文的基础要求还是要讲究的。
金庸，大紫荆勋贤（1924年2月6日—），原名查良镛( 查为姓时正音『渣』，zhā liáng yōng，英文Louis Cha)，金庸这个笔名正是其原名中镛分两半而来，取金子而又庸俗之意，浙江海宁人，当代著名作家、新闻学家、企业家、翻译员，《香港基本法》主要起草人之一。 华人界最知名的武侠小说作家之一。亦是香港新闻、文艺界的杰出创业者及评论家，以及著名的社会活动家。金庸是新派武侠小说最重要的代表作家，被普遍誉为武侠小说作家的「泰山北斗」，更有「金迷」们尊称其为「金大侠」或「查大侠」。 金庸生于1924年，祖籍为祖籍为江西婺源县
论金庸文学对青少年的性格影响
孔庆东，知道吗？在百家讲坛讲过课，写了好多关于金庸武侠小说的东西。你在网上一找就行。
大陆版本金庸作品大都是姜云行和王司马两位先生所作。姜云行为金庸小说作画计有6部，它们为《射雕》三部曲、《碧血剑》、《连城诀》、《鹿鼎记》。王司马先生作品包括《书剑恩仇录》、《雪山飞狐》、《飞狐外传》、《侠客行》（附《卅三剑客图》）、《天龙八部》、《笑傲江湖》、《鸳鸯刀》、《白马啸西风》、《越女剑》。金庸小说里的插图主要是姜云行和王司马两位先生画的。两人做画风格迥异。在笔法上王司马注重写意，姜云行扁好工笔；在构图上，王司马更讲究整体均衡，姜云行扁好把重心放在图案上部。王司马多选择恋爱或喝酒的场景，人物活动多在山中或酒店进行；姜云行多选择山中平地或村外开阔地带的打斗场面，人物常有凌空动作，哪怕是被抛向空中。《天龙八部》中的插图为王司马所作，《鹿鼎记》中的插图为姜云行所作，实为知人之举！ 陈淑芬和平凡夫妇也画过神雕侠侣和笑傲江湖啊！我很喜欢他们的画风，人物非常精致漂亮，非常有灵气，神韵也跟原著像了个十足！良心话，觉得张雅涵画的
课程设置雕塑系课程设置 1. 专业主修课程群 ⑴ 主修基础课（ 15 门） 泥塑头像，泥塑胸像，泥塑浮雕头像，泥塑 80cm 人体，泥塑 120cm 人体，泥塑 120cm 着衣人体，泥塑浮雕人体，泥塑等大男人体，泥塑等大女人体，泥塑肖像创作，雕塑概论、石雕技法普修，木雕技法普修，陶艺雕塑技法普修，金属雕塑技法普修，计算机雕塑设计。 ⑵ 主修方向课（ 28 门，各方向课程并行） 石雕方向：石雕技法（头像），石雕技法（人体），石雕技法（抽象），石雕公共艺术，石雕命题创作，石雕非命题创作，综合材料雕塑创作。 木雕方向：木雕技法（头像），木雕技法（人体），木雕技法（抽象），木雕技法（浮雕），木雕命题创作，木雕非命题创作，综合材料雕塑创作。 陶艺雕塑方向：陶艺雕塑技法（手拉坯），陶艺雕塑技法（泥条），陶艺雕塑技法（泥板），陶艺雕塑实用器皿创作，陶艺雕塑非具象创作，陶艺雕塑非命题创作，综合材料雕塑创作。 金属雕塑方向：金属雕塑技法（焊割工艺），金属雕塑技法（锻造工艺），金属雕塑技法（铸造工艺），金属雕塑公共艺术，金属雕塑命题创作，金属雕塑非命题创作，综合材料雕塑创作。 ⑶毕业创作与学位论文课（ 2 门） 毕业创作。 毕业论文。 2. 拓展延修课程群 ①延修基础课（ 10 门） 泥塑浮雕头像，雕塑概论，泥塑圆雕头像，雕塑 80cm 人体，泥塑 80cm 着衣人体，泥塑浮雕人体，泥塑 120cm 人体，泥塑肖像创作，石雕技法、木雕技法（二选一），陶艺雕塑技法、金属雕塑技法（二选一）。 ②延修方向课（ 16 门，各方向课程并行） 石雕方向：石雕技法（头像），石雕技法（人体），石雕命题创作，石雕非命题创作。 木雕方向：木雕技法（头像），木雕技法（人体），木雕命题创作，木雕非命题创作。 陶艺雕塑方向：陶艺雕塑技法（泥条），陶艺雕塑技法（泥板），陶艺雕塑命题创作（实用器皿），陶艺雕塑非命题创作。 金属雕塑方向：金属雕塑技法（焊割工艺），金属雕塑技法（锻造工艺），金属雕塑命题创作，金属雕塑非命题创作。 3. 拓展续修课程群 ①续修基础课（ 7 门） 泥塑头像速塑，泥塑超大头像，艺术考察，泥塑人体对应训练（写生），泥塑衣纹训练圆雕，泥塑衣纹训练浮雕，泥塑等大着衣人体。 ②续修方向课（ 16 门，各方向课程并行） 石雕方向：石雕浮雕，石雕材料拼接构成，泥塑人体形态研究，综合材料雕塑创作。 木雕方向：木雕造型拼接技法与创作，木雕技法（传统木雕临摹）泥塑人体形态研究，综合材料雕塑创作。 陶艺雕塑方向：陶瓷灌浆、印模技法与创作，陶艺雕塑创作与其烧制方法，泥塑人体形态研究，综合材料雕塑创作。 金属雕塑方向：金属雕塑组合技法（铆接与编织工艺），金属雕塑技法表面处理工艺，泥塑人体形态研究，综合材料雕塑创作。
如今的美术教育已越来越被人们重视，人们也清楚地认识到美术教育是提高儿童素质教育的一个重要途径。在新《课程标准》的指引下，有关搞好素质教育的思想和观念在不断地更新发展。在美术教育中，目前提得最多的就是培养儿童的创新能力。现今的美术课堂，创新似乎成了一个永恒的话题，的确我们的社会需要创新，未来的社会接班人需要有创新意识。创新会使一个民族充满活力；创新会使人处于竞争位置的主动；创新会促进儿童思维的活跃性，能发展儿童的多方面的才能。在美术教学中，我们总希望学生通过美术学习能具有良好的创新思维和创新能力。然而我们要怎样才能使学生通过学习来提高自身的创新思维和创新能力呢？在美术课堂教学中，常常有这样的现象：在我出示示范作品或其他学生的优秀作品时，学生总会发出“哗哗”的惊叹声，而我请他们说说这画漂亮或好在哪里时，他们又说不出所以然。在课堂作业中很多学生习惯于临摹书上的示范画，当老师一再强调要自己创作时，他们的作业也往往显得单调乏味。分析原因，很多人认为是学生缺乏学习兴趣或态度不端正。然而是否如此呢，我们又该怎么做呢？当然面对这样的现象我们不可不分析原因就武断地下此结论，我们知道每个儿童至小就喜欢随意涂鸦，往往还乐此不疲。但却有不少的儿童在学习中逐渐失去对美术学习的兴趣。原因又是什么呢？由于儿童在一定的时期其动手能力和对美术的认识水平没有提高，达不到一定的层次时，他们就不能坚持美术学习，对美术的兴趣和热爱就会随着年龄一天天的增长而减弱，学生的创新思维和创新能力也就无从谈起了。显然在儿童的美术学习中若要保证学生不断的学习兴趣就应从培养他们的动手能力和对美术的认识水平着手，只有儿童对美术学科知识的把握能力达到一定的水平时才能有良好的创新思维和创新表现。我们认为最直接影响儿童动手能力和对美术的认识水平的关键是：他们是否理解和掌握了一定的美术语言。掌握一定的美术语言是进行美术的创作与评价的前提和基础，是打开艺术大门的钥匙。同时，掌握一定的美术语言，也将会有助于培养儿童的情感体验和表达能力，提高儿童的创新意识。我们也曾对部分学生作过咨询，发现美术创作能力强的学生明显比创作能力较弱的学生知道的美术语言要多；在进行作品欣赏时也能初步运用美术语言进行分析评价。对于传统的教学观念，美术课堂教学只注重专业化的知识和技能的反复训练，导致儿童在表现方法上往往只知其然不知其所以然。久而久之也必然抑制了儿童动手能力及个性的发展和创新能力的发挥。新的教育理念要求对儿童的教育是让儿童快乐地学习，在美术学习的过程中，教师应选择基础的、有利于学生发展的美术知识与技能，让学生逐步体会美术学习的特征，形成基本的美术素养和学习能力，为终身学习奠定基础。正是基于这样的理念指导，我们在小学美术课堂教学中加强美术语言的认识与创新运用方面做了一些尝试。在实践中主要通过课堂教学中有意识地引导学生对美术语言的认识与创新运用，让学生灵活理解和运用相关的美术语言与技能，让学生乐于参与美术活动，激发学生的想象力和加强学生的批判、欣赏能力，并尝试以恰当的美术语言进行美术创作和对美术作品大胆地分析评价。在美术创作中引导学生综合运用，增进其对物质世界和自然现象与美术特质的相互关系的认识，培养学生的审美能力和创新能力。因此，在教学实践中我们以引导儿童认识和理解一定的美术语言，并进行合理创新运用为主线开展教学探究。具体操作从以下几个方面进行。一、引导儿童对美术作品中美术语言的认识与理解一切美术作品的制作都必须通过对美术语言的运用才能得以完成。我们创作一件美术作品需要美术语言，否则不管我们是要创作好一件美术作品还是要对美术作品进行正确的欣赏都将无从谈起。针对儿童面对优秀作品时只会赞叹，而说不出具体原由，创作时始终只能停留在涂鸦状态的现象，我们不妨想想，他们掌握和理解了多少相关的美术语言呢？在美术创作中，任何一件美术作品它都有其一定的表现技法和形式。这些技法和表现形式在作品中表现出来的也就是相应的美术语言。那么我们首先要让儿童在美术学习中认识和理解一些美术语言。在课堂教学中通过各种美术作品引导儿童欣赏，认识什么是美术语言，有哪些美术语言。美术的语言一般由形状、线条、色彩、纹理等因素构成，它们可以通过各种各样的巧妙组合，创造出各种各样、千变万化的视觉形象，表达丰富复杂的客观物象与思想情感。从广义上讲它又可分成构成因素的美术语言和构成原理的美术语言两大类。在教学中我们可根据学生的具体情况和实际水平采取相应的侧重教学。1、侧重构成因素的美术语言的认识教学中出示优秀的儿童美术作品，让学生找一找作品中有哪些构成因素。如：点、线、形状、色彩、结构、明暗、空间、材质、肌理等。这些是作品中呈现其基本形象的美术语言，让学生理解这些美术语言，并鼓励学生在作业中发挥自己的个性，大胆运用这些构成因素进行表现，允许学生的差异性。对于同一种构成因素的语言，不同的学生或表现材料、工具不一样最终表现出来的效果也会是不同的。拿线条语言来讲，假如画一个杯子，当我们拿起笔在纸上描绘它们时，笔痕一出现在纸上，就开始了从实物向视觉形象的转化过程。杯子在画面上变成了由线条构成的形状结构。由于使用的工具不同、颜色不同、粗细不同、深浅不同，各种线条也就表现出不同的韵味与视觉效果。在众多的作品欣赏中，很多作品都对同一物品进行表现，所采用的表现语言也各有不同。因此教师可以引导学生对这些作品观察、分析，对比它们所表现出来的韵味与视觉效果有什么不同。如在上第八册《蔬果写生》这一课时，先安排学生欣赏几幅优秀的静物写生作品，了解作品中涉及到呈现物象的基本构成因素：在作品背景衬布的表现上有的用重叠的线；有的用随意而密集的点；有的用单一而灰暗的颜色，也有的用多种而鲜艳的颜色；还有的用树皮印制等。在欣赏中学生对不同的形象效果发表了自己的见解，理解了画面中形象语言的作用。在这样的认识与理解学习中也为学生的作业和创作打下了良好的基础。2、侧重构成原理的美术语言的认识构成因素在形成一件完整的作品时也必将反映出一定的美术构成原理。如：多样统一、比例、对称、平衡、节奏、对比、和谐等。在欣赏优秀作品时，引导学生找一找作品中用到的构成因素，在这些因素中又体现了哪些构成原理。如在一次六年级的欣赏活动中，在教室里布置了大量的美术作品，有泥塑的，有素描画，有色彩画，有废旧材料的工艺品等。首先让学生观察欣赏美术作品，然后请学生说说这些作品中用到了哪些材料和技法。学生在观察中做到细致认真，很快能说出作品中所用的材料和技法。而后又要求学生每个人选取两件不同的作品，说说这两件作品所涉及到的构成原理的美术语言有什么不同，它们所表达出来的感觉又有什么不同。其中有一学生选择了一件建筑线描速写和一件色彩静物作品，他对两幅作品作了一些分析：线描作品中主要是通过线条来表现物体，线条的疏密、粗细体现了一种节奏感，画面给人轻松而愉快的感觉。另一幅作品主要是通过色彩来表现的，作品中最亮的色彩接近于白色，最深的接近于黑色，另外还有橙色和少量的红色与较多的不同层次的蓝绿对比，形成强烈中有柔和的对比，使人看到这幅作品有一种阳光灿烂的感觉。在美术活动中多引导学生对作品作分析比较，谈谈自己的感受，使学生逐渐关注对美术作品的表现形式，潜移默化中掌握了更多的美术语言，评论时也能初步运用适当的美术用语进行评价。当然，对于美术语言的掌握不同阶段的学生要有不同要求。如低年级学生注重认识和理解一些简单、基本的美术语言，如，点、线、形状、对称等；高年级可认识理解明暗、肌理、节奏、和谐、平衡等，并能试着把这些用于欣赏评价和创作中。二、引导儿童在美术作品制作中对美术语言的创新运用美术语言的表现手法没有一成不变的，只要敢于尝试就会有更多适合表达我们内心情感的新的表现方法。作为教师，主要任务就是要教给学生如何创造性地运用各式各样的绘画语言的方法以及思维方式。在教学中我通过多种方式来引导学生对美术表现语言进行创新运用，让学生以更充分、更准确表达方式来表达自己对事物的感受，展示自己的个性。1、多向训练，增强美术作品表现语言的丰富性。（1）表现形式拓展训练比如绘画中在线条的运用上，我们启发学生用线的扩展与重复、重叠与交错、粗细与轻重、深浅与疏密的不同感觉表现不同的事物。在作业中也可自行创造线的表现形式。我们还引导学生到生活中去发现线条语言中的一些基本因素。比如让学生观察室内，可以发现许多不同的线条与线条组合：粗犷的大结构线条、精致的局部线条、优美柔和的起伏线条等等。在各种各样的线条中，有的疏散、有的密集。还进一步引导学生观察各种线条是如何结合、交叉在一起的。在学生独自观察与感受的基础上，让他们按照自己的意愿用线条去进行表现，就可以表现出有不同特点的视觉画面，可以避免学生刻意模仿的痕迹，培养出学生的独特个性。学生对这样的训练表现出极大的兴趣，经过大胆的尝试，有的很有创意地创造出排线、丁头弧线、不规则的十字网线、弧状交错线、多向散状交错线等。（2）材料、技法活用训练在通过多种材料和多种技法的运用学习以后，启发学生收集各种废旧材料，利用材料的不同质地、纹理表现出不同的肌理，不同形式感的艺术效果。在儿童美术创作中，还可启发学生用不同的手法来制作。如：涂、吹、压、印、洒、揉、擦、刻、刮、粘、刷、染……学生在这样的创新尝试中也表现出了极大的积极性，也非常活跃，在多种方法的运用中学生也表现出了极大的创新能力，在制作中似乎每个人都要做到表现手法和形式与众不同。如在上半年的四年级里我们安排一节综合制作课，让学生收集各种树叶等材料，在作业中有的学生用树叶剪贴，有的用树叶、纸团等印制，有的结合牙刷喷印……在制作中学生表现得很投入，积极运用多种材料和方法进行组合表现。从学生的作品中能真正感受到他们的童趣和天真。
没那么长的，几个拼凑吧！111111111111“实践是检验真理的唯一标准”，可见“实践”在指导人们认识和改造世界的过程中的重要作用。所以我们平时说理论联系实际，即我们要接受新的知识获得新的技能，仅凭口头说教是不行的，必须得通过实践。对于美术的学习也是这样。首先我们要明确学习的目的，即通过美术的学习激发创造精神，发展美术实践能力，形成基本的美术素养，陶冶高尚的审美情操，完善人格。而要达到这个目的就要通过学习个体即学生本人以个人或集体合作的方式参与各种美术活动，尝试各种工具，材料和制作过程来体验美术活动和乐趣。而对于初中阶段的学生来说，其艺术实践的能力却可受到内在及处在诸多因素的影响。其一，个人兴趣是学生艺术实践的源动力。兴趣是最好的老师，对某个领域非常热爱的人，必将对这一领域具有强烈的好奇心和求知欲，美术是一门艺术学科，是进行审美教育的主要途径，国民整体素质的提高离不开美术教育，而出类拔萃者则为数不多，所以我们不能苛求将每一个学生都培养成为一名画家，因为初中阶段的教育是基础教育，只有在整体培养的基础上去发现，挖掘其具有艺术素养的学生，使其在文化修养提高的同时，艺术天赋也不至于被埋没，丢失，这就需要课余时间多向这一方向倾向，以不至于象古时的方仲永，久而生疏，直至成为一名平庸之人。其二，重视学生艺术实践活动中学生的主导地位。新课程改革要求教师解放思想，一改以往传统的教学模式，使学生被动的接受变为主动的学习，教师要成为学生学习的组织者和参与者，这就要看教师通过什么样的方法和手段，能够让学生乐于学习，主动学习这也是我们每一位教师最关心的一个问题。在初中美术的教学中，我也尝试过让学生主动的观察事物，表现事物，让他们体味其中的乐趣。而学生自身的顽皮性和依赖性以及意识形态的不成熟性，成为他们自主学习中的最大障碍，长期以来被动的接受，不动脑思考，老师布置点我完成点的思想在他们头脑中根深蒂固，他们根本不会去挖掘教材之外的东西，也根本不会顾及课程的延伸与关联。因此，此次新课改最重要的一个方面就是要彻底地进行学生学习方式的变革，使学生真正成为学习的主力军，能够自己学会发现问题，解决问题，自己参与校本课程的研究性学习。其三，在学生价值观，人生观尚未完全形为重要成的前提下，学生艺术实践中教师的指导作用也显得尤为重要。例如，在一堂写生课中，我把学生分为四组，让他们统一到操场上，然后分散，每个同学自己去找写生对象。安排好任务后，我说三十分钟后检查，然后看了看表，再看同学们，他们也是你看我，我看你，有的用嘴咬画纸咬钻笔，我说开始呀，他们仍无动于衷，一个大胆的学生突然说：老师，操场上空荡荡的，画什么呀？我说：同学们，仔细看看，咱们操场上有什么呀？同学们都说，蓝球架，单杠。我说，再往四周看看。“有树，房子。”同学们都异口同声，我因势利导，：“第一组画蓝球架，第二组画树，第三组画房子，第四组画自行车。”同学们都找到写生对象了。于是便分散开来，针对自己的写生对象开始观察了。通过这次课堂写生实践，我发觉到了老师指导作用的重要性。我们一方面在强调学生自主学习，主动学习的前提下，对于教师在学生学习过程中的正确引导，组织也不容忽视，因为我们必定受过专业的教育，人生观，价值观也相对形成，所以作为新课程的实施者，必须从着对学生负责，对自己负责的角度，做好自己应该做好的角色。美术课是门技能，实践性较强的学科，审美能力的提高，艺术修养的形成，重要通过学生的艺术实践来亲身体验，因此，新的课程改革也赋予美术教育工作者以新的任务，要求广大美术教师以新的教学理念，方法对学生们实施教育，并能配合好其他各科教师，搞好课程资源的整合，充分发挥学生的个性，潜能，创造力，培养适应二十一世纪社会、科技、经济发展的国际竞争力的22222222222222中外小学美术教育管窥 论文 2006-8-13 1:15:49 不详近十来年，中国美术教育取得了令人瞩目的成绩。从颁布《中小学美术教学大纲》之日起，以中国特色为 前提的基础美术教育体系初步形成，特别是小学美术教育涉及面之广大、体系之完备（大纲、课程、教材等） 让人感到欣慰。然而，与境外发达国家、地区的美术教育比较起来虽各有优劣，但综合权衡起来，又不得不承 认在许多方面还存在一定的差距，本文想就此谈一些粗浅的认识。 一、从美术教育的目的任务来看。 德国巴伐利亚州（1985年颁布）小学美术教育目的任务是，为儿童提供自由绘画的机会，激发他们丰富的想象力；使儿童在自己的艺术创造中得到快乐，发展他们多方面的创造能力；教师应指导儿童有意识地注意和观察，在熟悉制作的工具、材料和技能基础上，发挥他们的表现能力（绘画语言和表达方式）；参观教堂和博物馆，使儿童有机会看到真正的艺术品；使儿童在年度的节日庆祝活动中进行装饰布置和多种形式的游戏 表演。 日本文部省（1980年实施）新订的小学美术学习指导精神（目的任务）：①培养具有完美人性的孩子；②培养儿童热爱自然和社会的审美情操；③努力发掘每一个儿童独立思考的创造性智能和技能；④造就轻松、活泼、充实的校园生活气氛；⑤在尊重普遍道德原则的同时、对孩子进行适合其个性和能力的教育；⑥精选教学内容，调整授课时间；⑦各校谋求更加具有弹性的教育，即根据各地区儿童的不同情况，制定贴切可行、 各具创意的教育方式。 我国1988年国家教委颁发的小学美术教学大纲中提出美术教育的目的是：①小学美术课应使学生掌握 浅显的美术基础知识和简单的造型技能；②在教学中着重培养学生高尚的审美情趣和爱国主义情感，加强品德 、意志的培养；③逐步提高学生的观察能力、形象记忆能力、想象能力和创造能力。 从大纲制定的教学目的来看，德国、日本的美术教育注重素质的培养，重视人的创造能力与评价能力，强 调个性形成，注意与其他学科的相互联系，把美术教育作为全面育人的重要组成部分，通过美术的教育获得全 面谐调的人，将生活乐趣、艺术实践、社会服务三者统一。我国的小学美术教育除了讲究智力和才能的发展外 ，主要强调知识的传授和技能的掌握，特别考虑政治前提下的爱国主义为主题的美育。这说明中国在小学美术 教育立足民族的基础和本国国情，正在逐步向以素质教育为主的方向转换。 二、从课程设置和教学内容的安排来看 德国、日本普遍重视美术，小学美术课时安排每周2—4小时，多于我国小学美术每周2课时（不能保证）的安排，从时间上保证了孩子们的学习。美术科在学校教育中与语言、数学等其它学科具有完全等同的地位。绘画、立体制作和生活用品制作占有很大比例。德国还把舞台表演与布置（综合艺术）纳入艺术造型艺术进行学习。教学内容的安排非常广泛，德国没有统一的教科书，只有以大纲形式印发的教学建议，低年级不单独开设美术课，内容的选择几乎由美术教学全国规划。日本虽有美术教科书，也体现出很大的自主性和灵活性。教学内容做到以提示、启发、引导为主，注重培养学生的观察、想象、实践、创造能力。以小学一年级为例， 摘录如下： 德国巴伐利亚州：①学习内容——用彩色铅笔或粉笔进行绘画（儿童遇到的人和物）；学习目的——激发想象创造。题目的例子——我和我的圆锥形纸袋（德国风俗，新生入校第一天每人带一个彩色圆锥纸袋）；我喜欢的人；我们的街道；30号的孩子们；有两个鼻子的女巫；山谷中旅行遇到了侏儒；修长的汉斯；肥胖的迪思。题目举例——“这样一个女巫”的教学，首先朗读或讲述，接用一个布袋木偶进行表演；儿童自己设想各种女巫，如天气女巫，并描绘出她们的外表；尔后儿童绘画；最后共同观看完成的图画。 除以上内容外，还有②舞台的景象；③用管状颜料印花；④用水彩色绘画的基本常识；⑤填色画；⑥观看 图画等。 日本的低年级美术教学内容则包括：造型性的游戏（玩砂、化妆等）、绘画立体（泥塑、纸模型等）表现、制作使用物品和观赏作品。教科书很少介绍作画和制作的必要知识，而是以学生们的作业（作品）再配上简短生动的文字启发、引导他们去思考、想象、创造。课题有：《画相扑》、《买果汁》、《到了花之国》、《 贺卡》、《请柬》等等。 我国一年级美术教学内容以人民教育出版社为例：有基本形状和色彩的认识；画出生活中与此形相似的某些事物，如方的手绢、圆的气球和三角形的小旗、制作拉花、小彩旗、泥塑小动物等。有些省编教材，像湖南新编的九年制义务教育小学美术第一册还有撕贴、折剪等乡土美术内容。在教材内容的安排上，受大纲指导，考虑得很完善、很周全，在某种程度上优于国外，但在美术课时的安排上归类为“小三门”（音、体、美）之末，绝大多数学校（特别是乡村小学）是不能完成教学任务的。我国的小学美术还只能是起调节语、数主科的间歇课，课程设置和实施与大纲教科书形成一定反差。中国的基础美术教育还需从教学的条件上来保证贯彻落 实。 三、从教学的条件上来看。 德国、日本属于经济发达科技先进的国家，有能力多途径支持教育，在小学美术教育上充分体现出来。德 、日两国各学校均有专门的劳动、美术教学。教学设施相当完备，除了必需的绘画工具材料外，还有各种木工、美工造型机械的工具，便于学生制作不同材质的工艺物品，各种标本、写生教具一应俱全，让学生按需所取，潜心投入美术的学习之中。有些学校的美术教学条件是中国专业画家都无法相比的。两个国家的教师工作都很忙，地位也很高，教师必须取得相应较高的职业文凭和执照才能当一名美术教师。多数学校的校园环境和校外环境都注意艺术的影响，学生能够经常去博物馆、美术馆、展览馆参观、欣赏品位较高的美术作品。 中国的经济起步迟，教育的投入很少，相比德、日的教学条件就显得寒酸。大、中城市的小学美术教学条 件很不健全，师资素质较低，缺少场地和设备，加之对学校美术课程的不够重视，中国小学美术以素质培养为 主导的教学还显得很薄弱。 四、从课程教学形式来看。 德日学校课堂授课完全是开放式的。教师只是提出任务，稍加启示，大部分时间都是让学生各取所需，各得其乐，让学生在成功里进步，在失败中吸取教训、总结经验。教师是活动课程的准备者、组织者，只在学生有困难需要帮助时，教师才帮助他们，真正体现着以学生为主体。 我国小学课堂授课绝大部分采取的严谨的准备，一环一环进行教学程序，追求课堂的主动性，以保证完成教学任务，主要还是教师为主导，学生大多只是被动地吸收。听课看课都讲究形式，实际效果如何是不管的。很多优秀的课，都只是以形式丰富多彩，像唱戏式的用上很多道具来评定的，讲得细、讲得全、讲得稳，就是好。课堂授课还受到很多局限，教者费心，学者费力。 课堂授课的开放与束缚、灵活与机械对学生一生的学习和工作有着深远的影响。从近期目的来说，中国的基础教学好，而长远来说，各种能力，包括学习的能力就显得比外国学生差些，不少升入高一级学校就读的学生并不是掌握了创造性的学习方法，而是通过大量的加强补习或“勤学苦练”来取得的，造成了有些学生高分低能、动手能力差的状况。德、日学生就显得有魄力、有能力、有闯劲。 五、从教学效果来看。 德、日美术教育以全国的重视和有利的条件，保证了美术教育以至艺术教育的普及与实施，学生整体艺术 素质要比我国的高，以至于所有国民对工作、对生活的艺术品位都显得高雅、文明，对工作对事业也就求新、求异、讲究创造性。由于社会制度的原因，德、日中小学生在升学、就业的多种学科选择中，还直接影响到美术素养的提高与发展。进入美术院校学习或从事专业美术的人才毕竟是极少数。这并不影响到国家的美术教育 的目的。像日本和光大学教授藤泽典明所说：“我们通过这个学科（美术）的教育，目的不是培养理解美术知识和掌握相关技能的‘美术修养’的人，更不是造就画家、雕刻家和图案设计师，而是在普遍一般的教育中，透过美术的教育获得全面谐调能力的人，而非偏重智育的不平衡的人。” 我国的美术教育效果和现状极不平衡，大中城市比乡村要好，沿海地区比内地、比边远地区要好。全面发展尤为突出者有之，在国际绘画、制作比赛中获金奖者有之，画家、美术家辈出，基础教育好的一面是世界其它国家无法相比的。当然，这还得力于有条件进行校外培养教育的部门和家庭，从小从早望子成龙是中国教育的一种特殊现象。然而，破烂的校舍、缺少专业教师、没有教学设备和没钱上学的学龄儿童还客观存在，这不 能不令人担忧。中国美术教育要面向不同地域、不同民族、不同经济条件和不同受教育者，想必是艰难的。 综上所述，我国美术教育的规划设想、前景是好的，与国外发达国家相比，在教育的目的、教学的内容、 条件、效果上看还存在一定的差距。随着经济的飞速发展，中国的基础美术教育事业将在不遥远的将来，跻身 世界先进行列。这在近两年来涌现的新型寄宿制学校里，开始得到体现，使我们看到了希望。湖南长沙麓山国际实验学校凭借一流的设施、一流的师资、一流的管理水平推行中、小学教育教学的整体改革实验，其中在美术教育方面就有较大的教改举措，并取得了较好的成绩，现一并介绍如下： 1．完善美术教学设施，创造良好的学习条件。学校备有专门的美术教室、专用课桌、石膏模型、画板、 画夹、实物投影仪、造型灯具等一应俱全。学生绘画用的纸张、颜料、画笔等工具材料，均由学校按需发给。 这样既方便了教师指导，又有利于学生练习。 2．聘请专业教师执教，提高师资业务水平。学校在全省乃至全国范围内选聘优秀教师，其中对美术教师的要求是很高的。凡被聘用的美术教师必须具有美术专科以上学历，有专业强项，有三年以上美术教学经验，有一定的教育教学成果，而且均须通过试教和试用考查。对正式聘用的美术教师，学校定期组织外出参观学习 ，帮助他们积累经验、开阔眼界、提高业务水平。 3．增加授课时量，保证学生训练时间。普通班开足国家教委规定的美术课总量，每班每周两课时。学校将两课时连续编排，节约了课前准备和下课收拾用具时间，便于教师系统授课，保证了学生训练时间。美术加强班的美术课每周安排6课时，另加4节课外活动，做到课内外有机结合。 4．改进教学方法，提高教学质量。教学内容上以省编小学美术教材为蓝本，参照其他教材和用书，灵活 的选择，充实了儿童想象画、记忆画、手工制作、立体构成等教学内容。教学方法上以启发诱导、游戏活动为 主，注重培养学生观察、想象、实践创造的能力。 5．开展丰富多彩的活动，优化教学环境。在美术教学方面，学校经常举办作品展优、组织参加各级绘画比赛、促进学生的学习劲头。同时重视隐型教育对学生美育的影响，队报班刊、宣传橱窗的内容定期更换；教室内和走廊上张贴着伟人画像、格言；会议室、活动室及大厅里悬挂着精美的壁画或名画；校训、誓词及巨幅标语镶嵌在洁白的墙壁上……这一切的一切无不给学生以美的熏陶，爱的启迪。正是在这样的氛围中，学生发现美、欣赏美、创造美的能力得以大大地提高。两年来，学生的美术作品在省、市级刊物上发表的有20余幅 ，在市级以上竞赛中获奖的有110多件。