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1,发扬了俄罗斯式的平稳,优美和动作自由,宽广的风格.2,芭蕾舞曲作品充满了人道主义思想和深刻的内涵,对情感的表达极为真诚3芭蕾的戏剧性很强,并且富有强烈的艺术表现力,艺术风格热情,豪放.4舞蹈动作十分质朴,适度,柔和.5演员技术全面,能力强,擅长做各种大的跳月和复杂极速的旋转.参考书目<芭蕾舞及教学论研究>作者:李永明
1、俄罗斯学派对于身材的要求比较高，腿的长度，肌肉形状都比较看重：2、俄罗斯学派的高难度技巧动作比较多，也就是说对于腿部力量，脚腕力量要求较高，而对于表现力（当然也很重要）就不是最看重的其实我知道的也很少……
俄国芭蕾吸收了意大利、法兰西和丹麦三大学派的精华，在本国民族文学艺术的民主主义传统的基础上，结 合俄罗斯演员的形体特点，创立了俄罗斯芭蕾教学体系。在这个体系的创立阶段，约翰松和切凯第作出了杰出的 贡献。约翰松（ 1）人物简介原籍瑞典，1841年起担任彼得堡马利亚剧院的主要演员，以舞蹈洒脱、动作风格优美而著称。：1869年起专 门从事教学工作。在俄国进行表演活动达20多年之久，长期观察分析过俄罗斯演员和学生，所以能准确地抓住 俄国学生的特点，加上他是布农维尔的高足，熟悉丹麦学派，具备为俄罗斯学派奠定基础所必不可少的条件。（ 2）主要成就培养出盖尔特、尼•列加特、克舍辛斯卡娅、普列奥勃拉仁斯卡娅、巴甫洛娃等著名舞蹈家。彼季帕也常常 到他的班上进修，并从他的练习组合中汲取养料，用于自己的编舞实践中。（ 3）主要思想反对意大利学派片面追求高难动作的纯技术观点，但仔细借鉴吸收他们的舞蹈技巧，充实自己的课堂教学 内容。既反对把示范变成强制学生仿效的模式，而又强调教师必须亲自示范。（ 4）教学法特点对学生因材施教，要求极其严格；在发挥学生的天生优异条件的同时更加注意克服他的缺陷，培养他摆脱舞台上的任何困境的能力；把技术当作表现手段而不是目的本身.经常改进教学方法和创造性地对待教学。为了保持学生的鲜明的个人特色，往往不惜放弃古典学院派的严格规范。课程类型多样，不重复。切凯第（1） 人物简介幼年在意大利佛罗伦萨舞蹈学院学习，老师是勃拉齐斯的学生列普利。1870年进入“拉•斯卡拉”剧院。 以后又到过丹麦、荷兰、挪威、德国、奥地利等国。1892年被聘为马利亚剧院的排练者，后又兼任教师。他还 曾与彼季帕和伊凡诺夫合作，编导《》第一、三幕的舞蹈。（ 2）主要成就1911-1921年他担任佳吉列夫芭蕾舞团的教师兼排练者，对西欧芭蕾的复兴起了很大的作用。好几代俄罗斯芭蕾演员，其中包括巴甫洛娃、卡尔萨文娜、瓦冈诺娃、里法尔、莫尔德金等都出自切凯第 的门下。（ 3）“切凯弟体系”切凯第结合实际情况专门为俄国学生制定了一套很有特点的教学法，后来由英国舞蹈理论家西里尔•波蒙 特和伊济科夫斯基合作整理，1922年在伦敦刊印出版，书名是：《按照切凯第方法讲授古典戏剧舞蹈的理论与实 践的教材》，这就是通常称之为“切凯弟体系”的标准教科书。该体系的特色是对芭蕾主要动作进行分类、系统地整理，对每一个动作的性格和规格要点作出了比较细致 的讲解。直到现在，这项工作仍在进行，切凯第体系对英国乃至世界古典芭蕾有着巨大的影响。
世界芭蕾舞的门派分类和风格特点有哪些
芭蕾舞是非常美的舞蹈，学习芭蕾舞的人也非常多。下面我为大家搜索整理了世界芭蕾舞的门派分类和风格特点有哪些，欢迎大家阅读。
世界芭蕾舞的门派分类和风格特点
芭蕾(Ballet)起源于欧洲文艺复兴时期的意大利，兴盛于法国，鼎盛于俄国，之后从俄国走向全世界。在500多年的发展过程当中，芭蕾先后经历了五大时期：早期芭蕾时期(启蒙主义时期)、浪漫芭蕾时期、古典芭蕾时期、现代芭蕾时期，最后是当代芭蕾时期。几百年来，芭蕾以他无穷的魅力、顽强的生命力活跃在世界舞坛。
芭蕾在发展之初是没有脚尖技术的，在经历了文艺复兴、古典主义、启蒙运动、浪漫主义、现实主义等较长、复杂的发展阶段之后，知道19世纪20年代，矫健的精湛技艺才获得了重大的发展，而今天的芭蕾经过几百年的发展后形成了一套系统的、科学的、趋于完美的、世界上没有任何训练人体可以取代的教学体系，并在这个基础上形成了世界公认的六大芭蕾学派：意大利学派、法兰西学派、俄罗斯学派、丹麦学派、英国学派和美国学派，这六大学派都有共同的审美特征及外形特征，不过，它们又有各自不同的文化背景、教育思想、风格特点和训练细节，如，在风格上意大利学派简劲，法兰西学派妩媚，俄罗斯学派豪放，丹麦学派轻盈，英国学派细腻，美国学派现代。对于中国来讲“芭蕾”是舶来品，对中国芭蕾影响最深的是俄罗斯学派，从上个世纪80年代之后，世界其他国家和其他学派的芭蕾开始进入我国，为我国芭蕾的发展注入了新鲜的血液。
芭蕾在经过了几百年历史的发展和考验后，一比人们公认为一门课科学的、系统的艺术瑰宝，作为舞蹈艺术的种类之一，在社会教育的活动中担负着两大职责：一是为国家培养舞蹈专业人才;二是在社会上进行广泛的审美教育。
芭蕾基训课是舞蹈教学中的一门主课，它决定学生和演员的舞蹈基本技术素养。
作为一门诞生于文艺复兴时期的西方高雅艺术，芭蕾保留着古希腊、古罗马那种对上天及日月的敬仰，追求独立的人格、向往自由、崇尚运动及健美的体格。西方芭蕾艺术的体态表现出的审美特征与东方舞蹈截然不同，它要求舞者修长的形体线条、要求腿脚的外开并要求动作中四肢有延伸的感觉，在舞蹈表演中不但有脚尖站立、腾空大跳、向上托举等高贵、典雅的舞姿，所有的动作力图摆脱地球的引力、极力向空间升腾等等，是芭蕾艺术呈现出自信、张扬、高贵与支配一切的强烈人文精神。芭蕾的轻盈飘逸、热情奔放的美学标准体现了西欧这种向上升腾、超越自己的艺术形态。
在芭蕾的发源地——意大利，早期的芭蕾不同于建筑、美术这些传统的艺术，它更倾向于一种贵族的生活时尚，当时的芭蕾舞蹈演出也仅仅是各国君主炫耀自己的权利和财富的工具。
意大利的芭蕾富丽、高雅、动作力度较强，它的特点是：
1、舞姿优雅与和谐，动作过程简洁、干净、准确;
2、技术娴熟、风格严谨;3、演员肌肉十分有力量;
4、追求高难度的舞蹈技巧、动作与技巧速度快、线条清晰、棱角分明;
5、小跳动作快速、灵巧，十分独特;
6、旋转技术高超，并且花样独特、繁多。
法国是宫廷古典主义芭蕾和浪漫主义芭蕾的起源和中心，芭蕾曾一度繁荣。1581年由路易十四王后亲自上演的《皇后喜剧芭蕾》是世界芭蕾史上第一部较为完整的芭蕾舞剧。并且，法国国王路易十四在执政期间成立了世界上第一个芭蕾舞蹈学校;制定了世界上第一套芭蕾奠基性的、规范教材并沿用至今，这套教材的历史作用为芭蕾这门学科的研究工作开辟了康庄道路。
在法国，18世纪的欧洲启蒙运动对芭蕾的发展产生了重要的影响，启蒙运动时期，法国芭蕾充满着革新思想，反对把芭蕾视为仅供贵族消遣的娱乐方式，提倡芭蕾要反映现实，表现生活，要富有社会内容和教育意义，于是，“情节芭蕾”在法国产生。在法国政府的高度重视和充足的资金保障下，法国的芭蕾从文艺复兴开始到19世纪下半叶一直处于欧洲芭蕾的中心地位，19世纪末浪漫主义芭蕾衰落，法国的芭蕾艺术一蹶不振，芭蕾的`中心由法国转入俄罗斯。直至20世纪初佳吉列夫俄罗斯芭蕾舞团在巴黎的成功演出，才又使得法国各地的芭蕾演出活动开始复苏，有一次促进了法国芭蕾艺术的发展。
法国的芭蕾气质高贵、强调动作的雅致，具有五大特点：
1、舞姿华丽优雅、动作轻盈纤细;
2、手形美丽柔和、技术高超潇洒;
3、舞艺高超、擅长戏剧表演;
4、以文雅、流畅、轻盈、细腻著称;
5、讲究舞蹈艺术感、以妩媚闻名于世。
尽管俄罗斯人不是芭蕾的原创者，但他们在极大程度上丰富了这一艺术形式，世界上很多国家都借鉴俄罗斯芭蕾的模式。俄罗斯的舞蹈文化特点主要表现在专制制度下对现实主义的追求、不屈不挠地俄罗斯精神。
俄国的芭蕾注重戏剧性情节，舞蹈动作大气而刚毅，具有以下五大特点：
1、发扬俄罗斯式的平稳、优美和动作自由、宽广的风格;
2、作品充满了人道主义思想和深刻的内涵，对情感的表达极为真诚;
3、戏剧性很强，富有强烈的艺术感染力，艺术风格热情、豪放;
4、动作质朴、适度、柔和;
5、演员技术全面、能力强，擅长各种大的跳跃和复杂急速的旋转。
丹麦芭蕾有着悠久的历史，其风格的形成与丹麦独特的文化氛围、独特的欧陆地域风情、浪漫的安徒生童话等等有着密不可分的联系。丹麦芭蕾自1559年问世以来，在法国宫廷芭蕾的影响下，经历了几个朝代后，于费德列三世时期达到了顶峰。在丹麦，芭蕾艺术即受到群众的喜爱，又得到政府的有力赞助，从而使它成为了世界古典芭蕾的六大学派之一。
丹麦的芭蕾注重动作的轻盈、演员脚底下的功夫极为细致而灵敏，具有四大特点：
1、动作中十分注重身体的稳定和四肢的协调;
2、完美灵活的脚下动作使男演员舞姿优雅、女演员动作轻盈;
3、舞剧创作中将古典芭蕾、浪漫芭蕾和丹麦民间舞蹈相结合;
4、在训练中十分注重对跳跃和击打技术的练习，其弹跳十分轻巧，创造了一种流畅而又轻巧的风格。
芭蕾正式进入英国是20世纪二三十年代，当时正是俄罗斯芭蕾的黄金时期，在俄罗斯演员巴甫洛夫和佳吉列夫的影响下，英国人对芭蕾舞剧产生了浓厚的兴趣，建立了大型的舞蹈团体，并在上世纪60年代开始，英国芭蕾走向成熟并在国际上被普遍承认和广泛传播。站在这样一个高起点上，再加上英国具有的丰富的文化资源，特别是莎士比亚的喜剧以及别具特色的英国神话故事，为芭蕾在英国的发展提供了肥沃的土壤，并且当时有相当一批才华横溢、富有创造性的编导，以上诸多原因是英国芭蕾以惊人的速度发展壮大。
英国的芭蕾精致、细密、动作流畅，其特点有以下几点：
1、脚部动作灵活，手臂动作柔和;
2、注重舞姿的线条和舞蹈技术的质量;
3、动作非常优美、规范、细腻;
4、女演员舞蹈艺术感觉非常好，男演员“直立”很好，旋转十分漂亮。在世界芭蕾舞界英国学派可以说是独具特色、演技高超、自成一派。
由于法国大革命，一些著名的法国演员为了躲避战乱来到美国，从1820年之后，在美国的舞台上出现了足尖舞，自此，芭蕾舞开始在美国扎根。而美国公众真正认识芭蕾是从1912年巴甫洛娃访问纽约开始的，自20世纪30年代起，美国芭蕾舞进入了一个硕果累累的黄金时代，并逐渐成为芭蕾大国之一，形成那个了世界公认的美国芭蕾学派。
美国的芭蕾起步较晚，是芭蕾的后起之秀，它富于创新、形式多样、动作敏捷、灵活、富有生气，其特点有以下五点：
1、作品及动作具有独特的生命活力很清新爽快的风格;
2、注重女演员的中心地位，女主角一般都经过精心挑选，体型很瘦、腿和脖子纤长，经过训练以后，可以完成快速的旋转和完美而刚劲有力的腿部动作;
3、具有显著的“交响芭蕾”特色，舞剧创作中，编导巴兰钦以自身高深的音乐修养，融入了美国的乡土音乐，使美国芭蕾学派的舞剧具有显著的“交响芭蕾”特色;
4、以“速度”和“稳定”著称;
5、据有典型的现代风格。
扩展资料：
芭蕾舞形式
1、一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的足尖鞋用脚趾尖端跳舞
2、舞剧最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾（或古典舞剧）。20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。
3、在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。
芭蕾舞角色
古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式，经由艺术总监、编舞、舞者、灯光音响、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。
如果对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成：
1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲coda双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。
2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。
3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。
芭蕾舞标志
用脚尖站立的芭蕾舞女演员。在观众看来，用脚尖跳舞轻松愉快。女演员脚上那粉红色的芭蕾舞鞋是那么优美高雅，让人想起这是一项崇高的艺术。但是，实际上，用脚尖跳舞十分困难。那些献身芭蕾舞艺术，探索其奥秘的人并不愿意把秘密公布于众。如果揭开芭蕾舞鞋的秘密，似乎芭蕾舞之谜也就不复存在。
芭蕾舞鞋能够承受的巨大的荷重可以跟足球鞋承受的荷重相提并论，其关键在鞋尖。鞋尖不仅柔软，而且具有相当大的安全系数。即使跳起时鞋尖断裂，女演员保证不会残废。
俄罗斯著名的“格里什科”公司生产的芭蕾舞鞋从非洲到墨西哥，在三十多个国家受到欢迎。
芭蕾舞鞋鞋尖用生产紧身胸衣的面料，例如缎子缝制而成。“格里什科”的专家得出结论，芭蕾舞鞋最合适的颜色——桃皮色，既不刺激观众，又能安抚女演员本人，而不是通常许多国家的那样——粉红色。
芭蕾舞鞋鞋尖的最大奥秘在于使女演员得以用脚尖跳舞的“鞋盒”。“鞋盒”藏在鞋尖里。“鞋盒”实际上是一种硬套，套住脚趾和一部分脚面。“鞋盒”不用木头、塑料、软木等材料，而由6层最普通的麻袋布或其它纺织品粘合而成。“格里什科”公司拥有胶粘剂的专门技术，让鞋尖既不太硬，又不太软，也不易折断。
鞋尖手工缝制，然后连同“鞋盒”里面朝外同鞋的其余部分缝到一起。之后，鞋匠把鞋尖翻回来，用小锤把“鞋盒”弄平顺。当没有不平的地方后，让鞋在硬物上直立起来，看看能否保持平衡。最后，让舞鞋在摄氏50度的条件下晾干，存放在室温下。一双芭蕾舞鞋准备好了！一双芭蕾舞鞋的寿命短得令人遗憾：上场演出2-3次。“格里什科”舞鞋的记录是大剧院的独舞女演员娜杰日达·格拉乔跟基特里合作，在芭蕾舞剧《堂吉诃德》里跳了9场。
为了适应不同高度的脚面，芭蕾舞鞋总共有3种型号：“瓦加诺瓦”、“埃利塔”、“富埃捷”。每种型号又分17种尺寸。此外，每种尺寸又有5种肥瘦情况。任何一个女演员可以从厚薄、大小、肥瘦不同的255种鞋中，挑选适合自己的理想的鞋。尽管如此，为了让鞋更适合自己的脚，每个女演员各有高招：一些人用小锤敲打鞋，另一些人用门挤压鞋，还有一些人用五花八门的东西垫进“鞋盒”里……
俄罗斯芭蕾舞女明星叶卡捷琳娜·马克西莫瓦娅承认，在没有足够选择的年代里，每推出新剧目，她都要花费整整一天时间来让脚适应舞鞋。
还有一件事没有提到，每个女演员通常亲自动手给舞鞋缝上小丝带。通向舞台的道路打通了！
至于男演员，穿所谓的软鞋——在外行看来跟普通的布鞋差不多。其生产工艺跟女演员的当然无法相比，但也有自己的精致之处。软鞋分两种：整鞋底和分鞋底。分鞋底由两部分组成：鞋前部和脚后跟。正是鞋前部让男演员的脚穿在里面舒舒服服，自由自在。
舞鞋的绑法也很有讲究：通常是把丝带先在腿上绑两圈再系蝴蝶结。由于表演时不可以绑丝带，所以演员们在上台之前，都要把鞋带绑得很紧。
浅谈芭蕾基础训练在形体教学中的作用
论文关键词：芭蕾训练 形体教学 论文摘要： 芭蕾的基本功训练是形体舞蹈训练的基础，目的在于塑造学习者的优美体态和高雅气质，解决身体的柔韧性、协调性、灵活性。在给学生进行专业形体训练的过程中，运用其科学、合理、全面的教学方法，能够帮助芭蕾基础训练学习者达到塑造优美体态、优雅的气质以及树立良好的审美情趣，对于提高自身专业艺术修养和形体塑造具有重要的作用。 芭蕾艺术从最初到如今已经有500多年的历史了，其随着历史长河的积淀具有深厚的文化底蕴。在其发展的过程中经过世界几代舞蹈艺术家和舞蹈教育工作者的不懈努力，现如今已发展成为了一门科学的、合理的、全面的芭蕾舞基础训练体系。芭蕾的基本功训练是形体舞蹈训练的基础，目的在于塑造学习者的优美体态和高雅气质，解决身体的柔韧性、协调性、灵活性。在给学生进行专业形体训练的过程中，运用其科学、合理、全面的教学方法，能够帮助芭蕾基础训练学习者达到塑造优美体态、优雅的气质以及树立良好的审美情趣，对于提高自身专业艺术修养和形体塑造具有重要的作用。 一、有利于发展学习者身体的柔韧和力量素质 学习芭蕾基训对于学生的柔韧、力量要求颇高。它对姿态、形体有着直接的影响。良好的柔韧和力量素质是完成芭蕾基训技术动作和提高动作质量的'基础。随着形体训练的难度的增加其跳跃、平衡、柔韧四大类动作中都需要柔韧、力量得以完成，对于专业形体训练其地位是最基础的也是极其重要的。 （一）柔韧性 在这里我们提到的柔韧性指的就是身体“软度”。在进行芭蕾基础训练的过程中对于学习者的身体柔韧度是有一定要求的，它关乎到舞姿是否优美与延伸。所以在进行形体训练的过程中首先最应该打好基础的就是学习者的身体柔韧练习。 柔韧的好坏是由人体的各个关节在进行运动时拉开幅度大小所决定的。它有先天与后天之分，先天指的是骨结构。每个人都有自己不同的骨结构，这个是从遗传角度上来说，是具有定性的，在进行形体训练过程中这个是不易改变的。后天指的是关节周围关节囊的紧密程度和韧带数量的多少以及关节周围的肌肉和软组织的体积大与小。其中关节囊紧和多者柔韧性相对差些，肌肉和软组织体积大着柔韧度不好，而这些是可以通过芭蕾基础形体训练而改变的。 芭蕾基础训练是靠肌肉内在的对抗力来完成的，芭蕾基训的基本训练内容为开、绷、直、立，其具有提高身体柔韧度与收缩肌肉纤维的功能，使身体各部位发展均衡。在通过把杆训练过程中，能够有效地发展学习者的腿部、躯干部位的柔韧性、力量和平衡能力，借助把杆进行慢动作和分解动作练习，能够使髋、膝、踝的柔韧性和屈伸能力得到改善。 （二）力量 什么是力量呢？在进行专业芭蕾形体训练时要求的力量是指的哪些方面？力量是指学习者的身体或身体某部位用力时反应出来的非自然肌肉形态，它具有迅速的使肌肉收缩、提拉或紧张。在进行芭蕾基础训练时，最基本要求就是开、绷、直、立。其中的绷、直与立是力量训练的基础核心，所以我们在形体训练教学过程中通过擦地、蹲、踢腿、半脚尖等练习起到增强腿部与膝关节的支撑力量及立腰的能力和腹部肌肉收缩的力量。从而达到学习者良好的身体形态保持，太高学生的力量、速度与控制力，对于较难动作易于掌握，稳定地完成动作。 二、有利于形体塑造 芭蕾基训对学习者塑造优美体形具有重要的作用，经过长时间正确而规范的把杆练习，能够经常刺激腿部肌肉与胸背部的肌肉从而使学习者的腿部、臀部肌肉上收、下肢拉长、重心升高，使腿部及臀部线条优美。以及增加胸背部的肌肉线条的拉长感，使学习者上身挺拔。 芭蕾基础训练在进行各种把上把下小组合的训练过程中，从而达到协调全身肌肉、端正体态，对改善学习者身体形态有着重要的作用。其动作组合能把上手臂和腿部、腹部和背部、头部动作充分的有机结合，从而达到塑造形体的效果。 例如：在芭蕾形体基训中的把一位蹲为例。首先要做到脚底外开一位站好，小腿、膝盖、大腿、臀部、腹部肌肉收紧上提，同时上半身保持直立。在进行下蹲制造动力时，以膝盖为动力带动胯部朝脚底一位的位置呈一字缓缓外开，注意肌肉的收紧，当下蹲达到极限的时候，再缓缓膝盖外开收回一位直立，全程肌肉都是一种紧张与收紧状态。此训练对学习者塑造优美腿形和增加腿部肌肉延伸的感觉和力度具有重要的作用。 三、有利于培养学生动作的准确性 芭蕾基础训练有利于培养学习者的反应判断能力、塑造优美体态、提高动作美、韵律美的表现能力。在进行形体训练的舞蹈动作时，从始至终都贯穿着动作的正确空间方位、韵律幅度、反应速度等要求。在完成规定的动作时，只有动作准确、节奏合理才能体现出美感来。各种优雅的静态姿势和各种敏捷协调的动态动作迅速做出反应并准确的贯穿在单个动作和成套动作之中，达到举手投足规范化。 以（前阿提久）舞姿教学为例，老师首先示范，学生模仿学习。要求主力腿直立或半蹲，动力腿向前抬起呈90度，小腿与大腿间的距离夹角保持在大约135度，膝盖处的关节要略微弯曲。在这里需要让学生注意的是膝盖处的关节一定要高于胯的关节，脚尖至少与胯关节保持在一个水平线上，使学生迅速做出反应准确摆出舞姿。 四、有利于形体动作要领的掌握 芭蕾基础训练不仅能培养学习者规范化的身体姿态，而且能有效地发展腿部、躯干部位的柔韧性、力量和平衡反应能力，借助把杆进行慢动作和分解动作练习，能够培养肌肉的延伸感觉，有利于掌握技术细节，建立正确的动作概念。 在进行芭蕾训练过程中，学生站立的某个舞姿，不论全脚掌还是半脚尖，老师都需要提醒学生做到脚趾平放，整个脚或半脚尖紧紧地吸附在地面上，用力往下踩。引导学生想象自己就好比就是一颗大树，而学生自己的的脚好比就是大树的根，寻找一种深深向下扎根的感觉，半脚尖直立时要把重心放在前脚掌。身体其他部位的肌肉要收紧向上提起，感觉头顶有一根绳子在把自己用力提起。使脊椎一节节向上拉开，感觉空气可以从中穿过。身体的中段的位置向上提，而两侧下沉，让学生自己感觉到有一种上提下拉的对抗力把自己拉长。
舞蹈的开题报告范文
开题报告是学位论文的一个总体规划和设计，是学位论文工作的重要环节，下面是我搜集整理的舞蹈的开题报告范文，欢迎阅读参考。
论文题目： 浅谈芭蕾舞剧天鹅湖中群舞的功效
(一) 天鹅湖的创作背景
一部芭蕾史，上下五百年。在这漫长的历史中，《天鹅湖》是自15世纪文艺复兴以来芭蕾艺术的集大成者。同时，它也是当今世界上改编版本最多、演出场次最多、观众人数最多、传播范围最广的一部芭蕾舞剧。《天鹅湖》因其如泣如诉的爱情童话、诗情画意的舞蹈段落、沁人心脾的交响音乐、圣洁典雅的天鹅形象，代表着古典芭蕾的最高成就。
在世界芭蕾舞蹈的历史中，俄罗斯芭蕾起步较晚，而且看起来好像是被统治者作为一种“先进的白色文化”，强行从西欧引进一样的不情愿。不过，俄罗斯人一旦建树起自己在文化艺术方面的精神家园，就充分地体现出本民族特有的大气磅礴、凝重深厚、气势昂扬、热情四射的意蕴，更开创出一片崭新的天地。尽管迟至16世纪初才形成统一的俄罗斯国家，1721年才定名为俄罗斯帝国，1922年才由15个加盟共和国组成苏联，但是他们左顾右盼、东西借鉴的外国遗产更为丰富多彩，发扬自己民族传统的精神更为执着，作为世界大国的霸气在文艺方面体现得更为强悍。不管从哪个层面上来看，俄罗斯的文化艺术都发育得非常健全，其中的芭蕾艺术，尤其是古典芭曹，颇为令人瞩目。
(二) 天鹅湖的发展历程
芭蕾舞是西方文化艺术皇冠上一颗璀璨的明珠，一部芭蕾史，上下500年。在灿若星辰的经典剧目中，古典芭蕾舞剧《天鹅湖》可以说是家喻户晓。从古典芭蕾到现代芭蕾经过了一百年时间的洗礼、社会的变迁，审美需求的变化，《天鹅湖》也发生了巨大的改变，一部是古典的经典之作，一部是现代的惊人作品，它们同样经历了百年发展与变化，让人们从中看到了一百年间芭蕾发展、变化的轨迹。
“古典芭蕾”是芭蕾发展史上的“鼎盛时期”，在舞蹈技术、编导技法以及演出形式等方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段。《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等舞剧的产生，成就了一批芭蕾人才和经典作品。芭蕾舞剧《天鹅湖》，故事取材于德国古老的童话，作品经过多次改编，直到1895年，在俄罗斯杰出的音乐家柴柯夫斯基和编导彼季帕与伊万诺夫的共同努力下，终于散发出惊人的光彩。剧中强烈表现的生与死、善与恶、信任与背叛的主题与音乐融洽地交织在一起，互相辉映。终于成为了世界芭蕾舞经典的、最具代表性的剧目。
20世纪初，当“古典芭蕾”在俄罗斯达到鼎盛时期后开始下滑时，其内部有一批不满于保守现状的精英们开始摩拳擦掌。他们在自己的国家无法实现芭蕾改革的种种理想，只能随着俄国芭蕾经纪人谢尔盖佳吉列夫，以“俄国芭蕾舞团”的名义向巴黎进军，用大批清新别致的新作品，为整部芭蕾史开拓出了一个“现代芭蕾”的崭新纪元。
英国动画冒险舞蹈团于1996年推出新编舞剧《天鹅湖》，由清一色的男演员出演所有的天鹅。此剧一经推出就在伦敦引起轰动，之后陆续在美国洛杉矶和纽约等地上演，其新颖的构思、充满阳刚和活力的表演一下子抓住了成千上万的观众的心、演出盛况空前，经久不衰。马修伯恩的《天鹅湖》可以说是最大胆、最出格的一个版本。这个新编舞剧表现现今时代的故事，天鹅全部是男性担任，音乐虽然是柴柯夫斯基的原曲，但人们所熟悉的古典芭蕾人物形象已荡然无存，呈现在观众眼前的是全新的现代城市背景。
这出《天鹅湖》上演后引起了巨大反响，在几年里获得了英国和美国的无数奖项，新版《天鹅湖》能够取得如此巨大的成功最主要的原因在于保持了音乐的精髓。伯恩保留并发挥了经典《天鹅湖》成功的秘诀，那就是对天鹅形象的抽象化，只穿羽毛短裤的男舞者裸胸赤足，用健美的肢体来表达“天鹅”的神韵。即使有这番标新立异，它仍然在情节上尊重原创，在情感上忠实于音乐，是一出不折不扣创新版的《天鹅湖》。
男版《天鹅湖》的幕布设计得颇为别致，幕布上画着“Swan酒吧”的砖墙，看上去十分厚重，然而灯光一打便立时成为透明薄纱。而原剧中群天鹅优雅舞蹈的竖琴音乐，在男版《天鹅湖》中用一群天鹅休憩的片段。灯光变暗，刚才气势汹汹攻击王子的天鹅们已经安静下来，进入梦乡;王子登场，望着无垠的月色，美丽的天鹅，完全心醉神迷。
女版的'《天鹅湖》“鲜明的仙凡场面”与男版《天鹅湖》的舞美相比则是另一个看点。故事发生的地点，服装和布景的色彩，不同幕次间的基调和节奏诸方面，均富于鲜明的对比。其中的一、三幕都是宫廷场面，前者是花园，后者是舞会，都是火红热闹、充满人间烟火气的现实世界;二、四幕是天鹅湖畔，都是朦胧月色下扑朔迷离的虚幻世界。灯光设计上，通过高科技的手段，更加渲染了对比鲜明的仙凡场面，使宫廷的华美舞会场景与天鹅湖畔朦胧凄美的场景转换更加炫目。
经过了一百年的洗礼《天鹅湖》发生了巨大的变化，这不仅印证了时代的变迁，同时也证明芭蕾舞编导的创编思维的进步。如果说彼季帕和伊万诺夫的《天鹅湖》是19世纪末的一个经典之作，那么英国编导马修伯恩的男版《天鹅湖》就是20世纪末一个颠覆经典的“经典”。与以往的女版《天鹅湖》相比，马修伯恩的《天鹅湖》是当下时代背景和社会环境下的必然产物，他顺应了时代的发展与审美的变化。这也是推动芭蕾发展的必要因素之一。作为又一新版的《天鹅湖》，马修伯恩的《天鹅湖》是成功的，它没有“古典芭蕾”原有的那份与生俱来的高雅，也没有那过于迷人的古典童话故事。他突破了华丽而又代表着纯洁的芭蕾服饰，赤裸着上身，把一切都放在了现代的故事背景中。从1885年到1996年，一百多年来芭蕾史的辉煌可谓是璀璨不灭的，经典芭蕾舞剧《天鹅湖》无论是在世界其他国家还是在中国都是观众耳熟能详的作品。女版《天鹅湖》可以说是第一个成功的版本，也是古典芭蕾的经典之作。然而在百年之后，马修伯恩的新编之作男版《天鹅湖》的成功更加说明了《天鹅湖》这个剧目本身对观众的吸引力以及观众审美需求的变化，马修伯恩的《天鹅湖》可以说是现代社会和文化的必然产物。“天鹅”的成功变身和剧情的大胆设计让观众的眼前一亮，耳目一新。两版《天鹅湖》的成功不仅仅是证明了芭蕾的发展，还更加说明了当代社会人们思维和需求的变化与进步。
(三) 本课题的研究对象
群舞是一种舞蹈形式，一般指3人以上表演的多人舞。从表演的性别上可分为男子群舞、女子群舞和男女大群舞，从内容构成上可分为情节性群舞和抒情性群舞，群舞也可以是一个独立的舞蹈作品。而笔者的选题是芭蕾舞剧《天鹅湖》中群舞的功效，其中还包括了舞剧段落的分析以及芭蕾的发展史等等研究。笔者之所以会选择《天鹅湖》这部舞剧，是因为这部舞剧对笔者来说意义非凡，笔者第一次观看天鹅湖全剧时是在中专二年级的时候，老师带着我们到北京大学百年纪念礼堂，观看中央芭蕾舞团演出的《天鹅湖》，那时的笔者还不清楚芭蕾舞剧到底是什么概念，只是知道“四小天鹅”就是芭蕾舞，穿着脚尖鞋立起来就是芭蕾了。而当笔者真正观看了《天鹅湖》全剧时，笔者就被他深深吸引，一直到今天《天鹅湖》
仍然是笔者最喜欢的一部舞剧。就算是不从事艺术的人，对于“天鹅湖”的名字也算是如雷贯耳了，虽然真正看过这部舞剧的人没有多少，但是这足以证明它在人们心中的地位，“天鹅湖”就是芭蕾的代名词。本文主要研究第二四幕中的群舞。
(四) 本课题的框架和研究方法：
本文绪论将是研究的背景，其中包括了芭蕾舞蹈史，对于天鹅湖作品的简单介绍，分析芭蕾舞的特定审美等等。文章的主轴部分主要是对于天鹅湖中二幕和四幕的群鹅舞段和三幕中的代表性的舞段等等群舞舞段进行分析，分析的内容将包括：群舞的作用，群舞舞段的动作设计，动作的细节和表现力，舞段在全剧中所处的地位等方面，通过这些分析得出群舞舞段对于整部舞剧诗意氛围的构成，丰富舞剧风格元素等方面的功效。本文主要采用科学分析法对文章进行研究。
结语
在19世纪的芭蕾舞剧史上，1895年首演于圣彼得堡的《天鹅湖》可谓达到了辉煌的顶峰，同时又开启了20世纪世界芭蕾历史的崭新篇章。原因不仅仅在于这个版本留下了许多优秀的舞蹈片段，还因为在整个20世纪里，所有致力于芭蕾舞剧《天鹅湖》复排、改编的编导们都以它为基础:或是发扬光大，或是背道而驰，或是把它的成功经验同现代的编舞技法联系起来，从而为整个世界大舞台，创造出一道又一道的美丽风景。凭借更新的观念和独特的创意，1895年版的《天鹅湖》无可争议地成为古典芭蕾的扛鼎之作、舞蹈艺术的至尊经典。即便是在对它大肆批评和完全否定的年代里，人们也无法抹杀它对《天鹅湖》史、芭蕾舞史所做出的卓绝贡献。因此，1895年不仅是《天鹅湖》的重生之日，也使全世界每一位芭蕾观众能对它耳熟能详、如痴如狂。
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世界上任何一门艺术都有它自己的规律。比如，你要简单地了解什么叫角球、越位、点球等才能大致看明白现代足球的比赛。看多了，爱看了，就会逐渐从外行变为内行，甚至变成一个真正的球迷了。要学会欣赏芭蕾艺术，同样也要多少了解一些芭蕾基本知识，多看几场演出，或多听一些录音，多看一些录像，那样你也可能会成为芭蕾舞迷。那么芭蕾到底有哪些基本特征呢？这里我们可以把它们简单地归纳为开、绷、直、立、轻、准、稳、美八个字，这八个字可以说是每个芭蕾演员的基本功，是必须掌握的技巧，也是我们欣赏芭蕾外在和内涵美时必须明白和了解的要领。开是指腿的外开性，也就是要把腿从大腿根处向外转开到最大限度。这既是芭蕾的基本美学特征，也是人们从人体构造出发逐步研究出来的科学成果。人的腿向外转开后可以大大增加它的空间活动范围，能做出在正常情况下根本做不出来的许多动作。在正常情况下腿只能抬到90°，芭蕾中有五个脚的基本位置，它们都是以上开为前提的。 因此许多芭蕾演员“染上”了一种职业病，走路有点像卓别林，脚向外撇，呈大八字。 绷是指要绷脚，最好使脚面能凸出来，以增加脚形的美和脚的表现力。同时绷脚的练习能增加脚腕关节的力量和灵活性。比如在跳跃动作中两只脚在离开地面时都要绷得非常直，非常尖，使整条腿的线条显得非常漂亮，非常流畅。这与体操和跳水运动员的脚的要求是一样的。
芭蕾艺术是集舞蹈、音乐、文学、戏剧、美术等于一身的综合性艺术。下面我为您收集整理了 芭蕾舞 的鉴赏论文，喜欢的朋友们可以看看哦!
要学会欣赏芭蕾艺术，同样也要多少了解一些芭蕾基本知识，多看几场演出，或多听一些录音，多看一些录像，那样你也可能会成为芭蕾舞迷。那么芭蕾到底有哪些基本特征呢?这里我们可以把它们简单地归纳为开、绷、直、立、轻、准、稳、美八个字，这八个字可以说是每个芭蕾演员的基本功，是必须掌握的技巧，也是我们欣赏芭蕾外在和内涵美时必须明白和了解的要领。
开。是指腿的外开性，也就是要把腿从大腿根处向外转开到最大限度。这既是芭蕾的基本美学特征，也是人们从人体构造出发逐步研究出来的科学成果。人的腿向外转开后可以大大增加它的空间活动范围，能做出在正常情况下根本做不出来的许多动作。比如，在上身保持与地面垂直的情况下把腿向旁抬到
而在正常情况下腿只能抬到90°，芭蕾中有五个脚的基本位置，它们都是以上开为前提的
因此许多芭蕾演员“染上”了一种职业病，走路有点像卓别林，脚向外撇，呈大八字。
绷。是指要绷脚，最好使脚面能凸出来，以增加脚形的美和脚的表现力。同时绷脚的练习能增加脚腕关节的力量和灵活性。比如在跳跃动作中两只脚在离开地面时都要绷得非常直，非常尖，使整条腿的线条显得非常漂亮，非常流畅。这与体操和跳水运动员的脚的要求是一样的。
直。是指主立的腿(支撑腿)和伸出的腿(动力腿)的膝盖要伸直。换句话说是把两条腿的肌肉拉长到最大的限度。以芭蕾最常见的舞姿——第一阿拉贝斯克为例 右腿支撑腿)要尽量向外转开，膝盖伸直，左腿抬到后面90°，也要尽量向外转开，膝盖伸直，伸直膝盖主要是为了使芭蕾中的许多舞姿达到舒展、长线条、完美的视觉造型。这里所说的伸直，还可参阅第二、三、四阿拉贝斯克舞姿的插图，
立。是指身体要直立、挺拔，并把身体重心准确地放在两条腿或一条腿的重心上。要求演员收腹、展胸，绝对不能撅臀部或驼背。演员身体形态或身体重心的不正确都会影响各种舞蹈动 作和技巧的准确完成。
轻。是指跳舞要轻盈、自如。比如在做跳跃动作时，推地和落地最好不要听到什么声音。同时舞起来要轻松自如，即使演员很用力、很累，也尽量不要让观众看到和感觉到。
准。是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求。比如芭蕾中手臂的移动是有严格规定的路线的。即使在做高难度的技巧时也要求演员的手臂严格按规定的路线走动，绝不能乱了方寸，乱动胡挥。又如芭蕾男演员经常做的空中转两圈 的技巧，它要求演员从准确的五位起跳，完成空中720°转体后又要准确地落到五位上。这也就是我们常说的做动作要干净、准确。
稳。是指动作要做得稳健扎卖。比如芭蕾中有许多旋转动作要求演员在旋转时保持好稳定性，结束旋转时也要稳稳地停在一个舞姿上。如果演员转动时东倒西歪，停的时候也没有停稳，那这个旋转动作不但不是美的，而且是失败的。又如女演员需要经常在单腿脚夹舞姿上停一会儿，那么如果她还没有停稳就掉下来，也会破坏观众美好的印象。
美。是指跳舞要美，一举一动，每个舞姿造型，每个动作的过程都要美。芭蕾是时间和空间的艺术。它既像时间艺术——音乐那样受时间的制约，又像空间艺术——雕塑那样占有一定的空间。同时它又是一种视觉艺术，有很强的观赏性。因此可以毫不夸张地说芭蕾是一门对美要求最高的艺术，也是人类迄今所创造的最美的艺术。要在最美的艺术中达到比较高的境界当然不是一件轻而易举的事。从这个意义上来说芭蕾也是一门非常残酷的艺术。人们一般都认为跳舞很开心，蹦蹦跳跳，轻松快活，实际却不然。由于芭蕾对演员的身体要求很高，所以选材非常严格。我国的芭蕾专门学校一般招收
9～11岁的孩子入学，要求他们身体匀称、细长、头小、颈长，软度好，外开性好，脚面高，四肢长，腿形漂亮，臀部小，外貌可爱，漂亮等等。甚至要了解他们的父母身材高矮、胖瘦来作为预测学生今后成长的参考。即使每年在全国范围内的招生也很难找到20个理想的苗子。
芭蕾是技术性很强的艺术
任何艺术都有它自己的技术、技巧，然而芭蕾的技术、技巧被世人公认为难度最高，也是最难练的。比如芭蕾女主角经常要完成的原地
32个挥鞭转。她在单腿脚尖上要连续转32圈，另一条腿要连续做32次挥鞭似的动作。在转的过程中脚尖着地面积只比5分的硬币稍大一点，而且一点也不能移动地方，还要做得很规格，很美。这个技巧的难度之大可想而知了。
芭蕾的技术、技巧包括旋转技术、跳跃技术、脚尖技术、控制技术、双人舞托举技术等。一个出色的芭蕾舞蹈家要全面掌握这些技术，同时还须具备很高的艺术素质，如音乐感、舞蹈感、表演感，不能只顾技术而忘了艺术，也不能强调艺术而没有技术，在完成高难度技巧时还不能留有紧张的痕迹，这实在是很难很难的。我们在欣赏芭蕾舞时也可以注意到演员完成技术、技巧的熟练程度和水平，并依此来评价他们技术和艺术素质的高低。很显然，如果演员做动作失误多，那么他的技术水平不过硬，或者演员动作完成得很好，但跳得很木，又不会表演，那么他的艺术素质就比较差，缺乏艺术细胞。这些问题一般观众在欣赏中是比较容易发现并做出正确的判断的。
芭蕾是一门多媒体和综合性的艺术
芭蕾艺术是集舞蹈、音乐、文学、戏剧、美术等于一身的综合性艺术。这在很大程度上能帮助我们欣赏和理解它。许多芭蕾舞剧是根据文学名著或神话故事、传说改编的，而这些文学名著或故事大家也都比较熟悉。因此观众较容易看懂这些舞剧的戏剧情节。即使是自己不甚熟悉的舞剧，演出之前在剧场一般都可以买到节目单或说明书，我们只需花三五分钟看看说明书也就可以大致了解舞剧的内容。
另外，舞剧的布景和灯光也可以帮助我们了解剧情发生的环境和时间。比如，剧情是发生在茂密的森林中还是在美丽的花轩里，是在舒适的家中还是在硝烟弥漫的战场上，是在清晨还是在深夜，是现代还是古代等等。演员的服装和 化妆 也能提示我们人物形象是中国人还是外国人，是王子还是农民，是黛玉还是鸣凤等等。而舞剧音乐中各种人物的主题旋律和情绪变化，更是能为我们提供丰富的感性材料，启示我们更深刻地理解剧情的发展、人物的情绪起伏变化和他们之间的关系。《天鹅湖》中的王子有他自己的音乐主题旋律，白天鹅奥杰塔也有她自己的音乐主题旋律。当我们听到这些旋律时就会知道他们即将出场。而这些主题旋律时而温柔抒情，时而焦急不安，时而高亢悲壮。通过这些变化我们就能捕捉住主人翁内心情绪的变化，把握住戏剧情节的脉络。又如《天鹅湖》第四幕中有一场叫《风暴》。作曲家通过急速起伏的音乐创造出风暴的氛围，舞台上的布景和灯光更增添了这种危急的气氛，有如我们置身于天鹅湖畔的暴风雨之中与王子和奥杰塔一起经受一场严峻的考验。这样通过视觉和听觉的各种感受，我们便能更加深刻地理解和体会这一悲剧性的场面。
正因为芭蕾是一门多媒体的、综合性的艺术，所以，从某种程度来说它与音乐、美术相比就更容易理解和欣赏。因此，我们的青年朋友大可不必把芭蕾视为一种高深莫测、神秘飘渺的艺术望而却步。
芭蕾是长于抒情拙于叙事的艺术
任何事物，包括艺术都有它的长处和短处。芭蕾(包括其他舞蹈)是最能表现情感、善于抒情的，但它又是最不能直接表现某种思想或者直接叙述一个故事的艺术。比如我们无法用舞蹈直接说出“我热爱自己的祖国”这一极简单的思想，而只能通过舞蹈把对故乡土地的眷恋，对祖国山山水水、一草一木的深情间接地表达出来。这也许是人们在欣赏它时会感到有些吃力的原因。我们每个人在欣赏芭蕾时就如同听音乐、看戏剧、读文学作品那样，也都可以来参与它的创作过程。一个芭蕾作品首先要由 编导 进行创作，即经过一度创作。舞蹈演员要通过排练和演出在实现 编导 意图的基础上进行二度创作。而当编导和演员把作品展现在观众面前时我们便进入三度创作阶段，即在接受从舞台上传递的信息的同时借助于自己的生活 经验 感受和想像力尽情地自由发挥。重要的在于参与，重要的在于你得到了一次艺术享受、美的熏陶和精神上的满足。我们用不着强求自己成为一个无所不知的芭蕾舞迷，不过我们也相信只要你能多看几次芭蕾舞就一定会迷上它，因为芭蕾是最美、最崇高、最富有魅力、最能让你心旷神怡的艺术!
一、舞蹈音乐段落结构和舞蹈段落结构关系分析 舞蹈和音乐虽然是两种不同的门类,但是在其发展过程中呈现诸多的相似性,即两者在段落结构等方面存在一定的关联性。舞蹈音乐段落结构的设置主要是为了促进乐思及形象的表达,不同的音乐段落结构能够从不同的角度来表达相同的主题,并使得主题的表示形式呈现多样化。而舞蹈段落结构的不同也有助于舞蹈内容的表现,使其展现出一定的情感,从而深化了舞蹈的内涵。 二、舞蹈音乐旋律结构和舞蹈旋律结构关系分析 所谓的旋律是指舞蹈或者音乐表现过程中,作者以流动的时间形态来展现出来的自身的情思或感触,这种情思或者感触最终以音乐的高低起伏、音程的跳动而产生的音乐线条形式得到体现。为此,旋律是情感的表现形式,表现出了创造者的心情状况。同别的情思表现形式相比,旋律的表现形式具有一定的抽象性,并不能通过具体的含义来体现,而是通过五声、七音或者十二序列音乐曲表现。也正是因为这种原因,使得舞蹈创作者能够充分发挥艺术想象能力,通过不同的舞蹈形式来展示音乐的情思,使得两者能够相互呼应,形成一个完美的情思表现体。 舞蹈音乐给舞蹈创作所带来的动力效果主要可以通过三方面来表达:首先,音乐可以作为一种基本节奏和旋律伴随舞蹈始终,这种形式的关系是音乐烘托舞蹈表演全程,使得舞蹈能够有良好的表现主题,并从始至终引领着舞蹈的发展变化;其次,舞蹈创作可以把音乐作为主要对象,通过音乐来获取舞蹈的内容。这种形式的关系是舞蹈以音乐为基础,并以音乐的情思为舞蹈的表现情思,两者在表现主题上是一致的;最后,舞蹈家们可以通过音乐来获得创作灵感,展示音乐所激发的自我情感。音乐和舞蹈的这种关系是当前很多舞蹈创作的形式,编舞者根据音乐带来的情感启发,创造符合音乐心境的舞蹈内容,从而具有较强的感情基础。根据上述情况描述,在舞蹈创作旋律方面可以总结为下述几个形式:一是演绎形式,即在音乐十分流畅的情况下,让编舞者随之翩翩起舞,舞蹈内容随着音乐节奏的变化而呈现相应的发展;二是对抗的形式,即脱离舞语,创造出同舞语相对的具有对抗性的形象语言,最后使得配合后的音乐和舞蹈形成一种鲜明的对比效果,这种形式的舞蹈创作旋律具有很强的表现感,能够从对比的形式实现主题的凸显;三是对话的形式,即把音乐仅且当作一种烘托舞蹈的角色,然后有目的地配合舞蹈动作,让舞蹈可以充分的单独展现,这种形式的舞蹈创造是以音乐为起子,启发下一步舞蹈的发展方向,具有较强的连贯性;四是忽略的形式,即音乐和舞蹈彼此单独展现,互不干扰,这种形式的舞蹈旋律创造需要具备较强的情思,能够有效地将舞蹈和音乐区别开来,从而实现彼此的独立;五是变化式,即通过另一种舞语来代替原本音乐所阐述的某种舞语,最终来获得某种特别的效果,但是最终不管是哪一种方式,都是想通过音乐旋律来推动舞蹈所展示的情绪,最终又展示旋律的意义,获得旋律和舞蹈之间最协调的合作方式,完美地将舞蹈作品表现出来。三、舞蹈音乐和舞蹈表演情感布局关系分析 舞蹈的结构往往很大程度上受到舞蹈音乐情感布局的影响,舞蹈音乐情感布局将直接影响舞蹈表演者期望表达的内容、hlin's Lemma which was originally (cf [18]) proved for bi-measurable aperiodic automorphisms T of a Polish space X is a basic tool in ergodic theory. It states that for an automorphism of the above type which is respect to a Borel probability measure /& any r~ c N+ and any e > O, one can find a measurable set R ( a so called (r; of A TER。 。TERremainder,e) Rohlin set) such that, for ] 0, 1, ..., r; 1, the sets T JR are pairwise disjoint and exhaust X with exception set whose mass is smaller than e. In particular, Rohlin's Lemma is indispensable for the canonical construction of generators. S情绪以及相关的表演时间和顺序,除此以外,也关系着段落结构跟主题思想。一般的群众自娱自乐性舞蹈,从整体而言,除了段落结构并不复杂外,整个舞蹈也只呈现一种情绪,所以它所呈现出来的情感是比较单一的,而仪式类舞蹈,情感的布局往往紧紧的配合仪式内容,舞蹈的情绪将随着仪式的变化而随之变化。比如逢年过节时候展现的节庆舞蹈、一些民间流行的驱魔舞蹈等等。从舞蹈音乐和舞蹈表演的情感布局的复杂程度来看,舞蹈表演的情感布局深受音乐结构复杂程度的影响,一般而言,如果遇到音乐结构比较复杂的作品,舞蹈内容通常情况下也会随之变得相对丰富多彩,时而欢快时而忧郁,时而温柔时而激情,情感也相对而言比较丰富,它通常在舞蹈段落和段落之间,体现出一种特别的或是对比的情感,这也使得舞蹈表现呈现出较大的情感起伏,给观赏者以强烈的感官刺激。一些具有剧情的舞蹈和舞剧往往情感都呈多线索发展,除了段与段之间呈现变化发展外,同一段落也会夹杂着不一样的情感线索,特别是在交响性舞剧当中所展现的对比性尤为强烈,一般在创作舞蹈音乐的时候,往往会采用一些旋律的走向、和声的色彩、节拍的切割、音色的搭配、调性的转换和空间的创意因素来形象和帮助所要展现的音乐的情感内容。而当舞蹈音乐结构比较单一的时候,舞蹈表演内容和形式也趋于简单,简单的音乐结构背景下不大可能衬托复杂的舞蹈表演,否则将会使得音乐和舞蹈表现呈现出较大的反差,让观赏者觉得表现形式不一,主题不一致等反面效果。为此,舞蹈表演的情感布局要根据音乐结构的复杂程度来进行,不能一厢情愿的分割开来,使得两者不能实现协调和统一,最终破坏舞蹈的表演观赏性。
古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式，经由艺术总监、编舞、舞者、灯光音响、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。如果对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成：1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲 (coda）双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。
一、舞蹈形象：以舞蹈艺术为手段塑造的人物形象动态形象，技人体的姿态、造型，步法等动作借助音乐、舞台美术、化妆、服饰等艺术因素产生的具有欣赏价值的视觉效果。具有可视性、流动性的审美性的特点，是舞蹈欣赏过程中被感知、认识的主要对象和体现舞蹈艺术审美价值的主体。
二、舞蹈表情：根据现实生活中人的心理活动和流露表情的习惯特点，经过提炼和艺术加工，用不同的舞蹈形式加以概括并表现出的喜怒哀乐等内心情感变化。除了与动作相协调的面部表情外，有节奏的动作、姿态、手势和造型，亦可产生富有艺术感染了的舞蹈表情。
三、舞蹈动作：舞蹈艺术的基本表现手段。源于对人类情感动作和自然界各种动态事物的模仿。主要包括：1、单一动作，即以人体某一部位为主动，其他部位静止或随动的动作；2、复合动作，指人体各部位在同一时间按照一定的顺序、规格作出的动作；3、动作组合。一般指以训练舞蹈技巧为主要目的，有两个以上单一动作或复合动作按一定顺序、方向、速 度和幅度上的结合与变化组成的连续性动作滑步、屈伸、踢腿、跳跃、旋转等等。
《芭蕾教学法 》巴景侃 《西方芭蕾史》
你可以找这个。 《中国舞蹈史》作者：王宁宁，江东，杜小青等 讲述了多元发展的中国古典舞二、从“希望”中崛起的中国现代舞三、对人性的张扬与表达 请采纳
俄国芭蕾吸收了意大利、法兰西和丹麦三大学派的精华，在本国民族文学艺术的民主主义传统的基础上，结 合俄罗斯演员的形体特点，创立了俄罗斯芭蕾教学体系。在这个体系的创立阶段，约翰松和切凯第作出了杰出的 贡献。约翰松（ 1）人物简介原籍瑞典，1841年起担任彼得堡马利亚剧院的主要演员，以舞蹈洒脱、动作风格优美而著称。：1869年起专 门从事教学工作。在俄国进行表演活动达20多年之久，长期观察分析过俄罗斯演员和学生，所以能准确地抓住 俄国学生的特点，加上他是布农维尔的高足，熟悉丹麦学派，具备为俄罗斯学派奠定基础所必不可少的条件。（ 2）主要成就培养出盖尔特、尼•列加特、克舍辛斯卡娅、普列奥勃拉仁斯卡娅、巴甫洛娃等著名舞蹈家。彼季帕也常常 到他的班上进修，并从他的练习组合中汲取养料，用于自己的编舞实践中。（ 3）主要思想反对意大利学派片面追求高难动作的纯技术观点，但仔细借鉴吸收他们的舞蹈技巧，充实自己的课堂教学 内容。既反对把示范变成强制学生仿效的模式，而又强调教师必须亲自示范。（ 4）教学法特点对学生因材施教，要求极其严格；在发挥学生的天生优异条件的同时更加注意克服他的缺陷，培养他摆脱舞台上的任何困境的能力；把技术当作表现手段而不是目的本身.经常改进教学方法和创造性地对待教学。为了保持学生的鲜明的个人特色，往往不惜放弃古典学院派的严格规范。课程类型多样，不重复。切凯第（1） 人物简介幼年在意大利佛罗伦萨舞蹈学院学习，老师是勃拉齐斯的学生列普利。1870年进入“拉•斯卡拉”剧院。 以后又到过丹麦、荷兰、挪威、德国、奥地利等国。1892年被聘为马利亚剧院的排练者，后又兼任教师。他还 曾与彼季帕和伊凡诺夫合作，编导《》第一、三幕的舞蹈。（ 2）主要成就1911-1921年他担任佳吉列夫芭蕾舞团的教师兼排练者，对西欧芭蕾的复兴起了很大的作用。好几代俄罗斯芭蕾演员，其中包括巴甫洛娃、卡尔萨文娜、瓦冈诺娃、里法尔、莫尔德金等都出自切凯第 的门下。（ 3）“切凯弟体系”切凯第结合实际情况专门为俄国学生制定了一套很有特点的教学法，后来由英国舞蹈理论家西里尔•波蒙 特和伊济科夫斯基合作整理，1922年在伦敦刊印出版，书名是：《按照切凯第方法讲授古典戏剧舞蹈的理论与实 践的教材》，这就是通常称之为“切凯弟体系”的标准教科书。该体系的特色是对芭蕾主要动作进行分类、系统地整理，对每一个动作的性格和规格要点作出了比较细致 的讲解。直到现在，这项工作仍在进行，切凯第体系对英国乃至世界古典芭蕾有着巨大的影响。
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芭蕾艺术是集舞蹈、音乐、文学、戏剧、美术等于一身的综合性艺术。下面我为您收集整理了 芭蕾舞 的鉴赏论文，喜欢的朋友们可以看看哦!
要学会欣赏芭蕾艺术，同样也要多少了解一些芭蕾基本知识，多看几场演出，或多听一些录音，多看一些录像，那样你也可能会成为芭蕾舞迷。那么芭蕾到底有哪些基本特征呢?这里我们可以把它们简单地归纳为开、绷、直、立、轻、准、稳、美八个字，这八个字可以说是每个芭蕾演员的基本功，是必须掌握的技巧，也是我们欣赏芭蕾外在和内涵美时必须明白和了解的要领。
开。是指腿的外开性，也就是要把腿从大腿根处向外转开到最大限度。这既是芭蕾的基本美学特征，也是人们从人体构造出发逐步研究出来的科学成果。人的腿向外转开后可以大大增加它的空间活动范围，能做出在正常情况下根本做不出来的许多动作。比如，在上身保持与地面垂直的情况下把腿向旁抬到
而在正常情况下腿只能抬到90°，芭蕾中有五个脚的基本位置，它们都是以上开为前提的
因此许多芭蕾演员“染上”了一种职业病，走路有点像卓别林，脚向外撇，呈大八字。
绷。是指要绷脚，最好使脚面能凸出来，以增加脚形的美和脚的表现力。同时绷脚的练习能增加脚腕关节的力量和灵活性。比如在跳跃动作中两只脚在离开地面时都要绷得非常直，非常尖，使整条腿的线条显得非常漂亮，非常流畅。这与体操和跳水运动员的脚的要求是一样的。
直。是指主立的腿(支撑腿)和伸出的腿(动力腿)的膝盖要伸直。换句话说是把两条腿的肌肉拉长到最大的限度。以芭蕾最常见的舞姿——第一阿拉贝斯克为例 右腿支撑腿)要尽量向外转开，膝盖伸直，左腿抬到后面90°，也要尽量向外转开，膝盖伸直，伸直膝盖主要是为了使芭蕾中的许多舞姿达到舒展、长线条、完美的视觉造型。这里所说的伸直，还可参阅第二、三、四阿拉贝斯克舞姿的插图，
立。是指身体要直立、挺拔，并把身体重心准确地放在两条腿或一条腿的重心上。要求演员收腹、展胸，绝对不能撅臀部或驼背。演员身体形态或身体重心的不正确都会影响各种舞蹈动 作和技巧的准确完成。
轻。是指跳舞要轻盈、自如。比如在做跳跃动作时，推地和落地最好不要听到什么声音。同时舞起来要轻松自如，即使演员很用力、很累，也尽量不要让观众看到和感觉到。
准。是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求。比如芭蕾中手臂的移动是有严格规定的路线的。即使在做高难度的技巧时也要求演员的手臂严格按规定的路线走动，绝不能乱了方寸，乱动胡挥。又如芭蕾男演员经常做的空中转两圈 的技巧，它要求演员从准确的五位起跳，完成空中720°转体后又要准确地落到五位上。这也就是我们常说的做动作要干净、准确。
稳。是指动作要做得稳健扎卖。比如芭蕾中有许多旋转动作要求演员在旋转时保持好稳定性，结束旋转时也要稳稳地停在一个舞姿上。如果演员转动时东倒西歪，停的时候也没有停稳，那这个旋转动作不但不是美的，而且是失败的。又如女演员需要经常在单腿脚夹舞姿上停一会儿，那么如果她还没有停稳就掉下来，也会破坏观众美好的印象。
美。是指跳舞要美，一举一动，每个舞姿造型，每个动作的过程都要美。芭蕾是时间和空间的艺术。它既像时间艺术——音乐那样受时间的制约，又像空间艺术——雕塑那样占有一定的空间。同时它又是一种视觉艺术，有很强的观赏性。因此可以毫不夸张地说芭蕾是一门对美要求最高的艺术，也是人类迄今所创造的最美的艺术。要在最美的艺术中达到比较高的境界当然不是一件轻而易举的事。从这个意义上来说芭蕾也是一门非常残酷的艺术。人们一般都认为跳舞很开心，蹦蹦跳跳，轻松快活，实际却不然。由于芭蕾对演员的身体要求很高，所以选材非常严格。我国的芭蕾专门学校一般招收
9～11岁的孩子入学，要求他们身体匀称、细长、头小、颈长，软度好，外开性好，脚面高，四肢长，腿形漂亮，臀部小，外貌可爱，漂亮等等。甚至要了解他们的父母身材高矮、胖瘦来作为预测学生今后成长的参考。即使每年在全国范围内的招生也很难找到20个理想的苗子。
芭蕾是技术性很强的艺术
任何艺术都有它自己的技术、技巧，然而芭蕾的技术、技巧被世人公认为难度最高，也是最难练的。比如芭蕾女主角经常要完成的原地
32个挥鞭转。她在单腿脚尖上要连续转32圈，另一条腿要连续做32次挥鞭似的动作。在转的过程中脚尖着地面积只比5分的硬币稍大一点，而且一点也不能移动地方，还要做得很规格，很美。这个技巧的难度之大可想而知了。
芭蕾的技术、技巧包括旋转技术、跳跃技术、脚尖技术、控制技术、双人舞托举技术等。一个出色的芭蕾舞蹈家要全面掌握这些技术，同时还须具备很高的艺术素质，如音乐感、舞蹈感、表演感，不能只顾技术而忘了艺术，也不能强调艺术而没有技术，在完成高难度技巧时还不能留有紧张的痕迹，这实在是很难很难的。我们在欣赏芭蕾舞时也可以注意到演员完成技术、技巧的熟练程度和水平，并依此来评价他们技术和艺术素质的高低。很显然，如果演员做动作失误多，那么他的技术水平不过硬，或者演员动作完成得很好，但跳得很木，又不会表演，那么他的艺术素质就比较差，缺乏艺术细胞。这些问题一般观众在欣赏中是比较容易发现并做出正确的判断的。
芭蕾是一门多媒体和综合性的艺术
芭蕾艺术是集舞蹈、音乐、文学、戏剧、美术等于一身的综合性艺术。这在很大程度上能帮助我们欣赏和理解它。许多芭蕾舞剧是根据文学名著或神话故事、传说改编的，而这些文学名著或故事大家也都比较熟悉。因此观众较容易看懂这些舞剧的戏剧情节。即使是自己不甚熟悉的舞剧，演出之前在剧场一般都可以买到节目单或说明书，我们只需花三五分钟看看说明书也就可以大致了解舞剧的内容。
另外，舞剧的布景和灯光也可以帮助我们了解剧情发生的环境和时间。比如，剧情是发生在茂密的森林中还是在美丽的花轩里，是在舒适的家中还是在硝烟弥漫的战场上，是在清晨还是在深夜，是现代还是古代等等。演员的服装和 化妆 也能提示我们人物形象是中国人还是外国人，是王子还是农民，是黛玉还是鸣凤等等。而舞剧音乐中各种人物的主题旋律和情绪变化，更是能为我们提供丰富的感性材料，启示我们更深刻地理解剧情的发展、人物的情绪起伏变化和他们之间的关系。《天鹅湖》中的王子有他自己的音乐主题旋律，白天鹅奥杰塔也有她自己的音乐主题旋律。当我们听到这些旋律时就会知道他们即将出场。而这些主题旋律时而温柔抒情，时而焦急不安，时而高亢悲壮。通过这些变化我们就能捕捉住主人翁内心情绪的变化，把握住戏剧情节的脉络。又如《天鹅湖》第四幕中有一场叫《风暴》。作曲家通过急速起伏的音乐创造出风暴的氛围，舞台上的布景和灯光更增添了这种危急的气氛，有如我们置身于天鹅湖畔的暴风雨之中与王子和奥杰塔一起经受一场严峻的考验。这样通过视觉和听觉的各种感受，我们便能更加深刻地理解和体会这一悲剧性的场面。
正因为芭蕾是一门多媒体的、综合性的艺术，所以，从某种程度来说它与音乐、美术相比就更容易理解和欣赏。因此，我们的青年朋友大可不必把芭蕾视为一种高深莫测、神秘飘渺的艺术望而却步。
芭蕾是长于抒情拙于叙事的艺术
任何事物，包括艺术都有它的长处和短处。芭蕾(包括其他舞蹈)是最能表现情感、善于抒情的，但它又是最不能直接表现某种思想或者直接叙述一个故事的艺术。比如我们无法用舞蹈直接说出“我热爱自己的祖国”这一极简单的思想，而只能通过舞蹈把对故乡土地的眷恋，对祖国山山水水、一草一木的深情间接地表达出来。这也许是人们在欣赏它时会感到有些吃力的原因。我们每个人在欣赏芭蕾时就如同听音乐、看戏剧、读文学作品那样，也都可以来参与它的创作过程。一个芭蕾作品首先要由 编导 进行创作，即经过一度创作。舞蹈演员要通过排练和演出在实现 编导 意图的基础上进行二度创作。而当编导和演员把作品展现在观众面前时我们便进入三度创作阶段，即在接受从舞台上传递的信息的同时借助于自己的生活 经验 感受和想像力尽情地自由发挥。重要的在于参与，重要的在于你得到了一次艺术享受、美的熏陶和精神上的满足。我们用不着强求自己成为一个无所不知的芭蕾舞迷，不过我们也相信只要你能多看几次芭蕾舞就一定会迷上它，因为芭蕾是最美、最崇高、最富有魅力、最能让你心旷神怡的艺术!
“当时自己觉得写出了自己的感受，现在一看觉得还是太俗了。不过还真的挺喜欢舞蹈的，大四了一定要选街舞课。”舞蹈，不仅仅是美化了的人体动作的艺术，更是超越了肉体和灵魂的美的欣赏。从小就很喜欢舞蹈，喜欢它所表现的特有的美感，柔美苍劲并具，优雅洒脱共存。一挥手、一抬足之间，已将人体升华到不可等闲视之的地步。没有哪一门艺术能像舞蹈这样直接，没有语言，却超越了一切语言，一个细微的动作就能表现出人物细腻的情感、深刻的思想、鲜明的性格。舞蹈，不是贵族的专利，也不是遥不可及的奢侈品，它是世界上不同阶层的共同体，是所有人类所能看到、所能想到的实体和情感的集合。它可以表现男版《天鹅湖》里面的皇室王子，也可以表现受人控制的悲剧木偶；他可以表现《木兰归》中代父从军的历史女英雄，也可以表现萋萋长亭惜别的寻常恋人。舞蹈，无所不包。它不拘于形式，也不受限于环境。有一整套严格的程式和规范的古典芭蕾，在西方被誉为舞蹈艺术皇冠上的明珠，它给人优雅的欣赏和崇高的品味；而反应不断叛逆、造反和独立行为的现代舞，又体现了人类对于自然的追求，处处流漏出感性的真实和人性的力量。课堂上欣赏的舞剧让我大大开拓了眼界，也使我对舞蹈的欣赏水平也得到了快速的提高。还记得看的那个中国舞者得了金奖的芭蕾舞，脚尖可立于人背上、肩上，甚至还可以立于人头顶而旋转，其技术难度和优美程度令人叹为观止；也还记得天鹅湖里面雄性天鹅拍动翅膀，强健给人以力度之感，而同时又不失优雅，相反，力度与柔美的结合能给观众以更大的视觉冲击，让人无法忘记那一幕。但是在看了那么多的舞剧里面最让我难忘的要算是大河之舞和王者之舞了，以前，我并不是很喜欢踢踏舞，但是大河之舞和王者之舞中细致而富有创意的编剧、恢宏的气势、和谐的布景、还有优美的舞姿让我深深地沉迷其中，可以说是这两部舞剧让我开始喜欢踢踏舞，也让我开始学着欣赏踢踏舞。在王者之舞中，迈克尔.弗兰德的精彩快速的舞步，不愧是舞王的风范。通过这门课的学习，我不仅欣赏到了很多非常难得的经典舞剧，让我的视觉得到了充分的冲击，也了解到了舞蹈在历史中的发展，以及舞蹈的分类等，让我对舞蹈有了理性上的大致把握。通过老师的理论讲解和舞剧的实际欣赏，我渐渐明白了古典舞、民间舞、现代舞、当代舞它们各自的特点，以及它们之间的联系和区别。而这些不同风格、不同形式的舞蹈，又共同构成了舞蹈的多元化，也正是由于不同舞种之间的借鉴与冲突，才使得舞蹈在编排上、形式上、甚至是欣赏的角度上一步一步地发展前进。譬如，芭蕾在经历了这么多世纪后依然被世人称赞，而之前它曾受到来自内容、思想和各方面的冲击，但是经过形式和编排随着历史而改进，以及它三百年精炼的技术体系的确具有相当实用和科学的训练价值，所以芭蕾现在而且将来都将被人们所欣赏。而反对僵化保守、倡导自由的现代舞，则在伊莎多拉.邓肯的裸足落地时步入了历史，现代舞的出现给舞蹈的发展打开了一个新纪元。正是由于这种种舞种之间的较量与权衡才使得我们现在能够欣赏到如此丰富多彩的舞蹈。舞蹈伴随着人类而诞生，也伴随着人类的发展而发展，我们应该从各个角度去欣赏舞蹈，因为舞蹈本身就是多元化的，只有这样才能够真正把握舞蹈的旋律。人体的美感，莫过于舞蹈，而艺术的至高点也莫过于舞蹈。舞蹈，从诞生之日起，便将人本身与艺术完美的结合在一起，给欣赏者以最真实最丰富的欣赏。而欣赏舞蹈也不仅仅是一个赏心悦目的过程，它也是一门艺术，欣赏者要不断提高自己的欣赏水平，才能在欣赏时通过舞者的一个细微的动作感触到他的悲欢离合和他的情怀。欣赏和被欣赏永远是一个不可分割的整体，喜欢一个舞蹈，我们可以点头称是，也可以拍案叫好，而那并不代表真正的欣赏，真正的欣赏是与舞蹈中人物的感情互相融合。在以后的生活中，我会不断提高自己的欣赏水平和理论水平，也会去欣赏更多更广的舞剧，让自己在感受舞蹈美感的同时，接受思想的升华。
芭蕾被人们予为是“足尖上的舞蹈”，通过足尖跳舞是这个舞种的特殊表现形式，也是芭蕾经久不衰的原因之一。而芭蕾舞中的旋转之所以精彩就是因为它是在半脚尖或脚尖上完成。这是对舞者综合能力的极大挑战。那么如何能完美的完成旋转是每个芭蕾舞者要解决的问题。本文针对这一问题，从多个角度分析并讲解如何做好旋转。尤其是对不同阶段舞者练习旋转时的心理进行了分析讲解，这是前人很少涉及的方面。希望本篇论文对舞蹈学习者能有所帮助。一、从运动生物力学和肌肉学分析旋转 舞蹈的动作技术是实现舞蹈运动的直接形式。在芭蕾舞的舞蹈动作技术领域里，动作技术主要有两大类，即旋转类和跳跃类，我主要研究的是旋转类。旋转是舞蹈基本训练中难度最大的一项技术。其中需要具备开度、立度、软度、控制力、协调性等等的身体综合素质。在学习旋转之前，我们一定要了解旋转的正确方法，并且学会运用正确的方法做转。可以说，正确的方法是做好转的诀窍，它会使我们的学习得到事半功倍的成效。在学习转之前我们必须先清楚做好旋转的几个重要环节： 1、稳定性要素 完美的平衡不是能够轻而易举地实现的。它是要通过运用正确的方法，经过长期的训练才可能达到的。一个芭蕾舞演员只有懂得正确运用身体的重心，才能摆脱重力之苦，技术才能更快提高。 人体平衡的稳定性是人体处于有限稳定平衡状态时，抵抗各种破坏平衡的作用而保持平衡的能力。也就是说：当人体所受“合外力为零”，“合外力距也为零”时，可以得到平衡，但维持平衡就要考虑该平衡的稳定性。 ① 支撑面 支撑面是由各个支撑部位的表面及它们所包围的面积。支撑面越大，物体的稳定性就越好。换句话说就是，我们在做转时我们的脚掌要充分的与地面接触，这样接触面积就会增大，因为只有重心落在支撑面内，身体才会保持稳定，才能获得好的稳定性。反之如果我们开始就把重点放到脚的某一点上就会出现身体向前、后、旁的倾倒。因此我们在训练时，要把上把下结合训练不要一开始就脱离把杆，这样即使能够站住但未必身体是直上直下，很可能是身体的某一部分松散与脚的支撑面形成一对对抗力而得到的暂时的平衡。这样的平衡通常不能保持多久并且无法保证旋转的质量。因此借助把杆我们可以找到最佳的立脚点，并保持身体正确的体态。当每一次能准确的立起时，在脱离把杆到把下练习。这样就能充分的利用我们脚上的有效肌肉增加与地面接触面积。 ②重心高度 从力学的角度说重心越底，稳定性越好。在舞蹈的角度分析此观点则要加一些限制就是不同的旋转对重心的高度有不同的要求。我们在做转之前要保持良好的稳定时首先要有良好的蹲，用蹲来调整我们的重心高度。因为在旋转时蹲一方面影响我们的重心;另一方面影响我们肌肉收缩的程度也就会影响我们旋转时的速度与力度。当旋转停止落地时缓冲主要是依靠髋、膝、踝各关节的屈伸来调节重心相对于支撑面的位置的高度，达到维持和恢复平衡的目的。因此在旋转之前良好的蹲的起范和旋转后蹲的收对稳定性非常关键。 人体整体的平衡是由各个局部环节的平衡来实现的，也就是说，人体平衡是靠肌肉收缩固定环节而实现的，肌肉力量是维持人体平衡的一个重要条件。因此我们在旋转时一定要特别注意背肌、腹肌、臀大肌、大腿肌。 二、动力性要素 旋转时，动力力量是向运动方向一边打开，另一边向运动方向推动，这就是旋转时用力的方向。切记一定不能只用身体的一边用力。只有同时用力才能保持身体的平衡才能协调身体。在转的同时我们还要明确什么是主要动力力量，什么是辅助动力力量。 1、主要动力力量 从人体肌肉学角度分析，人体的肌肉是附着在骨骼上的，正因如此，转的动力力量的根本在于身体的肌肉用力带动。转应该是一种自身的运动而非靠外部的力量。例如：我们在做四位旋转时(向左转)，左脚打开滑到后四位下蹲作准备。在主力脚立起的一瞬间，我们的腿部、腹部、背部的肌肉的有力收紧和气息的贯通就是我们旋转时的主要动力来源。但由于是舞蹈中的旋转他不同于其他运动所以为了旋转的美感和达到突显舞者的超凡技能。舞者还要依靠另一种动力就是辅助动力。 2、辅助动力力量 辅助动力是指我们在旋转时借助头、手臂、腿部打开的力量带动身体。这样可以增加旋转的速度、圈数。例如挥鞭转、旁腿转等都是借助辅助力量来达到圈数。还有一些复合式旋转通过手位的变换来给自身一个动力从而达到舞者想要的视觉效果。它之所以称为辅助动力而非主要动力是因为，过多的运用这些部位发力会导致力的分散和重心的偏离，特别是初学旋转时。开始我们还不能很好的控制身体的每个部分，头、手、腿的配合还不够准确。因此在练习时先不要为了追求圈数而用其他部位猛的带动身体要结合立、蹲和肌肉收紧的原理来完成转。当练习到一定程度各方面都有所提高时，我们可以先练习一些改变手位的辅助方式来增加旋转的难度。到高年级时随着发育的日渐成熟肌肉能力的日渐提高我们在开始练习一些高难度的转例如之前所说的挥鞭转、旁腿转、空转等。合理的运动辅助动力，势必会使旋转能力有一个质的飞跃。 三、舞姿的控制与连接要素 在旋转过程中，舞姿的控制和连接非常重要。良好的舞姿控制是做好旋转的基本条件之一。例如：鹤立式旋转。旋转过程中，身体重心应保持在主力腿上，半脚尖或足尖始终立起，不能随意落下。腿要始终保持后鹤立式，手臂舞姿不能随意落下。相同的还有在阿拉贝斯克舞姿上的旋转，后腿要一直保持在90度。在做这些旋转的过程中我们要注意手臂、腿的控制。这是影响旋转舞姿和连接的主要部位，在练习中要特别注意。